Esta es la opera prima de Julio Medem, del año 1992 con 96 minutos de duración y con un elenco que incluye a Carmelo Gomés (Manuel / Ignacio / Peru) (¡y no! no se trata de ningún personaje con desdoblamientos de personalidad), Emma Suarez (Cristina), Ana Torrent (Catalina), Txema Blasco (el abuelo Manuel), etc. (Y les aseguro que si supiera los nombres de las vacas los pondría aquí). Con música de Alberto Iglesias y fotografía de Carles Gusi.

Con esta película Medem llamó la atención. ¡Y de qué manera! Si bien, a su estreno fueron aproximada (y solamente) 150 mil espectadores esta película arrasó en premios:

Goya al mejor director novel, Distinción especial a la mejor opera prima en el Festival de Montreal, Premio especial de calidad del ICAA - Ministerio de Cultura, Gran Premio Cine Joven de Tokio a la mejor película (Medem tenía 33 años en 1992), Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Turín, Mejor Película y Fotografía (Carles Gusi) en el Festival de Cine de Alejandría y Trofeo Sutherland del British Film Institute a la “película más original e imaginativa”.

Condensando algunos de estos podríamos decir algo así como: Mejor Dirección de Mejor Opera Prima con Mejor Fotografía que se ha ganado el Trofeo (no feo) de “película más original e imaginativa” en 1992. ¿No?

¡Y es que, señores! ¡Que forma de empezar “oficialmente” una carrera! (al menos de cine de ficción).

La sinopsis consistiría en algo así como la historia de los Irigibel y los Mendiluce (dos familias vecinas y en apariencia, eternamente rivales) que va transcurriendo en una adaptación de época múltiple que incluye tres generaciones, dos guerras, un bosque y muchas vacas.

La cosa comienza (porque en algún lado tiene que comenzar…) en Guipúzcoa. Estamos situados en el año 1875 y después de ver a un leñador cortando leña nos encontramos dentro de una trinchera donde dos personajes se encuentran. Uno, el leñador que vimos en un principio es anunciado como “el mejor” en tal rubro, si bien podemos dudar un poco debido a que se lo presenta en “El Capítulo I” como un cobarde (y ya nos enteraremos por qué…).

Este “mejor leñador” y un “sargento” se encuentran. El sargento le pregunta al otro si sabe si ha nacido su hijo. Efectivamente, es varón, él y su madre están sanos. El otro con una gran alegría sonríe y la charla es interrumpida por las balas. El “padre” morirá.

La historia recorrerá distintas épocas y personajes enmarcados por la mágica mirada de la naturaleza… Vacas y Bosque serán elementos TOTALMENTE fundamentales en la forma de contar esta historia. Serán ellas los testigos oculares y pareciera que el punto de vista general de la película está dado por los “agujeros encendidos” de la memoria del bosque.

Pero en fin. Ya estoy contando cosas que alguien que no la ha visto no podrá entender de forma clara y lo aburrirán.

Podemos decir que la película está dividida en (¿) 5 (?) capítulos (si no me equivoco en el número) y es una obra que si bien implica una adaptación de época “múltiple” no tendrá nada de eso que a veces tienen las películas históricas: Naturalismo (y/o pretensión de tal cosa).

En esta obra ya se anuncia lo que se desarrollaría posteriormente en el cine de Medem. Poesía, Surrealismo, Realismo Mágico y una película totalmente personal narrada con una ingeniosidad y una cantidad de recursos cinematográficos que lograron llamar la atención del propio Kubrick.

Más allá de eso, aquí ya se esbozan las historias dentro de historias (de historias [de historias]) capaces de subvertirse; ir y venir de tal forma que los distintos agujeros servirán como “puentes conectores” de mundos entre realistas e imaginarios que viviremos (los espectadores) como la corriente de electricidad que viaja a través de los nudos de kilómetros de cables enrollados en una habitación: una montaña rusa de sensaciones, situaciones, colores…

El amor, las relaciones casi incestuosas que implican el deseo prohibido y siempre anhelado, la familia y sus vaivenes; la violencia (en especial y concretamente en esta película); la muerte como presencia constante y viva de la naturaleza, casualidades y encuentro (posteriormente Medem explotará más los “desencuentros” también ), etc.

Una película llena de colores y matices, con una cámara que va y viene como pelota de fútbol en el medio de una correcaminata… En fin: ¡Que me ha encantado! Que adoro a Medem y lo tengo que gritar (¡y que bien que está tratado el tema de los gritos en la película! el abuelo dirá, en algún momento algo así como “Cuando no se puede morir hay que gritar. ¡Gritar es digno!”), no puedo evitarlo.

Pocos (o casi ningún otro director) han logrado lo que este señor en mí (y se que en una buena cantidad de “fieles” [o no]) a su vez. Es más: Me encantaría algún día (aunque aún no) conocer a Medem darle la mano, charlar un rato y contarle también como he vivido su cine (y en especial: “Los Amantes del Círculo Polar“) y algunas de esas cosas “raras” que si bien pasan (y mucho) en sus películas… También en la realidad. Señor Medem: Si llega a leer esto le pido que se acuerde de mí.

Pero bueno, como verán, me siento tan implicado y “conectado” con el cine de este señor que ya paso a hablarle a él y no a usted… señor lector. Le pido disculpas por un lado mientras que por otro me/le pregunto ¿habrá alguna forma de poder ser más sincero? ¿No le dará esto a usted ciertos datos necesarios no sólo para evaluar la película sino el comentario?
Porque, aceptémoslo: De Objetivo… nada.

De cualquier forma. Hay algunas cosas que quería decir; que además me sorprendieron sobremanera:

1. El leñador corriendo en el bosque parece una referencia más que explícita a ese señor llamado Akira Kurosawa (otro de esos pocos directores que no sólo admiro “cinematográficamente” sino a los cuales les tengo un “cariño” muy grande…) y la primera parte de Rashomon. Además de ser (toda la película, en este caso) y en esa secuencia de la nipona: un “Gracias” a la naturaleza.

2. Los “diferentes mundos”, “los conectores”, el uso (IMPRESIONANTE!) que se hace de los sonidos y algunas tomas desde y en el pasto con una distancia focal realmente muy corta parecen remitir a David Lynch… y, de forma especial a su “Blue Velvet“.

3. Sin hablar de ninguna “referencia” a nadie: El efecto de las fotos. Puesto que un personaje es fotógrafo y después de abrir el obturador, dejar que la luz entre y la las sales de plata queden con una imagen fijada se coloca siempre en menos de un segundo “la foto” frente a nuestros ojos (en la película en sí) generando un efecto muy particular y haciendo un uso de la edición totalmente creativo.
Ahora que lo pienso… esto último me hace recordar a “Easy Rider” aunque el uso de la foto es distinto, claro.
Aunque no sepa, no me acuerde y no pueda captar les aseguro que hay más… hay mucho más.

¿De qué me había dado cuenta? Al estar escribiendo el nombre de este señor vi que (y, realmente, parecerá una tontería): ¡Es capicúa! Así como los nombres de los protagonistas de la película “Los Amantes del Círculo Polar”: Otto y Ana.

Era eso. Se que es chiquito y habrá alguien que este leyendo mientras piensa “¡Pero que escritor tonto! Hombre ¿No te habías dado cuenta de eso tío?” o, tal vez, sonriendo moderadamente como quien escucha un chiste que no da para carcajada pero alegra el alma; o tal vez simplemente pensando “¡¿Y a mi qué me importa?!”…

En fin, esta es una película que (como la filmografía del señor Medem) la recomiendo enfáticamente al espectador. Y, a usted señor Medem: Se la agradezco. Me alegro de que usted exista.

Para quienes no sepan nada de ella, Miranda July es una artista multidisciplinaría norteamericana nacida el 15 de febrero de 1974. Es escritora, guionista, dramaturga, directora, actriz, fotógrafa y música. Tiene una extensa trayectoria como puestísta de performances e instalaciones en Norteamérica y en algunas de las ciudades más importantes del mundo. También ha sido la directora de uno de los primeros cortometrajes seleccionados por Youtube para lanzar su nuevo producto: Una sala para que los cineastas independientes den a conocer sus obras, con la posibilidad de obtener regalías de la publicidad del propio sitio y agregar un link para vender copias en DVD.

Su primer paso en los largometrajes ha sido con el pie derecho, ya que Me And You And Everyone Whe Know ha sembrado premios en algunos de los festivales más importantes de la industria, como en el Festival de Cannes en 2005, llevándose entre otros galardones La Cámara de Oro, y en Sundance se llevó el Premio Especial del Jurado. Además, dicho festival, le dio a July en el año 2003, la posibilidad de terminar de escribir el guión en el marco del taller de escritura y dirección.

Me And You And Everyone Whe Know, es una película excelente. Plagada de personajes interesantes, con pequeñas historias y detalles. Es una típica película de mujer: Sensible, con una visión distinta, con la intención de ser diferente y con la seguridad de serlo.

July, pone ante nuestros ojos personajes con inconvenientes para relacionarse, como un émulo de la sociedad en la que vivimos. La trama avanza a fuerza de microrelatos. Pequeñas historias que se abren y se cierran en pocas escenas sin perder la unidad narrativa. Sin dejar de ser un todo. La película avanza y nos va llevando por las rarezas de estos personajes tan fuera de lo común, tan desorientados, tan necesitados de cariño, tan solitarios, que llega un momento en que queremos abrazarlos a todos. Es una película coral, es como una pequeña comunidad de personas solas, que no encuentran del todo su lugar en el mundo.

July interpreta el papel de Christine, una video-artista tímida y excéntrica, que se gana la vida conduciendo un auto para ancianos. Los lleva y los trae según sus necesidades. En sus momentos libres, en su apartamento, filma sus videos conceptuales con la esperanza que algún día sean exhibidos.

Por otro lado, está John Hawkes, interpretando a Richard. Un padre de dos hijos que acaba de separarse e intenta rehacer su vida. Trabaja como vendedor de zapatos en una gran tienda. Es ahí donde conoce a Christine.

Christine, se enamora casi instantáneamente de Richard e intenta por todos los medios llegar a él. Esta es la línea principal de la película, pero el relato se va abriendo, va dejando por momentos a estos dos personajes para darle lugar a otros, abre el juego y cuenta también las peripecias de los personajes que los rodean.

Dos niñas de 15 años que están con las hormonas a punto de explotar. El compañero y ahora vecino de John y sus intentos de seducción rozando lo ilegal. Los hijos de John y su relación con la tecnología, con su padre y su madre. La directora del centro de arte donde Christiane quiere exponer sus videos. Una vecinita de unos 10 años con una tremenda lucidez, la vida programada y fantasías de crecer. Todo esto, narrado de una forma tan sorprendente e inteligente que es un placer dejarse llevar por July y sus historias. Con ideas frescas y renovadoras. Con humor un tanto absurdo. Con escenas tiernas y otras un tanto desoladoras, como la del pececito naranja sobre el techo del auto o la escena en la que el personaje de July y el de Hawkes, caminan por una calle haciendo una analogía sobre la vida en pareja.

Lo sorprendente del trabajo de July, no solo es el tremendo guión o la acertadísima dirección, si no su actuación. La timidez, la extrañeza, la incertidumbre, la inseguridad, todo, todo eso pasa por su cara, su cuerpo y su voz a la hora de interpretar a su personaje. Una mujer enamoradiza, sensible, necesitada de afecto y contención, un poco extravagante.

El personaje de Hawkes, en cambio, es un tipo un poco más centrado, pero no mucho. Tiene dos hijos en su haber y la decepción de un matrimonio que no prosperó. Es un tipo necesitado de acontecimientos impresionantes, de que pasen cosas inesperadas, sorprendentes. Y se ve atrapado en un pequeño apartamento, intentando ganarse el amor de sus hijos y que estos dejen de verlo como a un ser extraño.

July se corre del lugar habitual del que podría tomar cualquier narrador. Ella elige contar las pequeñas cosas, elige lo que está un poquito más al costado. Se sale del centro para acercarse a los acontecimientos aledaños. Y todo eso junto da un resultado una película como esta. Las pequeñas cosas se convierten en increíbles bajo la cámara de Miranda July. Su capacidad como guionista no está posiblemente en una estructura narrativa sólida, como podemos ver en otras películas norteamericanas, su fortaleza radica en la inteligencia a la hora de elegir que contar, que seleccionar de la “vida” de estos personajes.

Pero cuidado. No es una película convencional. Creo que como toda obra de arte que intente diferenciarse genuinamente del resto, generará reacciones muy opuestas y no habrá medias tintas en esto. Estarán los que la odien y los que la amen con locura, como yo.

Hay algo que no puedo olvidar y que me pasa desde el día en que vi por primera vez esta película. Cada vez que suena mi teléfono, espero que del otro lado alguien diga: “Macaroni”. Si ven la película, sabrán de que les hablo. )) < > ((

La idea se forjó, en un principio en Mike Jagger. Que, pensaba en un principio, que se filmara en Río de Janeiro; en la playa frente a un millón de personas…

Los Stones se pusieron en campaña para conseguir a uno de “los grandes directores” y terminaron con uno de los más. Esto a mi me ha sido una sorpresa. Había pensado (incluso por como es abordada la película) que Scorsese había propuesto el proyecto a los Rolling Stones.

Parece que Keith Richards (a pesar de ese estado de aparente destrucción en que se lo ve, al menos en esos magistrales primeros planos del film) es un gran admirador del cine de Scorsese y ha dicho saber prácticamente enteros diálogos de algunas de sus películas.

La idea del Beacon Theater fue propuesta por Scorsese. Es bastante lógico si uno piensa en la consideración de que, cada concierto de los Rolling Stones era un espectáculo de por sí, filmado cada vez desde quién sabe cuántas cámaras en lo que ya, de por sí eran megaproducciones (puesto que si bien es grande… no es un teatro tan grandilocuente el Beacon).

Tomando en cuenta esto y, cómo podría sacarle más jugo de forma más cercana a su cine y sus inquietudes Scorsese propuso un show en el Beacon Theater.

Obviamente: Jagger estaba encariñado con la idea predecesora y le costó dejarla de lado. Richards estaba encantado, ya había tocado ahí, estaría el film a cargo de Scorsese y… y qué más se puede pedir?

Scorsese quería un lugar lo suficientemente grande para hacer un concierto; así como para tener las cámaras sin molestar demasiado y dejar que la espontaneidad y la energía fluyeran. Los Stones no querían ser molestados por las cámaras: era necesario grabar la espontaneidad y la energía propia que se irradia de forma natural en uno de sus shows.

La fotografía quedó a cargo de Robert Richardson, quien había trabajado con Scorsese en “El aviador” y había fotografiado “JFK“. La fotografía de estas dos fue premiada con Oscars. Encima tendría a su mando a Oscar John Toll (Bravehearth), Albert Maysles, Emmanuel Lubezki (Sleepy Hollow), Andrew Lesnie (El señor de los Anillos) y Robert Elswitt (Buenas noches, buena suerte) y Stuart Dryburgh (El piano).

Esto no es poco relevante, pues ya desde su título este documental nos avisa de alguna manera que uno de los temas va a ser la luz. Claro: Estrellas… O una luz que sigue brillando puede pensar uno.
Pero parece haber una referencia explícita y desde el título a este prodigio de la fotografía. Tal vez, Scorsese haya decidido darle más énfasis a este sabiendo que no se podría centrar tanto en “sus intereses” en sí.
Si bien, no quita esto que Scorsese sea un gran admirador de los Stones (cosa que se nota).
Tal vez, lo que diga a continuación les parezca a muchos fuera de lugar; pero yo creo ver aquí ciertos elementos en común con “Flamenco” de Carlos Saura. ¿En qué sentido?

El primero será evidente: Un documental donde se mezclan maestros desde el cine y la música. Además de la puesta en escena y la importancia de la fotografía.

Si bien aquí imperará el esquema y sistema de estrellas centrándose en los Stones. Además de que, desde un principio aquí se apunta mucho más a que todo se de con espontaneidad.

De cualquier forma, Scorsese ya tenía su experiencia con el rock: Ya había filmado El Ultimo Vals con The Band (haciendo rock country) y No Direction Home sobre Bob Dylan.
David Tedeschi, el montajista, había cumplido este mismo rol en No direction home. Logra dar, justamente una dirección y un pulso seguro, entretenido y genial; con el material que tiene filmado (que bien ha sido filmado a su vez…).

Los productores ejecutivos son los totalmente desconocidos Jane Rose, Charlie Watts, Ron Wood, Keith Richards y Mick Jagger. O sea, es claro que la propuesta sea la qué es si nos preguntamos de dónde viene el dinero.

Fue filmado el 29 de octubre y 1 de noviembre del 2006, en el Beacon Theatre de New York; aunque se presente y/o parezca que es un mismo show. De cualquier forma del cual más material se sacó fue del segundo día.

Casualmente, este segundo día, era el del cumpleaños de uno de los invitados: Bill Clinton. Con este elemento (y este señor, que presentará a los Stones) tenemos uno de los elementos más llamativos de la película.
Esto en el sentido de que, a ninguno de estos “rebeldes” (sabiéndose filmados) parece hacerle demasiada gracia tener que esperar cinco minutos para empezar debido a que los invitados del ex presidente de Estados Unidos llegarán algo más tarde.
De cualquier forma cumplen a la diplomacia, lo saludan, se sacan fotos con su familia y saludarán con gran respeto a su madre y a Hillary que también está por allí… ¿Pero no estaba peleada con Bill? Supongo que será eso que tienen los escándalos… Una vez que se han dado ya deja de importar lo que pase después. Además, claro!: Políticos.
A su vez otros invitados serán el niño bueno que constantemente trata de acercar su cara a la del señor de labios gruesos para salir con él en las fotos mientras hacen Lovin` Cup: Jack White.
También tendremos por allí a Christina Aguilera haciendo que nos dejé de importar por unos minutos si hace pop o qué, puesto que da todo lo que tiene con esa voz impresionante (le guste o no a uno la música que ella hace) y que sabe hacer un buen show. A su vez, parece que Mick se sobrepasa en parte con ella y así como el chico lindo se le quería acercar a él parecen estar las manos de Jagger en relación a la cantante. Al menos, parece…
De cualquier manera, el mejor de todos los invitados (casual y seguramente el de más talento y menos conocimiento general) será Buddy Guy que se come a Wood y Richards en la guitarra y en el show. Sus planos y el momento en que canta, harán de él, tal vez, el bocado más exquisito de este caro festín audiovisual.

En fin. Hablamos de una película documental y musical de gran talla. Que tiene unos primeros minutos impresionantes (en los que vemos los entretelones anteriores al show y las tensiones en planos que miran tanto a Jagger como a Scorsese) para luego hacer inmersión en lo que devendrá un típico concierto de los Stones.

Digo devendrá y no es, debido a que se nota que al principio los chicos están más tensos (o no tan sueltos, al menos) y el nivel del despliegue logra que no estén dando todo de sí. Lo bueno es que procesualmente se irán soltando para terminar en un show donde realmente transmiten toda su energía, espontaneidad y uno quiere aplaudir con el público el final de los temas.

Como puntos a favor tiene que logra meterse en la intimidad de las comunicaciones que se dan al momento de tocar con la banda (siendo, en realidad, la mejor la que implica a Mike Jagger y a la corista negra).

Un producto de alta calidad y gran talla que es específico para amantes de los Rolling Stones, de los clips o del virtuosismo en fotografía. Logra transmitir y hacer disfrutar, aunque cinematográficamente el principio y el final son lo más valorable.

Mientras tanto es una película que narra precisamente eso. El mientras tanto de los personajes. No alude a otra cosa que no sea el presente de la vida cotidiana. Las pequeñas cosas por las que pueden verse atravesados. Mientras Tanto, no es más que eso. Es lo que pasa mientras esperamos que llegue algo importante. Que en definitiva, es lo que vivimos. Vivimos en constante espera. Esperamos las vacaciones, el fin de semana. Esperamos que una mujer o un hombre, nos ame. Esperamos a cambiar de trabajo, esperamos a ganar más dinero. ¿Y que pasa mientras tanto?

Esta película es un cúmulo de pequeños relatos. Es una película coral, en la que las historias y los personajes se cruzan por cuestiones azarosas o forzadas. A fuerza de pequeños acontecimientos la película avanza, los personajes crecen, pero no tanto como para sentirnos identificados con ellos. Es lógico que en una película con tantos personajes pase algo así. Pero tampoco quiere decir que esté mal. ¿A caso debemos esperar siempre lo mismo de las películas? ¿Debemos sentirnos identificados con los personajes? ¿Tiene que haber un cambio espectacular en sus vidas? ¿Todo debe ser grandilocuente, o podemos conformarnos con pequeñas cosas, con acontecimientos casi mínimos por los que podría transitar cualquiera de nuestros vecinos o nosotros mismos?


Una mujer que viaja desde el interior del país a Capital Federal en busca de mejores posibilidades (Valeria Bertuccelli). Un ceramista que vive con su madre y tiene un perro llamado Victor (Sergio Boris). Una mujer con una hija, le pide un tiempo a su esposo para pensar si deben seguir juntos. (María Merlino) Un esposo al que su esposa le ha pedido un tiempo y tiene la posibilidad de viajar a España a probar suerte (Claudio Quinteros). Un artesano y proyectorista de películas para ciegos que no puede dejar embarazada a su esposa.

El relato comienza casi incompresible. Vemos una secuencia de fragmentos de escenas que van dando líneas confusas sobre el rumbo que puede tomar la película. La vemos a Eva (Valeria Bertucelli) viajando en tren. El transporte, si se me permite, más “estático” de todos. Sin bien se mueve, obviamente, va desde su lugar de partida a su lugar de destino sin desvíos. Nunca cambiará de recorrido, es un camino directo, una línea trazada desde un lugar bien definido a otro. No da la posibilidad de improvisar, siempre limitado por el recorrido que las vías le marquen. Y eso definirá, de alguna manera, el recorrido de estos personajes a lo largo de la película. Un viaje sin demasiadas variaciones, lo que no quiere decir que sea tranquilo y sin sobresaltos.

La historia de Violeta (María Merlino) comienza en una sesión de quiromancia en la que le dicen que tiene dos líneas de destino, y que algunas personas no tienen siquiera una. Si se quiere, también otra metáfora del recorrido de estos personajes. Esa necesidad de cambiar, de que el camino bifurque. De buscar un cambio aunque sea sin quererlo. De abrirse y posiblemente dejar atrás todo lo que se pueda para empezar de nuevo.
En otra escena, en la oscuridad de su habitación, en medio de la madrugada, la misma noche en que Eva está viajando en tren. Violeta despierta en medio de la noche y le pide a Mono (Claudio Quinteros) el tiempo del que les hablaba antes.

A estas dos historias se suma la de Sergio un artesano y proyectorista de películas para ciegos que no puede dejar embarazada Susana (Tatiana Saphir), su esposa.

Todo esto inteligentemente mezclado y cruzado. Incluso los extras y personajes secundarios se van metiendo en una y otra historia, que en definitiva, no deja de ser una sola, pero que en cada instancia, cada personaje tiene su propio peso y su propio camino. En ese sentido el guión no tiene desperdicio. Pero en la realización, la película pierde un poco de fuerza. Posiblemente por la falta de profundidad de los personajes. O por una visión bastante superficial de sus vidas.

Los personajes pasan por momentos difíciles. Pero esos momentos, no tienen la fuerza que creo necesaria para que de alguna manera el espectador se vea afectado. Para que esas peripecias sean lo suficientemente dramáticas como para sentir algo por ellos. Lastima, angustia, dolor, simpatía. Esto solo se consigue por momentos. Pero no los suficientes para un guión al que podría habérsele sacado un poco más de jugo. Haber explotado algunas situaciones realzando el dramatismo y las reacciones de estos personajes que no dejan de ser interesantes.

Las actuaciones son realmente destacables, especialmente las de Bertuccelli (como siempre) la de Claudio Quinteros (que aumentó unos diez quilos para este papel) y Sergio Boris (encarnando a un perdedor muy tierno que se las rebusca para vivir intentando no hacerle daño a nadie).

Según Diego Lerman en una entrevista, el trabajo del guión fue bastante exhaustivo. Pasó por varias correcciones hasta llegar a la versión que se filmó y trabajó mucho sobre la biografía de sus personajes. Pero fueron Violeta, Eva y Mono los que más fuerza tomaron par ser finalmente los que protagonizaron el relato. No se si la fuerza de la que habla Lerman en la entrevista podría traducirse como interesante, porque los personajes no dejan de serlo, pero la fuerza no la encuentro. Les falta desarrollo, profundidad y un poco de sustancia.

El mientras tanto de esta cinta es llevadero y disfrutable. No es una película compleja y tampoco exige mucho del espectador. Pero eso no la descalifica para pasar un buen momento, gozando de buenas actuaciones y escuchando diálogos en un perfecto castellano argentino.

1984

La película trata sobre dos inglesas que, en la década de 1920 viajan a la India. Adela es la prometida del hijo de la Señora Moore, quien vive en la India y trabajo como juez allí.
Ellas, al llegar, se encontraran con que es muy difícil conocer la India como tal desde el Club y la forma de vida Británica en lo que no considera, en apariencia, más que una colonia suya. El sentimiento de superioridad inglés estará presente durante todo el metraje y será uno de los nodos fundamentales de la trama.
Adela sobre todo tratará de conocer un poco más la India. Puesto que si llega a un país como tal y la llevan a ver un partido típico de polo, a tomar el té, o al teatro (todos bien ingleses) será algo difícil “conocer” realmente algo del mismo.

Así aparecerán y se justificarán en la trama dos personajes: El profesor Fieldieng y el Doctor hindú: Aziz. También aparecerá el hindú Goodbole, pero, hasta ahora, no he podido entender como se justifica la introducción (ni el estar, ni la salida) de este personaje en la película.

¿Sería acaso para que David Lean contara con Alec Guinnes en lo que probablemente sería su último trabajo? Puesto que Guinnes y Lean ya tenían su buena experiencia juntos (“Oliver Twist“, “El Puente Sobre el Río Kwai“, “Lawrence de Arabia“, “Doctor Zhivago“).

En determinado momento el Doctor Aziz, con quienes se establece una linda relación invitará a Adela y a la Señora Moore a un paseo por ciertos lugares de la India que incluyen unas extrañas cuevas.
Extrañas porque por un lado, durante toda la película se nos habla un poco de ellas (como que siempre quedamos con curiosidad después de algún comentario), por otro son un “lugar turístico”, por otro “ninguno de los ingleses que conocemos en el film ha ido” (lo que en realidad no extraña tanto) y porque también se nos dice que no tienen nada en especial ¿?!

Esto es extremadamente llamativo porque se hace de estas un elemento fundamental de la trama; pero de forma bastante confusa que nos hace realmente difícil saber a dónde va con esto. Incluso, después de haber visto la película, no tenga clara su significación/simbolismo.

Lo cierto es que allí ocurrirá algo que cambiará la historia y el timón virará en unos 93 grados (puesto que decir 180 sería excesivo y decir 360 sería decir que sigue por el mismo camino por el que venía…).

Lo cierto es que uno de los temas que hacen a la película es el del choque de culturas (británica e india).

A su vez, parece que la novela tiene como centro este conflicto; el cual, en la película se desdibuja un poco. Es más; se supone que la novela es muy superior a la película; además de ser más intimista y sólida en lo que quiere contar.

Y es que esta, si bien es una película de excelente factura técnica con toda la grandilocuencia propia de una producción de David Lean de alguna forma parece quedarse por el camino.
¿Por qué?

Personalmente tengo que decir que fui a verla esperando encontrarme con una obra que podía ser realmente impresionante. Encantado principalmente por “Lawrence de Arabia” y habiendo visto parte de la obra de Lean (aunque me sentí bastante decepcionado frente a “Doctor Zhivago”) esperaba encontrarme justamente con eso: Con una obra grandilocuente.

Ya desde el título la obra me prometía ser el abordaje de Lean de un magnificente choque de culturas. Puesto que si hay algo que ha caracterizado a su cine no ha sido solamente el gran uso y despliegue de masas; sino a su vez los “dóndes” de estos despliegues.

En fin, que yo estaba esperanzado (tal vez con simpleza e ingenuidad por mi parte) de encontrarme con una obra mayúscula, aunque no tan conocida de un señor que había sabido y logrado hacer impresionantes clásicos del cine del siglo XX.

A unos minutos de haber empezado la película me encontré justamente con esto: Unos despliegues en imágenes de militares, con impresionantes y monumentales locaciones atiborradas de gente tirando papelitos y festejando…

Este era el momento del desembarco de las protagonistas en la India.
El problema surge en que después de allí la historia se volvería mucho más intimista e “inactiva” hasta ese momento al cual ya me referí; que serviría como punto de inflexión. Ahí la película retoma su interés. Y no es nada menor lo que digo si estamos hablando de una película de 163 minutos (puesto que la grandilocuencia de la puesta en escena de Lean se suele transmitir, a su vez, a los metrajes de sus película).
El hecho es que en momentos la película se hace tremendamente “aburrida” y/o descriptiva. Y, cuando no se nos está hablando de nada en especial (o nada que podamos captar) esto puede ser un problema grave.

Redimensioné también esto debido a que hay algo en la película que nos ayudará a pensarla. En el punto de inflexión la Señora Moore gritará, despertándose turbada de una siesta, algo así como que “Es muy difícil vivir en un mundo sin Dios!”. En relación a esto podemos vislumbrar el punto que considero más importante y relevante del film.

Las personajes no parecen tener un rumbo demasiado fijo y, el tema de Dios, se hace patente de forma especial en la Señora Moore debido a la intuición de la presencia de la muerte. Además están, como los momentos más interesantes de la película los encuentros entre Aziz y ella; que no sólo tratan la presencia/ausencia de Dios; sino que, subrepticiamente, la de los fantasmas.

Lo que si me ha molestado en relación a esto (talvez, la línea narrativa que considero más relevante) es que parece aparecer en forma dispareja; sin un orden específico.

Por otro lado tendremos el factor de la joven Adela. Adela es todo una joven inglesa, que ronda los treinta años y va a ver si se casa con un hombre frente al cual, el acercamiento más grande que llega a haber (y toda la situación tiene cierta rareza) es un abrazo.

Adela en determinado momento saldrá a andar en bici y, precedida por una cultura que le/nos avisa sobre “algo que allí va a pasar” se encuentra con una serie de esculturas que parecerían, justamente, figuras sacadas del Kamasutra.

Esto genera un cierto efecto algo inesperado en ella, que no terminaremos de entender (si es que lo hacemos) hasta el final. Lo cierto es que, en este sentido aparece algo: la postura inglesa frente a los deseos, las pulsiones y la sexualidad; enfrentada a una cultura totalmente diferente.

Diferente, al menos en puestas en escena y locaciones. Puesto que Él personaje Hindú: el Dr Aziz estará bastante raro en varios sentidos (así como el resto de los personajes hindúes, a los cuales no nos llegaremos a acercar como tal). Por un lado: Admira demasiado a los británicos y no parece haber ningún hindú que llegue a tener un primer plano que no habla inglés. Por otro, el Dr Aziz concretamente es un personaje extremadamente “buenito” y “no creíble” (más aún con los últimos 30 minutos de película).
Junto al de Guinnes este personaje parecerá estar constantemente “Fuera de lugar”.

En fin; terminando les diré que esta es una película con verdaderos altibajos que podrá decepcionar a cualquiera que vaya con grandes expectativas. De cualquier forma no deja de tener una excelente factura técnica y exquisitez. Además de que es la despedida (a pesar de que murió 7 años después de terminarla) de un hombre que supo “vivir del cine” y “hacerlo vivir”.

Se me ocurre también que una especie de precursor de Lean podría ser Joe Wright y, antes que abordar una película de un director “clásico” que podría decepcionar bastante les recomendaría la obra de este joven que promete. Ya veremos…

¿Por qué era muy esperada? Porque en ella encontramos todo lo que deseamos en una película, o al menos la mayoría de los hombres, una chica hermosa pero además muy ruda, un asesino en serie, muchos asesinatos violentos, sangre por todas partes e incluso un poco de morbo.

No quiero que parezca una apología al crimen, pero ¿quien no ha disfrutado películas como Hannibal o incluso Hostel? Aunque creo que esta última en morbosa en demasía, pero así y todo nos ha causado una gran impresión a quienes la hemos visto.

Y Sexykiller tiene esa cuota de morbo necesaria para que los amantes de este estilo de películas quedemos completamente idiotizados ante la pantalla, y más aún cuando hablamos de Macarena Gómez en la actuación principal.

¡Cómo me gusta esa chica! Es impresionante la cantidad de pensamientos que me despierta y más aún luego de ver la película. Verla en diferentes escenas no tan vestida como uno quisiera es enloquecedor. Y digo que quisiera verla más cubierta justamente para que no me provoque tantas cosas.

Además la violencia que posee es más morbosa aún y logra despertar en cualquiera sus instintos más bajos. Encontrarla en un mal día debe ser realmente apasionante aunque con todo, prefiero que siga tranquila como siempre.

Y ya que hablamos de su carácter… ¡joder! Eso si es estar de mala leche! Y yo me quejaba de mi pareja diciendo que era insoportable ¡que rayos! Es una dulce conejita al lado de Bárbara (Macarena Gómez) aunque admito que cuando se pone de esa forma queda aún más sexy. En fin ya lo verán ustedes con sus propios ojos.

Como bien lo comentan en las notas de prensa que deambulan por la red, es la mezcla perfecta entre Hannibal Lecter y Paris Hilton. Bárbara se dedica a la moda y nadie sospecha de la inocencia que muestra su dulce rostro, escondiendo detrás una suerte de psicópata al mejor estilo Lecter que actúa sin dejar el menor rastro en una Facultad de Medicina.

Es que es imposible no hacer esa comparación entre ambos. Antony Hopkins ha actuado de manera fabulosa en toda la serie de Hannibal y Macarena Gómez ha demostrado compenetrarse de manera magistral con su papel, mostrando esa dualidad en su personaje que por lo general suele ser muy difícil de poder lograr.

Pero la facilidad con la cual lo ha conseguido es sencillamente sorprendente lo que me da pensar cómo serán sus días de mala leche en la vida real. Cuánto más lo imagino más me gusta esta chica…

Intentando dejar la imaginación de lado, al igual que los ratones y al mismo tiempo poder dejar de ocultarme bajo la mesa cuando escribo esto (no creo que mi pareja le gusten demasiado estas líneas), intentaremos hablar un poco más sobre el film en sí mismo (hay Macarena…)

Paco Cabezas, guionista de la película, describe de forma sublime en qué consiste la misma, aludiendo a Bárbara como “… Una sensual psychokiller que mata siguiendo las reglas de las revistas de moda…” (sic) Es que dedicada a la moda casi íntegramente, posee un armario repleto de prendas que sólo usa una sola vez, debido a que suelen mancharse con sangre luego de los asesinatos.

Asimismo la trama trata sobre eso, los asesinatos “fashion” y por eso es que sigue a la perfección diversas normas sobre la moda. Desde aquí, felicito al guionista por semejante creatividad aunque se notan sus influencias, algo que no oculta y el mismo menciona.

Como novedad y continuando con el trabajo de la bella dama en el film, se ha abierto un sitio en Facebook donde aparte de diferentes momentos y datos del mismo, nos ofrecen una oportunidad más que interesante para formar parte de la película y sobre todo de la moda. La idea principal es diseñar nosotros mismos nuestra propia camiseta de Sexykiller.

El ganador verá realizado su sueño y las mismas serán diseñadas exclusivamente enviándose un paquete de ellas al afortunado, para que pueda lucir la misma en toda ocasión lo que le permitirá dos cosas. Por un lado demostrar que es un fanático de la película y pro otro alardear sobre ser el ganador, algo que no será necesario decirlo ya que vistiendo la camiseta os dará la pauta a todos de que ha sido el escogido.

Y ya que estamos hablando de Facebook también cabe decir que han completado bastante el sitio, escribiendo en el ya famoso “muro” y que incluso han subido dos vídeos. El primero es el trailer de la película y el segundo un video en exclusiva de Sexykiller hablándonos a nosotros, los visitantes que les juro me puso…

¡Cómo me pone Bárbara, o Macarena o yo qué se cuál de las dos! Pero vean eso y me comprenderán. Lo siento, prometí no volver a hablar este tema pero es más fuerte que yo en algunos casos y más cuando está hablándome con una automática en sus manos y…nada, déjenlo ahí…definitivamente deben verlo con sus propios ojos.

Hablando en serio nuevamente, les recomiendo esta película donde Macarena Gómez demuestra que realmente tiene aptitudes para la actuación haciendo aquí un papel memorable sobre todo por la complejidad que presenta. No es muy sencillo hacer de chica inocente y al mismo tiempo ser una psicópata.

Esa dualidad del propio personaje no todos la pueden cumplir pero en este caso la actuación es magistral, demostrando que está para cosas muy importantes en su carrera. Sinceramente, me ha encantado su papel y creo que no sería posible encontrar una persona que lo desarrollara de la misma forma.

Dirigida por el joven pero muy talentoso Miguel Marti Campoy, definitivamente se consagró con esta película y seguramente dará mucho que hablar a nivel internacional Conjuntamente con el guionista han logrado un equipo impresionante para llevar adelante este film que nos hará olvidar por un momento que existen producciones tanto americanas como fundamentalmente japonesas en el género terror, siendo en mi parecer, una de las mejores películas españolas de los últimos tiempos.

Como bien lo menciona el cartel y créanme es verdad, “Sexykiller, morirás por ella”

Sabiendo del riesgo que estoy tomando frente a los más conocedores del séptimo arte, debo decir que “Los Infiltrados” es para mí la obra maestra de Martin Scorsese. Habiendo tenido la oportunidad de ver todos los largometrajes dirigidos por él, incluso sus documentales, nunca había encontrado un trabajo tan completo y que demostrara su inmenso conocimiento del cine como en está película.

Son muchos los factores que la hicieron el éxito de crítica y taquilla que fue, logrando convertirse en una de las mejores películas de una década que se ha caracterizado por entregar productos muy regulares de manera constante. Las actuaciones de todos los involucrados son de las mejores de sus carreras: el papel de Di Caprio nunca se vio disminuido por compartir con un talentoso Jack Nicholson, Walhberg sorprendió a propios y extraños con su interpretación, Alec Baldwin demostró unas capacidades y naturalidad que tal vez nunca las vuelva a alcanzar y Matt Damon se mostró con una energía verdaderamente atrapante.

La música de está película es una marca registrada de la casa Scorsese. La Academia tendría que inventar una categoría como “Mejor Canción No Escrita Directamente Para Un Film” para darle el merito que se merece el uso de “I´m Shipping Up To Boston” de Dropkick Murphys durante las partes que se usó. Igual de genial fue la integración a la banda sonora de “Gimme Shelter” o “Let It Loose” de Rolling Stones, y “Comfortably Numb” en la versión de Roger Waters.

Sí hay algo por lo que Scorsese es reconocido, siendo inmensamente tratado de igualar pero nunca ni cercanamente alcanzado, es por los movimientos de cámara tan ágiles que sus películas tienen. Gracias a su vieja y fructuosa colaboración con Michael Ballhaus, en ese aspecto entre ambos superaron todo lo que habían logrado antes, igualando el momento de inspiración que el dios del cine les regaló alguna vez en Buenos Muchachos.

No obstante que todo lo escrito antes se sabía de antes de que culquiera leyera este post, creo que hay algo de la película que no ha recibido la atención y reconocimiento necesario. Para todos no es un secreto que gran parte del éxito de Scorsese se debe a su relación de antaño con Thelma Schoonmaker en el departamento de edición. Entre ambos forman un equipo formidable, que ha demostrado su conocimiento una y otra vez en esa área. Por algo su colaboración viene desde el documental Woodstock.

A pesar de tener conocimiento de eso, no estaba preparado para el trabajo de ambos en su última película. Creo que los 15 primeros minutos de Los Infiltrados es una de las mejores ediciones que pueden haberse visto en película alguna en toda la historia del cine. Y como sustentación para explicar más a profundidad lo anterior, vale detenerse un momento en el guión que escribió William Monahan.

La historía está basada en la exitosa película de Hong Kong “Infernal Affairs“. Sin embargo en el remake hollywoodense, hay varias cosas que se modificaron para lograr un mejor entendimiento de lo sucedido, así como para adaptarle al tan característico mundo de su director. En ese sentido, el principio de la película es verdaderamente especial

En aproximadamente 15 minutos de película, lo que Scorsese y Schoonmaker lograron explicarnos es casi el material de toda una película, y lo lograron por medios exclusivamente visuales, sin necesidad de explicar nada o decir nada, tan sólo mostrándonos. En ese tiempo el montaje paralelo entre los dos protagonistas es fantástico, y el manejo de tiempo fue muy ambicioso pero sumamente explicativo para el comienzo del film.

En ese lapso se logra explicar todas las bases de una trama complicada que daría para casi una película: se nos muestra la vida de los dos policías, sus ambiciones y su pasado, logrando establecer al mismo tiempo casi todos los personajes secundarios alrededor de ellos. Me pareció verdaderamente impresionante la manera que entre una historia se saltaban, pero con la intención de ir mostrando en paralelo las cosas que le sucedían al uno y al otro. Es decir, no eran saltos desordenados sino sumamente cuidados y estudiados desde la historia.

Especial atención tiene el momento de la entrevista a Costigan, puesto que el manejo del tiempo acá es bastante atrevido y ambicioso, pero que fue la herramienta necesaria para poder contar la historia. El montaje paralelo en esta parte lleva al extremo las base teóricas y conceptuales del mismo, puesto que se establece que Colin y Costigan se encuentran en la oficina de Queenan (Martin Sheen) y Dignman (Wahlber), el primero saliendo de la entrevista y el segundo entrando.

Mientras Costigan está en la entrevista, lo que deberíamos ver de Colin es lo que pasa en ese mismo momento de la entrevista, sin embargo lo que vemos es que está comprando su nueva casa, acentuándose en su alto puesto ejecutivo y haciendo varias actividades que estaban pasando pero un poco después. Mientras que Costigan se quedó en el presente, y recordando su pasado por medio de algunos flashbacks; Colin está haciendo cosas del futuro. Exactamente no se cómo logró que funcionara eso, pero lo lograron, y creo que debería tratarse como un nuevo aporte a la teoría cinematográfica.

A pesar de que mi admiración está muy concentrada en esa parte de la película, no con eso quiero decir que el nivel del resto de la misma comience a bajar. “Los Infiltrados” tiene una inmensa calidad de elementos cinematográficos que conforman un todo muy singular. Por ejemplo, la escena en que Costigan persigue a Colin a la salida del cine para adultos, se notan referencias claras al film noir, al cine de terror y de suspenso (callejones oscuros y poco iluminados, la sombra en medio de una nube de humo insertada en un plano holandés, el estiramiento del tiempo).

Igualmente, la escena de acción final, el tiroteo, se desarrolló con movimientos de cámara muy apresurados pero que de repente se congelaban en un cuadro mientras el sonido seguía, dándole a todo el momento un ritmo acelerado pero muy interesante gracias al uso de este mecanismo, el que fue muy llamativo e interesante.

Por todo lo anterior, y algunas cosas que seguramente se me escapan en este momento, me parece que esta es la obra maestra de Martin Scorsese. Entre muchas cosas, este es el tipo de cine que muchos de sus seguidores nos encanta que haga, sin menospreciar sus incursiones en otros temas y géneros cinematográficos.

En ese sentido, creo que esta película es el resultado de un director que habiendo tratado varias veces el mundo de la mafia, y que dada la gran cantidad de trabajo adquirido, se logra superar a si mismo una vez más, consiguendo evolucionar en este film frente a los anteriores, haciendo su mejor trabajo, apoyado en su talento pero también en su mayor experiencia.

La película trata sobre la adolescencia (o pre adolescencia en términos… ¿posmodernos?) de Rafa Bregman (y no, el apellido no tiene nada que ver ni es ninguna referencia al cineasta y genio sueco). Él es un chico que vive en una casa de clase media alta judía. Va al colegio, tiene amigos, mira tele, estudia piano (aunque su profesora le dice en algún momento que sus compañeros/amigos van más adelantados).
En fin, que es un chico más o menos común en una familia más o menos común y más o menos disfuncional (como todas ¿no?). La película se centrará en su despertar a la sexualidad, y me estoy refiriendo a esta en términos amplios, pues si lo hiciera en términos “no amplios” y dijera simplemente “al sexo” les estaría adelantando ya lo que pasa en los diez o quince primeros minutos del film.
Oh no! Lo hice.

Bueno, en fin. Este es un chico con dos hermanos. Uno mayor (con una apariencia de tonto grandilocuente que lo hace insoportable como personaje) y una algo menor (que está, dentro de todo bastante bien). Y es que este niño interpretado por Tocar no sólo va a tocar sino que, estimulado y “apurado” por su hermano perderá con la empleada que en su casa trabaja (Verónica Perrotta) la virginidad.

Lo peor de esto es que… Sé de casos reales sobre este mismo ejemplo (aunque en diferentes circunstancias…). Pero en fin; su hermano no hará de “gigoló por accidente” sino de “proxeneta por causalidad” para que esté con esa mujer que ha protagonizado una bastante desconocida película uruguaya llamada “La Espera”. Además de haber actuado en teatro y en un cortometraje que hace poco he visto llamado “Otro Árbol de Navidad”.

En fin. El chico, que tiene una cara llena de granos (no es nada casual el nombre del film) tiene además una cara de inocente/ingenuo que hará que a uno “le de cosa” verlo en esa escena. Escena que por otro lado, se lleva adelante “como si nada” y consiste (si no he contado mal, y si la memoria no me falla) simplemente de tres planos.

Una escena que de por sí es fuertísima y debería marcar como tal. Más allá de que no tiene nada de pornográfico (bueno, exceptuando un pezón visto casi de atrás… Pero ¡Qué más da!). Eso: Logra ser realmente brutal sin tener realmente nada de especial, sin tener morbo o tratar de excitar/cachondear al espectador (golpe bajo muchas veces, que como tal o no, ya hemos visto otras tantas).

El desencadenante del “nudo” de la trama (y se me ocurre que el de la garganta de alguna persona viejecilla o “costumbrista”) será el que se dará a partir de que el niño/preadolescente/adolescente/”cara de maíz” (por los granos) le pida a la chica que le de un beso (en la boca). A lo cual, por supuesto, ella se negará.

A partir de allí tendremos a este niño que será festejado por sus compañeros de colegio por “haberlo hecho”. Es como si se hubiese dado un sello. Y, en realidad, la película lo plantea bastante así, puesto que no es este el único “rito de iniciación” que veremos en la película. Eso sí: Sin lugar a dudas será el más universal.

Posteriormente a la “unonosabesitraumaticaexperiencia” el niño en cuestión, entre otros hábitos que le veremos hacer y entre costumbres que irá adquiriendo empezará a… (perdonen mi poca corrección; pero creo que entenderán que la cuestión me permite y da lugar para ser claro, específico y directo)… a ir de putas.

Así como algunos jóvenes empiezan a “masturbarse” a la misma edad con los videojuegos nuestro protagonista se ve en la situación por la cual no parece tener que andar “sublimando” por ahí.

Pero O ho! Eso sí: Una y otra vez le volverá a pasar lo mismo: no recibirá su primer beso. Y este, junto a la búsqueda de algo de cariño y comprensión (al menos, aparentemente) será el hilo conductor (no poco interesante) en el cual lo acompañaremos en sus vaivenes.
Vaivenes que implican los primeros cigarrillos; los amigos (y la despedida de uno que se va del país a Israel); y, por supuesto: El Amor! (escolar).

Una niña rubia pasará a ser la musa inspiradora de este pequeño púber que no sólo no sabe que hacer con su pus, sino con sus hormonas.

Y mientras hace tratamientos complicados (y algo humillantes) contra los granos, presenciará de forma distante el divorcio de sus padres, ciertos datos sobre la situación de la Comunidad Judía, jugará a la Quiniela (juego de apuestas donde se elije un número y el favorecido ve multiplicada la confianza y el dinero que depositó en el mismo…), como su padre y sus amigos: al póquer, etc.

La película tiene la particularidad de parecer un análisis fenomenológico de lo que al niño le pasa. Puesto que nunca “estamos dentro de él”, ni en sus pensamientos, ni en sus puntos de vista, ni en sus comentarios. Pareciera que nunca lo llegamos a comprender de manera total.

Alejandro Tocar tiene un papel duro que, si bien no sobrelleva con excelencia, digamos que lleva bien. Hay momentos en que uno duda de sí su cara no tiene más reacción por la interpretación del niño o simplemente por una cuestión de elección del director. ¿Podrían haber influencias de Bresson aquí?

Tendremos un elenco diverso en donde “la empleada” y los otros muchachos estarán bastante bien, aunque realmente hay algún adulto que no convence en su actuación (y aquí ya no tiene nada que ver Bresson).

Esta es la Opera Prima de Federico Veiroj. Este fue continuista en películas como “25 Watts” y “Whisky“ (archipremiadas en festivales) del dúo formado por Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll.

A su vez, Veiroj hizo un personaje en “25 Watts” llamado “Gerardito”. Yo muchas veces hablo de “esos personajes” que (si bien, en general, no son protagonistas) son los personajes inolvidables de una película. Tal es el caso de Jean Renno en “Azul Profundo“; o de Rodrigo de la Serna en “Diarios de Motocicleta” (que son los que en este momento me vienen a la memoria). “Gerardito” comparte esta característica.

En fin, “Gerardito” era el amigo algo tonto y epiléptico que terminaba con convulsiones después de probar marihuana en “25 Watts”.

A su vez, parece ser que Veiroj dirigió anteriormente un cortometraje llamado “Bregman, el siguiente” que precedería (y funcionaría, tal vez, como epílogo) a esta película. Con el mismo “universo narrativo” Veiroj habría situado al mismo personaje (personalizado por alguien distinto a Tocar) unos tres meses antes de la acción que en la película se da.

Seguramente sería muy interesante ver el film habiendo visto el cortometraje con antelación.

La producción es de la Productora Control Z Films (“25 Watts”, “Whisky”, “La Perrera“) que, gracias a estos trabajos ha logrado fama e innumerables premios en distintos festivales internacionales. Hay quien dice que “tiene el sello” de esta productora (en términos de Lenguaje Cinematográfico), el cual, hace acordar también a “El Custodio” de Rodrigo Moreno.

Un cine que parece estar en desarrollo y seguro dará nuevas sorpresas. Por lo pronto, esta aparece como una obra interesante de ver.

A pesar que siempre me he sentido de igual manera sobre los trabajos de este realizador, pensé que en Next, su última producción junto a Nicolas Cage, Julianne Moore y Jessica Biel, iba todo a cambiar. Lo primero que me llamó la atención de este trabajo es que está basado en un cuento corto de Philip K. Dick, el que además está adaptado por Gary Goldman, Paul Bernbaum y Jonathan Hensleig. El primero de ellos es un adaptador experimentado de los escritos de Dick (estuvo en el guión de Total Recall y en la producción de Minority Report), el segundo me impresionó por su trabajo en Hollywoodland y de Hensleig consideró que hizo un trabajo increíble en Die Hard With A Vengeance.

A parte de ese buen equipo escritor, también era muy llamativo ver a David Tattersall en la dirección de fotografía (fue el encargado de la fotografía de películas como “The Majestic”, “The Matador“, “Speed Racer” y las últimas entregas de “Guerras de las Galaxias”) y a Christian Wagner en el departamento de edición (True Romance, Man on Fire, Spy Game, The Negotiator). En fin, el resultado era que esta era una producción que contaba con todos los recursos, tanto financieros como técnicos y artísticos, pero que la sumatoria de las partes fue muy inferior al producto final.


La historia cuenta la vida de Frank Cadillac/Cris Johnson (Cage) un mediocre mago de Las Vegas que tiene la particularidad de que no hace trucos sino verdadera magia, puesto que tiene la capacidad de ver hacia su propio futuro, pero sólo dos minutos adelante. Una agente federal del F.B.I., llamada Callie Ferris (Moore), se da cuenta de su poder y decide buscarlo para que le ayude a encontrar una bomba atómica que van a hacer explotar en algún sector de Los Ángeles.

De las cosas que más me decepcionó de la película fue su guión, puesto que con los nombres que estaban a cargo de esa labor, estaba seguro de que algo mucho mejor podría salir. Pero este guión es de los más bobo que he visto en toda mi vida en un film, incluso para ser de Tamahori.

Y debo aclarar algo acá, porque estoy seguro que hay mucho fieles seguidores del escritor que no quieren escuchar un calificativo tan negativo como el que he usado, para referirme indirectamente a un escrito suyo. La verdad nunca he leído nada de él, pero las adaptaciones que he disfrutado de sus libros muestran una muy inteligente trama a desarrollar (Blade Runner, Total Recall, Minority Report) con mundos entre los sueños y la realidad muy bien pensados. No es el caso de está película.

La historia no tiene ningún sentido, con cosas absolutamente gratuitas y muy mal pensadas y desarrolladas. Me explicó: al principio de la película Johnson huye apresuradamente del agente federal Ferris, incluso después de que ella le ha dicho que necesita su ayuda porque van a explotar una bomba nuclear en algún lugar cercano a donde él vive. ¿Quién hace eso? ¿Es qué acaso no sabe que si no les ayuda a destruir la bomba nuclear todo lo que existe para él va a desaparecer? Pues no, él tiene que ir y encontrarse con una mujer primero; la bomba nuclear puede esperar.

En el momento cuando Ferris lo captura, la única manera que se le ocurre para que él le colabore es nada más y nada menos que torturarlo, con un aparato abre ojos al estilo del de La Naranja Mecánica. Al final, como es obvio, él decide ayudarla y ella decide no torturarlo. Eso claro está, a la hora de empezada la película.

A pesar de que la historia no tiene ningún sustento, tampoco ayuda mucho el que los artistas hayan entregado cada uno una de sus peores actuaciones. A pesar que no esperaba mucho de Cage, tampoco esperaba tan poco; pero lo que sí me desilusionó es que una actriz de la talla de Moore, quien nos ha entregado muchos papeles excelentes, incluso cuando trabaja en malas películas, haya sido capaz de desilusionarnos dándonos una actuación peor que la que hizo en “Misteriosa Obsesión“. Jessica Biel no aporta ni importa, estoy seguro que todo el casting que tuvo que presentar fue que caminara en una toalla. Y la verdad es que es excelente como se ve caminando con una toalla.

Una de las cosas que más me gustan de las adaptaciones de Dick es la relación tan importante que los sueños o las clarividencias tienen en sus escritos. En Total Recall es fascinante la manera que tratan de engañar a Douglas (Schwarzenegger), y a nosotros de paso, de que todo lo que hemos visto es un sueño que él mismo pagó para vivir una vida que en la realidad no es capaz de costear. En Minority Report se genera un debate metafísico sobre las consecuencias de ver el futuro y las acciones que debemos tomar sobre el mismo. ¿Podemos culpar a alguien de un asesinato que no ha cometido pero que seguro va a cometer?

En esta película pasa lo mismo, pero me temo que es muy limitado el aporte de Dick a la trama. La idea detrás del film es encontrar un truco para que miremos escenas de acción, basado en la idea de alguien que puede adelantarse a las balas, a los puños o a las patadas que vienen de sus contrincantes; o que pueda anticipar la explosión de un grupo de terroristas que van a estallar un bomba en medio de los Estados Unidos.

De otra parte, lo gratuito de este grupo terrorista me pareció de lo más patético que tiene toda esta producción. Este es una organización que sólo tiene la intención de poner una bomba nuclear y destruir alguna metrópolis en el estado de California. No tienen ni causas, ni justificaciones, ni nada. Es la clase de mafia criminal que la organización Bush quiere que creamos que existe y contra la que ellos han declarado la horrible guerra contra el terrorismo, en la que sus exclusivas intenciones son destruir la pacífica y civil sociedad estadounidense, y sus únicas justificaciones posibles es que odian la libertad y democracia tan bien establecidas en ese país. Ese tufillo a propaganda me pareció verdaderamente degradante.

Next fue una película que no funcionó. Es triste porque tenía un buen equipo que la debió llevar a un mejor puerto pero que al final el público y la crítica no les dio ningún tipo de respaldo (fue de las menos taquilleras de las adaptaciones de Dick). Sin embargo, al parecer trajo la buena noticia de que a Tamahori no le van a volver a creer cuando vuelva a presentar un proyecto.

Con 6 nominaciones a los premios César, premio Louis Delluc, el Lumiere y Etoile D`Or y premio de la crítica francesa nos encontramos con una de esas propuestas clásicas de festivales. Esto lo digo en el sentido de que es una propuesta que si bien “no reniega de lo comercial como tal”, creo que si “lo comercial como tal renegará de ella“.

Esta es una película extremadamente posmoderna y multireferencial. Debo reconocer que me he sentido un total ignorante; debido por ejemplo a todas las referencias pictóricas de las cuales no tengo ni idea (apenas pueda me formaré en este sentido, señores…). De cualquier manera y a pesar de su extremada densidad y/o saturación simbólica-significante estamos hablando de una película muy accesible.

Accesible debido a que cualquier espectador (que no vaya esperando ver Arma Mortal) podrá abordar y ver en tanto persona que ve, sigue, entiende y siente con otras personas. Esto es debido no sólo a la historia sino también a las excelentes actuaciones.

Los personajes (y en particular la no pareja protagonista) tienen una profundidad que no deja de manifestarse en la superficialidad habitual de las situaciones cotidianas. A su vez estos dos aparecen como personajes universales con muchísimas particularidades. Tal vez esto mismo los haga universales ¿no?
Uno de los César se lo llevó él: Mathieu Amalric. también uno de los Etoile D`Or a mejor actor. A su vez uno también ella (que está genial genial) también.

Pero en fin. La trama ronda en torno a Nora. Mujer treintañera, con un hijo pequeño (algo callado e introvertido), tiene un buen pasar económico, dirige una galería de arte (el cual es un buen trabajo y traerá muchas de las referencias pictóricas ya mencionadas) se está por casar con un hombre adinerado. Estuvo casada dos veces (uno murió, con el otro se divorciaron… aunque no se casaron).

Va a visitar a su padre. Este es un intelectual escritor con la cabeza en perfecto funcionamiento, aunque no tanto el del cuerpo. Después de reencontrarse él le dirá (con mucha angustia) que esta defecando con sangre. Ella le dice que debe tener una úlcera. No. Tiene cáncer y en algo así como 10 días se va a morir informan los médicos.

Los doctores abrirán, verán y cerrarán. El cáncer estaba ya muy esparcido, siendo incluso indeterminable su origen.

Digamos que esa es la historia de Nora (una gran Emmanuelle Devos).
A su vez tenemos a la historia de Ismael.

Hombre treintañero también. Toca la viola. Es bastante bohemio y no parecen importarle demasiado las concesiones sociales. Interpretado por un excelente Mathieu Amalric este hombre será enviado (por pedido/consentimiento de terceros) a una institución psiquiátrica. Creo que es muy gracioso que, durante el primer tramo, lo vemos y nos preguntamos si eso es necesario o no.

La psiquiatra será una hermosa Catherine Deneuve con la cual Amalric tendrá unos muy interesantes (y bastante divertidos) duelos actorales mechados en la trama. Sobre este carril de la narración (tomando el de Nora como otro) estará la comedia y veremos situaciones como por ejemplo él y su abogado yendo a robar remedios (para el abogado! que busca consumirlos por una cuestión más bien hedonista).

Por ejemplo, esto que se podría tomar como un drama (la internación en un hospital psiquiátrico) sin ser banalizado se hace gracioso. Su abogado le dirá que al estar “loco” podrá evitar pagar varios cheques sin fondo que el ha dado.

A su vez es muy interesante el tema de las familias. Puesto que estaremos compartiendo la película con estos personajes. Geniales también en su composición. Hay un elemento particular de la familia de él (que se repetirá varias veces durante la película) y es el de las diferentes “adopciones” y “paternidades” que se mueven en la película.
¿A qué me refiero? Por un lado. Estamos ante un panorama familiar actual. Aunque el hijo de ella (y su ex marido-amante que aparecerá en el film a pesar de estar muerto) es prácticamente el único niño que aparece está constante esa característica de las familias actuales; que se diferencian claramente de la época del matrimonio para toda la vida y el “hasta que la muerte los separe”.

Pero el hecho de que varios “adopten” o hagan “su hijo” a ese con el cual no tienen lazos genéticos es interesante pensándolo en función a la propuesta formal de la película. Justamente por la mezcla de estilos y recursos donde ya no parecería importar “de quién es hijo este” sino que puedan convivir y funcionar para transmitir toda la profundidad que se logra.

A su vez, podríamos hablar de la fotografía (y tendremos todo un reinado cromático distinto dependiendo de la escena y la sensación-situación de esta). A su vez; si uno se fija los lugares en donde nuestros personajes están son “comunes”. Un patio de escuela, un apartamento, la sala de estar de un hospital psiquiátrico, la casa algo apartada del padre, etc. Pero ninguno se ve “simple”. Esto es debido a la cantidad de efectos, lentes y zoom que en la película son usados.

La fotografía se la debemos a Éric Gautier. Así el guión (que a pesar de que se entrecrucen historias no tiene tantas “vueltas de tuerca” como el de Magnolia; o al menos, no en el mismo sentido) pertenece a su director y a Roger Bohbot. Está muy logrado. Además logra conjugar todo esa diversidad formalista con el naturalismo y la empatía de unos personajes con carne, hueso y alma (a pesar de la discusión de Ismael y la Deneuve).

Bueno; creo que he sido claro. Este es un producto, una propuesta, una obra de arte diferente. Nos hará sonreír (sobretodo su carril más comedia, propio de Ismael) y/o emocionarnos (carril de Nora) mientras estamos presentes en todos los problemas (y placeres) que conlleva el ser. Muy recomendable.