TAPE o ¿Cómo hacer una buena película sin presupuesto?

Si hay algo que no se puede negar, es que Richard Linklater es un director, como mínimo, inquieto. Ha dirigido películas tan disímiles como interesantes. Trabaja regularmente en la industria hollywoodense, pero se da sus gustos independientes, como es el caso de esta película llamada TAPE. Es un realizador al que le gusta experimentar, y creo que eso está muy claro en su copiosa filmografía.

Tape está basada en una obra de teatro escrita por Stephen Belber. La acción se desarrolla completamente en la habitación de un hotel de mala muerte. Vince, interpretado por Ethan Hawke, ha llegado a la ciudad después de varios años, con motivo de presenciar el estreno en un festival, de la película del que fuera su mejor amigo en la escuela, Jon, personaje a cargo de Robert Sean Leonard. A ellos se suma Uma Thurman y absolutamente nadie más. Si, nadie más. Imagínense que hermoso experimento, que tremendo desafío. Filmar una película con solo tres actores, sin extras, sin personajes secundarios, sin absolutamente nadie más que estos tres actores.

El personaje de Hawke, es el que lleva adelante la acción, es el encargado de empujar al personaje de Leonard al extremo de convencerlo y hacerlo confesar un acontecimiento que se convierte en la base de la película. Este acontecimiento, involucra al personaje de Amy, quien fuera novia de Vince y amante de Jon en época escolar.

Al estar basada en una obra teatral, es de esperarse que la trama avance por medio de los diálogos. Como podrán suponer, no hay espacio suficiente para demasiada acción en la habitación de un hotel. Pero a no asustarse. Se que puede parecer un poco insoportable pensar que durante la casi hora y media de duración de esta película vamos a estar escuchando una palabra tras otra, pero afortunadamente esto no es así. El ritmo que logran los actores con los diálogos, los temas de los que hablan y la constante evocación de personas o acontecimientos que ocurrieron fuera de esa habitación, hacen que esta película funcione a la perfección, que el espectador se vea forzado a imaginar lo que se está contando, haciendo que lo que se dice funcione como un disparador. Una herramienta narrativa propia del teatro, en este caso, bien explotada en pantalla.

Contada en tiempo real y con una cámara que va y viene todo el tiempo, que sigue a los personajes, que los pone en evidencia, que los descubre en cada palabra, logra generar un clima opresivo, del que nos es difícil abstraernos y distraernos, logrando que no podamos despegarnos de la pantalla y que sintamos la  necesidad de salir, aunque sea por un momento, de esa habitación.

Se respira en el aire cierta intranquilidad, cierta incomodidad en los personajes que es transmitida al espectador casi sin mediaciones. Estamos ahí, como testigos ocultos, tan incómodos como ellos mismos. Tan incómodo como puede ser el encuentro con una persona que fue parte de nuestro pasado y con la que ya, pocas cosas quedan en común.

El trasfondo de la película hace referencia a la memoria. A como cada uno de nosotros, ve y filtra, según nuestro punto de vista. Habla de cómo creemos lo que queremos creer. De las maniobras de autodefensa que ponemos en práctica para no aceptar los hechos dolorosos como realmente han sucedido y no como nos hubiese gustado que sucedieran.

Vince busca sentirse aliviado intentando convencer a Jon que las cosas han pasado de la manera que el quiere creer. Su personaje es tan insoportable, tan insistente y manipulador, que termina por convencer a su amigo de que hizo algo que en un principio no creía haber hecho. Logra sacarle una confesión que quedará grabada en un pequeño grabador barato. De ahí el nombre de la película.

Las posiciones de la cámara, el montaje y haber sido filmada con tecnología digital, le dan a la cinta una imagen y una textura muy similar a lo que puede parecer una película realizada por un estudiante en plena formación. Estéticamente, se parece mucho a una película filmada bajo el Manifiesto Dogma95. Esto no es gratuito, ya que la manera en la que se encaró el proyecto, guarda estrechas relaciones con el movimiento dinamarqués creado por Lars Von Trier.

Según testimonios de Linklater la iniciativa vino de parte de Ethan Hawke, quien leyó la obra de Belber y sugirió llevarla a la pantalla. El fue quien propuso a Leonard como su co-protagonista, con quien trabajó en La Sociedad de los Poetas Muertos y casualmente, también compartió una novia.

Esta película es una de las primeras que produce InDigEnt (Independient  Digital Entretainment). Productora abocada a la filmación de películas en formato digital. Que propone como piedra basal de su financiamiento que toda persona que se vea involucrada de alguna manera en la realización de la película, sea accionario de la misma, lo que da a todos derechos sobre las ganancias. Esto es para los norteamericanos algo increíblemente vanguardista y renovador, pero que en Latinoamérica no es más que la forma más común de terminar una película independiente y que no es otra cosa que lo que se conoce como “crear una cooperativa para poder rodar una película sin presupuesto”.

El uso de video digital, y un equipo reducido, facilitó ampliamente la realización. Solo ensayaron 2 semanas y la película se rodó en 6 días. Tiempo record para una película realizada en Norteamérica pero muy coherente si se tiene cuenta lo que se está contando.

Veo en Tape un experimento, un ejemplo de cómo con un presupuesto reducido y algo para decir se puede realizar una buena película. Veo una intención de salirse de las convenciones de Hollywood. Veo interpretaciones interesantes y personajes incómodos, que intentan hacer lo mejor que pueden en una situación tan forzada. Veo un director lúdico, con ganas de demostrar que sabe lo que hace. Veo una película sólida, entretenida, con un desarrollo y un final impredecible y altamente recomendable para pasar un buen rato.