Leo constantemente en varios artículos que se publican en internet una crítica dirigida al público que le gusta Ridley Scott, diciendo que es uno de los artistas más sobrevalorados del cine mundial, algo que me parece sencillamente inconcebible. No me equivocó cuando digo que la crítica de quienes escriben semejante barbaridad vaya dirigida al público y no al director inglés, siendo esa la razón por la que me estremezco cada vez que observo tremendo disparate.

Con sobrevalorado quieren decir que Scott tiene más meritos y fama de la que de verdad merecería, pues no es un director tan bueno como para recibir el aval del público que lo sigue. Lo anterior claro está, según las personas que no les gusta el cineasta, que lo critican y que sí son conocedoras de cine, no como el público inculto que se apasiona con mediocridades como, Blade Runner, Thelma y Louis o American Gangster.

Lo primero que debo decir es que un artista no puede ser sobrevalorado, sencillamente porque un artista es de su público y lo que el público diga de él es vox populi. Ya sean grandes personalidades como Walter Murch o Edward Dmytryck, los más y mejores del cine siempre han concebido que el último eslabón de la producción es el público. Ellos son la parte más importante en toda la toma de decisiones durante el rodaje y la edición, siendo ellos parte esencial del desarrollo de la película. Además de eso, y siendo lo más importante, los cineastas saben que sus películas están hechas para el público, siendo ellos quienes dicen sí son malas o buenas, nadie más.

En ese sentido, un artista no puede ser sobrevalorado, porque sí su público le da ese valor, es porque ese es el valor que tienen sus películas. No puede nadie llegar a contradecir lo que el público tenga que decir. Es evidente que con esto no estoy diciendo que entre más público y taquilla tenga una película el artista es mejor. Estoy seguro que los millones de personas que fueron a ver Piratas del Caribe no consideran a Verbinski un genio, tan sólo un director muy entretenido. Con público me refiero al sequito de seguidores o fanáticos que un cineasta tenga, que son en últimas quienes le dan el valor que para ellos es merecido.

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“Sangrador” es una libre (libérrima, como en la misma película se anuncia) versión de la monumental obra de William Shakespeare: Macbeth. Esta película proviene de Venezuela, es protagonizada por Daniel Alvarado quién hará de un Macbeth llamado Maximiliano junto a su esposa Mileidi (si, así como suena) interpretada por Karina Gómez. Esta (y perdón que lo diga de forma tan directa) es una versión no sólo libérrima sino bizarra, asquerosa y espantosa de una gran obra. Además de esto (puede ser una mala versión y una buena película) la película como tal es peor de lo que sería como adaptación.

Esta es una película venezolana que, queriendo llevar la acción a su propio territorio para construir y lograr un producto válido, original y de calidad se queda en el camino. Esto lleva a que la película, además de mala sea pretenciosa. Está bien. Una película puede ser pretenciosa para llevarse adelante, después haber un mal producto y ya no serlo; esto ha pasado y pasará. Pero sus realizadores (y es por ellos por quienes más me duele tener que hablar de la película, llena de defectos, porque sé que está hecha con todas las ganas, la esperanza, las expectativas y las pocas posibilidades propias de su procedencia y puesta en marcha) parecen no haber reparado en el producto final y tenían la esperanza de que fuera seleccionada, por ejemplo, a competir en la selección de Mejor Película Extranjera de los Premios Oscar.

Pero bueno. ¿Por qué digo que la película no funciona? Nos encontramos con una película que (exceptuando el título) es totalmente a blanco y negro. Esto no debería presentar ni presenta una contra por sí mismo; es más, incluso puede hacer que uno se plantee “Ah… pero esta elección estética nos debe estar hablando de una puesta en escena pensada de forma conceptual” pensamiento que se desmoronará y caerá hecho pedazos en minutos.

La película está dividida en capítulos (por así llamarlos) con intertítulos. Esto tampoco es necesariamente malo, aunque ha determinada altura de la película uno se empieza a molestar, debido a que ya se sabe que estos están más porque “haa Mira que linda letra que le pusimos” que para ayudar a la narración o dar algún mensaje. Es más; yo diría que hacen lo contrario. Hacen de la narración algo más pesado y cuando ya estamos en la mitad de la película esperaremos que cada uno de los intertítulos que aparecen vengan a anunciarnos el final.

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Si de mujeres talentosas y hermosas estamos hablando, no podemos obviar hacer una referencia a esta neoyorquina nacida el 12 de Diciembre de 1970, en el seno de una familia de comerciantes. Jennifer Lyn Connelly, comenzó su carrera en los medios a la escasa edad de 10 años. Cuenta la historia que unos amigos de la familia, ligados al negocio publicitario, sugirieron a sus padres enviarla a un casting para un comercial. Fue así que Jennifer comenzó a dar sus primeros pasitos en el mundo de espectáculo.

Tras unas primeras apariciones como modelo publicitaria y una pequeña participación en el video de Duran Duran “Union of the Snake”, fue ganando terreno en la industria audiovisual.

A los 12 años, participa en la serie de la televisión británica “Tales of the Unexpected” basada en el libro de historias cortas del autor Roald Dahl. Escritor de éxitos llevados al cine por su propia pluma como Willy Wonka & the Chocolate Factory en su primera versión de 1971 de la que Tim Burton hiciese una remake en el año 2005.

En 1984, Sergio Leone, necesitaba una niña que supiese bailar para su aclamada obra Erase Una Vez En América. Fue Jennifer la que quedó definitivamente en el papel. Esta pequeña participación, le abrió la puerta del set de uno de los grandes directores del género de terror, Darío Argento. Connelly viajaría en 1985 a Italia a protagonizar la película Phenomena. En esta ocasión interpreta el papel de una estudiante que llega a Suiza para realizar estudios en un instituto para señoritas en la que recientemente se han cometido una serie de crímenes aberrantes. Todo, claro está, bajo el estilo gore y el particular manejo del lenguaje que volvió de Argento un cineasta único.

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El cine se ha convertido en el medio artístico más influyente e importante de todos los tiempos. Habiendo nacido hace solamente cien años, su influencia y alcance no tiene parangón con otro medio que haya existido. Sin embargo, en estos días que se habla tanto sobre la crisis por la que el cine está pasando, vale la pena hacer un pequeño alto en el camino y analizar un poco más calmados las cosas.

Es conveniente recordar que esta no es la primera crisis por la que pasa el séptimo arte. El primer enemigo que tuvo que enfrentar como el máximo medio de entretenimiento fue la televisión en la década de los 50. La verdad es que con el paso del tiempo ninguno destruyó al otro, sino que por el contrario lograron convivir ambos en la sociedad.

A pesar de esto, una de las medidas que el cine tuvo para enfrentar su caída en la disminución de espectadores fue la creación del formato panorámico CinemaScope (y sus competidores), ensanchando la pantalla y haciéndola más grande y espectacular. A mediados de los setenta, el cine dio otro duro golpe en su afán de atraer más espectadores con el funcionamiento del sistema de sonido de multicanales, que hacían mucho más emotiva la experiencia cinematográfica. El uso de esos elementos permitió que se notara una inmensa diferencia entre ir al cine y ver las películas que pasaban en televisión, logrando una recuperación de los espectadores que habían preferido quedarse en casa.

Sin embargo, la tecnología permitió que el entretenimiento en casa evolucionara y permitiera solventar las deficiencias de sonido e imagen con el home theater y las grandes pantallas de televisión. Además de esto, el cine hoy ha tenido que enfrentar la creciente mafia de la piratería mundial, que ha alcanzado proporciones gigantescas, logrando con esto una nueva crisis de espectadores.

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O “El Gran Azul”, titulada originalmente “The Big Blue” es una película que supo ser muy taquillera, de 1988 a cargo del director francés internacionalmente reconocido Luc Besson. Es protagonizada por Jean-Marc Barr; Rosanna Arquette y Jean Reno. Trata sobre la vida e historia (legendaria y fílmica; que para nada pretende ser realista) de Jacques Mayol (de quien coloco una imagen), buceador, amigo de delfines y profundista.

La acción empieza en Grecia en 1965. Todo blanco y negro, excepto el azul. Nos encontramos aquí con una increíble fotografía, que se relame (y se relamerá) en los distintos paisajes afrodisíacos y naturales que iremos recorriendo; hecho aumentado además por el gran despliegue (en sentido cuantitativo al menos) de grúas, cámaras áreas y (unas realmente impresionantes) cámaras submarinas. Pero estamos en Grecia y Jacques Mayol aún no es interpretado por Jean-Marc Barr debido a que es un niño. Niño buceador, niño en el agua. Niño que tiene un encontronazo con otro niño debido a que se ha visto una moneda en al agua (una moneda de oro o plata, de un buque antiquísimo o algo así, suponemos) que será rescatada no por él; sino por Enzo (que viene como capo di tutti la mafia) con niños que lo tienen como líder y a los cuales llega a tratar con un gran desprecio, como lo hará con Jacques para agarrarse la moneda, ganarse el respeto, la admiración y la aclamación de toda esa especie de “vulgo” infantil, inmaduro, gritón y mal actuado. Así nos quedamos con un joven Jacques, al cual, un padre (eclesiástico… ya les contaré del sanguíneo…) le pide después de haber presenciado toda la absurda escena que agarre una moneda (otra) que está en el agua. Lo cual el niño hace y cuando quiere acordar el padre ya no está. Tal vez podríamos tratar de buscarle alguna significación algo profunda al hecho sino captáramos que la escena está tan asquerosamente preparada, poniendo “buenos” y “malos” tan fáciles y simples y haciendo un énfasis innecesario con la música de Eric Sierra (constante que está en toda la película; apareciendo siempre para decir “O hijos… Mirad la gran e importante enseñanza que esta película os quiere dar”, de una forma que a mi se me hizo empalagosa y edulcorante; más allá de que el disco, fuera de la película, debe ser uno excelente de “pseudos new wave”…). En fin; luego aparecerán delfines y Jacques se despierta. Está con su padre y otro hombre con el cual este trabaja. Los acompañaremos a salir a pescar (teniendo el padre que bucear con un equipo terriblemente anticuado). Jacques le pide a su padre que no baje, le dicen “¿de qué comemos entonces?” y el padre se tira. Enzo está a lo lejos, con una caña de pescar y verá la escena a continuación (siendo partícipe en unos primeros planos enfáticos y que se explicitarán con el resto de la película); pero la escena consiste en que (y como nos lo había anunciado una y otra vez en menos de cinco minutos de película Luc Besson) algo sale mal y el padre se ahoga. Su hijo grita y llora desesperado, el amigo de su padre lo para para que no se tire al agua. Enzo mira y grita “Jacques”. Y Jacques pega unos gritos de desesperación que sí le salen bien, verdaderos y que crispan la piel.

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Hace 20 minutos que veo titilar el cursor en la pantalla en blanco. Intento pensar como empezar este artículo sobre la película que acabo de ver. Es difícil esbozar una sinopsis sobre esta cinta sin simplificar demasiado la trama. Hacer un resumen de su argumento dejaría fuera muchos de los detalles y subtextos que el director y guionista, Kiyoshi Kurosawa (No guarda parentesco con Akira) ha intentando plasmar en este espectacular film.

La historia se centra en la ciudad de Tokio, metrópolis tecnologizada por antonomasia, en los años en que Internet comenzaba a tomar vuelo. Las líneas narrativas son dos que se vuelven una con el transcurso del film. Un resumen injusto del argumento como punto de partida, sería más o menos éste: Una joven decide ir en busca de un amigo que hace días que no da señales de vida. Ésta, va en busca de un diskette que debe recibir por parte del joven. Cuando llega a su casa, lo encuentre un tanto introspectivo. Momentos después, mientras ella busca el disco, el joven se suicida en el cuarto contiguo. Mientras pasa todo esto, en otro rincón de Tokio, un joven se conecta por primera vez a Internet y su computadora abre automáticamente a una página web que muestra imágenes de personas solas, en habitaciones en penumbra. La secuencia de fotos termina invitándolo a conocer fantasmas.

No confundir. Es de fantasmas, pero no solo es una película de terror. Es compleja, difícil de digerir para quien no esté acostumbrado a ver cine de origen asiático. A algunos les parecerá larga y hasta aburrida. Tampoco la recomiendo para empezar con este tipo de cine. Una buena forma de comenzar, es con películas que si bien tienen una impronta y un estilo bien marcado, se parecen un poco más a lo que está acostumbrado a ver el gran público. Como pueden ser Ringu o Ju-on :The Grounge (Ambas con remake norteamericana, que raro).

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La extensa y variada obra del inglés Derek Jarman muestra un incansable interés por la producción y experimentación artística en diversos formatos. Sus piezas plásticas, originales y profundamente personales, aluden a una permanente exploración de la forma desplegándose en piezas que se han desarrollado desde la clara figuración hasta el trabajo, póstumo, con la técnica de collage luego de transitar el arte objetual y una abstracción fuertemente vinculada al concepto. También se desempeñó en el diseño escenográfico en puestas y la producción literaria de poesías y ensayos. Sin embargo, es su labor como realizador, en el cual desarrolla por igual sus inquietudes creativas, el que le ha otorgado el mayor reconocimiento. En su filmografía se destacan obras como Sebastiane (1976), en que propone desde una perspectiva histórica y esteticista la historia del soldado romano canonizado San Sebastián, Jubilee (1977), obra de marcada estética punk en que la reina Isabel I es llevada por un ocultista a la decadente Inglaterra de la década del setenta, y el film biográfico Caravaggio (1986). En éste último, Jarman propone una alusión a la vida del pintor milanés articulando su experiencia plástica y cinematográfica para la producción de una obra en que cada fotograma bien puede considerarse una pieza artística en sí misma. La minuciosa composición visual no solo radica en la propuesta personal sino que evoca reiteradamente pinturas realizadas por el artista, como ‘Baco enfermo’, ‘El amor victorioso’ o ‘San Jerónimo escribiendo’ sino que también pueden percibirse referencias a otros creadores como J. E. Millais con su ‘Ofelia muerta’ (que puede entenderse por la afición del director por la literatura de Shakespeare) o Andrea Mantegna con el ‘Cristo muerto’. En esta representación, que remite sin dudas al tableau vivant, la paleta del autor, en tanto elecciones cromáticas, se transforma en la del director complementada por un riguroso trabajo con la disposición de la iluminación. También resulta destacable en la obra la frecuente recurrencia a anacronismos visuales, como los presentes en el vestuario o en objetos como máquinas de escribir, revistas o camiones, y a la vez sonoros pues se emplean, por ejemplo, melodías de jazz y flamenco que, si bien resultan evidentes en su distancia con el tiempo de la narración, adquieren coherencia en este particular universo ficcional dirigido en un relato cuya búsqueda primordial es la creación esteticista y lírica.

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Así como el cine brilla con todo su esplendor en la única noche que Hollywood se viste realmente de fiesta, los Emmy Awards son para las series lo que los Oscars Academy Awards para el cine.

Ver a las grandes estrellas como Merryl Streep, Nicole Kidman, Angelina Jolie y Susan Sarandon envestidas con sus trajes de gala de las tiendas más reconocidas de alta costura es algo hermoso. Y sin dudas, más allá de que la televisión no sea una industria como la del cine, las grandes actrices y ganadoras de los Emmy también se disputan ser la reina de la “red carpet”.

Los Emmy Awards son presentados cada año para premiar a los mejor de la televisión en todos sus aspectos. Se divide en tres premios principales que separan a la tv en categorías: todos los programas de primetime son premiados por la Academia de Artes y Ciencias de la Televisión; todos los programas deportivo, documentales y periodísticos en horarios matutino/vespertino son premiados por la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Televisión; y toda la televisión que no sea de los EE.UU. es premiada por la Academia Internacional de Artes y Ciencias de la Televisión.

Si bien parece complicado, las tres academias premian algo en particular dándole mayor nivel a este premio. Desde 1949 todos los años se han entregado estos prestigiosos premios, que son de alguna forma, los más esperados por la televisión. Este año será la entrega número 60 de los Emmy Awards, se ha citado con fecha para el 21 de Septiembre del 2008.

Usualmente la ceremonia tiene lugar en Los Angeles y la emisión de ésta la realizan las cuatro cadenas más importantes (ABC, CBS, NBC y FOX) alternándose cada año la transmisión. Este año, el 2008, la emisión estará a cargo de la cadena ABC, responsable de la mayoría de los grandes éxitos de la televisión. El lugar elegido para realizar esta gala es el Nokia Theatre en Los Angeles, sitio que ha sido testigo de los Latin Grammy Awards y los ESPY Awards.

Recordando quienes fueron los ganadores del pasado año, 2007, en las categorías más importantes en el mundo de las series los premiados fueron:

Mejor serie en Drama: The Sopranos (HBO)
Mejor serie en Comedia: 30 Rock (NBC)
Mejor Actriz en Drama: Sally Field - Brothers & Sisters - (ABC)
Mejor Actor en Drama: James Spader - Boston Legal - (ABC)
Mejor Actriz en Comedia: America Ferrera - Ugly Betty - (ABC)
Mejor Actor en Comedia: Ricky Gervais - Extras- (BBC/HBO)

Este año tenemos varias series que son las más premiadas: Boston Legal, Entourage, 30 Rock, Damages y Two and a half men tienen 3 nominaciones en las categorías principales. De cerca la siguen Lost, Uggly Betty, Brothers and Sisters, House, In Treatment, Samantha Who? y Grey´s Anatomy dos nominaciones a estos grandes premios.

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Muchas películas son realmente exitosas en sus primeras partes, es por ello que los productores de Hollywood no dudan en sacar a la luz una segunda parte después de un tiempo prudencial entre ambas.

No obstante, no todas estas secuelas son exitosas o tienen el visto bueno del público cuando llegan a la pantalla grande, ya que uno nunca sabe como reaccionarán los espectadores y los fanáticos que, en muchos casos, son muy difíciles de complacer.

Hay películas que si pueden dar más para hacer una segunda, tercera o hasta cuarta parte o más (incluyendo las excepciones de películas que han tenido infinidad de secuelas); pero también hay otras películas que simplemente ya no dan para más, pero es mucho más fuerte la ambición de los productores que fuerzan la trama y que hacen que esas películas que nuestra memoria guardaba como respetables se conviertan en verdaderos fiascos cinematográficos.

Es por ello que te presento aquí una lista con las que considero son las mejores secuelas que se han hecho de películas en el mundo del cine.

Toy Story 2

Esta es una de las mejores secuelas que he visto en mi vida, y es que cabe señalar que soy muy aficionada a las películas de animación, es más, hasta ahora tengo mis llaveros de Buzz Lightyear y del vaquero Woody, con la inscripción del nombre Andy en su zapato y todo. Una de las anécdotas de esta secuela es que fue planeada para que vaya directamente al formato DVD sin pasar por las carteleras de cine.

Pero posteriormente Disney - Pixar decidió sabiamente enviar esta secuela a los cines, haciendo que se convierta en una de las más conmovedoras historias que se hayan podido crear, y que añade un aspecto totalmente distinto de la primera, en la búsqueda por parte de Woody a su amigo Buzz. Una historia de amistad concebida como únicamente los niños pueden concebirla, un concepto que entre los adultos ya está muy desgastado.

Mención aparte merece la canción de esta película que fue nominada al Oscar como mejor canción interpretada por la vaquerita Jessy. Aquí la versión en español… enternecedora.

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En una mixtura entre el film noir y el drama con elementos cómicos, Subset Blvd. (1950) presenta una historia de brillo decadente que toma lugar en la ampulosa meca cinematográfica entorno a la década de 1930, en que se produce el auge inicial de las producciones sonoras. La cinta cuenta con la dirección del polaco naturalizado estadounidense, Billy Wilder y la colaboración de Charles Brackett junto a D.M Marshman Jr. para la realización del guión que habría de ser presentado a los estudios Paramount página a página para evitar su previa censura dada la perspectiva por demás crítica con que aborda al mundo cinematográfico.

El comienzo del film nos presenta, en la voz de un narrador en off, un caso policial que ha tomado lugar en una de las fastuosas mansiones, situada en la calle de la que la obra toma su nombre. Sobre la amplia piscina podremos ver el cuerpo de un hombre acribillado suspendido, mientras los oficiales pretenden asirlo y los cínicos periodistas obtener desesperadamente imágenes e información sobre el asunto con el que habrán de lucrar. El relator omnisciente nos afirmará que se trata de un ignoto guionista de films mediocres y adhiere que en el oscuro suceso se halla implicada una célebre estrella del cine mudo. Con ello invitará al espectador a retroceder en el tiempo para desarrollar así el devenir de eventos que han dado lugar a semejante conmoción instaurando un flashback que se habrá de situar seis meses antes de la aparición del cuerpo.
La narración se centrará en el personaje del escritor Joe Gillis (William Holden) que, inmerso en una acuciante situación económica, recurre al director de la Paramount para presentarle su última obra esperando su consideración para llevarla a la pantalla. La respuesta es, de inmediato, negativa de modo tal que el protagonista retorna a su auto y comienza a planificar su retorno a Ohio donde trabajaba en el periódico como redactor mas comprende, pronto, que es seguido por dos hombres que luego entenderemos, son agentes de una empresa de renta de automóviles a la que debe una suma de dinero.
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