Leo constantemente en varios artículos que se publican en internet una crítica dirigida al público que le gusta Ridley Scott, diciendo que es uno de los artistas más sobrevalorados del cine mundial, algo que me parece sencillamente inconcebible. No me equivocó cuando digo que la crítica de quienes escriben semejante barbaridad vaya dirigida al público y no al director inglés, siendo esa la razón por la que me estremezco cada vez que observo tremendo disparate.

Con sobrevalorado quieren decir que Scott tiene más meritos y fama de la que de verdad merecería, pues no es un director tan bueno como para recibir el aval del público que lo sigue. Lo anterior claro está, según las personas que no les gusta el cineasta, que lo critican y que sí son conocedoras de cine, no como el público inculto que se apasiona con mediocridades como, Blade Runner, Thelma y Louis o American Gangster.

Lo primero que debo decir es que un artista no puede ser sobrevalorado, sencillamente porque un artista es de su público y lo que el público diga de él es vox populi. Ya sean grandes personalidades como Walter Murch o Edward Dmytryck, los más y mejores del cine siempre han concebido que el último eslabón de la producción es el público. Ellos son la parte más importante en toda la toma de decisiones durante el rodaje y la edición, siendo ellos parte esencial del desarrollo de la película. Además de eso, y siendo lo más importante, los cineastas saben que sus películas están hechas para el público, siendo ellos quienes dicen sí son malas o buenas, nadie más.

En ese sentido, un artista no puede ser sobrevalorado, porque sí su público le da ese valor, es porque ese es el valor que tienen sus películas. No puede nadie llegar a contradecir lo que el público tenga que decir. Es evidente que con esto no estoy diciendo que entre más público y taquilla tenga una película el artista es mejor. Estoy seguro que los millones de personas que fueron a ver Piratas del Caribe no consideran a Verbinski un genio, tan sólo un director muy entretenido. Con público me refiero al sequito de seguidores o fanáticos que un cineasta tenga, que son en últimas quienes le dan el valor que para ellos es merecido.

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Why We Fight se estrenó en el Festival de Cine de Sundance el 17 de junio de 2.005. La fecha era importante y significativa para el lanzamiento porque se cumplían exactamente 45 años del famoso discurso de despedida del presidente estadounidense Dwight D. Eisenhower. En ese discurso, el presidente le advertía a sus ciudadanos sobre un naciente problema que podría traerles muchas consecuencias al desarrollo de su nación: la co-existencia entre el aparato productivo y el militar en un nuevo sector de la economía denominado el complejo militar-industrial. Para ser muy exactos, la apreciación de Einsenhower fue algo equivocada, puesto que las consecuencias del poderío de este sistema no recayeron sobre los norteamericanos, sino sobre el resto de pueblos del mundo.

La tesis expuesta por Eugene Jarecki en su documental tiene su comienzo al final de la Segunda Guerra Mundial, cuando los Estados Unidos, después de haber creado el ejercito más importante del mundo, se quedaron con un sistema productivo muy eficiente, que daba mucho empleo, pero que no tenía razón de ser puesto que habíamos entrado a una época de paz. Por otro lado, el ejército era tan inmenso, que era imposible encontrarle un enemigo capaz de enfrentársele. Por lo tanto miles de guerras inventadas y falseadas habrían por venir, como medio de justificación y legitimación de esta industria.

El documental trata de mostrar la variedad de lados y opiniones posibles sobre la actuación de los Estados Unidos en las guerras que se han desatada desde esa época hasta nuestros días. Contando con prestantes líderes de variados sectores interesados e involucrados en las actuaciones militares de su país, el documental sostiene que las razones de la guerra, están mucho más sustentadas por los intereses de fuertes grupos privados que cualquier otra posible honorable causa.

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“La visión de Oliver Stone ha cambiado la manera de ver nuestro pasado. Ahora nos va a mostrar dónde estamos y para dónde vamos. Y te sorprenderás de lo que él ve”. Pocas veces, por no decir nunca, un trailer funciona como un manifiesto político. Sin embargo y de manera triste en el caso de Asesinos Natos lo logró.

La película está basada en un guión escrito por Quentin Tarantino y transformado por el propio Stone en compañía de los novatos David Veloz y Richar Rutowski. La historia se centra en la vida de los asesinos en serie llamados Mickey y Mallory Knox, interpretados por Woody Harrelson y Juliette Lewis, quienes aterrorizan a un sector de los Estados Unidos con sus violentos ataques, pero que al mismo tiempo logran el apoyo y respaldo de una parte de la población, influenciada por los medios televisivos, y que seguramente se siente segura y inalcanzable para ellos.

El impacto de Asesinos Natos el año de su estreno, 1.994, fue demasiado para una audiencia que se vio abrumada por un despliegue técnico en fotografía y edición que superaba todo lo hecho hasta ese momento. Una fotografía muy iluminada y brillante, clásica de Robert Richardson, y un ritmo aceleradísimo generado por los más de 3.000 cortes, muy superior incluso para estos tiempos, hicieron que el profundo mensaje político y social del film se perdiera y pasara desapercibido para el público de esa época.

Al verla hoy nuevamente, y acostumbrados a un cine de un ritmo más desenfrenado, es fácil de notar la mordaz crítica al sistema político, carcelario y de pocos valores con los que se rigen los medios masivos de comunicación norteamericanos. Es increíble ver como muchas cosas por las que condenaron a Oliver Stone en ese momento, son factores de elogio para otros cineastas actualmente, lo que sin duda alguna convierte el director de Asesino Natos en un visionario.

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El cine se ha convertido en el medio artístico más influyente e importante de todos los tiempos. Habiendo nacido hace solamente cien años, su influencia y alcance no tiene parangón con otro medio que haya existido. Sin embargo, en estos días que se habla tanto sobre la crisis por la que el cine está pasando, vale la pena hacer un pequeño alto en el camino y analizar un poco más calmados las cosas.

Es conveniente recordar que esta no es la primera crisis por la que pasa el séptimo arte. El primer enemigo que tuvo que enfrentar como el máximo medio de entretenimiento fue la televisión en la década de los 50. La verdad es que con el paso del tiempo ninguno destruyó al otro, sino que por el contrario lograron convivir ambos en la sociedad.

A pesar de esto, una de las medidas que el cine tuvo para enfrentar su caída en la disminución de espectadores fue la creación del formato panorámico CinemaScope (y sus competidores), ensanchando la pantalla y haciéndola más grande y espectacular. A mediados de los setenta, el cine dio otro duro golpe en su afán de atraer más espectadores con el funcionamiento del sistema de sonido de multicanales, que hacían mucho más emotiva la experiencia cinematográfica. El uso de esos elementos permitió que se notara una inmensa diferencia entre ir al cine y ver las películas que pasaban en televisión, logrando una recuperación de los espectadores que habían preferido quedarse en casa.

Sin embargo, la tecnología permitió que el entretenimiento en casa evolucionara y permitiera solventar las deficiencias de sonido e imagen con el home theater y las grandes pantallas de televisión. Además de esto, el cine hoy ha tenido que enfrentar la creciente mafia de la piratería mundial, que ha alcanzado proporciones gigantescas, logrando con esto una nueva crisis de espectadores.

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Tripulación Dave (Meet Dave, EE.UU./2008)
Ficha técnica:
Dirección: Brian Robbins
Reparto: Eddie Murphy, Elizabeth Banks, Gabrielle Union, Scott Caan y otros
Guión: Rob Greenberg y Bill Corbett
Fotografía: Clark Mathis
Música: John Debney
Presentada por 20th. Century Fox
Distribuye Fox
Doblada al castellano
Duración: 90 minutos
Calificación: apta para todos los públicos.

Eddie Murphy retorna a la pantalla con ese carisma tan particular con el que logró concitar los aplausos del público. Aquí es alguien que llega a Nueva York y no parece estar cómodo dentro de su cuerpo. Y hay motivo para ello, ya que Dave, tal su nombre, no es un hombre sino un robot, una pequeña nave que, tripulada por minúsculas criaturas, aterriza en nuestro planeta para estudiar a los humanos.

Físicamente idéntico al capitán de esa nave, Dave se asombra de todo lo que lo rodea a cada instante y conoce a una joven madre y a su pequeño hijo, con quienes comenzará una amistad que permitirá a ese robot que viste a la moda de la década del 70 conocer la amistad y la comprensión.

Tanto él como los tripulantes de la nave provienen de un lugar donde se desalienta a los sentimientos y la individualidad. Así, la llegada de Dave a la Tierra hace que ese extraño viaje se convierta en una alocada aventura en la que la cordialidad y la comprensión cambiarán el modo de pensar tanto de ese robot como del de sus compañeros de expedición.

Con la costumbre de interpretar varios papeles en un solo film, Eddie Murphy logra, con su amplia sonrisa y sus permanentes morisquetas, crear con simpatía a los dos personajes: por un lado a ese Dave asombrado por los terrícolas y por el otro al capitán que se va convenciendo cada vez más de que en el planeta al que han arribado existen la bondad y la alegría.

El director Brian Robbins logró así una comedia placentera que, mucho más allá de algunos toques reiterativos, entretiene apoyada en las andanzas de Dave, cada vez más dispuesto a comprender la naturaleza humana, mientras que en su nave, y tras un motín abortado por la cálida conciencia de su capitán, sus tripulantes comprenderán que la Tierra no es un lugar nocivo para la existencia, tal como ellos se imaginaban. La idea de un mundo de gente pequeña dentro de uno mucho más grande es el centro principal de esta trama apoyada en la natural gracia de Murphy y del resto del elenco.

Los efectos especiales, la impecable fotografía y la música, siempre dispuesta a seguir el ritmo de la anécdota, son otras sólidas apoyaturas de este film que, si bien está dirigido al público adolescente, no escapará del interés de los mayores.

Dos bonitos carteles de Max Payne la película. Imagínate cara a cara con este tío, seguro que te acabas haciendo pipí en los pantalones. Tú y yo lo sabemos, Max Payne es una gran historia de amor que mi mujer todavía no ha terminado de entender…

A partir de mañana, deberíamos tener nueva información que dar sobre la película, ya que Marco Wahlberg y el equipo de la película estarán presentes en la Comic-Con que actualmente se está celebrando en San Diego.

En el último fin de semana, “El caballero de la noche” marcó un nuevo récord en la taquilla norteamericana, al conseguir más de 150 millones de dólares. Pese a la supremacía de esta cinta, la musical “Mammi Mia!” se las apañó para quedarse con el público que pasaba de ver la nueva aventura del superhéroe.

Con un estupendo promedio de 35.579 dólares en sus 4.366 salas, “El caballero oscuro” finalizó el domingo con unos 155 millones de dólares de ganancia. Esta abrumadora cifra le convirtió en la mejor apertura de la historia, superando los 151,1 millones que “Spider-Man 3″ sumó el pasado año estableciendo una nueva marca en lo que a fin de semana de estreno se refiere. La nueva película de Batman además se quedó con el récord de mejor día de apertura, al contabilizar 18,5 millones, que dejaron en segundo lugar a los 16,9 millones de “Star Wars-Episodio III”. Todo ello colaboró para que la taquilla gozara del mejor fin de semana de su historia, con una marca de alrededor de 255 millones.

La superproducción de 180 millones de dólares tuvo además una gran acogida por parte de la crítica, siendo una de las cintas más aclamadas en lo que va de este año. Uno de los puntos sobresalientes es la interpretación de Ledger como el Joker, que hace olvidar el histrionismo de aquel Jack Nicholson de la época Burtoniana, lo cual ya ha levantado rumores de posible Oscar póstumo para el actor australiano.

Aquellos que no se dejaron conquistar por el hombre murciélago, se decantaron por la más colorida “Mamma Mia!”, adaptación cinematográfica del musical que fue suceso en el mundo, que tiene como base las canciones del inoxidable grupo sueco ABBA. Con un atractivo elenco encabezado por Meryl Streep y Pierce Brosnan, la comedia sumó 27,6 millones en 2.976 salas, confirmando un éxito que ya había probado en Europa, donde fue número uno en siete mercados.

El restante estreno de la semana en ingresar al ranking fue “Space Chimps”, una aventura para toda la familia que narra la historia de unos chimpancés que son enviados al espacio. El público no se dejó conquistar demasiado por esta producción animada, capturando unos medidos 7,35 millones en 2.511 salas.

Cabe destacar que “Hellboy II: El ejército dorado”, de Guillermo del Toro, cayó estrepitosamente ante la llegada de “El caballero oscuro”. Luego de ser líder, descendió al quinto lugar al perder un 71% de ganancia con respecto a la semana anterior. Se estima que esta película será la única que se estrenó en la cima que no llegará a recaudar 100 millones.

Top-Ten de Norteamérica en base a recaudación en dólares:

1- “El caballero de la noche” 155 millones.
2- “Mamma Mia!” 27,6 millones.
3- “Hancock” 14 millones (192 millones).
4- “Viaje al centro de la Tierra” 11,9 millones (43,1 millones).
5- “Hellboy II: El ejército dorado” 10 millones (56,4 millones).
6- “WALL-E” 9,81 millones (182 millones).
7- “Space Chimps” 7,35 millones.
8- “Se busca” 5,1 millones (123 millones).
9- “Superagente 86 de película” 4,08 millones (120 millones).
10-”Kung Fu Panda” 1,75 millones (207 millones).

Fuente: Noticine

El mexicano Guillermo del Toro no para de dar rienda suelta a su imaginación, y ya se encuentra delineando lo que es su nuevo proyecto cinematográfico, si bien tiene en espera el film más importante de su carrera: El hobbit. Entre tanto proyecto internacional, el tapatío ha adelantado que le gustaría rodar un film sobre el Apocalipsis en México.

Saturno y el final de los días es el nuevo guión que ocupa a Del Toro, el cual realizará para la compañía Cha Cha Chá, que fundó junto a sus amigos Alejandro González Iñárritu y Alfonso Cuarón para producir largometrajes de directores latinos con financiación de Hollywood. En entrevista con El Universal, el director explicó sobre su nueva historia:

“Es un niño de 7 u 8 años y la idea es que el mundo se acaba y el niño sigue yendo a la tiendita. Ahorita la estoy escribiendo como una abstracción, me encantaría que se rodara en México”.

Este proyecto sería el último de la idea original de Cha Cha Chá de realizar cuatro largometrajes dirigidos por los “Tres Amigos” y Rodrigo García. “Se está terminando Rudo y cursi, estamos preparando la de Rodrigo García y con un poquito de suerte seguirían Alejandro y Alfonso… yo sería el último Chá”, precisó el director.

Del Toro, a punto de estrenar la secuela Hellboy, el ejército dorado, no pudo evitar las preguntas sobre la anticipada adaptación de El Hobbit. Pero antes de someterse a un cuestionario advirtió que no había novedades de este film de New Line con producción de Peter Jackson, que le demandará unos cuatro años de trabajo según se dijo tiempo atrás. Lo que sí confirmó, para al menos tener una pequeña probadita, es que Ian McKellen volverá a ser Gandalf.

Fuente: Noticine

Este hombre nacido en New York el 27 de junio del año 1966, cuyo nombre ya es una marca registrada en el mundo de los audiovisuales, tanto para la industria cinematográfica como en la televisiva, cumple hoy 42 años. Por tal motivo, haremos un breve repaso por su carrera. Desde los comienzos, hasta estos días; en los que parece estar acariciando el punto más alto, la cumbre de la montaña del éxito. No puedo estar hablando de otro Jeffrey Jacob que no sea J.J. Abrams.

Al parecer, que su nombre aparezca sobreimpreso en algunos fotogramas de una serie o película, es sinónimo de altísima calidad, o por lo menos, de entretenimiento asegurado.

Abrams estudió en el Sarah Lawrence College en Bronxville, Nueva York. Durante su último año de carrera, escribió junto a Jill Mazursky un guión que fue comprado por Touchstone Pictures y que se convertiría en la película Taking Care of Business. Este sería el primer paso de JJ en al industria norteamericana de cine.

La primera película que produce y que escribe en solitario, se dio a conocer al mundo como Regarding Henry (A propósito de Henry, Una segunda oportunidad). Es la historia de un abogado detestable y deshonesto, interpretado por Harrison Ford, que al sufrir un accidente pierde la memoria por completo y tiene la posibilidad de redimirse para comenzar una nueva vida. Esta película fue realizada en el año 1991 y dirigida por Mike Nichols.

En el año 1992 se estrena la mundialmente conocida Forever Young (Eternamente Joven), Película fue protagonizada por Mel Gibson y Jamie Lee Curtis. También formaba parte del elenco un niñito llamado, nada más y nada menos, Elijha Wood. En este proyecto podemos empezar a notar cierto gusto de JJ por los aviones y los experimentos científicos, recurso que volvería a utilizar en futuros proyectos. Está película fue escrita y producida por Abrams y dirigida por Steve Miner, con quien volvería a trabajar 9 años mas tarde, delegándole la dirección del primer episodio de la tercera temporada de Felicity, serie televisiva de la que hablaremos más adelante.

En el año 1996 co-produce la película independiente The Pallbearer, protagonizada por David Schwimmer (Ross en Friends) y Gwyneth Paltrow. Esta cinta, fue dirigida por su amigo Matt Reeves a quien conoció en un Festival de cine en Los Angeles, cuando ambos filmaban cortometrajes en 8mm. Este sería el comienzo de una larga relación tanto laboral, como amistosa.

Nuevamente, junto a Jill Mazursky, en 1997, escribe la película Gone Fishing, protagonizada por Danny Glover y Joe Pesci. Hasta Aquí todos sus trabajos fueron firmados bajo el nombre de Jeffrey Abrams. Convengamos que J.J. es mucho más pegadizo y marketinero.

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El mago de los efectos especiales Stan Winston, creador de las escalofriantes criaturas de Alien, los letales cyborgs de Terminator o los dinosaurios de Parque Jurásico, falleció a causa de un cáncer a los 62 años. Había ganado cuatro Oscar y estuvo nominado en un total de diez ocasiones.

Un portavoz de su compañía, Stan Winston Studio, anunció que el artista falleció el domingo en su hogar de Malibú, California, acompañado de su familia. El artista llevaba siete años luchando contra un mieloma múltiple, un cáncer que ataca a las células del plasma sanguíneo.

Durante su dilatada carrera Winston se encargó de hacer realidad en la gran pantalla las fantasías de directores como Steven Spielberg, James Cameron o Tim Burton con sus visionarias técnicas en el campo de los efectos especiales, y fue todo un pionero en las imágenes generadas por ordenador. “Stan era un artista e inventor intrépido y valeroso. Mi mundo cinematográfico no habría sido el mismo sin él y lo que más echaré de menos era su risilla cada vez que me decía ‘nada es imposible‘”, afirmó Steven Spielberg al conocer la noticia.

El cenit de su carrera lo alcanzó con los cyborgs asesinos de Terminator 2, con los que ganó dos Oscar. De hecho, Wilson ya había comenzado a trabajar como supervisor de los efectos especiales de la cuarta entrega de la franquicia, Terminator Salvation: The Future Begins, que se está rodando en estos momentos y se estrenará el próximo año.

El protagonista de la serie, Arnold Schwarzenegger, se mostró muy afectado por la muerte de Winston. “El mundo del espectáculo ha perdido a un genio, y yo he perdido a uno de mis mejores amigos. Su increíble trabajo y sus cuatro Oscar hablan por ellos mismos y vivirán para siempre“, señaló el gobernador de California que, muy emocionado, afirmó que lo que “vivirá siempre en mi corazón será la manera en la que Stan quería a todo el mundo y trataba a todos sus amigos como si fueran su familia“.

También puso su talento al servicio de la caracterización trabajando codo con codo con Burton para crear la extraña apariencia de Johnny Depp en Eduardo Manostijeras y el grotesco disfraz del Pingüino, el villano de Batman Returns al que daba vida Danny DeVito.

Su última aportación fueron los trajes de alta tecnología que luce Robert Downey Jr. en Iron Man. John Nelson, el supervisor de efectos visuales de la cinta de la Marvel, señaló que a partir de ahora la gente del negocio se dividirá entre los que han trabajado y los que no han trabajado con Stan.

Fuente: Diario de Cádiz