This is it

¿Quién no ha oído alguna vez la música de Michael Jackson? Seguidores y detractores por igual, todos hemos crecido con la música del apodado Rey del Pop, que ha inundado nuestras vidas. Independientemente de lo que a uno pueda gustarle la música de este hombre, que en paz descanse, lo que es evidente es que supo como nadie dar a su público exactamente lo que quería. Supo volar por el escenario y otorgar a cada segundo de su música justo ese ritmo que pedían, el que les hacía enloquecer. En ese campo, Michael Jackson fue uno de los mayores genios que ha dado la música moderna y ahora tenemos en la gran pantalla, por tiempo limitado, una película que pretende hacer de homenaje póstumo a la música y los espectáculos de Michael.

Michael Jackson formó un grupo con sus hermanos (los Jackson Five) siendo aún un crío, y acumuló experiencia desde esa edad hasta que en los setenta empezara a caminar, y finalmente en los ochenta despuntara con un disco en solitario llamado ‘Thriller‘ que quizá al lector avispado le suene de algo, quizá por ser el disco más vendido de la historia acumulando siete Top Ten simultáneos en su primer año a la venta y lleno de obras maestras de la música como el tema que da nombre al disco, ‘Billie Jean’ o ‘Beat it’. Ese fue el punto definitivo en el que Michael Jackson dejó de ser un niño artista para convertirse en el Rey del Pop, y seguir siéndolo no sólo hasta su muerte, sino mucho más allá.

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Jesucristo Superstar

Estamos ante la que probablemente sea la ópera rock más famosa de la historia, y es de recibo comenzar diciendo que su fama no sólo es merecida, sino que su calidad supera a su fama. Musicalmente hablando es una maravilla, y por si fuera poco contienen una profundidad y una manera de afrontar el tema de la pasión de Jesucristo única. Criticada por la Iglesia en sus inicios, la obra presenta al Jesús más humano, y su relación con Judas, Herodes, Pilatos y los Sumos Sacerdotes, hilando la historia a partir de dichas relaciones. La película es una adaptación a la gran pantalla del musical de Broadway.

En la primera versión grabada de la obra de teatro, Jesucristo era interpretado por el incombustible Ian Gillan, de Deep Purple, uno de los mejores vocalistas de rock de todos los tiempos. Lamentablemente, a la hora de hacer la película rechazó el papel, que fue a parar finalmente al desconocido Ted Neely. En España, la versión de teatro contaba con las voces de Camilo Sesto como Jesucristo y Teddy Bautista como Judas, una versión tremendamente buena (en mi opinión, la única localización de un musical que realmente está plenamente a la altura de cuantas he visto) que contó también con una versión grabada y editada en discos. El reparto de la película lo completaban Carl Anderson e Yvonne Elliman en los otros dos papeles principales, como Judas y María Magdalena.

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Cartel de la película

Corría el año 1973. En verano, en un teatro de Londres, se estrenaba una obra escrita por el entonces desconocido Richard O’Brien y dirigida por Jim Sharman. Su éxito fue arrollador, y dos años después, en 1975, se adaptó al cine bajo el nombre ‘The Rocky Horror Picture Show’, con gran parte del reparto original. Pese a que no tuvo demasiado éxito esta versión, se siguió proyectando en sesiones de madrugada y se hizo con un público que, hipnotizado por la experiencia que planteaba, acudía una y otra vez a los cines para volver a verla. Poco a poco su fama fue creciendo, hasta convertirse en una película de culto. La experiencia se fusionó, en cierta medida, con el musical de teatro original, creando un tipo de espectáculo que transgredía las propias normas cinematográficas.

Treinta y cuatro años después, aún se proyecta en salas la que tiene el honor de ser la película más exhibida de la historia, con unas proyecciones tan atípicas como lo que cuenta. La experiencia de ir a ver ‘The Rocky Horror Picture Show’ no tiene nada que ver con ir al cine; y es que, si la película en sí ya es una obra maestra (especialmente en su primera mitad), la manera en la que se exhibe la convierte en una de las experiencias más curiosas que puede tener un espectador de cine (dentro de una sala de cine o teatro, se entiende). Aclaremos, de antemano, que hoy en día en España no sólo es muy difícil dar con una reposición por televisión, sino que encontrarla en cines es aún más complicado (por lo general sólo en algún festival, como Sitges, de manera puntual y con exhibición tradicional, es decir, como cualquier película de cine normal y corriente). Afortunadamente, ésto no es así en otros países del mundo, donde hay cines alternativos en los que se proyecta todos los fines de semana.

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Soy la única persona que conozco a la que le gustan los musicales. Cuando hablo de musicales me refiero a los de antes, desde los orígenes del cine sonoro hasta la década de los 60 más o menos. Los que vinieron después también me apasionan, pero son del tipo de musicales que a la gente no le importa nombrar sin sonrojarse.

Aquello de que en mitad de un diálogo los personajes se pongan a cantar y a dar brincos por el escenario siempre ha resultado un poco chocante para las nuevas generaciones. Esa clásica visión de la vida en multicolor pertenece a un cine que ya no existe y que alcanzó su cenit con el apogeo del sistema de los estudios de Hollywood. Un cine artesanal que tenía en plantilla a actores, directores, técnicos, carpinteros y electricistas en una suerte de empresa con identidad propia que era fácilmente identificable por los espectadores.

Los decorados (el cine americano no empezó a salir habitualmente de ellos hasta principios de los 60, cuando la nueva ola francesa hizo saltar por los aires las antiguas formas) nos llevaban a un controlado entorno donde la cámara danzaba al unísono de la música acompañando grácilmente coreografías imposibles. Una visión de un mundo mejor donde la sonrisa era la moneda de cambio y uno podía ser de nuevo un niño por unos instantes.

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Las biopics en el último tiempo han cobrado gran importancia en el mundo de Hollywood, ya sea por falta de nuevas ideas (algo que se está sosteniendo en Hollywood desde hace algún tiempo) o por el interés que ciertas figuras suscitan en la población y que merecen que sean llevadas a la pantalla grande.

En mi caso, muchas de las biopics que he visto en el último tiempo han hecho que yo muestre un fuerte interés por el personaje del cual se hablaba y después de ver las películas es casi acción obligada el tener que indagar más sobre el personaje y hacer una impresión propia sobre él a partir de la biopic.

Un defecto o punto en contra de las biopic es el hecho que estas películas tienen una extensa duración, me ha tocado ocasiones en que la persona con la que fui a ver una biopic se ha quedado dormida en pleno cine.

Otra de las características que se repiten en las biopics es la estructura de las mismas. En ellas se repite siempre una etapa de hundimiento que lleva luego a la redención del personaje ya casi al final de la película en donde el personaje se envuelve de fama y fortuna a montones.

Para algunos esta puede ser una clase de película tediosa y aburrida, pero como siempre indico, son buenas para dar un panorama general y más gráfico de la vida de alguien, ya uno más adelante puede sacar sus propias conclusiones basándose en la investigación particular y anexa a la cinta.

Sin duda, y si hablamos de biopics, hay una gran tendencia en los últimos años hacia las biopics basadas en la vida de los músicos o cantantes, ya sean estos súper conocidos o no. Por ello, veremos aquí algunas de las biografías de músicos que se han llevado a la gran pantalla.

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El realizador danés Lars von Trier contaba hacia el año 2000 con una extensa filmografía como director en la que se destacaba su colaboración en el origen del llamado Dogma 95, una modalidad de producción cinematográfica ideada en éste año que posee, entre las múltiples normas que lo rigen, la condición fundamental de emplear la cámara en mano y realizar las tomas en locación, con el objeto de evadir pretensiones esteticistas pues, como lo reza el “voto de castidad”, su manifiesto, “el instante y el ahora son más importantes que todo el producto”. Haciendo uso de esta metodología de trabajo había creado su último film hasta entonces, Idioterne (Los Idiotas), en que un grupo de personajes acuerdan actuar como si padeciesen un retraso mental buscando con ello la provocación expresa a la asfixiante sociedad en una intención, a la vez, introspectiva y liberadora. Fue éste el segundo film de la denominada “Trilogía del corazón”, iniciada con Breaking the waves (1996) y finalizada con Dancer in the dark ya en el 2000. Ésta obra, que, por cierto, no encarna por completo el espíritu de la modalidad que el director había creado junto a Thomas Vinterberg, fue multipremiada y alabada con fervor por parte de la crítica pues propone una mixtura que conjuga el profundo drama de la protagonista acuciada por una terrible y progresiva ceguera y la extrema responsabilidad que su pequeño hijo le representa con un bello y fantástico lirismo que logra articularse magníficamente.

El film, desarrollado en Washington durante la década de 1960, presenta a la joven Selma, interpretada por la talentosa artista islandesa Björk, como el personaje protagonista. Su humilde labor de obrera en una pequeña industria local le permite mantener un hogar y alimentar a su niño, Gene (Vladica Kostic), con quien se trasladase de la antaño Checoslovaquia a los Estados Unidos. Día tras día se interna en la ensordecedora sala de producción para manipulear, mecánicamente, las grandes maquinarias en una rutina inacabable y progresivamente comprometida por una temible ceguera que, de no ocultarla, podría valerle el trabajo y con ello el sustento. Es así que la mantiene en secreto, incluso ante su amiga y compañera laboral Kathy (Catherine Deneuve). Sin embargo, su verdadero gran pesar es saber que, eventualmente, su pequeño hijo sufrirá el mismo destino pues la afección es hereditaria, es ésta la razón por la que Selma guardará con gran esfuerzo parte de su sueldo para poder pagar la cirugía que lo evite. Será este el gran motor de sus acciones, aquel que le mantendrá en pie frente a semejante adversidad, mas también lo será la música, a la que con ahínco se dedica en sus tiempos libres pues acude regularmente a los ensayos de la obra The sound of music (La novicia rebelde). Allí depone momentáneamente sus aflicciones para entregarse por completo al bello ritmo de sus canciones, aquellas que disfruta bailando y cantando pues no hay en ellas sufrimiento sino la maravillosa ficción que le permite alejarse de si y adentrarse en un mundo de imperecedera felicidad. Incluso en su vida diaria, Selma imagina sus apáticas jornadas trasformadas en grandiosos musicales donde, rodeada de virtuosos bailaries, desempeña el papel principal.

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De la mano de Tim Burton llega a los cines el musical del barbero vengador.La historia comienza cuando Benjamin Barker (Johnny Deep) regresa de la prisión, a la que había sido injustamente enviado por el Juez Turpin (Alan Rickman) cuando éste se enamoró de la esposa de Benjamin y se quiso quedar con ella y su pequeña hija.

Al volver Benjamin de alta mar desea vengarse de todos los que le hicieron mal a él y a su familia, es así como vuelve a la misma barbería situada encima de la taberna de la señora Lovett.Su primera aparición en la vida pública es en una feria, un barbero italiano llama su atención y él lo bate a un duelo de afeitadas. Sale vencedor, pero luego, este barbero italiano (interpretado por Sacha Baron Cohen) se presenta en la barbería de Benjamin reclamando parte de las ganancias y sobornandolo con sacar a la luz su verdadera identidad. Es así, como Benjamin lo asesina brutalmente con una pava vieja y oxidada y decide junto con su cómplice, la señora Lovett, a utilizar su cádaver como carne para sus empanadas. Ésto deviene en muchísimos asesinatos más, que hacen que el espectador se acostumbre al caer de la sangre y los cuerpos en seco contra el suelo de la cocina ubicada justo debajo de la barbería.

Por otra parte, el pequeño niño sirviente de Pirelli, llamado Toby se queda con ellos sin enterarse nada sobre la muerte de su amo, este niño aporta a la película una gran cuota de humor y de rechazo social propio de los films de Tim Burton. Anthony Hope (un joven que lo había ayudado a escapar de la prisión y lo había llevado hasta Londres), se enamora de la hija de Benjamin: Johanna, y pretende escapar con ella para salvarla de su casamiento con el juez Turpin, que parecía no haberse conformado con Lucy Barker (la esposa de Benjamin) y ahora quería casarse con su hija.

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Singing in the rain, uno de los más afamados títulos de la historia cinematográfica, fue dirigida por Stanley Donen y Gene Kelly en el año 1952, hacia fines de la edad de oro de Hollywood y durante la instancia de mayor madurez del género musical al que pertenece. El film sitúa a la narración en el comienzo de la era sonora particularmente en torno a los estudios Monumental Pictures presentando no solo una bella historia con números espectaculares sino una suerte de ingenua revisión de la historia reciente de Hollywood, alterado por el desarrollo hacia fines de la década de 1920 de ésta nueva tecnología.

La obra nos localiza, en su comienzo, en una fastuosa premiere donde nos será presentada la gran figura de las producciones silentes, Don Lockwood (Gene Kelly) acompañada por su coestrella Lina Lamont (Jean Hagen). Entrevistado aquél por una reportera radial comenta, instaurando un gran flashback, sus humildes orígenes y acceso a la fama en un relato que nos será revelado ficticio. Asimismo responde sobre su estado civil y los rumores que le vincular románticamente con la coprotagonista, negándolos rotundamente aún siendo éstos parte de una estrategia comercial para elevar las recaudaciones y contribuir a la mitología que sobre las grandes personalidades se genera. Si bien aquella, veremos a lo largo del film, tiene un genuino interés por Lockwood, éste, en verdad, poco la tolera, en particular por su aguda y molesta voz.

Logrando escapar de la parafernalia del estreno se dirige junto a su amigo Cosmo Brown (Donald O’ Connor), pianista, a la fiesta del evento. En el trayecto el vehículo se descompone y el galán es pronto acosado por una horda de frenéticas fanáticas. Con el objeto de escapar de ella se avienta rápidamente hacia el interior de un auto que por allí pasaba. Su bella conductora, a quien luego conoceremos como Kathy Selden (Debbie Reynolds) inicialmente no le reconoce mas cuando lo hace se ofrece pronto para llevarlo a su hogar. Al preguntar Lockwood por su ocupación, ésta responde ser una reconocida actriz teatral, sin embargo, pronto la narración rectificará su pequeña mentira pues la veremos conducir a la fiesta post-premiere para acicalarse y realizar un número como corista. Previo al acto es presentada una proyección en que se introduce nueva la tecnología sonora aplicada a las grabaciones. Es casi al finalizar ésta en que el galán arriba, a tiempo para ver el número musical que llevará a cabo la pretendida actriz que le acompañó a su casa. Veremos pronto aproximarse al centro del salón una gran torta decorada de la que sale Kathy sonriente, al menos hasta que localiza a Lockwood. Risueño se acerca a la bailarina para saludarla mas ella lo evita pensado que se burlará de su ocupación. La escena es observada por Lina, la coprotagonista del galán, quien en un arranque de celos toma a su compañero del brazo y pretende llevarlo consigo.

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“Observad: aplauden al dj. No a la música, al músico o al creador. Al medio. Aquí está: el nacimiento de la cultura rave, la beatificación del ritmo, la era del baile. Bienvenidos a Manchester” (Steve Coogan como Tony Wilson).

Así describía Steeve Coogan (al interpretar a Tony Wilson) el espectáculo musical y de baile que veía a su alrededor en The Hacienda, una discoteca de Manchester que fue el centro neurálgico de los nuevos estilos musicales de los 70 y 80. Wilson, personaje y narrador, es el eje a través del cuál discurre la película que nos ocupa, pero antes de abordarla intentaremos aclarar un dato crucial ¿por qué elige el director a un productor y presentador de televisión como vehículo narrativo de un film que trata sobre mitos como Joy División, New Order o The Happy Mondays? ¿Por qué no eligió a Ian Curtis, líder de “Joy Division” o a los hermanos Ryder de “The Happy Mondays”?

Michael Winterbottom usa un estilo cercano al falso documental para acercarse a casi veinte años de música, de desarrollo de nuevas tendencias y gustos estéticos. Esta elección narrativa le obliga en cierta medida a buscar una figura central que exponga los acontecimientos. No hay ningún grupo o líder musical de la época que pueda comprender un periodo de tiempo tan extenso como el que pretende abarcar Winterbottom. Todos son estaciones en un viaje muy largo que sólo Tony Wilson recorre, su mirada y vivencias dotan de cierta coherencia y unidad a la película ¿Pero quién es Tony Wilson?

“Las compañías grandes son el status quo. Nosotros somos anarquistas. Será una cooperativa. Compartiremos los beneficios. Si no os gustamos, os largáis. Escribiré que no hay contratos con mi propia sangre”(Tony Wilson).

Con esta frase queda definido el carácter del protagonista, un excéntrico (a veces cómico) presentador musical de una televisión local de Manchester (Granada Televisión) que se lanza a la producción musical para cambiar la realidad establecida. Aunque el personaje, como la historia, está basada en hechos reales, se deforma la realidad a propósito en busca de una figura mesiánica, catalizadora de todos los cambios de una gran época. Se busca su mitificación. Y esta es la perspectiva con la que hay que analizar la película, como una historia basada en hechos reales pero deformada para convertirse en ficción; no como un documental (aunque en ocasiones el director no se defina y se quede a medio camino). Winterbottom propone una fusión formal de la realidad y la ficción imitando descaradamente la apariencia de las imágenes documentales. Así, en las recreaciones, el diseño de producción, el vestuario y la elección de los formatos y estilos de realización se calcan respecto a las imágenes reales, de manera que al combinarse, la mezcla resulta prácticamente imposible de descomponer.

El carácter mesiánico de Wilson se ve reflejado desde una de las primeras escenas de la película, la semilla de todo lo que germinará después; un concierto de los Sex Pistols en el que podemos encontrar entre el público a unos pocos elegidos (que todavía no eran conscientes del papel que jugarían en el cambio musical y artístico que se avecinaba): actuando, Sex Pistols (cogen el relevo de Buzzcocks, lideres musicales del momento que se disuelven inesperadamente), un grupo que tan sólo editó un disco pero que significó un auténtico terremoto en el panorama británico, su himno, “Anarchy in the UK” es una canción llena de referencias a William Butler Yeats o Plutarco. A pesar de su corta carrera se convirtieron en uno de los grupos de rock más influyentes de la historia. En The filth and the fury queda reflejado su aire de leyenda, de este documental son algunas de las imágenes que se mezclan con las grabadas para la película (elemento enriquecedor que Wintterbottom usa con buen criterio en la primera parte del film). Al evento también acudieron, además de Devoto y Shelley (los ya ex Buzzcocks), Tony Wilson y su esposa, Ian curtis, Peter Hook y Bernard Summer (posteriormente serían la base de Joy División), Morrisey (lideró The Smiths y no permitió su inclusión en esta película) y Mike Hucknall (Simply Red).

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The Meaning of life, dirigida en 1983 por Terry Jones, se ha convertido en uno de los films de culto del grupo de comediantes, en su mayoría británicos, conocido como Monty Python, trascendiendo su época y localización para influenciar a los posteriores nombres de la producción humorística, clara en el caso de The kids in the hall, Little Britain, South Park, e incluso los Simpson.

El film nos muestra al comienzo una breve presentación que relata la recuperación de las oficinas de una empresa que ha sido absorbida por una gran compañía globalizada. Los antiguos empleados caracterizados como piratas retoman el poder y se dirigen en su edificio, aquí convertido en una suerte de barco, a la central directiva para obtener una victoria y dirigirse hacia nuevas “victorias financieras”, lo que hubiesen logrado si, como dice el narrador “ciertas teorías modernas sobre la forma del mundo no hubiesen probado ser desastrosas”. Luego vemos al edificio caer desde el borde del mundo, aquí representado como plano. Posterior es la presentación del film principal creado con el original y arduo trabajo de animación de Terry Gilliam. La estructura, de aquí en adelante, constará de partes, a la manera literaria, para abordar el fenómeno de la vida. Un primer fragmento referirá al “milagro del nacimiento” y nos mostrará a una joven que a punto de dar a luz es ignorada por el staff de doctores por la presencia del administrador del hospital, a quien pretenderán impresionar con el equipamiento de la sala. Luego veremos una secuencia sobre el mismo tema en un país del tercer mundo donde un padre con una cantidad sorprendente de niños anuncia que ha perdido su trabajo y ya no podrá mantenerlos a todos por lo que deberá “venderlos a todos para experimentos científicos”. Instaurará aquí una dura y poco solapada crítica a los preceptos católicos que prohíben el uso de preservativos y con ello entonarán un número musical. El espectáculo será visto por una pareja protestante que hará su análisis de la situación.

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