Las biopics en el último tiempo han cobrado gran importancia en el mundo de Hollywood, ya sea por falta de nuevas ideas (algo que se está sosteniendo en Hollywood desde hace algún tiempo) o por el interés que ciertas figuras suscitan en la población y que merecen que sean llevadas a la pantalla grande.

En mi caso, muchas de las biopics que he visto en el último tiempo han hecho que yo muestre un fuerte interés por el personaje del cual se hablaba y después de ver las películas es casi acción obligada el tener que indagar más sobre el personaje y hacer una impresión propia sobre él a partir de la biopic.

Un defecto o punto en contra de las biopic es el hecho que estas películas tienen una extensa duración, me ha tocado ocasiones en que la persona con la que fui a ver una biopic se ha quedado dormida en pleno cine.

Otra de las características que se repiten en las biopics es la estructura de las mismas. En ellas se repite siempre una etapa de hundimiento que lleva luego a la redención del personaje ya casi al final de la película en donde el personaje se envuelve de fama y fortuna a montones.

Para algunos esta puede ser una clase de película tediosa y aburrida, pero como siempre indico, son buenas para dar un panorama general y más gráfico de la vida de alguien, ya uno más adelante puede sacar sus propias conclusiones basándose en la investigación particular y anexa a la cinta.

Sin duda, y si hablamos de biopics, hay una gran tendencia en los últimos años hacia las biopics basadas en la vida de los músicos o cantantes, ya sean estos súper conocidos o no. Por ello, veremos aquí algunas de las biografías de músicos que se han llevado a la gran pantalla.

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El realizador danés Lars von Trier contaba hacia el año 2000 con una extensa filmografía como director en la que se destacaba su colaboración en el origen del llamado Dogma 95, una modalidad de producción cinematográfica ideada en éste año que posee, entre las múltiples normas que lo rigen, la condición fundamental de emplear la cámara en mano y realizar las tomas en locación, con el objeto de evadir pretensiones esteticistas pues, como lo reza el “voto de castidad”, su manifiesto, “el instante y el ahora son más importantes que todo el producto”. Haciendo uso de esta metodología de trabajo había creado su último film hasta entonces, Idioterne (Los Idiotas), en que un grupo de personajes acuerdan actuar como si padeciesen un retraso mental buscando con ello la provocación expresa a la asfixiante sociedad en una intención, a la vez, introspectiva y liberadora. Fue éste el segundo film de la denominada “Trilogía del corazón”, iniciada con Breaking the waves (1996) y finalizada con Dancer in the dark ya en el 2000. Ésta obra, que, por cierto, no encarna por completo el espíritu de la modalidad que el director había creado junto a Thomas Vinterberg, fue multipremiada y alabada con fervor por parte de la crítica pues propone una mixtura que conjuga el profundo drama de la protagonista acuciada por una terrible y progresiva ceguera y la extrema responsabilidad que su pequeño hijo le representa con un bello y fantástico lirismo que logra articularse magníficamente.

El film, desarrollado en Washington durante la década de 1960, presenta a la joven Selma, interpretada por la talentosa artista islandesa Björk, como el personaje protagonista. Su humilde labor de obrera en una pequeña industria local le permite mantener un hogar y alimentar a su niño, Gene (Vladica Kostic), con quien se trasladase de la antaño Checoslovaquia a los Estados Unidos. Día tras día se interna en la ensordecedora sala de producción para manipulear, mecánicamente, las grandes maquinarias en una rutina inacabable y progresivamente comprometida por una temible ceguera que, de no ocultarla, podría valerle el trabajo y con ello el sustento. Es así que la mantiene en secreto, incluso ante su amiga y compañera laboral Kathy (Catherine Deneuve). Sin embargo, su verdadero gran pesar es saber que, eventualmente, su pequeño hijo sufrirá el mismo destino pues la afección es hereditaria, es ésta la razón por la que Selma guardará con gran esfuerzo parte de su sueldo para poder pagar la cirugía que lo evite. Será este el gran motor de sus acciones, aquel que le mantendrá en pie frente a semejante adversidad, mas también lo será la música, a la que con ahínco se dedica en sus tiempos libres pues acude regularmente a los ensayos de la obra The sound of music (La novicia rebelde). Allí depone momentáneamente sus aflicciones para entregarse por completo al bello ritmo de sus canciones, aquellas que disfruta bailando y cantando pues no hay en ellas sufrimiento sino la maravillosa ficción que le permite alejarse de si y adentrarse en un mundo de imperecedera felicidad. Incluso en su vida diaria, Selma imagina sus apáticas jornadas trasformadas en grandiosos musicales donde, rodeada de virtuosos bailaries, desempeña el papel principal.

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De la mano de Tim Burton llega a los cines el musical del barbero vengador.La historia comienza cuando Benjamin Barker (Johnny Deep) regresa de la prisión, a la que había sido injustamente enviado por el Juez Turpin (Alan Rickman) cuando éste se enamoró de la esposa de Benjamin y se quiso quedar con ella y su pequeña hija.

Al volver Benjamin de alta mar desea vengarse de todos los que le hicieron mal a él y a su familia, es así como vuelve a la misma barbería situada encima de la taberna de la señora Lovett.Su primera aparición en la vida pública es en una feria, un barbero italiano llama su atención y él lo bate a un duelo de afeitadas. Sale vencedor, pero luego, este barbero italiano (interpretado por Sacha Baron Cohen) se presenta en la barbería de Benjamin reclamando parte de las ganancias y sobornandolo con sacar a la luz su verdadera identidad. Es así, como Benjamin lo asesina brutalmente con una pava vieja y oxidada y decide junto con su cómplice, la señora Lovett, a utilizar su cádaver como carne para sus empanadas. Ésto deviene en muchísimos asesinatos más, que hacen que el espectador se acostumbre al caer de la sangre y los cuerpos en seco contra el suelo de la cocina ubicada justo debajo de la barbería.

Por otra parte, el pequeño niño sirviente de Pirelli, llamado Toby se queda con ellos sin enterarse nada sobre la muerte de su amo, este niño aporta a la película una gran cuota de humor y de rechazo social propio de los films de Tim Burton. Anthony Hope (un joven que lo había ayudado a escapar de la prisión y lo había llevado hasta Londres), se enamora de la hija de Benjamin: Johanna, y pretende escapar con ella para salvarla de su casamiento con el juez Turpin, que parecía no haberse conformado con Lucy Barker (la esposa de Benjamin) y ahora quería casarse con su hija.

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Singing in the rain, uno de los más afamados títulos de la historia cinematográfica, fue dirigida por Stanley Donen y Gene Kelly en el año 1952, hacia fines de la edad de oro de Hollywood y durante la instancia de mayor madurez del género musical al que pertenece. El film sitúa a la narración en el comienzo de la era sonora particularmente en torno a los estudios Monumental Pictures presentando no solo una bella historia con números espectaculares sino una suerte de ingenua revisión de la historia reciente de Hollywood, alterado por el desarrollo hacia fines de la década de 1920 de ésta nueva tecnología.

La obra nos localiza, en su comienzo, en una fastuosa premiere donde nos será presentada la gran figura de las producciones silentes, Don Lockwood (Gene Kelly) acompañada por su coestrella Lina Lamont (Jean Hagen). Entrevistado aquél por una reportera radial comenta, instaurando un gran flashback, sus humildes orígenes y acceso a la fama en un relato que nos será revelado ficticio. Asimismo responde sobre su estado civil y los rumores que le vincular románticamente con la coprotagonista, negándolos rotundamente aún siendo éstos parte de una estrategia comercial para elevar las recaudaciones y contribuir a la mitología que sobre las grandes personalidades se genera. Si bien aquella, veremos a lo largo del film, tiene un genuino interés por Lockwood, éste, en verdad, poco la tolera, en particular por su aguda y molesta voz.

Logrando escapar de la parafernalia del estreno se dirige junto a su amigo Cosmo Brown (Donald O’ Connor), pianista, a la fiesta del evento. En el trayecto el vehículo se descompone y el galán es pronto acosado por una horda de frenéticas fanáticas. Con el objeto de escapar de ella se avienta rápidamente hacia el interior de un auto que por allí pasaba. Su bella conductora, a quien luego conoceremos como Kathy Selden (Debbie Reynolds) inicialmente no le reconoce mas cuando lo hace se ofrece pronto para llevarlo a su hogar. Al preguntar Lockwood por su ocupación, ésta responde ser una reconocida actriz teatral, sin embargo, pronto la narración rectificará su pequeña mentira pues la veremos conducir a la fiesta post-premiere para acicalarse y realizar un número como corista. Previo al acto es presentada una proyección en que se introduce nueva la tecnología sonora aplicada a las grabaciones. Es casi al finalizar ésta en que el galán arriba, a tiempo para ver el número musical que llevará a cabo la pretendida actriz que le acompañó a su casa. Veremos pronto aproximarse al centro del salón una gran torta decorada de la que sale Kathy sonriente, al menos hasta que localiza a Lockwood. Risueño se acerca a la bailarina para saludarla mas ella lo evita pensado que se burlará de su ocupación. La escena es observada por Lina, la coprotagonista del galán, quien en un arranque de celos toma a su compañero del brazo y pretende llevarlo consigo.

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“Observad: aplauden al dj. No a la música, al músico o al creador. Al medio. Aquí está: el nacimiento de la cultura rave, la beatificación del ritmo, la era del baile. Bienvenidos a Manchester” (Steve Coogan como Tony Wilson).

Así describía Steeve Coogan (al interpretar a Tony Wilson) el espectáculo musical y de baile que veía a su alrededor en The Hacienda, una discoteca de Manchester que fue el centro neurálgico de los nuevos estilos musicales de los 70 y 80. Wilson, personaje y narrador, es el eje a través del cuál discurre la película que nos ocupa, pero antes de abordarla intentaremos aclarar un dato crucial ¿por qué elige el director a un productor y presentador de televisión como vehículo narrativo de un film que trata sobre mitos como Joy División, New Order o The Happy Mondays? ¿Por qué no eligió a Ian Curtis, líder de “Joy Division” o a los hermanos Ryder de “The Happy Mondays”?

Michael Winterbottom usa un estilo cercano al falso documental para acercarse a casi veinte años de música, de desarrollo de nuevas tendencias y gustos estéticos. Esta elección narrativa le obliga en cierta medida a buscar una figura central que exponga los acontecimientos. No hay ningún grupo o líder musical de la época que pueda comprender un periodo de tiempo tan extenso como el que pretende abarcar Winterbottom. Todos son estaciones en un viaje muy largo que sólo Tony Wilson recorre, su mirada y vivencias dotan de cierta coherencia y unidad a la película ¿Pero quién es Tony Wilson?

“Las compañías grandes son el status quo. Nosotros somos anarquistas. Será una cooperativa. Compartiremos los beneficios. Si no os gustamos, os largáis. Escribiré que no hay contratos con mi propia sangre”(Tony Wilson).

Con esta frase queda definido el carácter del protagonista, un excéntrico (a veces cómico) presentador musical de una televisión local de Manchester (Granada Televisión) que se lanza a la producción musical para cambiar la realidad establecida. Aunque el personaje, como la historia, está basada en hechos reales, se deforma la realidad a propósito en busca de una figura mesiánica, catalizadora de todos los cambios de una gran época. Se busca su mitificación. Y esta es la perspectiva con la que hay que analizar la película, como una historia basada en hechos reales pero deformada para convertirse en ficción; no como un documental (aunque en ocasiones el director no se defina y se quede a medio camino). Winterbottom propone una fusión formal de la realidad y la ficción imitando descaradamente la apariencia de las imágenes documentales. Así, en las recreaciones, el diseño de producción, el vestuario y la elección de los formatos y estilos de realización se calcan respecto a las imágenes reales, de manera que al combinarse, la mezcla resulta prácticamente imposible de descomponer.

El carácter mesiánico de Wilson se ve reflejado desde una de las primeras escenas de la película, la semilla de todo lo que germinará después; un concierto de los Sex Pistols en el que podemos encontrar entre el público a unos pocos elegidos (que todavía no eran conscientes del papel que jugarían en el cambio musical y artístico que se avecinaba): actuando, Sex Pistols (cogen el relevo de Buzzcocks, lideres musicales del momento que se disuelven inesperadamente), un grupo que tan sólo editó un disco pero que significó un auténtico terremoto en el panorama británico, su himno, “Anarchy in the UK” es una canción llena de referencias a William Butler Yeats o Plutarco. A pesar de su corta carrera se convirtieron en uno de los grupos de rock más influyentes de la historia. En The filth and the fury queda reflejado su aire de leyenda, de este documental son algunas de las imágenes que se mezclan con las grabadas para la película (elemento enriquecedor que Wintterbottom usa con buen criterio en la primera parte del film). Al evento también acudieron, además de Devoto y Shelley (los ya ex Buzzcocks), Tony Wilson y su esposa, Ian curtis, Peter Hook y Bernard Summer (posteriormente serían la base de Joy División), Morrisey (lideró The Smiths y no permitió su inclusión en esta película) y Mike Hucknall (Simply Red).

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The Meaning of life, dirigida en 1983 por Terry Jones, se ha convertido en uno de los films de culto del grupo de comediantes, en su mayoría británicos, conocido como Monty Python, trascendiendo su época y localización para influenciar a los posteriores nombres de la producción humorística, clara en el caso de The kids in the hall, Little Britain, South Park, e incluso los Simpson.

El film nos muestra al comienzo una breve presentación que relata la recuperación de las oficinas de una empresa que ha sido absorbida por una gran compañía globalizada. Los antiguos empleados caracterizados como piratas retoman el poder y se dirigen en su edificio, aquí convertido en una suerte de barco, a la central directiva para obtener una victoria y dirigirse hacia nuevas “victorias financieras”, lo que hubiesen logrado si, como dice el narrador “ciertas teorías modernas sobre la forma del mundo no hubiesen probado ser desastrosas”. Luego vemos al edificio caer desde el borde del mundo, aquí representado como plano. Posterior es la presentación del film principal creado con el original y arduo trabajo de animación de Terry Gilliam. La estructura, de aquí en adelante, constará de partes, a la manera literaria, para abordar el fenómeno de la vida. Un primer fragmento referirá al “milagro del nacimiento” y nos mostrará a una joven que a punto de dar a luz es ignorada por el staff de doctores por la presencia del administrador del hospital, a quien pretenderán impresionar con el equipamiento de la sala. Luego veremos una secuencia sobre el mismo tema en un país del tercer mundo donde un padre con una cantidad sorprendente de niños anuncia que ha perdido su trabajo y ya no podrá mantenerlos a todos por lo que deberá “venderlos a todos para experimentos científicos”. Instaurará aquí una dura y poco solapada crítica a los preceptos católicos que prohíben el uso de preservativos y con ello entonarán un número musical. El espectáculo será visto por una pareja protestante que hará su análisis de la situación.

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En una industria cinematográfica en la que imperan las superproducciones, las películas hechas con dinero en mano, directores de encargo, guiones de al uso y estrellas internacionales como imposibles protagonistas, es de agradecer que, de vez en cuando, aparezcan películas como Once.

Contando con una mínima producción y con dos músicos profesionales como personajes principales (Glen Hansard, líder de The Frames y su joven teclista Marketa Irglova), Once consigue cautivar a todo espectador que busca, ante todo, una historia sencilla y libre de florituras. Un sincero y emotivo homenaje musical, en el que destacan la escena en la que tocan juntos en una tienda de música, guitarra él, piano ella, para lograr un tema precioso llamado Falling Slowly; o los créditos iniciales, en los que él interpreta completamente solo un tema suyo, tras haberse llevado toda la tarde tocando temas de otros porque “son lo que la gente quiere”.

Decepcionará a quien busque un relato de peso, y una trama simple a más no poder. Y es que no es más que la eterna premisa de “chico conoce a chica”. Él (no se dice el nombre de los protagonistas en ningún momento) ayuda a su padre en una tienda de aspiradoras, y por las tardes canta temas por las calles de Dublín ayudado de su guitarra. Ella vende flores en la calle y sobrevive como madre soltera en un suburbio. A partir de ahí surgirá una inolvidable colaboración musical y un relato de amistad que sorprende sobretodo por su capacidad de transmisión de permanente buen rollo al espectador, no dejando cabos sueltos en la sencillez que le corresponde.

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Cuando se nos pone delante un musical (a los que nos ocupamos de poner verdes a la mayoría de películas y ensalzar las pocas buenas), nos ponemos a temblar, el corazón nos palpita y puede que hasta vengan convulsiones. ¿Cómo juzgar con objetividad un musical? ¿Cómo? ¿Cómo? Porque Hairspray es un musical sin sorpresa alguna. No hay nada nuevo, excepto el hecho de que sus resultados son, por lo general, satisfactorios.

Ante esta ardua tarea, expondré lo primero que salta a la vista y que pone al espectador con los brazos cruzados en primera instancia: Hairspray recuerda tremendamente a Grease, ese sobrevalorado musical de Randal Kleiser al servicio de John Travolta y Olivia Newton-John. Y no sólo en el título (Grease = brillantina; Hairspray = laca). Las melodías de las canciones que conforman la película son, en algunos casos, calcadas. Véase, por ejemplo, el caso de la presentación del programa de televisión en Hairspray y compárese con la presentación del coche descapotable en Grease. El parecido es intolerable, y sin embargo, la película insiste una y otra vez, a veces sin conseguirlo, en añadir nuevos matices y perspectivas a una historia mil veces vista. Travolta, que en Grease era el protagonista, un Casanova chulo barato, aquí está convertido en mujer con kilos y kilos de látex en su rostro.

Vayamos a la historia: En 1962, Tracy (Nikki Blonsky) es una joven que lo que más le gusta en el mundo es cantar y bailar. Mientras está en el instituto, sólo piensa en volver a casa y ver el programa de Corny Collins, el espacio televisivo más famoso de Baltimore. Al enterarse de que hay una audición, Tracy hará lo posible por entrar en el plantel del programa, a pesar de que su físico sea un claro impedimento para ello.

Bueno, pues aclaremos lo más importante de todo. Tracy consigue su objetivo en los primeros 30 minutos, y sin embargo la película dura una hora y cuarenta minutos. ¿Cómo es esto? Mediante canciones, una detrás de otra, y redundando en un argumento tan manido que sólo las buenas actuaciones salvan mínimamente la propuesta.

Lo mejor es que el despliegue musical y las excelentes coreografías, sencillas pero asombrosamente logradas, consiguen que el espectador no termine pensando “Oh, no, otra vez van a cantar”. Y al menos el argumento es simpático, aunque deplorablemente ingenuo e infantilizado. De todas formas, consigue una complicidad con el público (sobretodo gracias a los actores), que sólo por eso deja de rodillas a pastiches como Moulin Rouge o Chicago.

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Moulin Rouge, dirigida por Baz Luhrmann en 2001, es un regalo para nuestros sentidos. Desde el primer hasta el último fotograma, tus retinas se llenarán de música, colorido y sentimientos a flor de piel.
Protagonizada por Nicole Kidman, que encarna a la bella Satine, y por Ewan McGregor, que da vida al idealista Christian, Moulin Rouge es una joya digna de admirar y que seguirá brillando a pesar del paso del tiempo.

Según cuenta el propio Baz Luhrmann, se basó en la leyenda de Orfeo y Eurídice para crear esta bella historia de amor e infortunio: un joven, armado de musical poesía, intenta rescatar del Inframundo a su amada, aunque no siempre el amor es suficiente para luchar contra las sombras del destino.
Situada en París en torno al año 1900, encontramos a Christian, un aspirante a poeta, muy apasionado, que quiere vivir grandes experiencias de las que poder luego escribir, y a Satine, la más deseada de las cortesanas del famoso Moulin Rouge y que sólo desea convertirse en una gran actriz. Christian intenta liberar a Satine de su profundo escepticismo, deseando que se abra a la vida y al amor. Satine, enamorada sin poder evitarlo, intenta complacerlo, pero la vida no siempre nos lleva por los caminos que elegimos.

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Tanto el título original de esta película (Funny face) como el de su versión española hacen justicia a uno de los rostros más bellos que ha dado el cine: Audrey Hepburn. Tras darse a conocer con Vacaciones en Roma, Sabrina y Guerra y Paz, la actriz se puso a las órdenes de Stanley Donen en 1957 para protagonizar este musical junto a Fred Astaire. El argumento era una recreación del cuento de la Cenicienta: Hepburn encarna a Jo, una librera mustia que sueña con ser una bohemia en París. Por su parte, Astaire es un reputado fotógrafo de moda que da con ella por casualidad y la convierte en una estrella de las pasarelas. La pareja se enamora, pero durante el viaje a la capital francesa surgirán problemas.

He aquí una de las causas por las que Fred Astaire tenía sus dudas antes de participar en la película: la diferencia de edad con Audrey Hepburn. Era insultante. Él acababa de cumplir 58 años y ella apenas tenía 28. El actor de Nebraska temía que le consideraran un ‘asalta cunas’ o algo por el estilo. Pero Stanley Donen sabía que Astaire era el mejor bailarín de Hollywood, y para que el musical tuviera éxito su presencia era básica. Lo mismo que Hepburn, el rostro de moda de la época. Junto a ellos, el director añadió a la también veterana Kay Thompson, que sería el personaje más superficial al encarnar a la directora de la revista para la que trabajará Jo. Y el cóctel salió bien.

Presentado el reparto, vayamos con la música. El tema central es el que da título a la película: “I love your funny face! Your sunny, funny face!”, le canta Fred a Audrey. Llegados a este punto, abstenerse los no románticos, pues todas las canciones tienen el amor como protagonista. Las más representativas son “He loves and she loves” y “Wonderful”, verdaderas declaraciones de amor que harán saltar las lágrimas a los más bizcochones y desesperarán al resto. Y además de canciones, hay bailes muy logrados como “Bonjour París!” o “Think pink!”, donde Audrey Hepburn nos demuestra que está al mismo nivel que Fred Astaire cuando se trata de mover el esqueleto.