La carretera

Cormac McCarthy es un escritor tan brillante como peculiar en su estilo narrativo. Obras suyas fueron ‘Todos los caballos bellos‘ o ‘No es país para viejos‘, que adaptaron Billy Bob Thornton y los Coen en 2000 y 2007 respectivamente. De nuevo nos ha llegado una adaptación de un libro suyo, uno dificilísimo de adaptar del que confieso que hasta no haber visto el resultado tenía serias dudas de que fuese a estar a la altura de lo que allí se escribía, dada la dureza de la trama y al mismo tiempo su falta absoluta de acción y diálogos. Creía que era una historia para la literatura únicamente, pero lo cierto es que tras haber visto el resultado nos hemos encontrado con una película brillante en todos sus aspectos, que mantiene muy presente cada una de las palabras de McCarthy, así como el espíritu de lo que cuenta e incluso las formas. Y eso, señores, era realmente complicado.

‘La carretera’ cuenta una durísima historia, centrada en un padre y su hijo que huyen del frío invierno en dirección a climas más cálidos, en un mundo completamente desolado por algún tipo de desastre de naturaleza desconocida, que ha reducido todo a cenizas. No quedan animales, los árboles están secos, el aire está contaminado y ni siquiera el sol es visible. A la desolación de este mundo hay que añadir además la presencia del resto de supervivientes, a los que podemos contar con los dedos de la mano, una gente que malvive como puede recurriendo al canibalismo para poder seguir adelante un día más.

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Luna Nueva

Comenzamos el año en Cartelera10, aún con los rescoldos de una cartelera de 2009 que tuvo grandes taquillazos, algunos con una calidad altísima, otros bastante más lamentables. Uno de los estrenos más esperados de los ultimos tiempos fue, por supuesto, ‘Luna Nueva‘, la secuela del éxito atrapaadolescentes ‘Crepúsculo’, un romance de telenovela entre una chica retraída y un vampiro, con hombres lobo y otros elementos fantásticos para adornar y hacer un poco más comercial la mezcla. Al fin, he reunido el valor para enfrentarme a la secuela y verla, tras una amarga decepción con una primera parte absolutamente prescindible, y ha llegado el momento de que dediquemos unas palabras a la saga que hoy por hoy está encabezando el fenómeno fan a nivel mundial.

La película, en general, hace aguas por muchos sitios, y sus pocas -aunque muy acertadas- virtudes no son capaces de rescatarla. En general podemos decir que ha mejorado la dirección y la producción en general, aunque tampoco demasiado, no esperemos efectos especiales a la altura de un blockbuster (la primera vez que sale el hombre lobo es muy triste) ni una historia a la altura de… de nada, en realidad; es la mayor lacra que padece la película, no nos cuenta nada, no ocurre nada… todo son primeros planos de alguien triste mirando al infinito. La banda sonora de la película es obra del siempre inspiradisimo Alexandre Desplat, que regala una maravilla musical a una película que parece no merecerla, y que la eleva varios puntos por la expresividad que aporta.

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Metro Goldwing Meyer

“Después de todo mañana será otro día…” Con esa frase se cerraba hace ahora 70 años una de las películas más famosas de todos los tiempos Lo que el viento se llevó.  Desde que se exhibiese en los cines por primera vez el 15 de diciembre de 1939 ha pasado mucho tiempo, pero aún a día de hoy, miles de telespectadores quedan deslumbrados por la magia de esta  superproducción de Hollywood, suspiran ante los pícaros gestos de un Reth Buttler interpretado magistralmente por Clark Gable y fruncen el ceño ante los caprichos de la bellísima Escarlata O’Hara la que dio vida una joven Vivien Leigh.

Es difícil analizar el por qué del gran éxito cosechado por esta película, que parece ser inmune al paso del tiempo. Cuando la cinta se mostró por primera vez al público, el mundo se encontraba inmerso en la II Guerra Mundial, el conflicto más largo y sangriento de la historia. No era fácil, por lo tanto., conseguir el éxito con una película ambientada en otra guerra, la  de Secesión, que enfrentó al Norte y Sur de Estados Unidos entre 1861 y 1865. Sin embrago, contra todo pronóstico, la historia de amor – odio que se establece entre la caprichosa  Escarlata  y el vividor Buttler logró desde el principio atraer al gran público.

Cortesía de Vivienleigh.com

Unos personajes diferentes

Quizá una de las grandes bazas de la película, inspirada en la novela homónima de Margaret Mitchell, sea el carácter de sus personajes.
Lejos de los convencionalismos de la época, Escarlata O’Hara, la hija de un terrateniente del Sur, es una mujer caprichosa, vanidosa, deslenguada, orgullosa y , en cierto modo independiente, que no duda en hacer la vida imposible a quién sea necesario con tal de conseguir sus propósitos. De ellos,  el más elevado será el de ganar el corazón de Ashley Wilkes otro joven aristócrata enamorado de otra mujer, Melania Hamilton,  con la que contraerá matrimonio.
Si Melania representa todo lo que se espera de una dama de la época (bondadosa, esposa amantísima y resignada, ama de casa perfecta…) Escarlata es todo lo contrario. Sin embargo, el personaje no logra resultar antipático. Hay algo en el carácter de Escarlata, y en la magnífica interpretación de Vivien Leigh,  que obliga al espectador a perdonar sus desmanes y a desear que alcance sus sueños.

Tampoco Reth Buttler es lo que se espera de un caballero. Dandy, respondón, coqueto, también orgullosos y sabedor de su atractivo físico, nada tiene que ver con el entregado y apocado Ashley Wilkes del que tan enamorada está Escarlata. Sin embargo, poco apoco el espectador asiste al nacimiento de una tensión amorosa entre los protagonistas que le mantiene pegado al asiento las cuatro horas de metraje.

De la misma forma, la trama de la película hacía difícil presagiar un éxito como el que después se obtuvo. Si existía el temor a que los personajes principales no lograsen calar en el público por sus caracteres alejados de los convencionalismos, tampoco el final de la historia acompañaba. La muerte de la bondadosa Melania y de la pequeña hija de Escarlata y Reth Buttler, así como el   abandono final  de Escarlata por parte de un Reth Buttler harto de luchar por el mayor de la joven, no apuntaban, precisamente hacia los tópicos cinematográficos de la época. Sin embrago, el “ francamente querida, me importa un bledo” que Clark Gable pronuncia al final de la película , cuando se dispone a dejar de una vez por todas a una Vivien Leigh desecha en lágrimas, se ha convertido en la más famosa de la historia del cine y ha sido parodiada y reproducida en multitud de ocasiones.

Los Oscar, el primer reconocimiento

Los impresionantes decorados y el majestuoso vestuario de la cinta, que consiguió el Oscar a la mejor fotografía y a la mejor dirección de arte, contribuyeron sin duda a crear la leyenda, de la misma forma que lo hizo la banda sonora creada por  Max Steiner que resultó nominada a la estatuilla, que no obstante le fue arrebatada por Herbert Stothart, que competía con la banda sonora de El mago de Oz.

Muy pronto se vio, no obstante que la cinta iba a pasar a los nombres propios denla historia del cine. Nominada a 13 estatuillas para los Oscar de 1939, consiguió la de mejor película, mejor director para Victor Fleming, mejor actriz para Vivien Leigh y mejor actriz de reparto para  Hattie Mc Daniel  (Mamita), mejor fotografía, mejor dirección de arte, mejor montaje y mejor guion adaptado. Por ello, la gran sorpresa fue que ni Clark Gable ni Olivia de Havilland consiguieran la estatuilla por sus papeles de Reth Buttler y Melania, puesto que eran claros favoritos. A pasar de ellos, desde aquel 15 de diciembre, la leyenda de esta película no iba a hacer más que crecer.

Difícil rodaje
Lo que el viento se llevó es un mito que pudo no llegar a salir nunca de los estudios de grabación. Y es que la película encontró numerosas dificultades tanto en el rodaje como con las posteriores revisiones del metraje por parte de los censores.

Las dificultades para sacar adelante el proyecto, que costó la friolera de 4,25 millones de dólares ( ostentó durante décadas  el título de película más cara de la historia ), empezaron mucho  antes de que comenzase el rodaje con las pruebas para elegir a la protagonista. Y es que, aunque hoy en día resulta casi inconcebible que pudiera haber otra elección que no fuese Vivien Leigh para interpretar a Escarlata, el productor de la película David O ´Selznick tardó dos años e encontrar a la actriz ideal para un papel que ambicionaban estrellas de la talla de Lucie Ball, que prácticamente tenía asegurado e papel antes de que Selznick se decidiese por Vivien, Joan Crawford , Barbara Stanwick o  Paulette Goddard y para el que se hizo pruebas  a 1400 mujeres.
Pasado el mal ato de elegir a Escarlata- el papel de Rett estuvo claro desde el principio- el equipo de rodaje tuvo que vérselas con las dificultades para encontrar director. Y no era que no hubiese candidatos interesados, más bien lo contrario. La cinta llegó a tener cinco directores distintos debido a las exigencias de los actores o del propio Selznick. Reeves Eason,  Sam Wood, William Cameron Menzies, George Cukor y Victor Fleming fuern los 5 directores que se hicieron cargo de la cinta en algún momento, sin contar la escenas rodadas con directores de segunda unidad por  los avatares del rodaje. Se cuenta que el director que debía haberla realizado es George Cukor, quien apoyó la elección de Vivien Leigh, pero Clark Gable exigió su sustitución, según rumores porque Cukor (reconocido homosexual) conocía detalles del pasado de Gable y éste se sentía incómodo a su lado.  De hecho, la rumorología cuenta que cuando Vivien recogió su Oscar por esta película, cuentan que fue vista llorando en un cuarto de baño porque lamentaba que George Cukor no pudiese compartir con ella ese momento.

Y , completado el rodaje, la película no se libró de las revisiones de los censores, algo que sufrían la mayoría de las cintas en ese momento y que costaron Selznick otros cuantos miles de dólares a los censores para que Clark Gabe pudiese abandonar a Escarlata con la frase: Francamente querida, me importa un bledo, ya que esta expresión estaba en la lista de palabras malsonantes de los censores. Tampoco pudieron incluirse en el guión otras muchas expresiones pronunciada en el libro por Escarlata, que los censores tampoco consideraron adecuadas para los oídos de los americanos.

Curiosidades y frases célebres

*  La película contó con cinco directores distintos y su rodaje se prolongó durante 140 días.
* Para recrear el incendio de Atlanta se quemaron los decorados de King Kong
* La elección de la actriz Hattie Mac Dowell para el papel de Mamita, le supuso a Selnick más de un quebradero de cabeza por los códigos raciales de la época. Sin embargo, la actriz se convirtió en uno de los pilares de la cinta y se convirtió en la primera actriz de color en ganar la estatuilla.
* La escena en que Rhett coge a Scarlett y sube la escalinata hasta el dormitorio con ella gritando y pataleando tuvo que repetirse varias veces. Clark Gable, que entonces tenía treinta y ocho años y estaba en plena forma, subió las escaleras a paso ligero, con Vivien Leigh a cuestas, un buen número de veces, repitiendo la escena cada vez que se lo pidió el director Victor Fleming, buen amigo suyo. Sin embargo, llegó un momento en que el actor empezó a acusar el cansancio, pero Fleming le hizo repetir la toma una vez más. El derrengado actor subió de nuevo los pesados escalones cargando con Leigh, tras lo cual Victor Fleming le dijo, jocosamente: “En realidad no necesitaba esta última toma, pero había apostado a que no eras capaz de subir otra vez esas malditas escaleras…
* Tres frases de la película se encuentran en la lista de las 100 frases más celebres de la historia del cine elaborada por la AFI: Francamente querida, me importe un bledo (´puesto  1); “Después de todo mañana será otro día” (puesto 31) y “A Dios pongo por testigo de que jamás volveré a pasar hambre” (puesto 59)
* Clark Gable siempre renegó de su papel como Reth Buttler

Enlaces y bibliografía:

Tejero, Juan: Este rodaje es la guerra: Lo que el viento se llevó y otras batallas campales. T&B Editores 2003.
Bridges, Herb: Frankly mi dear, Gone with the wind memorabilia Mercer University Press 1995
Taylor, Helen: Scarlett’s women: Gone with the wind and its female fans. Rutgers University Press 1995
Página web sobre la película: http://www.historyinfilm.com/gwtw/index.htm
Enlace a la página de fotografías de la película en IMBD con cientos de imágenes: http://www.imdb.com/title/tt0031381/mediaindex
Trailers de la película:
http://www.youtube.com/watch?v=8mM8iNarcRc
http://www.youtube.com/watch?v=wUA5jB2MPCc&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=K9ftIzRAgAk&feature=related
Vivien Leigh recoge el Oscar:
http://www.youtube.com/watch?v=TaPMpD4oxDA&feature=related

Página web dedicada a Vivien Leigh con una gran selección de imagenes de la película: http://www.vivien-leigh.com

El pasado jueves por la tarde, la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood (los Oscar, para abreviar), dió a conocer su lista de nominados. Con este pistoletazo de salida, comienza la carrera hacia los Oscars, carrera en la que la película que nos ocupa parte con cinco candidaturas (película, director, actor, guión adaptado y montaje). A decir verdad, no es que parta con muchas posibilidades, pues la competencia es brutal. Su mejor baza es la interpretación de Langella, ensombrecida por el recital de Sean Penn y la resurrección de Mickey Rourke. Aunque todo es posible.

No es la primera vez que Ron Howard, uno de esos directores tan respetados entre sus compañeros en Hollywood como menospreciado (a veces con razón) por la crítica, aborda las fisuras del bien llamado ‘cuarto poder’. Conviene recordar que en 1994 ya lo abordó en la complaciente ‘The Paper. Detrás de la noticia’. Fue aquella una película demasiado correcta, bien rodada, pero sin brío alguno, con un Michael Keaton ‘post-batman’, una Marisa Tomei ‘post-oscar’ y el guión de un David Koepp ‘post-jurásico’. Los años no pasan en valde, y lo que en la primera incursión fue simplemente una película olvidable destacable sólo por su reparto,  la segunda afortunadamente también brilla por todo lo demás. ¿Habrá madurado Howard como cineasta? Más le vale tras haber dejado fuera del proyecto a directores tan interesantes como Martin Scorsese, Mike Nichols o Sam Mendes.

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‘La Duda’ es la adaptación de ‘Doubt’, una obra teatral de inmenso prestigio que en su palmarés tiene nada más y nada menos que el premio Pulitzer a la mejor obra dramática en 2005, y cuatro premios Tony (para entendernos, los considerados Oscar del teatro): mejor obra, mejor director (Doug Hughes), mejor actriz principal (Cherry Jones) y mejor actriz secundaria (Adriane Lenox).

Su acción nos traslada a 1964, a la Iglesia de San Nicolás, en el Bronx (lugar del que procede su autor). Allí oficia la misa el padre Flynn (Phillip Seymour Hoffman), un carismático sacerdote, querido y admirado por sus feligreses, y sobre todo por sus monaguillos, en especial Donald Millar, un alumno de raza negra al que le está costando mucho adaptarse a su nuevo colegio. La excesiva atención hacia el chico despierta en la hermana James (Amy Adams) las sospechas de que quizás haya algo más que amistad entre ambos. Atormentada por la duda, comenta sus sospechas a la hermana Aloysius Beauvier (Meryl Streep), estricta madre superiora del colegio a la que todos temen. La sospecha de pedofília unida a las opuestas personalidades de Beauvier y Flynn desemboca en un enfrentamiento entre ambos que amenaza con resquebrajar el aparentemente indestructible orden del colegio.

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La última película de Gus Van Sant comparte una cosa con la reciente ‘El Intercambio‘ de Clint Eastwood: ambas son historias reales, presuntamente aleccionadoras, que pretenden denunciar al sistema y retratar un triunfo individual que propicia un cierto ajusticiamiento colectivo y que funcionan de forma más sintética con el periodismo.

No me gustó nada la elección moral/estética de Eastwood para su relato, la consideré hueca y desagradable, demasiado deudora de lo real (algo que vemos en su estructura episódica, presuntamente documentalizada) como para ceñirse a los matices que debería proporcionar alguna ficción.

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Hacen falta películas como ‘Revolutionary Road‘. Sobretodo porque su director, Sam Mendes, repite (con menos brío pero con más incisión) ese cotidianismo extraordinario que tanto furor provocó con la irrupción de ‘American Beauty‘.

Supongamos que Jack y Rose (sí, los protagonistas de ‘Titanic‘) siguen vivos ambos, y tenemos la oportunidad de ver cómo se ha desarrollado su vida 10 años después. Se ha perdido la magia, la pasión, y ahora están acomodados en la placentera clase media americana de los 50. Por supuesto, están interpretados por Leonardo DiCaprio y Kate “vaya-pedazo-de-actriz” Winslet.

La historia no cuenta nada que no hayamos visto varias veces. Pero partiendo de la conocida novela de Richard Yates, Mendes consigue trascender la reflexión original para sumergirnos en esa profunda y dolorosa verdad que cantaba Jorge Drexler en su canción ‘Polvo de Estrellas’. No. Somos. Nada.

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Stupeur et tremblements (Estupor y temblores) es la adaptación al cine de la novela homónima y autobiográfica escrita por Amélie Nothomb en 1999. En ella contaba su experiencia durante el año que trabajó para una gran corporación japonesa, poco después de licenciarse como filóloga en la universidad de Bruselas, y con ella ganó el premio a la mejor novela concedido por la Academia Francesa. De hecho Amélie es de nacionalidad belga pero de origen japonés, ya que su padre fue cónsul de Bélgica y ella nació en Kobe y pasó los primeros años de su infancia en el Japón, cuyo idioma habla perfectamente.

Lo primero que hay que decir del filme de Alain Corneau (Policía Python 357, Fort Saganne, Todas las mañanas del mundo) es que se trata de una fidelísima adaptación de la novela, no sólo por la sensibilidad de los guionistas (Pascal Quignard y el propio Corneau) para captar la esencia del original sino también por la brevedad de éste, menos de 150 páginas que se leen en un par de horas, que hace posible abarcar prácticamente todo su contenido sin sobrepasar la duración estándar de un largometraje. No sólo eso: además de no echarse en falta ninguna de las situaciones descritas en el libro, las imágenes son la traslación exacta de los personajes y escenarios tal como los imagina el lector. Por último, es indudable que Corneau logra conectar con el pensamiento íntimo de la autora, quien a pesar de su amarga experiencia y de la ironía destilada en no pocos párrafos nunca pretendió escribir una diatriba contra los excesos y contradicciones de la sociedad japonesa, como podría interpretarse de una lectura superficial. Amélie Nothomb ama el Japón y se esfuerza por adaptarse a sus gentes y su cultura, pero existe una barrera infranqueable que a menudo convierte su admiración en estupefacción: a pesar de haber nacido en Kobe, Amélie es una gaijin (extranjera).

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Después del inmenso éxito que significó “Boogie Nights“, New Line Cinema le dio carta blanca a su director, Paul Thomas Anderson, para que trabajara en su siguiente proyecto de manera totalmente libre. Como resultado de este trato, los espectadores y amantes del cine quedamos muy agradecidos por tener la oportunidad de ver trabajar a un verdadero artista sin ninguna restricción, y que dio como resultado final una gran película como lo es Magnolia.

Magnolia cuenta el día que un numeroso grupo de personas pasan en el Valle De San Fernando, en la ciudad de Los Ángeles. Respetando la filosofía de que en el mundo las coincidencias no existen, los conflictos, desventuras e interconexiones de los personajes de la película son muy dicientes, y nos muestran un mundo en donde todos estamos conectados con todos de alguna manera, aún si no nos damos cuenta de esto.

La historia comienza con la narración de tres extraordinarios acontecimientos que son leyendas urbanas en los Estados Unidos. La característica de cada uno, y lo que los hacen tener algo en común entre ellos mismos, es que existe una inmensa coincidencia en el corazón de cada uno de los actos. Como ejemplo de lo dicho hasta ahora, vale relatar que la primera historia que se menciona es el asesinato de un hombre que vivía en Greenberry Hill en Londrés, a manos de tres personas llamadas Joseph Green, Stanley Berry, y Daniel Hill.

De allí en adelante, la película se va insertando en la vida de nueve personas, que viven en la misma ciudad, al mismo tiempo y que comparten graves y profundos problemas. La historia nos va mostrando como todos de alguna forma están sumamente interconectados, y que las actuaciones que cada uno podamos hacer, tiene unas consecuencias muy importantes en la sociedad. Cada cosa que hagamos o dejemos de hacer desata una reacción en cadena por todo el planeta, que por ser invisible no quiere decir que no exista.

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La cultura Maya ha sido y es una de las civilizaciones más fascinantes e intrigantes de la historia de la humanidad. Su ascenso, decadencia y extinción es uno de los hechos históricos más importantes del hombre, y una de las lecciones más importantes para aprender en nuestros días. Con ese fondo para el film, Mel Gibson escribió, produjo y dirigió en 2.006 su mejor film hasta ahora, Apocalypto.

El director del film mencionó en alguna entrevista que para él era sorprendente cómo los seres humanos se creen tan civilizados y evolucionados frente a sus antepasados, pero a la vez siguen cometiendo los mismos errores de antes. En Apocalypto, se nos da una muestra de lo que pudo haber sido el comportamiento de la civilización Maya, una de las más grandes y avanzadas, momentos antes de desaparecer.

Cinematográficamente hablando, Apocalypto es un film muy profundo, con una historia de aventuras muy sencilla que permite adentrarnos más en el universo creado por Gibson, además de que hace que el mensaje de la misma llegue con mucha más fuerza. La película es una perfecta representación del mundo social y político que hoy en día tenemos, con todos los males que lo corrompen y los problemas que lo amenazan a futuro.

La historia se centra en una tranquila tribu indígena, que es conquistada por un grupo de soldados Mayas, quienes necesitan mujeres para vender y hombres para sacrificar a su dios. Uno de los miembros de esta pequeña tribu, Garra de Jaguar (Rudy Youngblood), logra darse cuenta de manera tempranera del ataque a su comunidad, por lo que esconde a su esposa e hija. Los soldados mayas logran dominar a toda la tribu muy fácilmente, y se llevan a todos hacia su imperio.

Al momento de llegar a la ciudad maya, Gibson tiene el acierto de mostrar con mucha delicadeza y talento la clase de sociedad en lo que al parecer se habían convertido los mayas. Un mundo en el que la superpoblación, la avaricia, la corrupción y el daño ambiental habían calado tan profundamente, que sólo se necesitaría un poco de tiempo para que se extinguiera irremediablemente.

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