El título Kya Ka Ra Ba A es un término budista: Kya es el cielo, Ka el viento, Ra el fuego, Ba el agua y A la tierra. Todos juntos vendrían a significar El Mundo; compuesto de estos elementos. Esto explica que también se conozca esta película con el título: “Sky, wind, fire, water, earth”. También conocida como “En el silencio del mundo“.

Del año 2001. Con una duración de 55 minutos este es un film rodado con 8 mm, 16mm y cámaras digitales.

De la autoría de Naomi Kawase quien escribe se encuentra encontrándose ante un film y una obra con una profundidad tremenda; ante la cual, en parte, se siente un poco desautorizado a hablar ya que es este; recién, el primer acercamiento ante una de esas personas (y filmografías) tremendamente especiales que parecerían necesitar abordarse y entenderse como un conjunto.

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Ellos me van a poner en las películas
Ellos van a hacer de mi una gran estrella
Haremos un film de un hombre que está triste y solitario
Y todo lo que tengo que hacer es actuar naturalmente

Bueno, espero que vengas y me veas en las películas
Entonces sabré que tú verás plenamente
Al mayor tonto que alguna vez llego al gran momento
Y todo lo que tengo que hacer es actuar naturalmente

Haremos la escena sobre un hombre que está triste y solitario
Y rogando de rodillas
Actuaré el papel pero no necesitaré ayuda
Todo lo que tengo que hacer es actuar naturalmente

Bueno, te apuesto que voy a ser una gran estrella
Talvez gane un Oscar. Nunca puedes decir…
Las películas van a hacerme una gran estrella
Porque puedo actuar el papel tan bien

Así dice y empieza un tema de The Beatles (compuesto por Ringo Starr) que servirá en este documental como introducción. Enlazado conceptualmente con lo que veremos (y oiremos) a continuación funciona como una especie de burla entre fatídica e inocente. Uno oirá alegre esta versión country del tema mientras se van presentando los créditos principales mezclados con distintas imágenes de archivo; sobre todo de una familia: Los Friedman.

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Why We Fight se estrenó en el Festival de Cine de Sundance el 17 de junio de 2.005. La fecha era importante y significativa para el lanzamiento porque se cumplían exactamente 45 años del famoso discurso de despedida del presidente estadounidense Dwight D. Eisenhower. En ese discurso, el presidente le advertía a sus ciudadanos sobre un naciente problema que podría traerles muchas consecuencias al desarrollo de su nación: la co-existencia entre el aparato productivo y el militar en un nuevo sector de la economía denominado el complejo militar-industrial. Para ser muy exactos, la apreciación de Einsenhower fue algo equivocada, puesto que las consecuencias del poderío de este sistema no recayeron sobre los norteamericanos, sino sobre el resto de pueblos del mundo.

La tesis expuesta por Eugene Jarecki en su documental tiene su comienzo al final de la Segunda Guerra Mundial, cuando los Estados Unidos, después de haber creado el ejercito más importante del mundo, se quedaron con un sistema productivo muy eficiente, que daba mucho empleo, pero que no tenía razón de ser puesto que habíamos entrado a una época de paz. Por otro lado, el ejército era tan inmenso, que era imposible encontrarle un enemigo capaz de enfrentársele. Por lo tanto miles de guerras inventadas y falseadas habrían por venir, como medio de justificación y legitimación de esta industria.

El documental trata de mostrar la variedad de lados y opiniones posibles sobre la actuación de los Estados Unidos en las guerras que se han desatada desde esa época hasta nuestros días. Contando con prestantes líderes de variados sectores interesados e involucrados en las actuaciones militares de su país, el documental sostiene que las razones de la guerra, están mucho más sustentadas por los intereses de fuertes grupos privados que cualquier otra posible honorable causa.

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En este apartado me propongo hablar no de una, sino de dos películas. “El Fotoestudio de To Sang” y “Viviendo con tus ojos” son dos “documentales” de 1997 rodados en Holanda. Como algunos ejes para acercarnos a estas podríamos tener: 1. La Ficción, la No ficción y la Realidad. 2. La Fotografía, la Imagen en Movimiento (o sea, la imagen en audiovisual, que justamente por el movimiento se diferencia de la fotografía…), la Dirección (pensando sobre todo en el Audiovisual).
De cualquier forma, y como parece gustarle hacer a Van der Keuken no me voy a guiar de forma esquemática por estos; sino que, más a un estilo jazz… iré escribiendo tratando de tener estos (y otros elementos) digamos que como compás y escalas. ¿Vale?

“El Fotoestudio de To Sang“
Una calle. La recorremos siguiendo en el suelo las vías del tranvía, a un ritmo muy tranquilo. Lo que hay en ese calle: autos estacionados, gente que viene o que va, vidrieras y comercios. Muchos pequeños comercios. Iremos recorriéndolos en un travelling lateral (como si camináramos por la calle y mientras caminamos “al frente” miráramos “al costado”).
Veremos así distintos colores e inscripciones y nos llamará la atención ver “El Fotoestudio de To Sang” (que ya lo habíamos visto en el título). El travelling tiene algo particular: Vemos un comercio. Corte a negro. Vemos otro comercio. Corte a negro.
Este “recurso” (que puede parecer tan simple) logra que no tengamos ni idea de la especialidad real de esa calle. En ese travelling (con música clásica proveniente de oriente, uniendo y/o guestaltizando “la escena”) no sabemos si habremos visto lo que eran 10 cuadras/blocks/manzanas (hay varias y distintas formas de nombrar) o media.
A su vez, veremos locales que todos reconoceremos, siendo el ejemplo paradigmático uno decorado con rojo y amarillo; lleno de “m”s… Es muy gracioso el efecto de este, debido a que, notamos que los otros son locales comerciales; pero con distintos productos, colores en la fachada e idiomas.

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A veces contar la historia de una sociedad sumergida en la violencia a causa del hambre y la falta de educación es muy difícil. Es complejo poder evitar lugares comunes que conviertan a una película en un hecho absolutamente subjetivo. Tratar de reflejar cómo se vive, lo que se siente, lo que realmente sucede es tan complicado como tener que elegir un lado como protagonista de una película sin realmente inclinar la balanza hacia ese lado.

La película “Troupe de Elite” o Tropa de Elite como se traduce al español, claramente no cumple la regla de objetividad, ya que se pone de un lado en el relato. La historia nos muestra la vida y profesión de un grupo de choque de la policía federal de Brasil. Desde la mirada de estos protagonistas, somos testigos de un film muy crudo que refleja una parte de la sociedad, pocas veces utilizada como mirada principal.
Es común compartir la visión desde la pobreza, un individuo que lucha por su supervivencia en una sociedad que no le da posibilidades de avanzar o tal vez desde un narcotraficante que ha tenido una vida difícil y desea salir de aquello en lo que esta involucrado. Desde Tropa de Elite, conocemos la realidad de la policía que intenta luchar contra una delincuencia y el tráfico de drogas instalado en todas las escalas sociales.

En Brasil, el país más grande y con mayor población de América del Sur, la ciudad de Río de Janeiro es aquella que alberga la mayor cantidad de “favelas” (pequeños pueblos donde la delincuencia controla las calles, tienen sus propias reglas y las fuerzas de seguridad tiene muy poco acceso). La policía de Río de Janeiro durante años ha combatido contra el delito, que claramente es casi incontrolable o a lo sumo cercable. Para poder combatir estas olas de violencia que se llevan millones de vidas por año, la policía local ha creado una fuerza especial llamada BOPE: Batallón de Operaciones Policiales Especiales.

El BOPE fue creado el 19 de enero de 1978 como el núcleo de la compañía de Operaciones Especiales (NuCOE) a través de un proyecto elaborado y presentado por el Capitán PM Paulo Amendola Cesar de Souza para el Comandante General de PMERJ, Coronel del Ejército de Brasil Mario José Sotero de Menezes.
En la década de 1980, fue elevado a la categoría de Compañía de Operaciones Especiales (COE), cambiando poco después de nombre para obtener autonomía administrativa, siendo Compañía Independiente de Operaciones Especiales (CIOE). En 1991, se convirtió en Batallón, perteneciendo aún al Reglamento Mariscal Caetano de Farias, sede del Batallón de Policía de Choque, entre otras unidades policiales.
En el año de 2000 obtuvo instalaciones propias, ubicadas en la favela Tavares en el suburbio de Catete en la Zona Sur de la capital Fluminense.

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La pedofilia en los miembros del clero no es un tema que podríamos considerar como nuevo, sino que es ya muy conocido por muchas personas que incluso lo han vivido en carne propia. Son muchos los realizadores cinematográficos que han tocado el tema en sus películas, en especial aquellos que vienen de la tradición católica. Sinceramente, hay muchas cosas al respecto que debemos preguntarnos y pensar en si estamos viviendo una decadencia de las instituciones religiosas en torno a sus autoridades.

Cada vez vemos más y más casos y realmente nadie se pone a pensar en algún tipo de sanción o de cambio dentro de las instituciones religiosas para que estos acontecimientos simplemente dejen de ocurrir. La iglesia se ha cerrado ante todo tipo de interrogantes y reclamaciones por parte de los fieles, que no saben a ciencia cierta cual es la posición de la iglesia católica frente a estos sucesos. Al parecer su postura es de apoyo a los niños y a sus derechos, pero por otro lado apoyan a violadores que pertenecen a sus filas sin ninguna razón de por medio.

Amy Berg en este documental Líbranos del mal precisamente trata este tema de la pedofilia, pero con el agravante de ser un cura de iglesia quien la practica por un periodo largo de tiempo, es decir, usaba su sotana como el escaparate perfecto para poder captar a sus víctimas.

Esto me hace recordar a un hecho que pasó hace algunos años, durante la dictadura argentina y que recintemente fue juzgado en el fuero civil. Un cura se escondía detrás de su sotana para “ayudar” a las madres de chicos desaparecidos. Su ayuda consistía en tratar de dar por medio de sus conocidos, y empleando a la iglesia como intermediaria, ayuda a las madres proporcionándoles información sobre el paradero de sus hijos.

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“Noche y Niebla” es un documental de 32 minutos, realizado en 1955 por Alain Resnais, acerca de los campos de concentración. El film fue parte de la celebración de los diez años de la liberación de Francia de la ocupación Nazi, celebración impulsada y organizada por los historiadores Henri Michel y Olga Wormser-Migot. Comisionado por el Comité de Historia de la Segunda Guerra Mundial y la Red del Recuerdo, fue escrito por el poeta Jean Cayrol (cuya voz es la que se escucha como narradora a lo largo de la película recitando sus propios textos), quien había publicado en 1945 “Poemas de la noche y la niebla”, en referencia a su experiencia como sobreviviente del campo Mauthausen.

El título original era “Resistencia y Deportación”, pero en una reunión de pre-producción se decidió reemplazar ese nombre por el de “Nacht und Nebel” (“Noche y Niebla”), remitiendo a la marca que tenían ciertos prisioneros políticos, y al decreto de 1941 de Heinrich Himmler, en el cual quienes resistieran al Reich serían deportados y “disueltos, desaparecidos en la noche y la niebla”. La expresión, coloquialmente, significa algo así como “escapar secretamente de la oscuridad”. También en la ópera de Wagner – el compositor preferido del nazismo - “Das Reinghold” (1869) uno de sus personajes termina diciendo, mientras desaparece “Noche y niebla, ya no más nadie”. Resnais, por su parte, aceptó participar por la presencia de Cayrol, pero también, como dijera luego, porque veía la posibilidad de elaborar una obra que también estuviera hablando, desde un lugar distanciado, de la ocupación francesa en Argelia.

El film está rodado en color, pero revirtiendo permanentemente a las imágenes en blanco y negro de archivo, tanto de fotografías como de viejos noticieros. Estos últimos ilustran la barbarie y el sadismo nazi, al tiempo que el texto en off comenta la estructura y el funcionamiento de los campos de concentración. No es sólo la tortura su foco de interés, sino también ver a los campos como parte de un engranaje económico. De hecho, Pier Paolo Pasolini habría de hacer algo similar en su pieza teatral “Calderón” (una relectura de la obra “La vida es sueño”, de Calderón de la Barca, de 1635), de 1973, cuando su protagonista despertara finalmente para ver la realidad como un campo de exterminio.

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El planeta entero está a punto de ser destruido por la acción del ser humano, todos los científicos lo dicen desde sus laboratorios y universidades. Ante el calentamiento climático, la fundición de los hielos, la desaparición de millones de hectáreas de bosque y los numerosos desajustes naturales que ocurren en todo el planeta hay algunas personas que están intentando reaccionar. Este es el caso de Rob Stewart, biólogo y fotógrafo especializado en el mundo submarino y un ¡enamorado de los tiburones! Testigo de la extinción en masa de su animal favorito, traza aquí el retrato apenando de una especie en vías de extinción, una especie que nunca ha tenido las simpatías del hombre y ha sido maltrata. A través de un documental de choque que no duda un segundo en ir a expulsar a los furtivos y tomar partido en la lucha por las especies animales, Rob Stewart reacciona y nos abre los ojos sobre nuestra ignorancia y pasividad. Una crítica constructiva, apasionada y terrible.

Desde la infancia, Rob Stewart es un apasionado de los tiburones. Tanto que se convirtió en biólogo y fotógrafo submarino con el fin de poder nadar con ellos, descifrar su misterio y destruir el mito del tiburón antropófago. Este mito, enteramente, sería a su modo de ver responsable de la indiferencia que rodea al ser humano ante estos animales en todas partes del mundo. Si no, no existe otra explicación a la masacre que se realiza con fines comerciales. De Costa Rica a las Islas Galápagos, pasando por Guatemala, Stewart y la tripulación del activista de los mares Paul Watson intentan denunciar y hacer fracasar a los furtivos a saldo de mafias asiáticas respaldadas por gobiernos corruptos. En juego está el equilibrio ecológico del planeta.

Raros son los documentales que nos ponen ante una realidad tan terrible, capaz de hacer nacer en el espectador un sentimiento de culpabilidad tan intenso y útil en esto de la concienciación ecológica. Como buenos imbéciles que somos, nos hemos empapado de la imagen que la televisión ha dado de un animal al que se ha demonizado sin motivo. El tiburón ha sido considerado como el último enemigo de la especie humana al considerarlo el rey de la cadena alimentaria del fondo marino. Sin embargo estamos hablando de un animal temeroso, muy poco conocido por parte de los biólogos y que se está extinguiendo a pasos agigantados. En los últimos años, a causa del comercio de la aleta de tiburón se ha convertido en una delicatesen en algunas regiones del mundo. Gracias a eso, se estima que el 90% de los tiburones han desaparecido.

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La película que hoy os regalamos en Cartelera10.com describe el proceso de recuperación de empresas en Argentina por parte de los trabajadores. Una película de los canadienses Avi Lewis y Naomi Klein. Con voluntad “subversiva” y “de emocionar” gracias a “una historia humana” en los antípodas del reality show, Klein y Lewis pretenden que La toma dé “un giro de 180 grados al debate sobre la globalización“. ¿Cómo? “Presentando alternativas” a una problemática, la de la fuga de capitales y la deslocalización de empresas, capaz de “arrasar un país fronterizo entre el primer y el tercer mundo como Argentina pero que amenaza por igual a Barcelona, Toronto y Caracas“.

Lewis admite que se han ocupado fábricas en otros lugares y momentos de la historia, pero destaca del caso argentino “un énfasis nuevo en la democracia de base asamblearia” y el ejemplo de una lucha obrera que sustituye “la tradición de la huelga” por la “insistencia en el derecho y la necesidad de trabajar con dignidad“. Klein puntualiza: “Si en los años 70 la ocupación de fábricas fue fruto de una ideología que iba de la cabeza a los pies, hoy se ha invertido el proceso y la política nace y crece en acciones como la de ocupar no sólo una fábrica, sino una casa, un centro social o –tomados de internet– un programa de software libre o una canción“.

La combinación suena letal: Martin Scorsese + los Rolling Stones. El documental “Shine a Light” se estrenará el año que viene y mostrará a la banda inglesa en primer plano en un concierto filmado en el Beacon Theatre de Nueva York en setiembre de 2006. Martín Scorsese es fanático de los Stones y recién ahora pudo cumplir el sueño de trabajar junto a su grupo favorito, al que no conocía personalmente. El talentoso director musicalizó varias de sus películas con temas de ellos, como “Buenos Muchachos” y “Casino”.

En el documental, en el pequeño teatro de Nueva Cork aparecen invitados especiales como Bill Clinton o Christina Aguilera, es decir gente que no tiene nada relacionado al grupo. Se anuncia como “un acercamiento riguroso, deslumbrante, divertido y profundamente humano a los cuatro miembros de los Rolling Stones a lo largo de su pasado y su más enérgico presente”. Así, a Mick Jagger, Keith Richards, Ron Wood y Charlie Watts se los podrá observar más cerca que nunca.

No es la primera vez que Scorsese se prueba con el rock: ya realizó documentales con The Band (“El Ultimo Vals”), Bob Dylan (“No Direction Home”) y prepara otro sobre el fallecido Beatle George Harrison. Sobre el título de la peli, el director de “Los Infiltrados” afirmó que “me gustaba la idea de la luz: volver a echar luz sobre los Stones, iluminar su música y la contribución que hicieron a la cultura”. La canción “Shine a Light” está incluida en el disco “Exile On Main Street” de 1972.

En una entrevista reciente, Scorsese declaró que en el documental no hay entrevistas con ningún miembro del grupo: “Hace 40 años que los conocemos, ya han dicho todo. ¿Qué se les puede preguntar? Todo es su música y su actuación. Eso es lo que queda, lo que me inspira”. Y precisamente, la música de los Stones habla por sí sola: no faltarán clásicos de toda la vida, como “Jumpin’ Jack Flash” o “Sympathy For the Devil”, y otras menos conocidas como “Loving Cup”, a dúo con Jack White de The White Stripes o “Live With Me”, con la presencia de Christina Aguilera. Aquello de ‘es solo rocanrol pero me gusta’ le calza perfecto a Scorsese, veremos si el documento final está a la altura de los protagonistas.