This is it

¿Quién no ha oído alguna vez la música de Michael Jackson? Seguidores y detractores por igual, todos hemos crecido con la música del apodado Rey del Pop, que ha inundado nuestras vidas. Independientemente de lo que a uno pueda gustarle la música de este hombre, que en paz descanse, lo que es evidente es que supo como nadie dar a su público exactamente lo que quería. Supo volar por el escenario y otorgar a cada segundo de su música justo ese ritmo que pedían, el que les hacía enloquecer. En ese campo, Michael Jackson fue uno de los mayores genios que ha dado la música moderna y ahora tenemos en la gran pantalla, por tiempo limitado, una película que pretende hacer de homenaje póstumo a la música y los espectáculos de Michael.

Michael Jackson formó un grupo con sus hermanos (los Jackson Five) siendo aún un crío, y acumuló experiencia desde esa edad hasta que en los setenta empezara a caminar, y finalmente en los ochenta despuntara con un disco en solitario llamado ‘Thriller‘ que quizá al lector avispado le suene de algo, quizá por ser el disco más vendido de la historia acumulando siete Top Ten simultáneos en su primer año a la venta y lleno de obras maestras de la música como el tema que da nombre al disco, ‘Billie Jean’ o ‘Beat it’. Ese fue el punto definitivo en el que Michael Jackson dejó de ser un niño artista para convertirse en el Rey del Pop, y seguir siéndolo no sólo hasta su muerte, sino mucho más allá.

Seguir leyendo »

Este es un documental de Patricio Guzmán. Chileno radicado en Francia. Del año 1997 con una duración de 52 minutos estamos ante un material muy interesante.

Patricio Guzmán tiene una larga trayectoria. Es él el autor de “La Batalla de Chile”, película suya que es, seguramente, la que más se ha conocido en el mundo y que (paradójicamente) aún en el momento de rodaje de La Memoria Obstinada no había sido estrenada en Chile.

A su vez, de su autoría es “El caso Pinochet” del año 2001. En esta se seguían los 500 días del arresto de Augusto Pinochet, así como los pormenores del intrincado proceso judicial y diplomático.

Posteriormente hace “Salvador Allende” estrenada con gran éxito en el Festival de Cannes 2004. En esta se sigue la vida de Allende, desde su niñez y con abundante material de archivo.

Todos estos son documentales que como el lector podrá apreciar, hacen foco sobre el mismo tema.
Patricio Guzmán ha declarado que no le molesta hacer siempre la misma película. Este es un elemento “más o menos común” de ciertos autores que siguen siempre una línea determinada (el ejemplo, que viene a mi mente, aunque sea muy distante, en este momento es Ozu). Muchas veces guiada por sus propias obsesiones e ideas. Una particularidad sea, tal vez, que él se ha acercado siempre a estos temas desde el documental.

Seguir leyendo »

Como la alineación de varios planetas parece funcionar esta película que, sin lugar a dudas es e implica la alineación en un mismo punto del espacio y en un mismo momento de estas estrellas y artistas: Martin Scorsese, The Rolling Stones y el Beacon Theater de Nueva York.

La idea se forjó, en un principio en Mike Jagger. Que, pensaba en un principio, que se filmara en Río de Janeiro; en la playa frente a un millón de personas…

Los Stones se pusieron en campaña para conseguir a uno de “los grandes directores” y terminaron con uno de los más. Esto a mi me ha sido una sorpresa. Había pensado (incluso por como es abordada la película) que Scorsese había propuesto el proyecto a los Rolling Stones.

Parece que Keith Richards (a pesar de ese estado de aparente destrucción en que se lo ve, al menos en esos magistrales primeros planos del film) es un gran admirador del cine de Scorsese y ha dicho saber prácticamente enteros diálogos de algunas de sus películas.

La idea del Beacon Theater fue propuesta por Scorsese. Es bastante lógico si uno piensa en la consideración de que, cada concierto de los Rolling Stones era un espectáculo de por sí, filmado cada vez desde quién sabe cuántas cámaras en lo que ya, de por sí eran megaproducciones (puesto que si bien es grande… no es un teatro tan grandilocuente el Beacon).

Tomando en cuenta esto y, cómo podría sacarle más jugo de forma más cercana a su cine y sus inquietudes Scorsese propuso un show en el Beacon Theater.

Seguir leyendo »

El título Kya Ka Ra Ba A es un término budista: Kya es el cielo, Ka el viento, Ra el fuego, Ba el agua y A la tierra. Todos juntos vendrían a significar El Mundo; compuesto de estos elementos. Esto explica que también se conozca esta película con el título: “Sky, wind, fire, water, earth”. También conocida como “En el silencio del mundo“.

Del año 2001. Con una duración de 55 minutos este es un film rodado con 8 mm, 16mm y cámaras digitales.

De la autoría de Naomi Kawase quien escribe se encuentra encontrándose ante un film y una obra con una profundidad tremenda; ante la cual, en parte, se siente un poco desautorizado a hablar ya que es este; recién, el primer acercamiento ante una de esas personas (y filmografías) tremendamente especiales que parecerían necesitar abordarse y entenderse como un conjunto.

Seguir leyendo »

Ellos me van a poner en las películas
Ellos van a hacer de mi una gran estrella
Haremos un film de un hombre que está triste y solitario
Y todo lo que tengo que hacer es actuar naturalmente

Bueno, espero que vengas y me veas en las películas
Entonces sabré que tú verás plenamente
Al mayor tonto que alguna vez llego al gran momento
Y todo lo que tengo que hacer es actuar naturalmente

Haremos la escena sobre un hombre que está triste y solitario
Y rogando de rodillas
Actuaré el papel pero no necesitaré ayuda
Todo lo que tengo que hacer es actuar naturalmente

Bueno, te apuesto que voy a ser una gran estrella
Talvez gane un Oscar. Nunca puedes decir…
Las películas van a hacerme una gran estrella
Porque puedo actuar el papel tan bien

Así dice y empieza un tema de The Beatles (compuesto por Ringo Starr) que servirá en este documental como introducción. Enlazado conceptualmente con lo que veremos (y oiremos) a continuación funciona como una especie de burla entre fatídica e inocente. Uno oirá alegre esta versión country del tema mientras se van presentando los créditos principales mezclados con distintas imágenes de archivo; sobre todo de una familia: Los Friedman.

Seguir leyendo »

Why We Fight se estrenó en el Festival de Cine de Sundance el 17 de junio de 2.005. La fecha era importante y significativa para el lanzamiento porque se cumplían exactamente 45 años del famoso discurso de despedida del presidente estadounidense Dwight D. Eisenhower. En ese discurso, el presidente le advertía a sus ciudadanos sobre un naciente problema que podría traerles muchas consecuencias al desarrollo de su nación: la co-existencia entre el aparato productivo y el militar en un nuevo sector de la economía denominado el complejo militar-industrial. Para ser muy exactos, la apreciación de Einsenhower fue algo equivocada, puesto que las consecuencias del poderío de este sistema no recayeron sobre los norteamericanos, sino sobre el resto de pueblos del mundo.

La tesis expuesta por Eugene Jarecki en su documental tiene su comienzo al final de la Segunda Guerra Mundial, cuando los Estados Unidos, después de haber creado el ejercito más importante del mundo, se quedaron con un sistema productivo muy eficiente, que daba mucho empleo, pero que no tenía razón de ser puesto que habíamos entrado a una época de paz. Por otro lado, el ejército era tan inmenso, que era imposible encontrarle un enemigo capaz de enfrentársele. Por lo tanto miles de guerras inventadas y falseadas habrían por venir, como medio de justificación y legitimación de esta industria.

El documental trata de mostrar la variedad de lados y opiniones posibles sobre la actuación de los Estados Unidos en las guerras que se han desatada desde esa época hasta nuestros días. Contando con prestantes líderes de variados sectores interesados e involucrados en las actuaciones militares de su país, el documental sostiene que las razones de la guerra, están mucho más sustentadas por los intereses de fuertes grupos privados que cualquier otra posible honorable causa.

Seguir leyendo »

En este apartado me propongo hablar no de una, sino de dos películas. “El Fotoestudio de To Sang” y “Viviendo con tus ojos” son dos “documentales” de 1997 rodados en Holanda. Como algunos ejes para acercarnos a estas podríamos tener: 1. La Ficción, la No ficción y la Realidad. 2. La Fotografía, la Imagen en Movimiento (o sea, la imagen en audiovisual, que justamente por el movimiento se diferencia de la fotografía…), la Dirección (pensando sobre todo en el Audiovisual).
De cualquier forma, y como parece gustarle hacer a Van der Keuken no me voy a guiar de forma esquemática por estos; sino que, más a un estilo jazz… iré escribiendo tratando de tener estos (y otros elementos) digamos que como compás y escalas. ¿Vale?

“El Fotoestudio de To Sang“
Una calle. La recorremos siguiendo en el suelo las vías del tranvía, a un ritmo muy tranquilo. Lo que hay en ese calle: autos estacionados, gente que viene o que va, vidrieras y comercios. Muchos pequeños comercios. Iremos recorriéndolos en un travelling lateral (como si camináramos por la calle y mientras caminamos “al frente” miráramos “al costado”).
Veremos así distintos colores e inscripciones y nos llamará la atención ver “El Fotoestudio de To Sang” (que ya lo habíamos visto en el título). El travelling tiene algo particular: Vemos un comercio. Corte a negro. Vemos otro comercio. Corte a negro.
Este “recurso” (que puede parecer tan simple) logra que no tengamos ni idea de la especialidad real de esa calle. En ese travelling (con música clásica proveniente de oriente, uniendo y/o guestaltizando “la escena”) no sabemos si habremos visto lo que eran 10 cuadras/blocks/manzanas (hay varias y distintas formas de nombrar) o media.
A su vez, veremos locales que todos reconoceremos, siendo el ejemplo paradigmático uno decorado con rojo y amarillo; lleno de “m”s… Es muy gracioso el efecto de este, debido a que, notamos que los otros son locales comerciales; pero con distintos productos, colores en la fachada e idiomas.

Seguir leyendo »

A veces contar la historia de una sociedad sumergida en la violencia a causa del hambre y la falta de educación es muy difícil. Es complejo poder evitar lugares comunes que conviertan a una película en un hecho absolutamente subjetivo. Tratar de reflejar cómo se vive, lo que se siente, lo que realmente sucede es tan complicado como tener que elegir un lado como protagonista de una película sin realmente inclinar la balanza hacia ese lado.

La película “Troupe de Elite” o Tropa de Elite como se traduce al español, claramente no cumple la regla de objetividad, ya que se pone de un lado en el relato. La historia nos muestra la vida y profesión de un grupo de choque de la policía federal de Brasil. Desde la mirada de estos protagonistas, somos testigos de un film muy crudo que refleja una parte de la sociedad, pocas veces utilizada como mirada principal.
Es común compartir la visión desde la pobreza, un individuo que lucha por su supervivencia en una sociedad que no le da posibilidades de avanzar o tal vez desde un narcotraficante que ha tenido una vida difícil y desea salir de aquello en lo que esta involucrado. Desde Tropa de Elite, conocemos la realidad de la policía que intenta luchar contra una delincuencia y el tráfico de drogas instalado en todas las escalas sociales.

En Brasil, el país más grande y con mayor población de América del Sur, la ciudad de Río de Janeiro es aquella que alberga la mayor cantidad de “favelas” (pequeños pueblos donde la delincuencia controla las calles, tienen sus propias reglas y las fuerzas de seguridad tiene muy poco acceso). La policía de Río de Janeiro durante años ha combatido contra el delito, que claramente es casi incontrolable o a lo sumo cercable. Para poder combatir estas olas de violencia que se llevan millones de vidas por año, la policía local ha creado una fuerza especial llamada BOPE: Batallón de Operaciones Policiales Especiales.

El BOPE fue creado el 19 de enero de 1978 como el núcleo de la compañía de Operaciones Especiales (NuCOE) a través de un proyecto elaborado y presentado por el Capitán PM Paulo Amendola Cesar de Souza para el Comandante General de PMERJ, Coronel del Ejército de Brasil Mario José Sotero de Menezes.
En la década de 1980, fue elevado a la categoría de Compañía de Operaciones Especiales (COE), cambiando poco después de nombre para obtener autonomía administrativa, siendo Compañía Independiente de Operaciones Especiales (CIOE). En 1991, se convirtió en Batallón, perteneciendo aún al Reglamento Mariscal Caetano de Farias, sede del Batallón de Policía de Choque, entre otras unidades policiales.
En el año de 2000 obtuvo instalaciones propias, ubicadas en la favela Tavares en el suburbio de Catete en la Zona Sur de la capital Fluminense.

Seguir leyendo »

La pedofilia en los miembros del clero no es un tema que podríamos considerar como nuevo, sino que es ya muy conocido por muchas personas que incluso lo han vivido en carne propia. Son muchos los realizadores cinematográficos que han tocado el tema en sus películas, en especial aquellos que vienen de la tradición católica. Sinceramente, hay muchas cosas al respecto que debemos preguntarnos y pensar en si estamos viviendo una decadencia de las instituciones religiosas en torno a sus autoridades.

Cada vez vemos más y más casos y realmente nadie se pone a pensar en algún tipo de sanción o de cambio dentro de las instituciones religiosas para que estos acontecimientos simplemente dejen de ocurrir. La iglesia se ha cerrado ante todo tipo de interrogantes y reclamaciones por parte de los fieles, que no saben a ciencia cierta cual es la posición de la iglesia católica frente a estos sucesos. Al parecer su postura es de apoyo a los niños y a sus derechos, pero por otro lado apoyan a violadores que pertenecen a sus filas sin ninguna razón de por medio.

Amy Berg en este documental Líbranos del mal precisamente trata este tema de la pedofilia, pero con el agravante de ser un cura de iglesia quien la practica por un periodo largo de tiempo, es decir, usaba su sotana como el escaparate perfecto para poder captar a sus víctimas.

Esto me hace recordar a un hecho que pasó hace algunos años, durante la dictadura argentina y que recintemente fue juzgado en el fuero civil. Un cura se escondía detrás de su sotana para “ayudar” a las madres de chicos desaparecidos. Su ayuda consistía en tratar de dar por medio de sus conocidos, y empleando a la iglesia como intermediaria, ayuda a las madres proporcionándoles información sobre el paradero de sus hijos.

Seguir leyendo »

“Noche y Niebla” es un documental de 32 minutos, realizado en 1955 por Alain Resnais, acerca de los campos de concentración. El film fue parte de la celebración de los diez años de la liberación de Francia de la ocupación Nazi, celebración impulsada y organizada por los historiadores Henri Michel y Olga Wormser-Migot. Comisionado por el Comité de Historia de la Segunda Guerra Mundial y la Red del Recuerdo, fue escrito por el poeta Jean Cayrol (cuya voz es la que se escucha como narradora a lo largo de la película recitando sus propios textos), quien había publicado en 1945 “Poemas de la noche y la niebla”, en referencia a su experiencia como sobreviviente del campo Mauthausen.

El título original era “Resistencia y Deportación”, pero en una reunión de pre-producción se decidió reemplazar ese nombre por el de “Nacht und Nebel” (“Noche y Niebla”), remitiendo a la marca que tenían ciertos prisioneros políticos, y al decreto de 1941 de Heinrich Himmler, en el cual quienes resistieran al Reich serían deportados y “disueltos, desaparecidos en la noche y la niebla”. La expresión, coloquialmente, significa algo así como “escapar secretamente de la oscuridad”. También en la ópera de Wagner – el compositor preferido del nazismo – “Das Reinghold” (1869) uno de sus personajes termina diciendo, mientras desaparece “Noche y niebla, ya no más nadie”. Resnais, por su parte, aceptó participar por la presencia de Cayrol, pero también, como dijera luego, porque veía la posibilidad de elaborar una obra que también estuviera hablando, desde un lugar distanciado, de la ocupación francesa en Argelia.

El film está rodado en color, pero revirtiendo permanentemente a las imágenes en blanco y negro de archivo, tanto de fotografías como de viejos noticieros. Estos últimos ilustran la barbarie y el sadismo nazi, al tiempo que el texto en off comenta la estructura y el funcionamiento de los campos de concentración. No es sólo la tortura su foco de interés, sino también ver a los campos como parte de un engranaje económico. De hecho, Pier Paolo Pasolini habría de hacer algo similar en su pieza teatral “Calderón” (una relectura de la obra “La vida es sueño”, de Calderón de la Barca, de 1635), de 1973, cuando su protagonista despertara finalmente para ver la realidad como un campo de exterminio.

Seguir leyendo »