¿Habrá perdido Tim Burton había perdido la llave del país de las maravillas? Cineasta estrella en la década de los noventa con películas como Batman Returnos, Eduardo Manostijeras, Pesadilla antes de Navidad o la maravillas Ed Word, Tim Burton ha sido una sombra de a sí mismo en la década de 2000, sin dejar de reiterar su firma hasta la auto-caricatura.

En 1999, a pesar de su indiscutible maestría formal, pero ya un poco hinchada, Sleepy Hollow, la leyenda del jinete sin cabeza ha anunciado el comienzo que marcaría el estilo Burton, sobre la base de un simple, claramente: una revisión de un cuento gótico con un Johnny Deep a medio camino entre una figura poética y un payaso triste e incomprendido. El director probablemente sintió que había dado con la “receta” del Grial, pero los productores son un veneno para los artistas que no buscan la renovación continua.

En la década de 2000, Burton ha tratado de romper el patrón con el que se había diseñado a sí mismo: nos regalaba la olvidable Planet of the Apes en primer lugar, probablemente la peor de sus películas, y Big Fish un intento de poner luz en la oscuridad del cine burtonniano. Una cinta algo ahogada en los buenos sentimientos y la estética, sin acritud, factura puramente de Hollywood. Después de este viaje dos veces tenue, Burton volvió a sus ovejas, cometiendo una serie de cambios que también aliento repetitivas sobre la receta de su “original”: el siniestro Charlie y la fábrica de chocolate que plagia Eduardo Manostijeras.

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Anticipándose a la batalla que dentro de un par de semanas protagonizarán en los Oscar, Avatar y En tierra hostil vuelven a enfrentarse como las dos máximas favoritas en los premios BAFTA del cine británico. Y es que , cuando quedan menos de quince días para que se entreguen las estatuillasmás preciadas de la meca del cine, estas dos cintas compiten como favoritas en los que se consideran los premios gordos del cine europeo: los premios Bafta que se entregarán el domingo 21 de febrero.

Imagen de la película En tierra Hostil

La tensión está servida y la emoción y el morbo tampoco están de lado en la  lucha  cinematográfica entre estas dos cintas dirigidas, respectivamente por   James Cameron y Kathryn Bigelow, la que fuese mujer del director de Titanic entre 1989 y 1991, optan a ocho premios cada una. La cinta An Education, un drama dirigido por Lone Scherfig, que empezó como una de las favoritas en la carrera a los Oscar, está nominada también a ocho estatuillas, aunque es muy posible que su capacidad de brillar quede muy menguada por el duelo de las dos cintas antes mencionadas.

Los críticos aseguran que el duelo que se producirá mañana por l noche entre  Avatar y En tierra Hostil es algo más que una lucha de ex marido y ex mujer. Es un enfrentamiento entre dos maneras de hacer y de entender cine. De un lado, la película de Cameron, la cinta más taquillera de todos los tiempos con una recaudación mundial que supera los 2.400 millones de dólares (unos 1.610 millones de euros), y que ha batido el record que ostentaba este mismo director por Titanic. En el otro lado,  tenemos una película ensalzada por la crítica de forma casi unánime pero que ha recaudado menos de 18 millones de dólares en todo el mundo.

Mientras que Avatar opta a los premios a mejor película, director, fotografía, edición, música, diseño de producción, sonido y efectos especiales visuales. Por su parte, En Tierra Hostil es candidata a mejor película, director, guión original, actor, fotografía, edición, sonido y efectos especiales visuales  y   An Education, opta a mejor película, película británica, director, actriz, actor de reparto, guión adaptado, diseño de vestuario y maquillaje y peluquería.

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Avatar ya ha entrado con en las páginas de la historia del cine y lo ha hecho, como siempre sucede en estos casos, consiguiendo que todos hablen de ella, aunque sea mal, como dirían algunos. Y es que  el fenómeno de taquilla creado por James Cameron está pendiente también en las conversaciones del Vaticano. Por extraño que parezca, la Iglesia ha decidido pronunciarse acerca de esta fábula en la que se narra la historia de un ex marine que, tras quedar paralizado, tiene la posibilidad de recuperar su movilidad gracias a un programa espacial llamado Avatar que le proveerá de un traje mecánico que funcionará como cuerpo. Cuando llegue a Pandora, un planeta lluvioso con nuevas formas de vida, deberá aprender a convivir con estos extraños seres azules que son mucho más avanzados que los humanos. Sin embargo, no será fácil. La codicia de los humanos pronto les hará desear las riquezas naturales de Pandora y desencadenará una guerra entre ambos mundos.

Por supuesto, en medio de todo este lio de luchas entre razas hay una moraleja: los seres humanos somos nuestro peor enemigo, somos capaces de destruir y matara por pura avaricia. También hay un mensaje ecologista, sobre el cuidado del medio ambiente y la posibilidad de adquirir el desarrollo de un modo que no esté reñido con conservar los recursos que la Tierra nos ofrece.

¿Qué puede haber de malo en este mensaje? Aparentemente, nada. Pero solo en apariencia, o al menos eso debemos decir si tenemos en cuenta la crítica que desde El Vaticano se ha hecho de la película de Cameron.

Pese a que no hay nada de religiosos en la temática de Avatar, como sí sucedía en cintas criticadas anteriormente por el estado vaticano como El Código Da Vinci y su secuela, Ángeles y Demonios, La pasión de Mel Gibson , ‘La última tentación de Cristo de Scorsese o la española Camino,  los medios vaticanos han sido bastante duros con Avatar.

‘L’Osservatore Romano’, el periódico oficioso del Vaticano critica la poca originalidad de la superproducción en 3D de Cameron, que contrasta con su revolucionaria tecnología. Así, califica la película como “una superficial parábola anti imperialista y antimilitarista que no tiene verdaderas emociones, emociones humanas”, lamentando que el “impacto visual” de Pandora y las “criaturas creadas por el cineasta” no vengan, dice,  acompañadas de “una historia innovadora” sino “blanda” y convencional que no tiene la misma “mordacidad” que otras películas “más serias”. “Avatar cuenta la historia sin profundizar”, dice el diario, que , sin embargo, ha sido benevolente si comparamos sus afirmaciones con las que se han vertido desde la radio oficial de la Santa Sefde que ha dicho de Avatar que no es más que “un guiño hacia las pseudo-doctrinas que han hecho de la ecología la religión del milenio”.
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Aún bajo arresto domiciliario en su chalet en Gstaad, el director de cine Roman Polanski ha enviado una carta al filósofo Bernard-Henri Levy, para darle las gracias por su apoyo. Esta es la primera vez que el director de La Semilla del Diablo (Rosemary’s Baby) habla acerca de su detención desde su arresto en Zurich a finales de septiembre.

Publicado en la página web La Règle du Jeu: estas líneas no abordan el fondo del caso judicial, pero insistió en las fuertes emociones del cineasta: “Yo mismo estoy sorprendido por el número de expresiones de simpatía y apoyo que he recibido en la cárcel de Winterthur, y sigo recibiendo aquí.” Afirmando que los mensajes que le han llegado de “todo el mundo”. Roman Polanski evoca “el bien que le hace cuando está encerrado en una celda y escucha cada mañana al recibir la carta el murmullo de voces humanas y la solidaridad“.

Recordamos la gran controversia que “caso Polanski” había provocado en todo el mundo el otoño pasado. Las muestras de “furia” contra Roman Polanski han disminuido desde entonces. En libertad bajo fianza desde el 4 de diciembre pasado, el cineasta no se ha escapado a ninguna parte como algunos preveían: Suiza decidirá a principios de enero sobre la solicitud de los EE.UU. para su extradición.

Wikimedia Commons

Cuando la ciudad de Los Ángeles acaba de dar el pistoletazo de salida a la gran cantidad de galardones con los que los actores, actrices, directores y críticos preparan la antesala de los Oscar, las quinielas empiezan a  apuntar a los favoritos para conseguir la estatuilla. Y parece que este año George Clooney tiene  muchas papeletas para hacerse con el premio a la Mejor Interpretación Masculina por su papel en Up in the Air, aunque su camino no será fácil. La interpretación de Morgan Freeman , que se mete en la piel de Nelson Mandela en Invictus, le ha valido a veterano actor las mejores críticas de su prolífica carrera.

Clooney, sin embargo, no es el único que parece tener algo que celebrar. Y es que en los círculos cinematográficos, el nombre de Clint Eastwood suena con fuerza cuando se habla del premio al Mejor  Director por Invictus.

De hecho, los rumores sobre las posibilidades de ambos en la carrera a los Oscar, presentes desde que sus cintas fueron presentadas al público, no han parado de crecer, aunque la confirmación definitiva de la fuerza con la que están pisando estos dos grandes de la escena llegó la pasada semana con la entrega de los premios que cada año concede la National Board of Review, una de las asociaciones de críticos cinematográficos más importantes de Estados Unidos que se encarga de confeccionar cada año la lista de las 10 mejores películas.

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Si la industria de Hollywood está o no notando la crisis económica es algo que no se puede discriminar por las previsiones de rodaje de la mayor  fuente de proyectos cinematográficos del mundo. Y es que, si los fans esperan con impaciencia el estreno de títulos de factura multimillonaria como Avatar, la tercera parte de la saga Crepúsculo, la cuarta parte de Shreck o la  nueva entrega de Las crónicas de Narnia; ahora deben sumar a la lista la que ya se perfila como una  de las películas más importantes de 2011: el Hobbit.

Mucho antes de que el joven hobbit Frodo recibiese el encargo de buscar el Anillo Único y rescatar el mundo de los deseos de dominación del Señor Oscuro Saurón, otro hobbit emprendía un viaje muy distinto que sería determinante para la historia de la Tierra Media. La aventura de Bilbo Bolsón, que junto con el mago Gandalf   y un grupo de enanos   se lanza en busca del  en busca del tesoro custodiado por el dragón Smaug en la Montaña Solitaria, es la base para entender el porqué de la trilogía protagonizada por Elijah Wood y Viggo Mortensen , entre otros. Quizá por ello, los fans de Tolkien reclamaban desde hacía tiempo que este primer libro tuviese también su traslación a la pantalla.

Apuesta segura
Ahora, por fin esa petición ha sido atendida. Si bien hasta hace poco tiempos todo eran rumores que apuntaban aquel proyecto, en manos de la productora New Line Cinema- también poseedora de los derechos de las tres anteriores-;  podría salir adelante, esta semana llegaba la confirmación oficial de que el guión de El Hobbit estaba prácticamente terminado.
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Martin Scorsese by David Shankbone. Flickr

Martin Scorsese es uno de esos cineastas a los que Hollywood no ha sabido reconocer tal y como se merece. Ganador de dos Globos de Oro, (uno en 2002 por Gangs of New York y otro en 2006 por Infiltrados) y de dos Premios Bafta por Uno de los nuestros, el Oscar al Mejor Director fue su asignatura pendiente hasta el 2006, cuando la Academia de Hollywood decidió por fin premiarlo por Infiltrados. La cinta, protagonizada por el que ya se ha convertido en su actor fetiche Leonardo Di Caprio, fue definida por los críticos de cine como una película perfecta, de esas que aúnan maestría y comercialidad y que, por lo tanto, dejan satisfechos a crítica y público. Su nombre sonó desde el principio como uno de los candidatos más firme a conseguir la estatuilla al mejor director, pero Scorsese se mostró escéptico hasta el último momento. No en vano, había pasado por aquella misma situación en siete ocasiones,ocho con aquella. En las otras siete, se había ido a casa con las manos vacías.

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El cine español parece gozar de buena salud en Europa. Y si no , qué se lo digan a Pedro Almodóvar que cuyo último trabajo Los abrazos rotos, ha recibido tres nominaciones para los premios del Cine Europeo, uno de los galardones que junto con los Oscar y los Premios Bafta – que concede la Academia del Cine británico- , se cuentan entre los galardones más prestigiosos del panorama cinematográfico internacional.

En concreto, la película de director manchego ha sido nominada para competir en tres categorías: la de mejor director (Pedro Almodóvar), mejor actriz, (Penélope Cruz) y mejor banda sonora para Alberto Iglesias (ganador de siete premios Goya y dos veces nominado a los Oscar por sus creaciones musicales).

La película de Almodóvar, que narra la historia de amor entre  Martin, un hombre, ahora atormentado tras sufrir un accidente que le dejo ciego , y Lena, la que fuera la mujer de su vida, -personaje que interpreta Penélope Cruz-, no consiguió repetir el éxit de su predecesora Volver en las taquillas y tampoco pareció satisfacer del todo a los críticos de cine. Sin embargo, algo debe de tener el director manchego para que su cinta sea llamada a competir con otras de la talla de El lector o Slumdog Millionaire.

A pesar de todo, el director manchego no se enfrenta a una batalla fácil. Como él, compiten por el premio al mejor director, Andrea Arnold por Fish Tank, Jacques Audiard por Un prophete; Michael Haneke por Das weisse band y Lars Von Trier por ‘Antichrist’, aunque el que mayores complicaciones parece estar llamado a crearle a Almodóvar es el británico Danny Boyle por  la archipremiada Slumdog Millionaire.

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Álex de la Iglesia

No es que el cine español sea malo, es que es repetitivo, cansino y aburrido. No quiero crear polémicas incendiarias con mis palabras, pero no hay más que ver el panorama para darnos cuenta de que día tras día seguimos estrenando películas que son todas iguales, cuentan lo mismo de forma más o menos similar, y tienen los mismos actores adornando con sus cuerpos cuasi perfectos -eso sí lo cuidan mucho, mire usted por donde- historias que no tienen más objetivo que el de la supuesta conciencia social, alabable cuando se hace bien, pero terrible cuando se limita a ser el tema por defecto de un tipo de cine que nos cansa, nos aburre, y encima pagamos nosotros un porcentaje.

No es que todas las películas que salen de nuestro país sean iguales ni sigan el mismo patrón, evidentemente hay excepciones y en algunos casos son tan buenas esas excepciones que bien compensan el resto de fiascos. Me refería antes al panorama general, al conjunto del cine patrio, aunque haya algunos que se salgan. Afortunadamente aún quedan algunos directores de cine en nuestro país capaces de hacer películas de verdad, alejándose un poco de la monotonía imperante y ofreciendo productos propios con personalidad. Sus películas pueden gustar o no, pero lo que es indudable es que son diferentes, son propuestas únicas que se alejan de lo que el resto del cine español ofrece normalmente, y por ello ya merecen ser mencionados aquí.

Pedro Almodóvar

El cine de Pedro Almodóvar, que recientemente ha estrenado ‘Los abrazos rotos‘, es un cine que tiende a dirigirse por su propia línea. Si bien también suele moverse por el drama social, y de hecho el eje de sus historias es casi siempre algún problema de personajes relativamente cotidianos (aunque en ocasiones ciertamente esperpénticos), el tratamiento de dichos personajes, el humor y la tónica en general de sus historias le lleva a un nuevo género indescriptible, el del propio Almodóvar, un tipo de cine que puede gustarte o no, pero que al menos es personal, tiene una identidad clara y se agradece que se esfuerce por conseguir llevar a buen puerto sus propias ideas, independientemente de lo que esté de moda hoy día. Además, cuenta con otra ventaja y es el ser uno de los poquísimos directores de cine españoles capaces de exprimir realmente el potencial de sus actores, consiguiendo en muchas ocasiones sus mejores interpretaciones.

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Jean-Pierre Jeunet durante el rodaje de Micmacs à tire-larigot

Jean-Pierre Jeunet, nacido en 1953 en Francia, es uno de mis directores favoritos por ser de los pocos que hoy día son capaces de mezclar de manera impecable una imaginación desbordante, un estilo propio y un nivel de calidad ciertamente alto. Raro es el autor que consigue aunar la rentabilidad del cine comercial con su visión personal de temas más o menos elaborados, y aquí es donde mejor se desenvuelve Jeunet, el nombre más conocido del panorama cinematógrafico francés en la actualidad.

Jeunet es un tipo que se hizo a sí mismo, empezando de forma modesta con anuncios y vídeos para televisión. Empezó a entrar en el mundo de cine dirigiendo algunos cortometrajes de animación, hasta que finalmente en 1991 da el salto a la gran pantalla con ‘Delicatessen’, una película que no sólo es su ópera prima (codirigida con su amigo Marc Caro), sino uno de sus mejores trabajos hasta la fecha; no es su mejor película, pero sí increiblemente imaginativa en prácticamente todo su planteamiento.

‘Delicatessen’ es una historia extraña, una comedia negra protagonizada por una comunidad de vecinos que vive en un destartalado edificio en medio de una explanada, cuyo dueño es el carnicero del bajo. A esa comunidad llega un vecino nuevo, circense, y a partir de ahí se inicia una serie de situaciones en torno a un tema que no quiero mencionar por no destripar una historia que me gustó mucho, aunque no es del todo original. Me veo obligado encarecidamente a recomendar que no se busque información sobre esta película en internet, pues en casi todos sitios donde hay reseñas se destripa la mayoría de su argumento, destrozando en gran medida una historia que se narra muy bien por sí misma. El protagonista de la película es Dominique Pinon, actor fetiche del director y gran profesional con unas dotes sobrehumanas para expresar una gran cantidad de cosas, tan sólo con sus peculiares rasgos faciales.

A la izquierda, Dominique Pinon

Lo que más llama la atención del cine de Jeunet, a priori, es el mimo por el detalle visual, con un estilo que aunque varía en cada película que hace (fundamentalmente por el director de fotografía que trabaje con él en cada caso), es siempre claramente reconocible. Como ocurre con otros directores expertos en recrear la fantasía desde su propio prisma como pueden ser Tim Burton, Terry Gilliam o Guillermo del Toro, Jean-Pierre Jeunet se rodea de actores con quienes le es más cómodo trabajar, con físicos peculiares y que comprenden su forma de ver las historias. Mediante el uso de maquillaje, fotografía con contrastes marcados y un tono de color concreto elegido para representar cada historia, Jeunet consigue que cada fotograma sea suyo, mezclándo los términos del cine de autor y el cine comercial. Ésta obsesión por lo visual es la herencia de un pasado fundamentado en videoclips y cortometrajes de animación, llevado ahora a otro nivel al contar con actores reales. En sus propias palabras: “No se qué motiva a los otros directores, pero yo, si me levanto cada mañana para venir a un rodaje, ¡es para realizar el más bello film de la galaxia! Si no, no merece la pena”.

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