Brian De Palma es un director que no sabe contar una historia, pero que sí sabe mostrarla. Pocos artistas después de él han tenido una narrativa visual tan imponente y estilizada como la de él. Sin embargo, cada vez que una película que va a ser de su dirección proviene de un guión propio, el resultado (con pocas pero notables excepciones) es bastante lamentable.

En Nombre De Caín trata uno de los temas más terroríficos para cualquier padre de familia: el secuestro de sus hijos, que se vuelve más tenebroso aún cuando se sabe que los niños van a ser utilizados para fines de experimentos psicológicos. Interpretando lo que debe ser un récord de 5 papeles en una sola película, el protagonista principal es John Lithgow, junto a Lolita Davidovich, Steven Bauer y Gregg Henry.

La historia trata sobre un excelente padre de familia llamado Carter (Lithgow), quien sufre de trastornos de múlitples personalidades, causadas por su mismo padre, un prominente doctor que estudia el comportamiento psicológico de los humanos. El Dr Nix se aprovecha del problema de su hijo para que secuestre niños y él pueda ir a experimentar con ellos, sin importarle el mal que le causa al mismo.

Raising Caine es una película que de haber sido filmada por otro director, hubiera sido una de las peores producciones de de todos los tiempos. Sin embargo, hay un talento tan único en De Palma para mostrar una historia como nadie más puede hacerlo, que hace que la película logre su cometido en algunos momentos. Para la época en que el film se lanzó, el director era aún muy recordado por sus clásicos de suspenso de los años setenta y ochentas, pero también por sus inmensos fracasos a la hora de insertarse en otros géneros como la comedia, por lo que esta película generaba muchas expectativas por su regreso al tipo de cine que mundialmente lo hizo famoso.
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La película que nos ocupa se llama “La Reina de la Noche”. Esta es una coproducción mexicana, francesa y estadounidense de 1994. Dirigida por uno de los más importantes directores mexicanos (en actividad y con su buena trayectoria): Arturo Ripstein.

En general, cuando comento una película uno de los ejes que tomo en cuenta, pensando en un público/receptor/leedor y cuestionador (de los comentarios en sí) es el de “a quién recomendarle ver la película o no”. Este caso se presenta particularmente difícil en este sentido.

¿Las razones? Las iré explicando mientras hago este mismo comentario, esperando que alguien lo siga y pueda pensar y cuestionarse junto y distinto a mi.

Voy a tomar en esta ocasión tres “nodos” de análisis. Por un lado: La película en sí. Por otro: Lucha Reyes (la protagonista de la película, quien existió en la realidad). Y por otro: El propio Ripstein y su cine.

Antes de empezar, parece conveniente esbozar lo que sería una sinopsis. Esto nos ayudará a aclarar el panorama y “ver” dónde estamos parados.

La película trata sobre la cantante mexicana de rancheras Lucha Reyes. De cualquier forma, desde un primer momento se nos aclara que la película se basa en la vida sentimental imaginada de esta. O sea que, partiendo de una persona y una situación real iremos hacía una obra que se sabe y se acepta como ficción.

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“En el verano de 1.989, un trabajador de una video tienda de 25 años, aficionado al cine, vendió un guión por menos de lo que gana un taxista en promedio al año. El cine moderno nunca volvería a ser el mismo.”Pulp Fiction, The Facts.

Hubo algo en el tándem de películas que hizo Quentin Tarantino a principios de la década de los noventa que habrían de redefinir el cine hasta nuestros días. Reservoir Dogs, pero muy especialmente Pulp Fiction, lograron paralizar por un momento la industria del cine mundial, con la intención de lograr entender que había en estas películas que tenían extasiado a medio planeta. Después de haber conmocionado a propios y extraños con su ópera prima en el Festival de Cine de Sundance, Tarantino y Miramax estrenaron Pulp Fiction en el Festival de Cine de Cannes en 1.994. Como es de todos sabidos, la película se llevó la Palma de Oro ese año, pero su camino en la historia del cine no había hecho más que comenzar.

La película tiene muchos elementos que impactaron a cualquiera de los cinéfilos que corrierron a las salas de cine a ver de lo que todo el mundo estaba hablado. Su crudeza, el tratamiento de la violencia, los clásicos diálogos, la novedosa música, los escenarios retro, la cantidad de información pop-cultural, y de especial manera, su narrativa no-lineal por capítulos en vez de actos. Pulp Fiction tenía todo para convertirse en una película de culto que hiciera temblar las bases del cine mundial.

Lo primero que impactó de esta película fueron sus largos pero muy entretenidos diálogos, que el propio Tarantino escribió. Pero como él mismo ha dicho mil veces, lo que hizo grandes esas frases fue la gente que consiguió para que los dijeran. Y es precisamente allí, donde me parece a mí que la verdadera grandeza de este artista se encuentra, la que no radica tanto en las frases que escribe, sino en que tiene un talento increíble para encontrar las personas que mejor las dicen. No son las más grandes estrellas, sino los actores indicados para que reciten sus palabras de la manera que mejor combinan con toda su creación.

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Aunque mejor traducida y fiel a su título original (No country for the old men) sería “Sin lugar para los viejos”.
Ya se ha hablado mucho (y hasta demasiado) de esta película de los geniales Hermanos Coen.
Yo quiero ir a otro lado.

Reflexiones sobre la película

Ahora que ya, más o menos, ha pasado la vorágine mediática (producida de forma poco casual a partir de sus galardones en los Oscar) propongo tratar de pensar un poco la película.

Por un lado; me hubiese encantado, al verla, tener una libretita donde poder anotar (cosa que no hubiese hecho ni teniendo libretita debido a la falta de luz y al “quitarle calidad al visionado”) ya que hay varias frases, escenas y hechos que me han quedando repiqueteado en la cabeza.

La película empieza con la voz en off del Sheriff (personaje interpretado por Tommy Lee Jones, con gran calidad como nos tiene acostumbrados y sin salirse demasiado de “sus” personajes…). Aquí tenemos un monólogo que se va dando mientras vemos en unos relativamente cortos planos los paisajes de Texas mientras (justamente!) el día se oscurece. Sé que no voy a poder citar con rigor, pero el personaje (que ya, desde este principio aparecerá enmarcando la película, lo cual hará que “los puntos de vista” y “el desenlace” cierren con una lógica narrativa que se evidencia a pesar de tener un “contenido” o “mensaje” difícil de abordar o entender) terminará su monólogo diciendo y preguntándose sobre tanta gente en el mundo con una frase que diría algo así como “Y es que todos formamos parte de este mundo” (y aquí escribo yo, sin la seguridad propia de las citas literales), mundo en el que hay hechos que son realmente difíciles de entender para quién es hijo de sheriff, que a su vez también era hijo de sheriff (lo cual aparecerá otra vez en el cierre, que no quiero explicitar debido a quien pueda no haberla visto aún…). La película se enmarca en los ochenta.

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Esta es una película de un autor muy respetado por su película “El Graduado“. Bastante criticado por no haber hecho nada muy relevante desde esta película (No 30 sino 40 años!): Mike Nichols. Con título original “Charlie Wilson`s War” sería más exactamente “La Guerra de Charlie Wilson”.
Basada en hechos reales esta película empieza para ir a un gran flashback (a través del cual entenderemos porque se le está premiando a este sujeto): Charlie Wilson. Que será interpretado por Tom Hanks; acompañado de Julia Roberts y Phillip Seymour Hoffman. Un trío protagónico de actores famosos, respetados y oscarizados. Acompañados también por Amy Adams (Si! la protagonista de la película de Disney: “Encantada“).

Con un guión corrosivo (escrito por Aaron Sorkin), que yo considero genial (hay quien tacha a la película de frívola y de no abordar en serio algunas cuestiones) tendremos una obra que tiene parte de “naturalismo político de denuncia”, el esquema biopic y mucho de comedia negrísima (tal vez el punto más fuerte de la película).

Nos encontramos ante una película engañosa (puesto que si uno ve los afiches o su ficha técnica podrá imaginar como simplemente otra película de Hollywood) que aborda la cuestión del papel de Estados Unidos en Afganistán en la llamada Operación Ciclón en la década de los 80.

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Matador es una pequeña producción independiente escrita y dirigida por Richard Shepard, protagonizada por Pierce Brosnan, Greg Kinnear y Hope Davis. La cinta tuvo su rotación por varios festivales importantes del mundo como Toronto y Sundance; siendo también un modesto éxito de taquilla (costo unos 10 millones y recaudo cerca de 17) y nos entregó lo que muchos críticos importantes de cine consideran la mejor actuación de Pierce Brosnan.

La película cuenta la historia de Julian (Brosnan), un asesino a sueldo que viaja por el mundo eliminando a los competidores que intervienen en los negocios de sus clientes. En uno de sus viajes de trabajo, Julian llega a Méjico, donde conoce a un modesto empresario llamado Danny Wright (Kinner), quien también se encuentra allí en una importante reunión de negocios. Danny lleva una muy normal vida de casado con Bean (Davis), quien lo espera en Denver, con la esperanza de que el viaje a Méjico de Danny sea un éxito, pues las finanzas del matrimonio no son las mejores. Desde el momento en que Danny y Julian se conocen y pasan en Méjico, éste se da cuenta de la inmensa soledad en la que vive, por lo que entra en una inmensa crisis nerviosa, de la que no tiene a nadie que lo pueda ayudar a salir, tan sólo Danny.

Matador tiene el encanto de las películas que teniendo muy poco hacen parecer que tenían mucho. Es una producción muy pequeña, que tan sólo se necesito de unas buenas actuaciones, una buena historia, una modesta pero justa fotografía (a cargo de David Tattersall) y una muy inteligente historia para dejar encantando al público que la vio. La película es una comedia negra, que trata y resalta temas y valores como la amistad, la lealtad, la familia y la ayuda a las personas que las necesitan en los momentos más urgentes, dejando de esa extraña mezcla uno de los thriller más interesantes del 2.005.

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Esta es una película pseudo experimental filmada en HD que mezcla distintos puntos de vista y sin actores “conocidos” se presenta como una obra crítica del consagrado realizador Brian de Palma. Dentro de la corriente del cine crítico estadounidense (aunque sea una coproducción de Estados Unidos y Canadá) con la guerra de Irak tenemos aquí el que talvez sea el proyecto más interesante y arriesgado estéticamente.

No se me mal entienda: Interesante en su abordaje. Creo de cualquier forma que hay películas “mejores” para un público que quiera abordar estas problemáticas (o que simplemente se vea llevado a tener que elegir entre películas como “La Conspiración“, “Juego de Poder, “El reino“, “El sospechoso” y/o “Leones por Corderos“).

Brian de Palma ya tiene su trayectoria. “Scarface“, “Los Intocables“, “Misión Imposible“, etc son películas de su autoría.
Y este hombre, con 66 años y la propuesta de un presupuesto menor (acostumbrados, como estamos, a hablar de películas de más de 30 millones de dólares) se para para hacer una partiendo de la “ínfima cifra” de 5 millones de dólares.

Como sinopsis podríamos decir que la película aborda una serie de hechos imaginados que se han dado antes, después y durante una violación por parte de soldados norteamericanos a una niña Iraquí.

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Leo constantemente en varios artículos que se publican en internet una crítica dirigida al público que le gusta Ridley Scott, diciendo que es uno de los artistas más sobrevalorados del cine mundial, algo que me parece sencillamente inconcebible. No me equivocó cuando digo que la crítica de quienes escriben semejante barbaridad vaya dirigida al público y no al director inglés, siendo esa la razón por la que me estremezco cada vez que observo tremendo disparate.

Con sobrevalorado quieren decir que Scott tiene más meritos y fama de la que de verdad merecería, pues no es un director tan bueno como para recibir el aval del público que lo sigue. Lo anterior claro está, según las personas que no les gusta el cineasta, que lo critican y que sí son conocedoras de cine, no como el público inculto que se apasiona con mediocridades como, Blade Runner, Thelma y Louis o American Gangster.

Lo primero que debo decir es que un artista no puede ser sobrevalorado, sencillamente porque un artista es de su público y lo que el público diga de él es vox populi. Ya sean grandes personalidades como Walter Murch o Edward Dmytryck, los más y mejores del cine siempre han concebido que el último eslabón de la producción es el público. Ellos son la parte más importante en toda la toma de decisiones durante el rodaje y la edición, siendo ellos parte esencial del desarrollo de la película. Además de eso, y siendo lo más importante, los cineastas saben que sus películas están hechas para el público, siendo ellos quienes dicen sí son malas o buenas, nadie más.

En ese sentido, un artista no puede ser sobrevalorado, porque sí su público le da ese valor, es porque ese es el valor que tienen sus películas. No puede nadie llegar a contradecir lo que el público tenga que decir. Es evidente que con esto no estoy diciendo que entre más público y taquilla tenga una película el artista es mejor. Estoy seguro que los millones de personas que fueron a ver Piratas del Caribe no consideran a Verbinski un genio, tan sólo un director muy entretenido. Con público me refiero al sequito de seguidores o fanáticos que un cineasta tenga, que son en últimas quienes le dan el valor que para ellos es merecido.

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Why We Fight se estrenó en el Festival de Cine de Sundance el 17 de junio de 2.005. La fecha era importante y significativa para el lanzamiento porque se cumplían exactamente 45 años del famoso discurso de despedida del presidente estadounidense Dwight D. Eisenhower. En ese discurso, el presidente le advertía a sus ciudadanos sobre un naciente problema que podría traerles muchas consecuencias al desarrollo de su nación: la co-existencia entre el aparato productivo y el militar en un nuevo sector de la economía denominado el complejo militar-industrial. Para ser muy exactos, la apreciación de Einsenhower fue algo equivocada, puesto que las consecuencias del poderío de este sistema no recayeron sobre los norteamericanos, sino sobre el resto de pueblos del mundo.

La tesis expuesta por Eugene Jarecki en su documental tiene su comienzo al final de la Segunda Guerra Mundial, cuando los Estados Unidos, después de haber creado el ejercito más importante del mundo, se quedaron con un sistema productivo muy eficiente, que daba mucho empleo, pero que no tenía razón de ser puesto que habíamos entrado a una época de paz. Por otro lado, el ejército era tan inmenso, que era imposible encontrarle un enemigo capaz de enfrentársele. Por lo tanto miles de guerras inventadas y falseadas habrían por venir, como medio de justificación y legitimación de esta industria.

El documental trata de mostrar la variedad de lados y opiniones posibles sobre la actuación de los Estados Unidos en las guerras que se han desatada desde esa época hasta nuestros días. Contando con prestantes líderes de variados sectores interesados e involucrados en las actuaciones militares de su país, el documental sostiene que las razones de la guerra, están mucho más sustentadas por los intereses de fuertes grupos privados que cualquier otra posible honorable causa.

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La frase que dice que el teatro es de los actores, la televisión es de los productores y el cine de los directores, explica muy bien el posicionamiento de cada uno en las tres diferentes áreas de trabajo. Sin embargo, y debido a la clase de cine que hoy en día se hace, los directores vienen perdiendo mucho espacio para plasmar su talento en sus trabajos o, por otro lado, vemos producciones constantes de personas con muy buenos conocimientos sobre las herramientas técnica , más sin ningún aporte crítico o de profundidad sobre la vida, la que debería ser la labor de todo artista.

Los grandes directores los podemos conocer a través de su obra: un conjunto de películas con la capacidad de dar un visión sobre la humanidad, la manera en que vivimos en ella y que nos comportamos; pero en medio de producciones que logran entretenernos. Y por entretenido no me refiero a acción o comedia de manera exclusiva: para mí tiene tanto entretenimiento una película de Tarantino como una de Kurosawa. Diferente cada una por supuesto, pero muy entretenidas los dos a su manera.

Sin embargo, también podemos saber más sobre ellos y sobre su arte por lo que tienen que decir sobre el mismo y sobre la vida. Para las personas que encuentren fascinante a algunos de los directores que acá se citarán, es un ejercicio interesante el notar como su pensamiento congenia con sus películas, incluso cuando se hable de algo no relacionado directamente con el cine. Veamos.

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