Nadine Labaki. Quien es efectivamente, la chica del cartel y, como podrán apreciar, no parece estar “nadine” mal (y no crean que no sé que con ese comentario ya muchas personas me van a querer matar…). Pero bueno. Empecemos.

Caramel es una película libanesa del 2007 protagonizada, escrita y dirigida por

Creo que una cosa conveniente para abordar una película (u obra en general) es contextualizar. Por eso, y sin ánimos de profundizar y sabiéndome totalmente ignorante quiero hacer un cierto acercamiento al Libano.

Contextualización mala y superficial del Libano

Aquí coloco una imagen que nos permite ver “por arriba” su situación geográfica.

Es un país de Medio Oriente que limita al sur con Israel, al norte y al este con Siria, y está bañado por el Mar Mediterráneo al oeste.

La Capital es Beirut (con un millón y medio de habitantes en el 2005) y será justamente aquí donde se situará la acción. Es más; esta película será dedicada por su realizadora a “Su Beirut“.

El idioma oficial es el arábe, aunque también nos encontramos con que el francés es el cooficial. El dato del francés se hace más entendible cuando nos enteramos de que en 1943 se independizó oficialmente el Libano de Francia. A su vez también se habla inglés y armenio.

El Libano tiene una superficie de 10.452 km2 y una población estimada para el 2008 de cuatro millones doscientos mil habitantes. Con una densidad de 358 habitantes por kilómetro cuadrado.

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Después de haber roto casi todo los éxitos de taquilla existentes hasta el momento, y al parecer de paso ir creando unos nuevos, The Dark Knight, la última entrega de Batman, tiene en el Olimpo de los dioses del cine al ya mundialmente reconocido Christopher Nolan.

Cuando en 2.004 se anució el relanzamiento de la franquicia del superhéroe enmascarado, para todo el mundo estaba en la memoria la hasta ese momento sagrada adaptación que del personaje de Bob Kane había hecho el genial e inconfundible Tim Burton; pero también las desastrosas películas hechas por el mediocre Joel Schumacher. Tanto por lo primero como por lo segundo, no existía razón alguna para hacer otra película, dado que al parecer lo mejor y lo peor de este personaje ya se había llevado a la gran pantalla. Sin embargo, para la Warner y DC lo que estaba en su memoria no era eso, sino que cada una de las entregas habían dado más de cien millones de dólares, por lo tanto, otra Batman habría de hacerse.

El director de la interesante Following (1998) la estructuradísima Memento (2000) y la aburridísima e innecesaria Insomnia (2002), fue el encargado de resucitar de las cenizas al héroe de Ciudad Gótica. Como todos los grandes, Nolan se encontraba en un momento en el que podría quedar totalmente desacreditado como director por realizar esta película, o podría encontrar en las grandes dificultades la oportunidad para demostrar su inmenso talento.

De una manera sabia, la dirección tomada fue la de alejarse a lo realizado por los dos directores anteriores y, complementando lo hecho por ellos, darle al nuevo Batman una profunda y más interesante personalidad. Lo primero que se hizo fue centrar la primera película de la nueva serie en el héroe más no en los villanos. En Batman Begins, Nolan y David S. Goyer, se dieron cuenta de un período de 7 años en que Bruno desaparece y luego vuelve convertido en Batman. Aprovecharon ese tiempo y no ahorraron esfuerzos para contar de dónde provenía, cómo aprendió todo lo que sabe, el por qué de sus habilidades y, por primera vez nos respondieron, por qué escogió un murciélago en vez de una cucaracha o un dragón.

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El tiempo nos recorre, nos pudre, nos lastima. Un lugar que ya no nos pertenece, una silla que quiere ser ocupada por el siguiente, un sucesor que quiere que se sucedan los sucesos necesarios para ascender.

Una búsqueda intrínseca, un país que aparenta ser nuestro pero desconocemos sus fronteras. Ideas propias que se desescribieron en el brazo de nuestros enemigos, normas que se olvidaron y un lugar, un país que no es justamente para gente vieja.

Esta película habla de las normas, de lo que quedó olvidado con el tiempo, del desuso de lo presupuesto, y de cómo la espontaneidad no se rige en ningún código ni en ningún formato.

El salvése quén pueda, rige como única y represiva norma. Un país en donde todo ha dejado de ser como era. La idea de una persona, en este caso el papel del sheriff que se da cuenta que su vida ha llegado a un punto en el que él mismo no puede comprender al sistema del cual forma parte, es fuertísimo.

Un aire denso de resignación llena la pantalla, diluye las escenas, en donde todo parece estar fuera de control y él, que aun confía en el sistema y que lo respeta, se da cuenta que este, su país, ya no es adecuado, para gente vieja.

Por otra parte, un psicópata anda suelto, diciendo que todo está librado al azar, que la vida y la muerte es solo cosa de juego, de lanzar hacia arriba una moneda, de suerte, de intercambio, no es real. Un personaje compuesto por Javier Bardem, el psicópata asesino, que va con un tubo lleno de gas comprimido asesinando a toda persona que le produzca algún conflicto, discrepancia, etc.

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Un edificio derrumbándose, una ola llevandose todo lo que tiene por delante, un virus matando a millones de personas, extraterrestres invadiendo el planeta, robots destruyendo ciudades y máquinas manejándolo todo con un control remoto.

Así nos pintan el mundo, así nos lo creemos, mientras los pochochos se terminan en la bolsa y el agrio sabor a realidad se nos queda impregnado en la garganta.

Para ver el trailer de El fin de los Tiempos haga click aquí

No hace falta más que mirar en los últimos lanzamientos del cine hollywoodense para entender esté fenómeno. Una cartelera plagada de films apocalípticos, en donde si el fin no se va a dar hoy, será …El día después de mañana.

Y el típico miedo estadounidense, a los desastres naturales, a los extraterrestres con ansias de poder y a las mismas máquinas que constantemente producen. Temen y nos hacen temer, en que, en cualquier momento, y bastante cerca de este momento, todo lo que generamos, en lo que confiamos y lo que utilizamos día a día, puede volverse en nuestra contra.

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Pantalla en negro. Silencio. Sobreimprime un fragmento de un cuento de J.D. Salinger hablando de Dios. La primera imagen que vemos, es la de una mujer dándonos la espalda, sentada en una hamaca, en el interior de una habitación. Vaya forma de empezar. Si Jan Cvitkovič, el director de esta película, quería llamarnos la atención, lo logra instantáneamente.

DeFosaEnFosa, es una pequeña película coral. Y digo pequeña porque cuenta pequeñas historias, que se desarrollan en un pequeño pueblo, con pequeños detalles, con pequeños personajes, viviendo pequeñas vidas. La sumatoria de estas pequeñeces, hacen de esta película, una interesante experiencia cinematográfica.

Las historias se desarrollan en un pueblito rural esloveno. Pero (Gregor Baković), redacta y recita discursos fúnebres. Vive con sus dos hermanas, Ida (Sonja Savić) que es sordomuda, y Vilma (Nataša Matjašec), que tiene un hijo. Vive con ellos su padre, un viudo silencioso y con tendencias suicidas llamado Dedo (interpretado por Brane Gruber). Completan el cuadro: Suki (Drago Milinović), amigo de Pero y muy cercano a su familia, y Renata (Mojka Fatur) , una adolescente sobreprotegida por su padre, de la cual Pero está enamorada.

Todo comienza como una comedia costumbrista. Pero se transforma paulatinamente, en un drama. Nos vamos dejando llevar por pequeños detalles hasta que el dolor se va colando entre líneas, tornando finalmente la película en algo que nunca pensamos que sería. En los 95 minutos de metraje, transitamos por varios estados anímicos. Oscilamos entre la risa y la angustia. Entre la sorpresa y la tranquilidad absoluta. Entre la ternura y la bronca. Es un gran abanico de sensaciones que no aburre en ningún momento.

Los personajes, viven una vida sin sobresaltos, en un pueblo tranquilo, en el que parece que todos se conocen. De fosa en fosa no es una película sobre Pero, es más bien, una película sobre él y sobre los que lo rodean. Su personaje es nuestro punto de partida desde donde conocemos a los demás integrantes de la familia, a los amigos, el pueblo, el amor y la muerte.

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Hace 20 minutos que veo titilar el cursor en la pantalla en blanco. Intento pensar como empezar este artículo sobre la película que acabo de ver. Es difícil esbozar una sinopsis sobre esta cinta sin simplificar demasiado la trama. Hacer un resumen de su argumento dejaría fuera muchos de los detalles y subtextos que el director y guionista, Kiyoshi Kurosawa (No guarda parentesco con Akira) ha intentando plasmar en este espectacular film.

La historia se centra en la ciudad de Tokio, metrópolis tecnologizada por antonomasia, en los años en que Internet comenzaba a tomar vuelo. Las líneas narrativas son dos que se vuelven una con el transcurso del film. Un resumen injusto del argumento como punto de partida, sería más o menos éste: Una joven decide ir en busca de un amigo que hace días que no da señales de vida. Ésta, va en busca de un diskette que debe recibir por parte del joven. Cuando llega a su casa, lo encuentre un tanto introspectivo. Momentos después, mientras ella busca el disco, el joven se suicida en el cuarto contiguo. Mientras pasa todo esto, en otro rincón de Tokio, un joven se conecta por primera vez a Internet y su computadora abre automáticamente a una página web que muestra imágenes de personas solas, en habitaciones en penumbra. La secuencia de fotos termina invitándolo a conocer fantasmas.

No confundir. Es de fantasmas, pero no solo es una película de terror. Es compleja, difícil de digerir para quien no esté acostumbrado a ver cine de origen asiático. A algunos les parecerá larga y hasta aburrida. Tampoco la recomiendo para empezar con este tipo de cine. Una buena forma de comenzar, es con películas que si bien tienen una impronta y un estilo bien marcado, se parecen un poco más a lo que está acostumbrado a ver el gran público. Como pueden ser Ringu o Ju-on :The Grounge (Ambas con remake norteamericana, que raro).

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Una historia que rodea el amor, el dolor, la resignación, las distancias. Dos mujeres unidas por un oficio. Un oficio que al ser el más antiguo del mundo reúne a muchas mujeres. Dos mujeres que corren a través de la vida que les tocó deseando atravesarla y llegar a una mejor.
Dos mujeres: Zule y Caye

Zule o Zulema, interpretada por Micaela Nevárez es una mujer latina que ha dejado su país, sus costumbre y principalmente, a su hijo mientras busca un futuro mejor en España.

Caye o Cayetana, plasmada en la piel de Candela Peña vive sola en un edificio en Madrid, todos los días almuerza con su familia y enfrenta las preguntas, los llamados a deshora; la realidad y todo lo que ésta lleva consigo.

Este film dirigido por Fernando León de Aranoa presenta el conflicto de los inmigrantes ilegales, la facilidad para entrar en un país como España, pero la dificultad para volver a entrar si uno sale.

Un conflicto que gira en torno del amor, del trabajo, y de cómo se hace cuando uno se cruza con el otro y se dan la mano tan fuertemente que no se pueden soltar. Una película para llorar, para entender, para sonreírse y para valorar la amistad, la libertad y la confianza en el otro y por sobre todo, en uno mismo.

¿Se puede tener nostalgia de algo que aún no ha pasado?
Una de las escenas más desestructuradas y más estructurantes de la película. Caye, sostiene que su vida es nostalgia, es melancolía de lo que no tiene, plantea que la nostalgia es añorar algo que uno conoce… Entonces pregunta, podemos añorar algo que no sabemos cómo es, pero ansiamos tanto conocer algo diferente a lo que conocemos, que añoramos algo…que quizás ni nos guste.

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Las calles de Nueva York , los autos que pasan, la moda, las vidrieras, los shoppings, las revistas de alta costura, los diamantes, un futuro asegurado o no.

Para ver el blog oficial sobre la película, haz click aquí.

Cuatro amigas, buscan el amor mezclado con la diversión en cualquier escaparate, mientras los años pasan, la vida no las apura.
Miranda (interpretada por Cynthia Nixon) acaba de tener una fuerte crisis matrimonial causada por una infidelidad, se siente sola y deprimida.
Carrie, (Sarah Jessica Parker) feliz por su próximo casamiento con, el gran amor de su vida, sueña con un felices por siempre hasta que, su fabuloso esposo, la deja en el altar.
Samantha ((Kim Cattrall) aburrida de su vida y alejada de sus amigas en la ciudad de Los ángeles, reflexiona acerca de su relación actual mientras espía a su despampanante vecino por el balcón.
Charlotte (Kristin Davis) representa la vida en familia del cuarteto, es la única que lleva a cabo una vida normal, con su esposo y sus ahora, dos hijos.

La película transcurre entre imágenes de la depresión de cuatro amigas contándose sus penas en algún bar, chismes entre unas y las otras en algún cocktail, y charlas sobre hombres por doquier.

Pero…¿Qué pasa cuando el amor de tu vida, te deja, delante de todas tus amigas como una perdedor?, ¿Cuándo luego de ser la tapa de una revista de moda, como la soltera próximamente casada de cuarenta, sos la soltera dejada de cuarenta en el altar?, ¿Cuándo el penthouse donde pensabas vivir se vuelve a vender y tienes que volver a comprar tu viejo departamento de soltera?

Pasa eso. Sexo en la ciudad. Una historia sin demasiadas idas y vueltas, conflictos femeninos, amigas inseparables, novios embusteros, hombres desprejuiciados y mucho paisaje de relleno.

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Un recorrido por las intenciones, por los puntos de vista, por las situaciones… es la cuenta atrás hacia un final escrito por una locura tan transitoria que nunca nos dirá el por qué, pero que de vez en cuando nos enseña el cómo. Aquí, en forma de explosivo, de segundero y de ajenas (o no) discusiones de pareja…

El detective Reiss vuelve al lugar del primer homicidio. Él fue el único en defender la teoría del asesino en solitario, el único que percibe algo inaudito en el misterio que envuelve este caso sin resolver.

Mientras Reiss progresa en su investigación como protagonista de una novela negra, un individuo avanza con expectación a través de los últimos instantes de esta insólita obra.