Pagafantas

De todas las películas españolas que han pasado este año por cartelera, sin duda una de las más interesantes es la propuesta de Borja Cobeaga, ‘Pagafantas‘. Una comedia muy bien hecha, liviana pero muy graciosa, que entra directamente en el corazón de todos nosotros para recordarnos esos momentos de patetismo que hasta el más pintado ha vivido en alguna ocasión gracias a un amor mal dirigido. ‘Pagafantas’ es la historia de todos nosotros, todos los pagafantas, todos los estúpidos que alguna vez cometimos el error de amar siempre hacia fuera, sin mirar nunca qué pasa dentro de nosotros.

Cobeaga fue nominado al Oscar por su cortometraje ‘Éramos pocos‘, y aunque en su estreno en el largometraje no ha seguido el mismo camino sí que mantiene el nivel muy alto para una comedia basada casi únicamente en diálogos fantásticamente escritos junto a su amigo Diego San José. Y es que ahí es donde reside la mayor fuerza de ‘Pagafantas’, en unos diálogos -y personajes- realistas, naturales, tan cercanos que durante gran parte del metraje creeremos ser nosotros mismos quienes están ahí en esas situaciones, metiendo la pata y mostrando al mundo que el patetismo siempre tiene sótano.

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Facilitada por Warner

Sólo unas semanas después de que el rodaje de la segunda parte de Sexo en Nueva York se diese por concluido en la Gran Manzana, la maquinaria promocional de la cinta, que llegará a las pantallas españolas el próximo mes de junio, ha empezado a desengrasarse y ya podemos disfrutar del primer cartel promocional de la película.

Como nos tiene habituados en estas ocasiones, la compañía Warner no ha vacilado en derrochar glamour a la hora de diseñar la que es la primera imagen del que ya se califica como uno de los estrenos más sonados del próximo año. Para empezar a poner los dientes largos a los incondicionales de la serie reconvertida en película,  la productora ha optado por dejar todo el protagonismo a Sarah Jessica Parker en esta primera fase de la promoción.

De este modo, el cartel está dominado por una glamurosa Carrie que derrocha elegancia, como ya nos tiene acostumbrados, con lo mejor de los mejor. Ataviada  con un vestido blanco de Halston, zapatos dorados de Christian Louboutin, bolso a juego de Chanel y  acompañada por un enorme y deslumbrante ‘2′ con el mensaje ‘Carrie on’ “ Carrie vuelve”, la actriz norteamericana promete nuevas emociones en la continuación de la cinta, en la que  podremos seguir las andanzas de Sarah Jessica, Kim Cattrall, Kristin Davis y Cynthia Nixon en una Gran Manzana afectada por la crisis que pone muy difícil a las protagonistas darse esos lujos de los que tanto disfrutan (comprar zapatos de Manolo Blahnik y modelitos de Gucci se convierte en algo complicado cuando la economía mundial no está en su mejor momento).

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Al final del camino

¿Quieres ganar un fin de semana en una casa rural, compartir fotos de viajeros del Camino de Santiago, o simplemente disfrutar la última comedia de Roberto Santiago (basada en una idea del siempre prolífico Alan Smithee), que toma como escenario los inconmensurables paisajes gallegos para dar rienda suelta a los enredos de los personajes? Para cualquiera de las tres opciones, o incluso una armónica combinación de todas ellas, hoy día 8 de abril se estrena ‘Al final del camino’, una propuesta ligera pero divertida que hace de contrapunto a la seriedad que impregna la cartelera en estas santas fechas.

Cualquiera que haya hecho el Camino de Santiago sabrá que es mágico, un hito, un antes y un después en la vida de una persona. Todos los tópicos se hacen realidad ante una experiencia que realmente te cambia la perspectiva de las cosas, te enseña a valorar cosas que antes ni siquiera prestabas un minuto de atención y abre las puertas a un mundo que desconocías; cualquier cosa puede ser posible en una de las peregrinaciones más famosas del mundo. Este es el escenario que Roberto Santiago ha elegido para su última película, la cuarta si no contamos algunos episodios de ‘El síndrome de Ulises‘, para la que ha vuelto a contar con algunos de sus colaboradores habituales.

La premisa de la película es sencilla y directa. Dos periodistas que no se llevan precisamente bien, se harán pasar por una pareja que hace el Camino, para poder hacer un reportaje sobre Olmo, un gurú que resuelve crisis de pareja. A lo largo de seis días de camino, inmersos en una maraña de situaciones absurdas, líos amorosos y personajes delirantes, descubrirán todas esas facetas del Camino que mencionaba más arriba. Una propuesta divertida e interesante que sin duda hará las delicias de los aficionados a las comedias desenfadadas y de situación.

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En algún lado leí que el cine no se trata sobre lo que el mundo es, sino sobre lo que el mundo debería ser. Personalmente me parece que esa afirmación es muy incompleta y errada, pero que con respecto a las películas de amor de la gran pantalla, se aplica completamente. El amor es el sentimiento más poderoso que un ser humano pueda sentir, el que más nos afecta y el único sentimiento que es verdaderamente capaz de transformarnos en unos mejores seres humanos, pero que muchas veces en la vida real no tiene toda la belleza necesaria alrededor de él.

Personalmente me declaro un amante eterno de las historias de amor en el cine. Desde las tontas películas románticas hasta los más poderosos clásicos del cine mundial, me parece que la marca que puede dejar estas historias en una persona son tan profundas e importantes, que siento que sin duda alguna quienes somos amantes y seguidores de este tipo de historias somos seres diferentes de los demás. No mejores o peores, tan solo diferentes.

Walter Murch decía que la manera como cortamos y editamos una película no tiene la más mínima lógica con lo que respecta a lo que día a día vivimos. De hecho, dice el maestro, la manera como una película termina editada parece acercarse más a la manera en la que vemos y sentimos los sueños cuando dormimos, que a la manera que vemos el mundo cuando estamos despiertos. Teniendo en cuenta que cuando estamos verdaderamente enamorados es más el tiempo que gastamos pensando y soñando, tanto despiertos como dormidos, encuentro una relación fantástica entre el amor que sentimos y el que vemos en la pantalla.

No obstante, lo que verdaderamente es mágico en las historias de amor en el cine son las actuaciones heroicas de los personajes frente a la mujer amada. No me refiero con esto a un caballero que tengo que derrotar a un ejército para llegar a la torre del castillo y liberar a su princesa, me refiero a los inmensos actos que debemos hacer para poder conquistar y conservar a nuestro lado a la persona que nos ha dado todas las razones para vivir.

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Stupeur et tremblements (Estupor y temblores) es la adaptación al cine de la novela homónima y autobiográfica escrita por Amélie Nothomb en 1999. En ella contaba su experiencia durante el año que trabajó para una gran corporación japonesa, poco después de licenciarse como filóloga en la universidad de Bruselas, y con ella ganó el premio a la mejor novela concedido por la Academia Francesa. De hecho Amélie es de nacionalidad belga pero de origen japonés, ya que su padre fue cónsul de Bélgica y ella nació en Kobe y pasó los primeros años de su infancia en el Japón, cuyo idioma habla perfectamente.

Lo primero que hay que decir del filme de Alain Corneau (Policía Python 357, Fort Saganne, Todas las mañanas del mundo) es que se trata de una fidelísima adaptación de la novela, no sólo por la sensibilidad de los guionistas (Pascal Quignard y el propio Corneau) para captar la esencia del original sino también por la brevedad de éste, menos de 150 páginas que se leen en un par de horas, que hace posible abarcar prácticamente todo su contenido sin sobrepasar la duración estándar de un largometraje. No sólo eso: además de no echarse en falta ninguna de las situaciones descritas en el libro, las imágenes son la traslación exacta de los personajes y escenarios tal como los imagina el lector. Por último, es indudable que Corneau logra conectar con el pensamiento íntimo de la autora, quien a pesar de su amarga experiencia y de la ironía destilada en no pocos párrafos nunca pretendió escribir una diatriba contra los excesos y contradicciones de la sociedad japonesa, como podría interpretarse de una lectura superficial. Amélie Nothomb ama el Japón y se esfuerza por adaptarse a sus gentes y su cultura, pero existe una barrera infranqueable que a menudo convierte su admiración en estupefacción: a pesar de haber nacido en Kobe, Amélie es una gaijin (extranjera).

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Hay un fuerte encontronazo entre los tituladores de películas en Hollywood y aquellos que las traducen en los países de habla hispana. Los primeros muchas veces se conforman con titular la película con el nombre del personaje principal, mientras que a los segundos lo anterior les parece un imposible. Frente a esto, hemos tenido que sufrir inmensamente con las traducciones que se les ocurren a nuestros bilingües amigos.

“Drillbit Taylor” es el nombre original de “No Tan Duro de Pelear” o “Guardaespaldas Escolar“, una divertida y ligera comedia norteamericana de 2.008, protagonizada por Owen Wilson y dirigida por Steven Brill (quien dirigió Mr Deeds).

La historia se centra en un par de jóvenes, Wade y Ryan, interpretados por los geniales Nate Hartley y Troy Gentile, que ingresan a la secundaria y son víctimas de un par de abusadores del colegio, quienes disfrutan a costa de una pesadas bromas que les realizan, haciéndolos pasar vergüenzas y dolores innecesarios a ambos muchachos.

En su afán por librarse de este par, así como de ser populares en su escuela, algo que parece ser sumamente importante en la juventud de ese país, Ryan y Wade contrataran a un guardaespaldas que los proteja y defienda de los abusadores, dándoles un castigo y una venganza por haberlos tratado así.

La persona que contratan es a Drillbit Taylor, (Wilson), un fracasado y absolutamente quebrado ex militar estadounidense, quien se aprovecha de los inocentes muchachos para robarlos, exprimirlos y poder financiar sus más básicas necesidades. De allí, una relación entre los jóvenes y el adulto irán floreciendo lentamente, sobrepasando el aspecto comercial que le dio inicio.

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La película de Rob Reiner debe ser la única en la historia del cine mundial que está basada en un rumor de la vida real, puesto que está apoyada en una familia en la cual se basaron a su vez para realizar el film “El Graduado”. De por sí, me parece que la idea que sirvió de base para el guión era una muy interesante de ver, no obstante, es de decir que el resultado no está a la altura de la misma.

La película comienza contándonos la historia de “El Graduado” en medio de lo que debe ser una especie de flashback. Una vez insertados todos en el asunto, nos ubicamos en la ciudad de Nueva York, donde conocemos a Sarah Huttinger (Jennifer Aniston), quien tiene una linda relación con Jeff Daily (Mark Ruffalo), de quien no está segura de querer casarse. Ambos viajan a la ciudad de Los Ángeles al matrimonio de la hermana menor de Sarah, lugar donde ella descubre que su familia fue la familia en la que el escritor Charles Webb tomó la inspiración para escribir “El Graduado”.

Un interés inmenso nace en ella sobre el asunto, puesto que su madre es quien sería la inspiración para el personaje de Mrs Robinson, interpretado por Anne Bacroft, dejando como resultado de todo que su padre posiblemente no sea realmente su padre, dado el romance que su madre tuvo con un hombre menor que ella, fue en una fecha muy cercana a cuando ella fue concebida.

La investigación de Sarah la hará entablar una relación cercana con lo que es de lejos el mejor personaje de la película, su abuela Katharine Richelieu, interpretada por la siempre hermosa y muy agradable Shirley Maclaine. Dada la insistencia de su abuela a no querer decirle nada, Sarah acude a su tía Mitsy (Kathty Bates) quien le explica que la persona que en la vida real fue la inspiración para el personaje de Ben Braddock es alguien llamado Beau Burroughs, interpretado en el film por Kevin Costner.

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Cuando vi los posters y los trailers de “Escuela de Rock“, me imaginé que otra de esas películas tontas de Hollywood habría de llegar a las pantallas de cine. Y la verdad fue que no me equivoqué, pero la diferencia en esta ocasión fue que la película tonta me fascinó y cautivó por completo.

Sin duda alguna que mirar una producción de este tipo con ojos críticos tendría la consecuencia de que no aguantaríamos hasta el final de la misma. Pero cuando la imaginación y los sentimientos priman sobre todo lo racional que uno pueda ser, la experiencia de “Escuela de Rock” es una muy linda y entretenida.

La historia es la de una fracasado rockero quien todo su gremio lo ha rechazado, principalmente por su amor sincero y nada comercial frente al género musical que más lo desvela. Sin trabajo y con necesidades financieras como todos, Dewey Finn (Jack Black) acepta el puesto de profesor substituto en una prestigiosa escuela primaria, pero haciéndose pasar por su amigo suyo llamado Ned Schneebly (Mark White). En el colegio descubre que los niños a quienes les da clase son unos muy buenos músicos, por lo que decide formar una banda de rock con ellos.
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1968 fue un buen año para Peter Sellers, el año en el que protagonizó una de las comedias más célebres de todos los tiempos y, por supuesto, uno de los mejores títulos de su filmografía: El guateque, de Blake Edwards (La pantera rosa), un director que debe gran parte de su fama a Sellers, como Sellers debe gran parte de la suya a Edwards (la certeza que ambos tenían de esto explica que colaboraran tantas veces a pesar de no poder soportarse en el terreno personal, como refleja el biopic de Stephen Hopkins Llámame Peter).

Ese mismo año el actor interpreta otra estupenda comedia, no exenta de cierto sabor agridulce y tampoco recordada como se merece, tal vez por su título algo difícil de recordar: Te quiero, Alice B. Toklas (I love you, Alice B. Toklas!), dirigida por el poco conocido Hy Averback, con guión de Paul Mazursky y Larry Tucker (también productores ejecutivos y verdaderos artífices del filme) y una pegadiza banda sonora de Elmer Bernstein.

Peter Sellers es Harold, un abogado judío de familia acomodada agobiado por las circunstancias de su vida: un trabajo insípido en un pequeño bufete que comparte con un amigo, una novia obsesionada en fijar la fecha de la boda y una madre neurótica y posesiva que todavía se empeña en organizar su existencia a pesar de que Harold ya ha cumplido los 35 años (en realidad Sellers tenía 43 pero aparentaba algunos menos). Por si esto fuera poco, su hermano menor, Herbie, se ha hecho hippy y cada dos por tres está dando disgustos a la familia con su excéntrico comportamiento.
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¿Alguien tiene idea de quién es Craig Gillespie? En mi caso particular no tenía ni la menor pista sobre quién era este director de cine hasta que vi esta película suya, Mr. Woodcock. Una vez finalizada la proyección, debo decir que no quiero saber absolutamente nada más de él.

La película es para mí el ejemplo máximo de la crisis de las ideas en Hollywood, que ha llevado a hacer miles de remakes de historias provenientes de cualquier parte del mundo. Ahora, a pesar de que esta era una práctica muy criticada, me parece que sí estas son las historias originales que tienen los escritores de California, quedémonos con los remakes por un momentico.

¿Qué hace que actores de la talla de Billy Bob Thornton y Susan Sarandon acepten trabajar en semejante bodrio? La respuesta común sería decir que el sueldo que pudieran haber recibido por participar, sin embargo la producción de esta película contó con tan solo 22 millones de dólares de presupuesto, o sea que por allí no va la cosa.

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