Algunas personas dicen que el cine es el séptimo arte no sólo por cronología, sino también porque abarca y adopta en su seno a los otros seis. Bueno, con el comic ha pasado exactamente lo mismo. La cercana relación que han tenido los dos viene desde la fundación de ambos, la que dista tan sólo en un año de diferencia entre el nacimiento de cada uno. En la búsqueda constante de historias para ser llevadas a la pantalla, el cine se ha servido de varias áreas de nuestra sociedad como fuente de ideas, no quedando el comic fuera de esta esfera. Sin embargo, la relación que entre ambos se ha consolidado en los últimos años, ha pasado por diferentes épocas y estados.

Desde que Alain Resnais relatara cómo encontró en comics como Mandrake y Dick Tracy una importante fuente de inspiración para la creación de los personajes y atmósferas de dos de sus películas, y que además advirtiera de la influencia que las historietas tuvieron en el uso de la profundidad en el fondo de campo en la fotografía de Greg Toland para la influyente Citizen Kane, muchas cosas han cambiado hasta nuestros días de Marvel sacando cuanto personaje de historieta se le aparezca. Desde aquellos días de Resnais, la constante es que el cine ha encontrado en el comic una importantísima fuente de ideas, que algunas veces han funcionado y otras han sido desastrosas. Lamentablemente, la mayoría de veces el fin con que han sido usados los comics son como simples historias para ser llevadas a la pantalla, más impulsado por un afán ecónomico que otra cosa.

Sin embargo, cuando en 2.005 Robert Rodriguez estrenó Sin City, La Ciudad del Pecado, una importante y valiosa aportación artística se volvió a presentar entre los dos, llegando a un nivel nunca antes logrado no sólo entre estos dos medios, sino entre el cine y cualquier otro. Y es que la película dirigida por Robert Rodriguez no es una adaptación cinematográfica de las novelas de Frank Miller, es una unión mucho más profunda: es una conversión del libro a la pantalla.

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Las películas de momias, como La momia 3: La Tumba del Emperador Dragón, han sido realizadas en la pantalla grande de forma recurrente a lo largo de la historia del cine.

Por un lapso de tiempo ese tópico fue desdeñado por los directores hasta que en el año 1999 una nueva película llamada La Momia fue estrenada y dio paso a una franquicia que hoy nos entrega su tercer lanzamiento.

La momia 3: La Tumba del Emperador Dragón empieza con una extensa historia de base, la historia del Emperador Dragón de hace miles de años atrás. Este personaje era un rudo tirano, interpretado por Jet Li, que confía en una infame bruja (Michelle Yeoh) la cual le conseguirá los métodos y conjuros para ser inmortal.

Los protagonistas de las anteriores películas de la saga,  que fueron los encargados de luchar contra otras momias, Rick O’Connell interpretado por el actor Brendan Fraser y su esposa Evelyn interpretada por Maria Bello, han decidido retirarse de la acción y tratan de vivir una vida tranquila y apacible. No obstante, a pesar de la promesa que se han hecho, son sutilmente convencidos de entregar un raro artefacto a China, que supone un peligro si cae en otras manos, es por ello que los dos serán los encargados.
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“La primera vez que nos vimos nos odiamos. La segunda vez que nos vimos el no me recordaba. La tercera vez que nos vimos, nos convertimos en mejores amigos y lo fuimos por mucho tiempo. Luego nos enamoramos, tres meses después nos casamos, nos llevó doce años y tres meses. Sí, tuvimos una hermosa boda”.

Hablar de los clásicos de las comedias románticas inevitablemente nos hacen pasar por “When Harry met Sally”. Muchos dirán que esta película aun no es un clásico debido a que tiene menos de 20 años, pero realmente si uno considera lo que es un “clásico” comienza a enumerar una cantidad de características que van más allá del tiempo. Un film que haya marcado su género convirtiéndose en un referente es un clásico, sin lugar a dudas esta película marcó un antes y un después en lo que a comedias románticas se refiere.

En esta gran película se conjugan varios elementos que años después siguieron siendo un estandarte en las comedias que contaban historias de amor. Dirigida por Rob Reiner, un hacedor de éxitos. Principalmente la escritora que da formato a este proyecto, Nora Ephron quien luego de este film fue responsable de grandes éxitos en el mismo género. Principalmente “Sleepless in Seattle” de 1993, traducida para habla hispana como “Sintonía de Amor”, protagonizada por Tom Hanks y Meg Ryan una dupla que también conformaría un clásico exitoso en el cine.

6 años después del inconmensurable éxito de Sintonía de Amor, los actores Tom Hanks y Meg Ryan volverían a ponerse bajo el guión y la dirección de Nora Ephron para intentar repetir el éxito, emulando a los grandes clásicos de la época de dorada de Hollywood. “You´ve got mail” fue un éxito de taquilla, casi sin precedente para una comedia romántica, fue tan esperado el regreso de este trío que nadie dejó de mirarla.

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La extensa obra del director americano John Ford comienza casi en los albores del siglo XX con la vasta producción de cortos y largometrajes dentro de los parámetros del género western, por el cual es por muchos reconocidos y al que principalmente se atendría hasta el rodaje, en 1926, de Three Bad Men. Nuevas pretensiones creativas y, en principio, el esencial condicionamiento de un público cuya atención se representaba para entonces en una decreciente rentabilidad de este tipo de producciones hicieron que Ford le abandonase de momento. Su retorno al mismo se daría recién a comienzos de la década de 1940 con el celebrado film Stagecoach, luego de haber incursionado sólidamente en el drama e incluso la comedia, donde pudo desarrollar y desplegar un característico estilo que le ha hecho merecedor de múltiples galardones y alabanzas por parte de figuras ilustres en la producción cinematográfica, muchas de las cuales han admitido su influencia en la obra personal. Entre ellos se destacan Jean Luc-Godard, Akira Kurosawa, Ingmar Bergman, Orson Welles, y François Truffaut, quien concluyentemente caracteriza al director como uno “de esos artistas que nunca pronuncian la palabra “arte” y de esos poetas que no hablan nunca de “poesía”. La obra de Ford se ha caracterizado por alejarse de meros fastuosos esteticismos del relato para poner a la cámara a disposición de las fuerzas del drama en la construcción de una narrativa que vincula fuertemente al personaje con el espacio que lo circunda y enmarca sus actos. Usual fue en su modo de trabajo recurrir a locaciones para el rodaje de las tomas, proceso en que aplicaría un trabajo minucioso y justo pretendiendo con ello disminuir la labor del editor e intervenir activamente en el proceso de montaje, en el que los directores tenían, para entonces, poca incidencia. El producto de ello conjuga, a la vez, un poderoso sentido de lo real ligado a un ineludible vínculo de compromiso emocional con el espectador.

Una de sus obras mas elogiadas es la cinta The grapes of wrath (también conocida como Las uvas de la ira), realizada en el año 1940 con la invaluable colaboración en el área de dirección fotográfica de Gregg Toland, quien participara al año siguiente en la producción de la obra maestra de Orson Welles, Citizen Kane. El film, cuya historia basó en las palabras de la pieza homónima escrita por el literato estadounidense John Steinbeck, ganadora del Premio Pulitzer en 1940, es uno de los tantos en su filmografía que retoman producciones consagradas, como también lo fue How green was my valley (de Richard Llewellyn) y The long voyage home (Eugene O’Neill), entre otras.

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Este tan esperado regreso de El Señor o Caballero de la Noche (también conocido como el Caballero Oscuro o el Caballero Nocturno, entre otros alias)… Batman, en definitiva, no ha hecho más que precipitar también mi regreso a los comentarios cinematográficos que bastante olvidados tenía. Creo que no está de más decirles que esta película era la que yo más había estado esperando en estos últimos tres largos años. Estaba totalmente intrigado en como haría Nolan para superarse a si mismo y continuar con aquello que inició con éxito en el año 2005 con Batman Begins. El resultado: superlativamente abrumador…

Luego de verla, llego a la conclusión de que esta nueva historia comienza exactamente donde había terminado la anterior, es decir, temporalmente no muy adelante en el futuro de esta podrida y corroída Ciudad Gótica. Es como si aquella primera entrega hubiese sido el tranquilo preludio de esta caótica y enloquecida obra magistral, como si >Batman Begins (2005) nos hubiera venido preparando el terreno antes de abrir esta Caja de Pandora, dejándonos la impresión de que todo lo que hemos visto hasta ahora ha sido parte de un único producto que se fue desarrollando in crescendo, como si se hubiese filmado todo junto de una sola vez (tal como lo hizo Quentin Tarantino con Kill Bill -2003- o Peter Jackson con El Señor de los Anillos -The Lord of the Ring, 2001-).

Christopher Nolan consigue de esta manera, hacer renacer exitosamente de las cenizas al “justiciero enmascarado” más famoso del mundo luego del estrepitoso derrumbe de la franquicia de la mano del psicodélico director Joel Schumacher, y lo hace apegándose a las novelas gráficas y a los comics que lo inmortalizaron desde un principio. A diferencia de la estética pop propuesta por la vieja serie de televisión de los años `60 (aquella con el panzón Adam West ¿recuerdan?), la cual fue retomada luego por Schumacher a fines de los `90, Nolan propone una estética oscura, densa, y con sus personajes siempre al límite de la cordura, y si bien Tim Burton ya había desarrollado esa profunda oscuridad, la misma solo se aplicaba a la fotografía de sus cuadros, al entorno y en menor medida a sus personajes. En este aspecto, este nuevo escritor y director toma lo mejor de Burton, y le da una vuelta de tuerca a la composición psicológica de los personajes, convirtiendo una película que se supone de acción, en prácticamente un complejo drama con una elevada dosis de suspenso y tensión.

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Las películas dramáticas muchas veces nos dejan esa sensación de que en la vida no hay consuelo, la depresión y la falta de solución de los problemas cotidianos suele ser mostrada con una mirada crítica, severa y casi irresoluble. Realmente una película así no enseña nada, al menos no desde el punto de vista de que uno irremediablemente debe seguir caminando y avanzando.

Bonneville sin dudas puede ser encasillado en el género drama. Pero también sin lugar a dudas, es un drama que enseña a que hay que seguir viviendo, porque los recuerdos y las experiencias pasadas nos hacen ser quien somos hoy. La vida está llena de tragos amargos, pero siempre después vendrá uno dulce.

Esta película fue estrenada en la mayoría de los países este año, el 2008, pero sin embargo la película ha sido realizada y estrenada en el año 2006 en su país de origen, los Estados Unidos. Dirigida por Christopher N. Rowley, un director que tiene tan sólo dos obras en su haber desde esta visión técnica, una de ellas es la película aquí mencionada y otra es “The Remembering movies”. Un film que narra la historia nieto que recrea la vida de su abuela, basando en sus memorias, haciendo el esfuerzo para curar la cruel enfermedad del Alzheimer de anciana abuela. En el 2002 fue estrenada su primero película como director y recién en el 2006 llegó el debut de Bonneville.

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The big sleep (conocido también como El sueño eterno) es ciertamente uno de los clásicos del film noir hollywoodense, alabado por el ingenio de su compleja trama y las interpretaciones de la dupla estelar compuesta por Lauren Bacall y Humphrey Bogart, quienes compartían un segundo trabajo juntos frente a las cámaras como así también un matrimonio recientemente iniciado, lo que sin dudas influyó en la convocatoria de la cinta. Su producción finalizó en 1945, mas fue por su trama relativa a la guerra, estrenada el año posterior a la conclusión de la Segunda Guerra Mundial, y contó con la dirección del prolífico Howard Hawks, con quien la pareja había trabajado ya en To have and have not hacia 1944. La historia original surge de la obra literaria homónima del escritor Raymond Chandler y la labor dispuesta sobre la creación del guión llevada a cabo por William Faulkner, Leigh Brackett y Jules Furthman, quienes debieron recurrir al autor para esclarecer la trama de su libro pues no podían hallar al autor del crimen. Se comenta que Chandler, luego de releer parte de éste confesó tampoco saber quien era el asesino de manera que, parece ser, lo dejó a criterio de los adaptadores.

El film tiene por protagonista al detective privado Philip Marlowe, encarnado por Bogart, quien en su inicio acude a la lujosa mansión del viudo General Sternwood (Charles Waldron) pues le ha convocado para asignarle dos tareas específicas. Una de ellas consiste en detener el creciente chantaje al que se encuentra sometido debido a las aparentes deudas de juego que su consentida hija Carmen (Martha Vickers) ha contraído con el dueño de una librería, Arthur Geiger. Asimismo espera de él la indagación y hallazgo de su guardaespaldas personal, Sean Regan, quien luego de encargarse de la primera amenaza recibida ha desapareció bajo circunstancias misteriosas. Señalados los cometidos, Marlowe se dispone a salir de la gran casa mas es pronto interceptado por la recta e impasible hija de su empleador, Vivian Rutlidge (Bacall) que pretende descubrir cuál ha sido la misión por la que su padre le ha contratado y exige se maneje el asunto de manera tal que éste no deba preocuparse. Sus maneras mordaces instauran, si embargo una tensión a la que subyace una clara atracción que, veremos, es también recíproca.

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Duck Soup es posiblemente la obra más reconocida de los famosos Hermanos Marx, sin embargo esta apreciación no fue instantánea. El film comenzó a rodarse hacia 1933 como último largometraje del contrato firmado con los estudios Paramount, con la dirección del prestigioso Leo Mc Carey y la colaboración del prolífico escritor Herman Mankiewicz en su producción. El resultado fue una clara sátira política sobre la guerra y sus pormenores como así también sobre las figuras de autoridad, representadas en el film como moralmente reprochables y de ambiciones desmedidas. Todo ello planteado desde la particular comicidad del cuarteto que conjuga un absoluto dominio del ritmo humorístico, continuos gags sagaces y una verborragia incansable. Aún así, fue el contexto político y económico el que incidió sobre la pobre aceptación de la cinta: mientras los Estados Unidos, devastados, luchaban contra la depresión que, por supuesto, había disminuido drásticamente el número de espectadores debido al apremio económico, Alemania nombraba como Canciller al austríaco Adolf Hitler e Italia era sometida a la dictadura fascista. En semejante panorama caótico el desprestigio de las figuras de poder no parecía buena idea y fue de inmediato catalogado como una obra inmoral. No es sino a partir de la década de los sesenta en que Duck Soup comienza a revalorizarse y pronto se convierte en un clásico cinematográfico por su contenido incisivo.

La historia comienza en una reunión donde funcionarios del gobierno de Freedonia piden a la poderosa viuda Gloria Teasdale (Margaret Dumont) preste al Estado una suma determinada de sus herencias para resolver la acuciante situación económica de emergencia y poder disminuir los altos impuestos. Poco convencida, la mujer acepta bajo la condición que el primer mandatario sea pronto intercambiado por Rufus T. Firefly (Groucho Marx) a quien considera el líder incólume que el pueblo necesita. De inmediato el cambio se realiza y es en una pomposa ceremonia que a continuación vemos en que se produce la presentación del nuevo gobernador frente a la elite nacional.

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The Jazz singer (1927) ha marcado en la historia cinematográfica un hito fundamental pues es el primer largometraje en que se halla articulada la voz de los actores interpretando sus líneas conjuntamente con la imagen. Para ello se empleó el innovador sistema Vitaphone que permitía grabar en un disco la pista de sonido para, en el momento de la proyección, reproducirse por separado más simultáneamente. Sin embargo no es ésta la primera obra que implementó la tecnología sino la cinta Don Juan, realizada en 1926 por Alan Crosland, en que efectos de sonido específicos y melodías fueron adheridas al relato.

El film, basado en la obra del dramaturgo y guionista estadounidense Samson Raphaelson titulada Day of Atonement, cuenta con la dirección del mencionado cineasta bajo la producción de los estudios de la Warner Bros. Su narración se centra sobre el pequeño protagonista, Jakie Rabinowitz (Bobby Gordon), a quien veremos a comienzos de la historia cantando melodías de jazz en un bar local a escondidas de su padre (Warner Oland) pues éste, especialmente, espera verle continuar la extendida tradición familiar de participación en el coro del templo. Pronto llega a él la noticia de su presentación, por lo que de inmediato se dirige al local y, enfurecido, recoge al niño para devolverle a su hogar. Al arribar, el hombre severamente le regaña por “malgastar la voz que Dios le dio” y anticipa que luego de golpearle habrían de tener una extensa charla, a lo que Jakie contesta afirmando que si ello sucedía, se marcharía para nunca volver a su hogar. El niño finalmente debe de cumplir su promesa.

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Actualmente en cartelera podemos encontrar una película titulada “Funny Games“. Originalmente es una película austríaca que en 10 años ha tenido dos ediciones. La original de 1997 y su remake en el año 2007.

Sin dudas al momento de hablar de esta película, aquellos que tuvimos la posibilidad de verla, lo más valioso para mencionar es la sensación de desamparo, horror y repugnancia que inunda el alma del espectador al finalizar la película. Es poco común que una película reúna estas tres reacciones en el receptor.

Si bien esta nota no se centrará en contar la película de forma detallada, es imposible no tratar de generar con el lector algún tipo de empatía, tratando hacerle llegar cual será la sensación de desagrado, no por la calidad, que le provocará la película.

En España actualmente tenemos en cartelera la versión de Funny Games realizada en el año 2007, desde algún punto de vista podríamos llamarla remake, pero la verdad es que el mismo director y escritor fue convocado por la Warner Bros. para volver a filmar esta película en inglés y con actores nuevos. Sin modificaciones aparentes, la película es una copia fiel de la original. Pocas veces el mismo director se pone a cargo de las dos versiones de una película, pocas veces las grandes productoras confían en el criterio cinematográfico de un director extranjero y su producto original.

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