El pasado 6 de marzo se estrenó en España la esperadísima ‘Watchmen’, un par de días después del resto del mundo, y una semana después de la gloriosa premiére en Londres. Ya hemos visto aquello con lo que llevábamos especulando dos años, e incluso tenemos alguna reseña en Cartelera10. Cada cierto tiempo recibimos una obra cuya calidad difiere radicalmente según los ojos de quien la mira, generando todo tipo de opiniones encontradas y discusiones interminables. La más reciente es precisamente la adaptación a la gran pantalla de la obra de Alan Moore, David Gibbons y John Higgins.

El Comediante: ¿el sueño americano?

Y es que, la controversia que ha causado, ha dividido al público (y a los fans del cómic) como pocas veces hemos visto. Están los que creen que es la obra maestra definitiva, que es perfecta, y que si algún fallo tiene es el que en algún momento veamos los créditos finales y no podamos seguir disfrutándola. Están también aquéllos a quiénes no les ha gustado en absoluto, y creen que es terriblemente prescindible, divididos a su vez entre los que la acusan con el dedo diciendo que es una burda copia, tan fiel que no merece llamarse adaptación, y los que se quejan de justo lo contrario, de tomarse excesivas licencias y no ser fiel a la obra.

Bueno, sobrará decir que creo que firmemente que todos los anteriormente citados se equivocan, y se equivocan además hasta un nivel serio. La película no es una obra maestra, pero tampoco es tan mala. Considero erróneas esas tres posturas; los que creen que es la obra maestra definitiva están ciegos a los evidentes errores (en algunos casos, gravísimos) de que adolece la película. Los que la desprecian por ser demasiado fiel al cómic deberían replantearse ir a ver una película que no sea una adaptación (seamos serios, lo que el fan espera es fidelidad a la obra que idolatra); finalmente, los que curiosamente se quejan de tomarse demasiadas licencias -teniendo en cuenta que existe el grupo contrario-, deberían entender que dichas licencias no cambian la historia, sólo cambian la superficie, manteniendo el significado y las consecuencias de esos hechos nuevos.

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'Gran Torino'

Decían hace unos meses que ‘Gran Torino‘ sería la última película de Clint Eastwood en su faceta de actor. Los que llevamos siguiéndole tantos años como los que lo descubran con su última película estarán de acuerdo en que sería algo terrible. Visto lo visto, ojalá siguiera muchos años más. Eastwood es una de las figuras más importantes que ha dado el cine, a casi todos los niveles. Y en ‘Gran Torino’ no hace sino demostrar que lo que digamos de él es poco. También ejerce de director, productor, e incluso compone y canta el tema principal de la película. Un monstruo.

El Gran Torino es un Ford de los ‘70, considerado uno de los más bellos de la historia. El coche, en la película, representa al propio Eastwood, a través del personaje principal. Una vieja gloria, lo más grande que hubo en cierta época. Lo mantiene en perfecto estado, lo abrillanta a diario, porque cree -sabe- que ya no hacen coches así. Ya no se hace cine así, sin recurrir a los gigantes del pasado. Ver ‘Gran Torino’ es recordar por qué amamos el cine, es transmitir todo tipo de sensaciones, lecturas a varios niveles, una historia con gancho, personajes carismáticos y frases para el recuerdo tras una dirección sobria, uina estructura deliberadamente clásica en tres partes y una historia aparentemente simple. Huyendo de manera declarada de efectismos de ningún tipo ni grandilocuencias, la película va introduciendo al espectador poco a poco en algo tan cotidiano que resulta terrorífico, cómico, incómodo, o terriblemente triste, según se va sucediendo cada escena.

Walt Kowalski es uno de los personajes más carismáticos de los últimos tiempos. Interpretado de manera espléndida por Clint Eastwood (casi debería decir encarnado), es alguien que cae mal. Un tipo duro, racista, malhablado, arisco, un viejo gruñón al que le asquea cuanto ve a diario en el barrio en el que vive, en la juventud, incluso en su propia familia. Es veterano de la guerra de Korea, el arquetipo de viejo enfadado con el mundo. Incluso protesta y recrimina cosas a Dios, personificado en un cura muy joven que pretende llevarle por el buen camino y a quien desprecia y ridiculiza constantemente. Eastwood compone así un personaje que en principio debería caernos mal, pero la forma en la que nos lo introduce como protagonista absoluto y vamos viendo poco a poco su vida hace que rápidamente nos encariñemos con él. Es terco, protestón y jamás sonríe, pero se hace un hueco dentro de nosotros.

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Comparte ‘Cuestión de Honor’ con la también reciente ‘El Intercambio‘ el tema, el de los policías corruptos que actúan y se benefician de la ley a la que representen. Hay una diferencia entre ellas significativa, al margen de los puntos de vista y la historia: la película de Gavin O’Connor se anuncia al final como historia orgullosamente ficticia, y la de Clint Eastwood se abre como rimbombante historia real.  No resulta curioso pues que la cinta del primero funcione muchísimo mejor, puesto que consigue la verosimilitud a partir de la ficción mientras que Eastwood lo hace con el proceso inverso, saliendo naturalmente perdiendo.

El canon del policíaco de los setenta sigue siendo para el cine norteamericano contemporáneo un modelo para resucitar la gran película. Hay ejemplos de todo tipo: desde la fallida y derivativa ‘American Gangster’ hasta la arriesgada y triste ‘La noche es nuestra‘. Comparte la película de O’Connor con la de James Gray una família de policías de Nueva York y los conflictos éticos que surgen en ella, siempre presididos por un patriarca que es además un policía legendario (y lo encarna un actor consagrado en aquél viejo cine de los setenta, en la de Gray un estupendo Robert Duvall, y en la de O’Connor un sorprendente Jon Voight, fuera de sus colaboraciones con Bruckheimer/Bay). Las similitudes terminan aquí: la película de James Gray era un homenaje a la policía neoyorquina que se arriesgó en los años ochenta por limpiar la delincuencia y el tráfico de drogas, y O’Connor prefiere narrar una situación justamente contraria: el peligro de la policía en su lucha contra el narcotráfico, sintiéndose tentada por el factor económico.

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A principios de la década de los setentas, el escritor Paul Schrader se encontraba en una de las crisis más profundas que como ser humano se puedan tener. Para ese momento, el escritor se la pasaba en su auto todo el tiempo, y se dio cuenta que un auto en movimiento es una perfecta manera de poder insertarse en lo mejor y peor de una ciudad. De allí salió la idea de hacer una película sobre un taxista que viaja por todo Los Ángeles, siendo un observador detenido de lo que pasa a su alrededor, y viéndose afectado profundamente por eso.

El guión de Shcrader encontró en Martin Scorsese a un director que estaba más que preparado, se podría decir que absolutamente inspirado por lo que decía en el papel. La situación emocional de quien sería el director del film era muy similar a la que vivía en esa época el escritor, por lo que la transformación de palabras en imágenes sería una experiencia maravillosa, que terminaría en una de las películas más importantes de todos los tiempos.

“Taxi Driver” es un retrato perfecto de una época en los Estados Unidos, de un sentimiento y de una ciudad que es una verdadera jungla de cemento. La película es casi un tratado sobre la violencia humana, sobre la degradación del hombre y de la sociedad, en medio de un mundo desenfrenado, esquizofrénico y muy apegado a las teorías de Darwin.

El elemento que nos va insertando en ese universo oscuro y peligroso, no es otra que el ya mundialmente famoso personaje de Travis Biclke, interpretado por el genial Robert De Niro, en una de sus actuaciones más espectaculares. La introspección que en esa película se alcanza a tener de Travis Bickle, es tan inmensa, que fácilmente podría decirse que es el mejor estudio de un personaje que se haya llevado al cine.

Travis es un solitario en la ciudad de New York (un cambio que Scorsese hizo del guión dado que los taxis en los setentas eran mucho más importantes en la ciudad natal del director) que observa detenidamente la prostitución, violencia, suciedad, locura, el machismo y la decadencia del mundo occidental, mientras va recorriendo las calles de la ciudad en su taxi. El personaje dedica su vida a manejar el auto como una manera de pasar el insomnio, y a ver películas porno, lo que terminara en una crítica situación.

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Jeffrey es un asesino profesional. En uno de sus trabajos hiere accidentalmente a una joven y bella cantante y la deja ciega. Jeffrey se siente culpable y acaba enamorándose de Jenny, la cantante. Su profesión le asquea y decide abandonarla, pero antes deberá cumplir un último encargo para costear una delicada operación de córnea que puede devolverle la vista a Jenny. Jeffrey ejecuta con éxito su misión, pero tiene problemas para cobrar su dinero. Además, el inspector Lee le sigue los pasos y no piensa dejarle escapar. Sin embargo, cada nuevo encuentro entre estos dos hombres, que se mueven en lados opuestos de la ley, despierta una mutua admiración y acrecienta su amistad.

The killer es, con toda seguridad, la película más conocida de cuantas ha dirigido John Woo en Hong Kong. Se dice que es la “biblia cinematográfica” de Tarantino, posiblemente el filme que más le ha impresionado de todos los producidos en la ex colonia británica y uno de los que más han influido en su estilo. Casi puede afirmarse que a Woo se le empieza a conocer en occidente con The killer, lo que hace unos años indujo a pensar que, si no la primera, era una de las primeras obras que componen su filmografía. Nada más alejado de la realidad: cuando John Woo dirigió la que muchos consideran su obra maestra, ya llevaba casi veinte años en el oficio y diecisiete películas como director, muchas de ellas de artes marciales, sin olvidar Un mañana mejor (A better tomorrow, 1986) y su secuela o Just heroes, con Danny Lee.

Si el cine de Quentin Tarantino recibe influencias, según él mismo confiesa, del producido en Hong Kong, tampoco John Woo niega la huella que en sus años de juventud le dejaron importantes cineastas occidentales, como Martin Scorsese y Sam Peckinpah (con el que comparte su gusto por la ralentización de las imágenes violentas, como recurso de gran fuerza expresiva y eficaz elemento de realce estético). Pero Woo declaró en una entrevista concedida a propósito del rodaje de Broken arrow, su segunda película americana, que su gran ídolo siempre ha sido el Alain Delon de los filmes de Jean-Pierre Melville, obras maestras del género negro francés. Y, en efecto, el personaje de Chow Yun Fat en The killer debe mucho al encarnado por Delon en El silencio de un hombre. Ambos son profesionales del crimen impecables en su trabajo, fríos como témpanos de hielo y peligrosos como fieras acosadas. A ninguno de ellos le gusta lo que hace, más bien lo odian; y de alguna manera, en su arrepentimiento inconfesado, los dos buscan la redención a través de la muerte o el sacrificio.

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Cuando David Fincher recibió el MTV MOVIE AWARDS de 1996 a la mejor película del año, el joven director le recordó a todo el mundo presente que cuando la película se estrenó, muchos críticos la tildaron de manera despectiva como ” tan sólo una película al estilo MTV“. Parado en el estrado de los ganadores con su premio de palomitas, el director afinadamente les respondió:”¿Cuál es el problema con eso?”. A más de una década de haberse estrenado, la verdad es que la película se ha convertido en una verdadera producción cinematográfica de culto, un inmenso éxito de taquilla, y una de las mejores películas de suspenso de todos los tiempos, siendo o no tan sólo una película al estilo MTV.

A finales de los años ochentas, Andrew Kevin Walker era un empleado de Tower Records en New York, quien desesperado por el caos y el desorden de la ciudad, se enfrascó en una fuerte depresión emocional que lo llevó a escribir un guión casi que de manera terapéutica. El resultado de todo eso fueron las más de 140 páginas de “Seven”, la película que lanzó a la fama a David Fincher, Brad Pitt y que terminó de consagrar a Morgan Freeman.

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Esta es una película de Woody Allen. Del año 2001 ambientada en los años 40` (1940, para ser más exactos). Es una comedia muy divertida y detectivesca en la cual Woody Allen se pone en la piel del protagonista (C.W. Briggs) un detective que, guiado por su intuición resuelve muchísimos casos en una Compañía de Seguros. Será el antagonista de Betty Ann  Fitzgerald (Helen Hunt), con un reparto que incluye a Dan Aykroyd y Charlize Theron entre otros.

Podríamos decir que la película toma vuelo a partir de la relación que se da en la compañía entre Briggs y Fitzgerald. Ellos se ven enfrentados. Ella significa la modernización en nombre de los avances científicos en una oficina donde Woody Allen sabe manejarse con sus propios métodos. En estos métodos creo entrever una referencia (y reverencia) ante Fritz Lang y su Vampiro de Dusseldorf.

En fin, se llevan mal: muy mal. Hay un cumpleaños y todos los compañeros de trabajo van a un restaurante a festejarlo. Allí habrá un mago, ilusionista y/o hipnotista de nombre Voltan que sugestionará a ambos protagonistas, los cuales suben obviamente diciendo que nada se podrá hacer con ellos en ese sentido. A partir de ahí la voz de Voltan aparecerá en la oídos del propio detective para inducirlo a hacer cosas que ¿nunca hubiese hecho?

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El asesinato de Elizabeth Short a mediados del siglo pasado conmocionó a todo Los Ángeles, dada la sevicia con que el cuerpo de la joven fue destruido por su desconocido asesino. En 1986 James Ellroy escribió un libro sobre el caso, denominado “La Dalia Negra“, el que presentaba su propia hipótesis sobre un criminal que hasta nuestros días permanece en un total anonimato.

Ellroy escribió está novela, que daría inicio a su ciclo sobre libros de carácter neo-noir sobre Los Ángeles en los años 40 y 50 del siglo pasado. Más conocido es el escritor por la adaptación que otro de sus libros se hizo para el cine: L.A. Confidential. Gracias a la publicación de estos libros, los que están escritos en clave tipo Dashiell Hammet, Raymond Chandler, James M. Cain o W.R. Burnett, es que se estableció a Ellroy como el mejor exponente del movimiento de novelas criminales neo-noir.

La primera persona encargada para llevar a cabo la adaptación de la novela fue David Fincher, quien quería hacer una mega producción de 3 horas en blanco y negro, con Mark Whalberg como protagonista. No obstante, sería Brian de Palma quien tomará las riendas y llevara a cabo la adaptación. Lamentablemente para nosotros, lo que la Dalia Negra demuestra es que De Palma era, más no es, el “maestro del suspenso”, dejándonos con la especulación y las ganas de ver lo que podría haber hecho el director de “Seven”.

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Instinto Básico es una producción de 1.992 que impactó a todo los espectadores que asistieron en masa a los cines a disfrutar de ella. La película fue un éxito absoluto de taquilla a nivel mundial, logrando establecer a Sharon Stone como uno de los símbolos sexuales más poderosos de todos los tiempos. Sin embargo, es una película que el tiempo ha condenado, haciendo olvidarla y dejándonos ver lo vacía que en muchos aspectos realmente es.

Bajos instintos cuenta la historia del detective Nick Curran (Michael Douglas), quien debe investigar el asesinato cometido a una importante personalidad musical de su ciudad. La principal sospechosa del crimen es una escritora que mantenía relaciones sexuales con él: Catherine Tramell (Sharon Stone); pero que también escribió un libro que contiene una descripción exacta del asesinato que se llevó a cabo. Mientras Curran investiga a Tramell debe continuar con el tratamiento médico llevado a cabo por su ex esposa, la doctora Beth Garner (Jeanne Tripplehorn), al que se encuentra obligado a asistir por el asesinato causado a unos civiles estando bajos los efectos de la cocaína y el alcohol.

A medida que la investigación se va profundizando, Tramell se va haciendo más sospechosa, pero también se va relacionando de manera más intima con Curran, a quien parece estar manipulando con su atractivo físico y sexual, y con su gran inteligencia. Entre los dos una inmensa relación pasional se mantiene a lo largo de todo el film, lo que parece arriesgar la vida de Curran y que termina en el asesinato de su compañero Gus (George Dzundza). Gracias a las pistas dadas por Tramell, se descubre que la verdadera asesina es una antigua amante y compañera de Universidad de Tramell, quien está obsesionada con ella. La persona es la misma doctora Garner. Al final se deja una ambiguedad sobre sí Tramell era o no la asesina por el plano de un pica hielos debajo de su cama.

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La película que nos ocupa se llama “Amores Asesinos” con título original “Lonely Hearts” es una película dirigida y escrita por Todd Robinson. Es del año 2006 y es una coproducción de Estados Unidos y Alemania basada en hechos reales. Es más: el propio Robinson es nieto de uno de los protagonistas: el detective Elmer C. Robinson, encarnado precisamente por John Travolta.

La película cuenta la historia de, por un lado este detective que junto a su compañero de trabajo Charles Hilderbrandt (interpretado por nada más y nada menos que ese actor que habrá quedado marcado en nuestra percepción de por vida por su participación en la serie The Sopranos: James Gandolfini). Ellos investigarán y se irán acercando a un asesino serial (que resultarán ser dos) que se encargaban de dar sepultura a viudas y solteronas más o menos adineradas. De ahí su nombre.

Estos “corazones solitarios” se irán uniendo en una relación enfermiza y extremadamente patológica que tendrá un método muy particular. A partir del Don Juan de la pareja Raymond Fernández (interpretado por Jared Leto) veremos como se le une quien iba a ser su víctima. En la película una sensual Martha Beck (interpretada por Salma Hayek).

Raymond Fernández basaba su método en ir enamorando por correspondencia y mediante avisos de revistas al estilo “Solos y Solas” a mujeres de las cuales pudiera sacar una tajada. El proceso era bastante particular y lo antes descrito solo era el principio de lo que iba culminando cuando se conocían y entraba en escena todo el carisma, el buen aspecto, la simpatía, la elegancia y el caballerismo de Raymond.
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