pazvegaonline.com

Que las actrices españolas triunfan en Hollywood es algo que ya no admite discusión. Tras el éxito reciente que ha alcanzado Penélope Cruz en la meca del cine, otra española, Paz Vega, le pisa con fuerza los talones a la madrileña. Y es que , poco a poco, con paso lento pero seguro y eligiendo cuidadosamente cada una de sus intervenciones,   Paz Vega sigue labrándose una sólida carrera en Hollywood. Prueba de ello es el próximo trabajo de la actriz, que, según ha publicado la revista Variety,  interpretará , ni más ni menos que a Alina Fernández, la hija extramatrimonial del mandatario cubano Fidel Castro, un papel por el que competían actrices de la talla de Penélope Cruz o Salma Hayeck.

La película, que podría llevar por título Castro’s daughter,  tiene muchas posibilidades de convertirse en uno de los estrenos importantes de la próxima temporada.  Al  menos esa es la impresión que uno puede sacar del equipo que ha reunido el director Bobby Moresco, ganador del Oscar al mejor guión por Crash y habitual colaborador en la escritura y la producción de Paul Haggis (Crash)  que ha escogido como colaborador  para la elaboración del guión al escritor cubano Nilo Cruz, el primer latino ganador del Pullitzer de Teatro por Anna in the tropic.

El reparto, de confirmarse, tampoco sería digno de olvido. Junto a Paz Vega, estarían al frente de la película el actor hispano alemán Daniel Brühl (Malditos Bastardos) y la argentina Mia Maestro que ya destacó entre los críticos por su papel en la película  (Frida).

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Metro Goldwing Meyer

“Después de todo mañana será otro día…” Con esa frase se cerraba hace ahora 70 años una de las películas más famosas de todos los tiempos Lo que el viento se llevó.  Desde que se exhibiese en los cines por primera vez el 15 de diciembre de 1939 ha pasado mucho tiempo, pero aún a día de hoy, miles de telespectadores quedan deslumbrados por la magia de esta  superproducción de Hollywood, suspiran ante los pícaros gestos de un Reth Buttler interpretado magistralmente por Clark Gable y fruncen el ceño ante los caprichos de la bellísima Escarlata O’Hara la que dio vida una joven Vivien Leigh.

Es difícil analizar el por qué del gran éxito cosechado por esta película, que parece ser inmune al paso del tiempo. Cuando la cinta se mostró por primera vez al público, el mundo se encontraba inmerso en la II Guerra Mundial, el conflicto más largo y sangriento de la historia. No era fácil, por lo tanto., conseguir el éxito con una película ambientada en otra guerra, la  de Secesión, que enfrentó al Norte y Sur de Estados Unidos entre 1861 y 1865. Sin embrago, contra todo pronóstico, la historia de amor – odio que se establece entre la caprichosa  Escarlata  y el vividor Buttler logró desde el principio atraer al gran público.

Cortesía de Vivienleigh.com

Unos personajes diferentes

Quizá una de las grandes bazas de la película, inspirada en la novela homónima de Margaret Mitchell, sea el carácter de sus personajes.
Lejos de los convencionalismos de la época, Escarlata O’Hara, la hija de un terrateniente del Sur, es una mujer caprichosa, vanidosa, deslenguada, orgullosa y , en cierto modo independiente, que no duda en hacer la vida imposible a quién sea necesario con tal de conseguir sus propósitos. De ellos,  el más elevado será el de ganar el corazón de Ashley Wilkes otro joven aristócrata enamorado de otra mujer, Melania Hamilton,  con la que contraerá matrimonio.
Si Melania representa todo lo que se espera de una dama de la época (bondadosa, esposa amantísima y resignada, ama de casa perfecta…) Escarlata es todo lo contrario. Sin embargo, el personaje no logra resultar antipático. Hay algo en el carácter de Escarlata, y en la magnífica interpretación de Vivien Leigh,  que obliga al espectador a perdonar sus desmanes y a desear que alcance sus sueños.

Tampoco Reth Buttler es lo que se espera de un caballero. Dandy, respondón, coqueto, también orgullosos y sabedor de su atractivo físico, nada tiene que ver con el entregado y apocado Ashley Wilkes del que tan enamorada está Escarlata. Sin embargo, poco apoco el espectador asiste al nacimiento de una tensión amorosa entre los protagonistas que le mantiene pegado al asiento las cuatro horas de metraje.

De la misma forma, la trama de la película hacía difícil presagiar un éxito como el que después se obtuvo. Si existía el temor a que los personajes principales no lograsen calar en el público por sus caracteres alejados de los convencionalismos, tampoco el final de la historia acompañaba. La muerte de la bondadosa Melania y de la pequeña hija de Escarlata y Reth Buttler, así como el   abandono final  de Escarlata por parte de un Reth Buttler harto de luchar por el mayor de la joven, no apuntaban, precisamente hacia los tópicos cinematográficos de la época. Sin embrago, el “ francamente querida, me importa un bledo” que Clark Gable pronuncia al final de la película , cuando se dispone a dejar de una vez por todas a una Vivien Leigh desecha en lágrimas, se ha convertido en la más famosa de la historia del cine y ha sido parodiada y reproducida en multitud de ocasiones.

Los Oscar, el primer reconocimiento

Los impresionantes decorados y el majestuoso vestuario de la cinta, que consiguió el Oscar a la mejor fotografía y a la mejor dirección de arte, contribuyeron sin duda a crear la leyenda, de la misma forma que lo hizo la banda sonora creada por  Max Steiner que resultó nominada a la estatuilla, que no obstante le fue arrebatada por Herbert Stothart, que competía con la banda sonora de El mago de Oz.

Muy pronto se vio, no obstante que la cinta iba a pasar a los nombres propios denla historia del cine. Nominada a 13 estatuillas para los Oscar de 1939, consiguió la de mejor película, mejor director para Victor Fleming, mejor actriz para Vivien Leigh y mejor actriz de reparto para  Hattie Mc Daniel  (Mamita), mejor fotografía, mejor dirección de arte, mejor montaje y mejor guion adaptado. Por ello, la gran sorpresa fue que ni Clark Gable ni Olivia de Havilland consiguieran la estatuilla por sus papeles de Reth Buttler y Melania, puesto que eran claros favoritos. A pasar de ellos, desde aquel 15 de diciembre, la leyenda de esta película no iba a hacer más que crecer.

Difícil rodaje
Lo que el viento se llevó es un mito que pudo no llegar a salir nunca de los estudios de grabación. Y es que la película encontró numerosas dificultades tanto en el rodaje como con las posteriores revisiones del metraje por parte de los censores.

Las dificultades para sacar adelante el proyecto, que costó la friolera de 4,25 millones de dólares ( ostentó durante décadas  el título de película más cara de la historia ), empezaron mucho  antes de que comenzase el rodaje con las pruebas para elegir a la protagonista. Y es que, aunque hoy en día resulta casi inconcebible que pudiera haber otra elección que no fuese Vivien Leigh para interpretar a Escarlata, el productor de la película David O ´Selznick tardó dos años e encontrar a la actriz ideal para un papel que ambicionaban estrellas de la talla de Lucie Ball, que prácticamente tenía asegurado e papel antes de que Selznick se decidiese por Vivien, Joan Crawford , Barbara Stanwick o  Paulette Goddard y para el que se hizo pruebas  a 1400 mujeres.
Pasado el mal ato de elegir a Escarlata- el papel de Rett estuvo claro desde el principio- el equipo de rodaje tuvo que vérselas con las dificultades para encontrar director. Y no era que no hubiese candidatos interesados, más bien lo contrario. La cinta llegó a tener cinco directores distintos debido a las exigencias de los actores o del propio Selznick. Reeves Eason,  Sam Wood, William Cameron Menzies, George Cukor y Victor Fleming fuern los 5 directores que se hicieron cargo de la cinta en algún momento, sin contar la escenas rodadas con directores de segunda unidad por  los avatares del rodaje. Se cuenta que el director que debía haberla realizado es George Cukor, quien apoyó la elección de Vivien Leigh, pero Clark Gable exigió su sustitución, según rumores porque Cukor (reconocido homosexual) conocía detalles del pasado de Gable y éste se sentía incómodo a su lado.  De hecho, la rumorología cuenta que cuando Vivien recogió su Oscar por esta película, cuentan que fue vista llorando en un cuarto de baño porque lamentaba que George Cukor no pudiese compartir con ella ese momento.

Y , completado el rodaje, la película no se libró de las revisiones de los censores, algo que sufrían la mayoría de las cintas en ese momento y que costaron Selznick otros cuantos miles de dólares a los censores para que Clark Gabe pudiese abandonar a Escarlata con la frase: Francamente querida, me importa un bledo, ya que esta expresión estaba en la lista de palabras malsonantes de los censores. Tampoco pudieron incluirse en el guión otras muchas expresiones pronunciada en el libro por Escarlata, que los censores tampoco consideraron adecuadas para los oídos de los americanos.

Curiosidades y frases célebres

*  La película contó con cinco directores distintos y su rodaje se prolongó durante 140 días.
* Para recrear el incendio de Atlanta se quemaron los decorados de King Kong
* La elección de la actriz Hattie Mac Dowell para el papel de Mamita, le supuso a Selnick más de un quebradero de cabeza por los códigos raciales de la época. Sin embargo, la actriz se convirtió en uno de los pilares de la cinta y se convirtió en la primera actriz de color en ganar la estatuilla.
* La escena en que Rhett coge a Scarlett y sube la escalinata hasta el dormitorio con ella gritando y pataleando tuvo que repetirse varias veces. Clark Gable, que entonces tenía treinta y ocho años y estaba en plena forma, subió las escaleras a paso ligero, con Vivien Leigh a cuestas, un buen número de veces, repitiendo la escena cada vez que se lo pidió el director Victor Fleming, buen amigo suyo. Sin embargo, llegó un momento en que el actor empezó a acusar el cansancio, pero Fleming le hizo repetir la toma una vez más. El derrengado actor subió de nuevo los pesados escalones cargando con Leigh, tras lo cual Victor Fleming le dijo, jocosamente: “En realidad no necesitaba esta última toma, pero había apostado a que no eras capaz de subir otra vez esas malditas escaleras…
* Tres frases de la película se encuentran en la lista de las 100 frases más celebres de la historia del cine elaborada por la AFI: Francamente querida, me importe un bledo (´puesto  1); “Después de todo mañana será otro día” (puesto 31) y “A Dios pongo por testigo de que jamás volveré a pasar hambre” (puesto 59)
* Clark Gable siempre renegó de su papel como Reth Buttler

Enlaces y bibliografía:

Tejero, Juan: Este rodaje es la guerra: Lo que el viento se llevó y otras batallas campales. T&B Editores 2003.
Bridges, Herb: Frankly mi dear, Gone with the wind memorabilia Mercer University Press 1995
Taylor, Helen: Scarlett’s women: Gone with the wind and its female fans. Rutgers University Press 1995
Página web sobre la película: http://www.historyinfilm.com/gwtw/index.htm
Enlace a la página de fotografías de la película en IMBD con cientos de imágenes: http://www.imdb.com/title/tt0031381/mediaindex
Trailers de la película:
http://www.youtube.com/watch?v=8mM8iNarcRc
http://www.youtube.com/watch?v=wUA5jB2MPCc&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=K9ftIzRAgAk&feature=related
Vivien Leigh recoge el Oscar:
http://www.youtube.com/watch?v=TaPMpD4oxDA&feature=related

Página web dedicada a Vivien Leigh con una gran selección de imagenes de la película: http://www.vivien-leigh.com

La vida de Brian

En 1979 el más conocido grupo de cómicos televisivos a nivel mundial (cuya fama se queda cortísima al lado de su potencial), los Monty Python, parieron una de las comedias más divertidas que nos ha dado el cine. Su particularísima visión del mito de Jesucristo es interesante, invita a alguna reflexión y por supuesto constituye uno de esos hitos del humor absurdo que hacen que el espectador no pueda escuchar algunas líneas de diálogo porque está demasiado ocupado soltando carcajadas de la escena anterior.

‘La vida de Brian’ está dirigida por Terry Jones, que también dirigió ‘Eric el vikingo‘ y codirigió junto a otro genio, Terry Gilliam (aquí le veremos como actor), las otras dos películas más emblemáticas del grupo: ‘Los caballeros de la mesa cuadrada‘ y ‘El sentido de la vida‘. Está protagonizada por los habituales miembros del grupo cómico, que como suele ser habitual dan vida a muchos personajes diferentes cada uno a lo largo del metraje, siendo Graham Chapman el elegido para interpretar a Brian, el equivalente aquí de Jesucristo; nótese que Brian no es nuestro Jesús, sino un tipo que nació el mismo día y que debido a las circunstancias lleva una vida similar. El guión es obra del grupo al completo, y como nota curiosa estuvo financiada por George Harrison.

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Jesús de Nazareth

En 1977 se proyectó por primera vez una de las miniseries de más éxito de la historia de la televisión, convertida rápidamente en un clásico del cine y una de las obras más representativas del cine en torno a la figura de Jesús. Con alrededor de seis horas de duración en su versión íntegra, fue estrenada recortada en la mayoría de países (reducida a dos o tres episodios de hora y media).

La dirección, muy correcta, estuvo al cargo del italiano Franco Zeffirelli (actualmente conocido sobre todo por sus últimas obras ‘Callas forever‘ y ‘Te con Mussolini‘, y por su excelente trayectoria como director de ópera), sobre un guión coescrito por él mismo, Suso Cecchi d’Amico (guionista con una carrera extensísima en la que destaca ‘Ladrón de bicicletas‘ y ‘El inocente‘ de Visconti) y Anthony Burgess (escritor de la novela ‘La naranja mecánica‘ que Kubrick convertiría en una de las mayores obras maestras del cine).

Un equipo de lujo que trabajó en un guión sólido, coherente y muy respetuoso con los distintos dogmas católicos (no en vano, se la considera una de las más logradas interpretaciones del tema, y es aceptada por todos los credos cristianos), para una película que no sólo desde el punto de vista religioso es un referente, sino que también es un clásico del cine y una muy buena película para el resto del público que pueda interesarse por la historia de un hombre que, terrenal o divino, real o no, se convirtió en un eje importantísimo de la cultura que tenemos hoy día.

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Rey de reyes

Dirigida en 1961 por Nicholas Ray (‘55 días en Pekín‘, ‘Rebelde sin causa‘, también hizo una pequeña actuación en algunas películas como ‘Hair‘), ‘Rey de reyes’ es una epopeya que narra la vida de Jesús, y el contexto histórico-político en el que se mueve, dotando de una verosimilitud histórica a los hechos que cuenta, centrándose especialmente en la política y la relación que tiene con ella Jesús. No debemos confundirla con la película muda de 1927, dirigida por Cecil B. DeMille, que narraba la pasión.

La película fue rodada íntegramente en España, y en el plantel de actores destaca una bellísima Carmen Sevilla dando vida a María Magdalena. Jeffrey Hunter interpreta a Jesús, Siobhan McKenna a María, Hurd Hartfield a Pilatos y Rip Torn es Judas. Además, como curiosidad Paul Naschy hizo de extra, como también estaba en otra película del director que mencionamos antes, ‘55 días en Pekín’.

Si comparamos ‘Rey de reyes’ al resto de películas que tienen la figura de Jesús como centro indiscutible, rápidamente se destacan algunos detalles que la hacen especial. Lo más importante quizá sea que la película no es enteramente religiosa, huye un poco del mito para centrarse más en el contexto social y político de la época; Jesús era un revolucionario, era alguien que predicaba amor y paz a los suyos, harto de ver cómo estaba la situación con la conquista romana, los muertos y los levantamientos representados aquí en Barrabás, quién hace uso de unos métodos mucho más directos, luchando contra los romanos por la liberación de Judea.

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La pasión de Cristo

Rodada en latín y arameo (romanos y judíos respectivamente), ‘La pasión de Cristo’ es una de las películas más controvertidas sobre la pasión, que dividió a una gran parte de los espectadores entre quienes disfrutaron enormemente de la grandísima película que es, y los que criticaron el exceso de sangre y violencia del film, además de quienes incluso llegaron a calificarla de antisemita. Está magistralmente dirigida por Mel Gibson (dirigió ‘Apocalypto‘ o ‘Braveheart‘, aunque es más conocido en su faceta de actor, por películas como la propia ‘Braveheart’, ‘El hotel del millón de dólares‘ o la saga de ‘Arma Letal‘), con Caleb Deschanel como director de fotografía (‘Las crónicas de Spiderwick‘, ‘El patriota‘). La película es una maravilla desde el punto de vista cinematográfico, las críticas y controversias que ha tenido han sido por motivos religiosos, cosa que no nos ocupa en este blog.

El guión es del propio Gibson y Benedict Fitzgerald (también autor del guión de la nueva película sobre la virgen María de Alejandro Agresti), sobre la historia clásica de la Biblia. Además de los evangelios, el guión también toma cosas de unos escritos de Ana Catalina Emmerick, una monja estigmatizada que al parecer tuvo visiones sobre la pasión. En los papeles principales tenemos a James Caviezel como Jesucristo, Maia Morgenstern como María; Christo Jikvov, Francesco de Vito y Monica Bellucci completan un reparto sin grandes conocidos pero que logran muy buenas actuaciones. Realmente, nadie desentona en esta película.

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La última tentación de Cristo

Considerada una de las películas más polémicas de la historia, ‘La última tentación de Cristo‘ está dirigida por Martin Scorsese, con guión de Paul Schrader (director de ‘Desenfocado‘ o ‘American Gigolo‘), sobre un libro de Nikos Kazantzakis (escritor de ‘Alexis Zorbas‘, que también fue llevado al cine bajo el título ‘Zorba el griego‘). Willem Dafoe encabeza el reparto como Jesús tras la negativa que dio Mel Gibson argumentando que el guión hería su sensibilidad; la réplica se la dan el siempre magnífico Harvey Keitel como Judas, y Barbara Hershey como María Magdalena. Además, podemos ver a David Bowie en el papel de Poncio Pilatos.

En su estreno se produjeron multitud de protestas, movimientos en contra de ella, desde el Vaticano a la madre Teresa de Calcuta, e incluso intentos de boicot, debido sobre todo al tratamiento terrenal que se le da a Jesús, trato que personalmente creo que no hace sino enriquecer mucho su figura, y no mancillarla como pretenden hacer ver. También se puso el grito en el cielo por algunos besos en los labios que se producen entre personajes masculinos, algún desnudo, y una última tentación en la que Jesús sueña con una posible vida junto a María Magdalena. Estas protestas se llevaron al extremo en algunos casos, con cines quemados, cadenas humanas, altercados violentos… e incluso 15 años de censura en países como México o Chile.

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The body (el cuerpo)

‘The Body (El cuerpo)‘ es una película dirigida por Jonas McCord (desconocido director que sólo tiene en su haber, además de ésta, un documental sobre la guerra de Vietnam y un episodio de ‘Historias de la Cripta‘). El guión es suyo también, adaptando la novela de Richard Ben Sapir. Está protagonizada por Antonio Banderas en el papel de un sacerdote jesuita; Olivia Williams y Derek Jacobi completan el reparto de esta película que empieza de una forma bastante interesante pero rápidamente se vuelve tediosa. Su mayor valor quizá sea tener como director de fotografía a Vilmos Zsigmond (‘Encuentros en la tercera fase‘, ‘Asesinos‘, ‘Las brujas de Eastwick‘).

La historia se centra en el personaje de Matt Gutiérrez, un sacerdote jesuita que había sido agente doble del servicio secreto, enviado por el Vaticano a Jerusalén a supervisar una excavación arqueológica que está llevando a cabo el personaje de Olivia Williams, durante la cual han encontrado el esqueleto de un hombre crucificado. La trama comienza realmente cuando se siembra la sospecha de que esos restos podrían ser los del propio Jesús crucificado, lo que entraría en conflicto directamente con la doctrina cristiana y su afirmación de que Jesús resucitó al tercer día.

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Jesucristo Superstar

Estamos ante la que probablemente sea la ópera rock más famosa de la historia, y es de recibo comenzar diciendo que su fama no sólo es merecida, sino que su calidad supera a su fama. Musicalmente hablando es una maravilla, y por si fuera poco contienen una profundidad y una manera de afrontar el tema de la pasión de Jesucristo única. Criticada por la Iglesia en sus inicios, la obra presenta al Jesús más humano, y su relación con Judas, Herodes, Pilatos y los Sumos Sacerdotes, hilando la historia a partir de dichas relaciones. La película es una adaptación a la gran pantalla del musical de Broadway.

En la primera versión grabada de la obra de teatro, Jesucristo era interpretado por el incombustible Ian Gillan, de Deep Purple, uno de los mejores vocalistas de rock de todos los tiempos. Lamentablemente, a la hora de hacer la película rechazó el papel, que fue a parar finalmente al desconocido Ted Neely. En España, la versión de teatro contaba con las voces de Camilo Sesto como Jesucristo y Teddy Bautista como Judas, una versión tremendamente buena (en mi opinión, la única localización de un musical que realmente está plenamente a la altura de cuantas he visto) que contó también con una versión grabada y editada en discos. El reparto de la película lo completaban Carl Anderson e Yvonne Elliman en los otros dos papeles principales, como Judas y María Magdalena.

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De Oliver Stone, autor de la paranoide ‘JFK’ y de la arriesgadísima ‘Nixon‘, no podía esperarse un biopic relajado, ni tan siquiera al uso. Tampoco una hagiografía izquierdista, una vez revelada su voz cristiana y responsable, en forma de sentido (y algo equivocado) homenaje a las víctimas. Su ‘World Trade Center’ quedaba en intenciones, se hundía en cameos de lujo, digamos, divino.

El renacido cine político en Estados Unidos puede jugar en contra de una película que no tiene la facilidad de la sátira, ni tampoco la complacencia de la objetividad. La historia de los Bush es bajo los ojos de sus cineastas, la historia de una estupidez familiar. La historia de una ambición familiar. Y también es, fundamentalmente, una comedia sobre la trascendencia: nuestro personaje tiene una obsesión casi espiritual con el poder, entendido no tanto como placer tirano, sino como triunfo contracorriente. El liderazgo de Bush no esquiva los claroscuros, la inquietante presencia de un Karl Rove encarnado por Toby Jones, así lo atestigua.
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