Este es un filme de Oliver Stone de 1991 que lleva el nombre y título de John. F. Kennedy (presidente de los Estados Unidos electo en 1960). Esta es una gran película que trata sobre la sospecha, la investigación y la demostración llevada a cabo por el abogado Jim Garrison tres años después del asesinato del presidente y que presenta la tesis de que este no pudo haber sido llevado a cabo por un hombre sólo y que detrás de esto existió una Conspiración.

Ganó dos premios Oscar (muy merecidos por cierto; al menos y seguro el de montaje) por su Fotografía a cargo de Robert Richardson y su Montaje a cargo de Joe Hutshing y Pietro Scalia.

El guión se lo debemos a Oliver Stone y a Zachary Sklar que toman dos libros para realizarlo: uno de Jim Marrs (Crossfire: The Plot That Killed Kennedy) y otro del propio Jim Garrison (On the Trail of the Assassin) siendo ambos novelas. En el reparto (envidiable y abrumante de buenos y famosos actores) están Kevin Costner (como protagonista, haciendo de Jim Garrison), Joe Pesci (que si lo han visto en otras películas podrán preguntarse conmigo ¿Acaso va a hacer siempre el mismo papel de gritón/gruñón?), Kevin Bacon (con un personaje muy especial, en el que está muy pero muy bien), Tommy Lee Jones (canoso y haciendo de uno de los hombres más ricos y oscuros de la película… y ¿por qué no? del mundo…), Gary Oldman (Vamos Gary!), entre otros.

En fin, esta es una película con un plantel (tanto técnico como actoral) de primer nivel, reconocida a nivel mundial, ganadora de Oscars y considerada por muchos como la mejor película de Oliver Stone (”Platoon”, “Nacido el 4 de Julio”, “The Doors”, “Entre el cielo y la tierra”, “Natural Born Killers”, “U-Turn”, etc…). Conocido por hacer y abocarse a temas controversiales, con una especial atención a la guerra de Vietnam (en la cual participó y de la cual se fue con dos heridas…).

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Esta es una película del 2007 a cargo de Joe Wright (Orgullo y prejuicio) es una coproducción de Inglaterra y Francia con las brillantes actuaciones de Keira Knightley, James McAvoy, Saoirse Ronan y con Vanessa Redgrave por ahí. El guión es de Christopher Hampton basada en la novela de Ian McEwan “Atonement” (que quiere decir Expiación), la fotografía de Seamus McGarvey y la música de Dario Marianelli.

Expiación
A mi la película me llegó con el nombre “Expiación, deseo y pecado” aunque si queremos ser fieles a su nombre original nos quedaremos con Expiación. Tengo que empezar diciendo que no he tenido el gusto de leer la novela (que, de cualquier forma, es considerada de las “mejores x -1″ de su autor). Un colega ya ha escrito sobre este filme aquí; y me encontré con que me pasó exactamente lo mismo respecto a que, con los dos o tres primeros planos (siendo que en el primero aparece una maqueta de la mansión en la cual nos encontraremos segundos después que es donde se está desarrollando la acción, que sigue por un caminito de animales puestos en cierta dirección, el cual la cámara seguirá para encontrar y acercarse a Briony, niña de 13 años que está terminando su primera obra…) ya podemos decirnos y pensar “Whoo! Esto es algo grande!”. Y exactamente. Esta es una OBRA CINEMATOGRÁFICA (con mayúsculas… por si no se notaba).

La historia se desarrollará, precisamente, a partir de esa/s “historia/s” que Brony se hará; no sólo aquí, sino durante toda la película. Por lo cual descubriremos ya, de primera, que esa maqueta a la cual me referí no sólo tiene una función estética (anunciando la increíble puesta en escena) sino que nos está hablando ya sobre el mismo carácter de la obra; que, a su vez, y música mediante quedara con un primer marco “[” ante el sonido de las teclas (de la máquina de escribir de la niña, puesto que la acción empieza en Inglaterra en 1935 y no hay laptops o pc`s…) que pasarán de ser diegéticas a formar parte del relato y ¿por qué no? la ambientación sonora extradiegética dada a través de la música.
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Esta película de 2007 titulada originalmente “American Gangster” fue dirigida por Ridley Scott; guionada por Steve Zaillian, protagonizada por Denzel Washington y Russel Crowe. Trata sobre la vida e historia de Frank Lucas, (Denzel Washington) un capo del narcotráfico y de la mafia que logró construir un imperio ilegal en los tiempos de Vietnam; así como sobre Richie Roberts (Russel Crowe) policía incorruptible que trataría de investigar y pescar a los peces gordos del negocio comandados por el susodicho Frank Lucas. El producto de factura Hollywoodense, con un amplio presupuesto, no deja de ser por esto una muy buena película.

Veamos…
Esta es una historia contada con todos los elementos técnicos a disposición (se hace una impresionante reconstrucción de Estados Unidos en los 60`s y 70`s rodadas muchas de las locaciones en Harlem o zonas sucedáneas).

De la mano de un director grande (más allá del juicio de comercial/no comercial) que se ha encargado de películas que realmente han marcado como “Blade Runner”, “Alien”, “Thelma y Louise”, “Hannibal” y “Gladiador” entre otras. Esta película logra un ritmo y una credibilidad poco vistas. El pulso es tan bueno que no parece haber entrada para ningún tipo de falla técnica (excepto una que acabo de recordar: varias veces entra el micrófono de sonido en cuadro…) ni humana; resaltada por la sobriedad de una narración que sabe muy bien a dónde quiere ir, pero que no se apura y nos va llevando por lugares de una historia que siempre están bien y dinamizan a una película que resulta ser de casi tres horas de duración; las cuales, ni pesan ni se notan. Esto sumado a una puesta en escena y a unas actuaciones excelentes (y no espectaculares, puesto que aquí ninguna de las estrellas del plantel actúan para su propio lucimiento o virtuosismo; sino que se nota que todos están empujando para el mismo lado…).

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De título original Some Like it Hot esta película procede del año 1959 y de Estados Unidos. Dirigida (y guionizada) por el brillante Billy Wilder tiene en su plantel protagónico a Tony Curtis, Jack Lemmon y Marilyn Monroe. Esta es una comedia brillante que se sitúa en el año 1929 en Estados Unidos.

Antes que nada voy a hacerle una apuesta, un reto al lector/espectador. Le reto a usted (quien lee) que vea esta película. Si no se ríe; si no la disfruta usted me avisa y yo me voy a llorar al cuartito…

Y es que, es impresionante que una película de 1959 (que nadie dudará, aún más viendo quienes están entre sus realizadores) no sólo haya sido considerada buena, muy buena y excelente en su momento; que no sólo haya sido taquillera (a tener en cuenta: tenemos la presencia de Marilyn Monroe) sino que impresiona por lo actual que es (y, recordemos que, ya en su momento era una adaptación de época). Impresiona que tenga una historia y un sentido del humor tan bien llevados y frente a los cuales terminemos lanzando carcajadas. Es por eso que ya no lo reto a usted, sino le pido, le imploró que si está al alcance de sus posibilidades la consiga o vaya a verla en alguna sala de proyección porque, realmente, para reírse y pasar un buen rato no creo que nadie se arrepienta.

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Lo primero que pensé cuando me enteré que Brad Pitt iba a protagonizar una película sobre la guerra de Troya fue: qué valiente! qué valiente al embarcarse en un proyecto sobre un tema que generalmente es considerado aburrido, árido, para viejos, etc.

Por más superproducción que sea, por más efectos especiales que le pongan y por más que en esa época Gladiador había sentado un presente en cuanto al éxito de películas épicas, un film basado en la Ilíada de Homero inevitablemente se tenía que sustentar sobre cualidades artísticas.

Llamaba la atención que en lugar de hacer otra película de acción Brad Pitt se embarcaba en un proyecto sobre un clásico de la literatura. Luego, con el tiempo hemos visto que el rubio actor ha mantenido a lo largo de su carrera un delicado equilibrio entre roles de galán y películas interesantes.

Luego, cuando me enteré que iba a encarnar al personaje de Aquiles me surgieron algunas dudas…
Recuerdo cuando estaba en la sala de cine y llegó la escena en la que uno de los jefes aqueos decía (más o menos): “y ahora quién de nosotros se enfrentará a este temible guerrero?” y Agamenón llamaba: “¡Aquiles!”, todo el público soltó una sonora carcajada. La idea de que Brad Pitt viniera al rescate de un ejército resultaba más cómica que épica.

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Esta película la he visto mas de 10 veces y nunca me he cansado de hacerlo, y la seguiría viendo. Es una de las películas preferidas de todas las que vi, y eso que son muchas (¡). Seguro que mucho de ustedes ya la vieron por que tiene varios años, pero igualmente se las voy a comentar en este articulo.

Desafió al tiempo (o “Frecuency” en EE.UU ) es un film del año 2000 con un buen reparto capitaneado por Dennis Quaid, Elizabeth Mitchell, James Caviezel y Shawn Doyle son los protagonista de una de las mejores película en mi opinión, de la historia. (sin exagerar). En la vispera del aniversario de la muerte de su padre, a mitad de un fenómeno natural conocido como la Aurora Boreal, Jonh Sullivan (Caviezel) descubre en la casa que ha heredado, un viejo radioaficionado de su padre y, comienza a jugar con él. A través de la electricidad estática, pronto se da cuenta de que se encuentra hablando con un bombero, que afirma estar esperando a que empiece la final del campeonato de béisbol de 1969. Este bombero resulta ser su difunto padre, Frank Sullivan (Quaid).

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Matar a todos cuenta la historia del secuestro y asesinato del químico de Pinochet, Eugencio Berríos. Es el asesinato de un asesino.
En realidad, el caso Berríos, que todavía sigue teniendo repercusiones en Uruguay y Chile, es la excusa para hablar sobre la dictadura. Para que el director Esteban Schroeder diga lo que tiene para decir. Todos tenemos algo para decir al respecto.

La película muestra en su primera escena a un hombre huyendo, luego, aparece en escena una fiscal o abogada, a cuyo despacho ha llegado información sobre un ciudadano chileno que se encuentra secuestrado por militares en un balneario de la costa. Al comenzar a investigar, la abogada, Julia Gudari descubre que el hombre secuestrado es Eugenio Berríos, un químico que trabajó para los servicios secretos de la dictadura chilena, que está involucrado en múltiples crímenes, y a quien los militares intentan “silenciar” para que no declare en los casos que se estaban siguiendo contra otros militares. Al continuar con sus indagaciones, la fiscal se da cuenta que en plena democracia en Uruguay, Chile y Argentina, seguían operando, de forma coordinar y supuestamente sin el aprobación de los gobiernos democráticos, agentes de inteligencia (inteligencia es un decir) dentro de lo que se conoce como Operación Cóndor.

Desde este punto de partida la película se mueven en dos direcciones:
1) Se muestra la fragilidad de las democracias latinoamericanas.
2) Se da una mirada sobre lo que fuel la dictadura uruguaya, desde los ojos de la fiscal Julia, quien descubre que su padre, un general del ejercito, está involucrado en el plan para silenciar a Berríos, como veinte años atrás cuando formaba parte de la dictadura.
El film contó con el beneplácito del gobierno actual, el apoyo de las autoridades municipales y ha sido declarado de interés nacional por la presidencia de la república.
Algunos políticos del sector vinculado al partido Nacional se mostraron incómodos con la estreno de esta película. Recordemos que en el momento en que sucedieron los hechos (1991) quien era presidente de la república era Luis Alberto Lacalle, responsable por acción u omisión del accionar de los militares. A esto debemos sumar que en esos días “casualmente” Augusto Pinochet hacía una visita a Uruguay…
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Dirigida en el año 2000 por el cineasta Roman Polanski, The pianist aborda, una vez más en la historia cinematográfica, los sucesos durante la Segunda Guerra Mundial y el genocidio del Holocausto. Aquí, sin embargo, aun en su temática recurrente, el film propone una interesante dualidad que contrapone la brutalidad del entorno y cierto lirismo dispuesta sobre el protagonista en una minuciosa y acertada estructuración del relato. La narración fue basada en las memorias del músico polaco de religión judía Wladyslaw Szpilman, aquí encarnado por el magnífico Adrien Brody.

El inicio del film sitúa al espectador en el año 1939, en una pequeña sala de transmisión radial en la ciudad de Varsovia. Aquí veremos a la figura protagónica, Szpilman, ejecutar con maestría y parsimoniosamente su piano y es entre las suaves notas de un concierto de Chopin que comienzan a oírse estruendos aterradores. La invasión alemana a Polonia comenzaba a cobrar sus víctimas y daba inicio a la atroz guerra. El protagonista no deja de interpretar su pieza, aún a pedido de su productor, sino hasta que un misil cae sobre el edificio en que se encontraba arrasándolo por completo. Pronto retorna a su hogar y junto con su familia parece hallar consuelo en las noticias que afirman, ante el ataque, la declaración de guerra por parte de las fuerzas aliadas. Sin embargo pronto la situación se torna aun peor con la progresiva marginación de la comunidad que acaba por conminarlos a su asentamiento en ghettos, precarios espacios regidos íntegramente por la tiránica y salvaje fuerza invasora. Veremos entonces cómo los habitantes son forzados a identificarse empleando bandas con la estrella de David en sus brazos, a realizar labores inhumanas y someterse en forma constante al maltrato directo por medio de múltiples métodos de tortura fundamentados en una aberrante teoría, absurda, de jerarquización natural. Szpilman y su familia han sido destinados allí y pronto separados por las autoridades. Es entonces que la narración desarrollará la acción del músico en su búsqueda de supervivencia pues, por ejemplo, le veremos ocasionalmente, ejecutar su piano en bares donde se concentran colaboradores militares.

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Antes que nada, tengo que aclarar que esta no es una película de terror, ni de horror, aunque sus características así lo propongan. Yo la catalogaría más bien como un cargado thriller psicológico con ciertos ribetes dramáticos. Como para comenzar a ponerlos al corriente, este filme está basado en el escalofriante hecho ocurrido en Alemania en el año 2001, en el cual un hombre llamado Armin Meiwes mató, mutiló y comió literalmente a otro llamado Bernd Jürgen Brandes, pero lo extraño del caso es que todo sucedió con el consentimiento de este último, es decir, todo el hecho fue consumado… de común acuerdo…

Esta oscura historia, que en su momento tuvo una cobertura mediática inigualable, sin ninguna duda era candidata para ser llevada al cine, sobre todo si consideramos que toca un tema tabú como lo resulta ser el canibalismo, y por otro lado, podría también tratar de arrojar cierta luz sobre el interrogante que supongo tenemos todos: ¿Qué se le puede haber pasado por la cabeza a la “victima” como para querer ser comida por otra persona?. Ahora bien, ya tenemos un par de motivos, y una vez tomada la decisión de comenzar el proyecto, la pregunta podría ser: ¿cómo diablos se cuenta algo así?, ¿desde que óptica se debería abordar todo el asunto para que sea un verdadero éxito o el relato cierre?, ¿desde lo policial, desde el miedo y el terror, como un documental, como drama -entre otras categorías-?… Al final, pienso que se hizo de la mejor manera que se podría haber hecho, se desarrollo el argumento desde lo psicológico y lo dramático. A mi criterio, el resultado fue acertado y bueno, y paso a explicarles porque.

Rhotemburg (2006), explora en profundidad la vida y psiquis de estos dos particulares personajes, aquí llamados Oliver Hartwin y Simon Grombeck, y para esto, el novato director -en cine- Martin Weisz, recurre a la óptica de un personaje de ficción, a quien logra introducir en esta historia que es real. El papel, vendría a ser el de una estudiante americana de un postgrado de psicología criminal, llamada Katie Armstrong, un poco obsesionada con el caso en cuestión y con la morbosidad, propia de nuestra condición humana. Como se irán dando cuenta, el relato se desarrolla a través de sus ojos, de sus investigaciones para su tesis y de sus conclusiones, por tal motivo, el hábil director utiliza el recurso archiconocido del flashback y la voz en off a medida que avanza el filme, pero lo hace de manera inteligente, por lo que no llega a cansar al espectador.

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Garage Olimpo fue filmada en 1999 y dirigida por el realizador Marco Bechis, con un guión de su propia autoría junto a Lara Fremder. Su estructura dramático-histórica se sitúa en un período nefasto de la historia argentina, aquí abordado desde 1976, año en que se efectuó la última toma militar del gobierno, y 1982, momento en que se puso en marcha un vergonzoso plan para la recuperación de las Islas Malvinas que, liderado por el infame Leopoldo F. Galtieri, no fue más que una mera distracción que mantuvo al pueblo sumido en un sentimiento de nacionalismo mientras atrocidades se cometían en todo ámbito de su gestión. Similar sucedió con el mundial de fútbol de 1978 y el conflicto del Beagle que “culminó” en 1979 con la intervención papal, ambos también incluidos en el período abarcado por la obra y claramente referenciados en ella.

La escena inicial desde la que se deriva el relato cronológicamente, se sitúa en una villa de emergencias en la Capital Federal donde hallaremos a la joven protagonista, María (Antonella Costa), a cargo del dictado de clases de lectura y escritura básica a un grupo reducido de adultos. Mas poco después se expondrá otra de sus actividades al presentar junto a ella, ya en pleno centro urbano, a un muchacho que, comprenderemos, resulta ser un compañero de la agrupación de militancia a la que pertenece y con el que organiza secretamente un encuentro durante el próximo partido de fútbol. Es aquí cuando el conflicto de la narración comienza pues un “grupo de tareas” (denominación con que se pretendía aludir a las células de captura y tortura que tenían el fin de obtener información sobre actividad política disidente) los observa a bordo de un Falcón oscuro, símbolo emblemático de las organizaciones represivas.

Poco después se presentará a la figura de su madre (Dominique Sanda) quien luego del divorcio de su ahora adinerado marido ha encontrado su sustento en el alquiler de las piezas de su propiedad. Entre sus inquilinos hallaremos a Félix (Carlos Echevarría), un joven de apariencia serena con quien María mantiene una extraña relación basada en un vínculo de escasa atracción y mera simpatía que no culmina por constituirlos como pareja. Hecha la presentación de los tres personajes fundamentales, el film comienza a desarrollar el conflicto que tuvo sus inicios en aquel encuentro clandestino: un grupo parapolicial irrumpe en la vivienda y, luego de realizar una exploración general del inmueble y sus habitantes en búsqueda de posibles subversivos, apresan y raptan a María. Solo responden a las desesperanzadas súplicas de su madre argumentando su sustracción dada la necesidad de realizarle “algunas preguntas”, cuando en realidad era captada por su actividad paralela a la docencia. La joven es llevada, entonces, al centro de detención que da nombre a la obra, donde, inicialmente, es trasladada al “quirófano”, un reducto donde se realizan torturas utilizando, sobre todo, picanas. Aquí, luego de recibir durante horas altas descargas eléctricas para obtener información sobre procedimientos y planificación subversiva, y un tratamiento de electroshock para la normalización de su pulso, es relegada a la autoridad de un joven que, inesperadamente, resulta ser Félix, aquel apacible inquilino con quien compartía vivienda. Es este quien, respondiendo a su confuso afecto mas también a su deber, continua la tarea mas otorgándole ciertas concesiones (como el descanso esporádico). La relación entre ambos se ven entonces resignificada en una suerte de simbiosis pues aquél puede significar su salvación, o al menos un menor sufrimiento y ella constituye un vestigio de lo que de su sensibilidad y “vida corriente” queda.

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