Postal

Uwe Boll es la mente preclara tras profundos ejercicios de cine como pueden ser ‘House of the Dead‘ ‘Alone in the Dark‘ o ‘BloodRayne‘, películas que si bien desde el punto de vista artístico son de una calidad bajísima, sí que consiguen hacer reír (de ellas, y del propio Boll) más que la gran mayoría de comedias que nos llegan año tras año, por vía de un derroche casi infinito de poca vergüenza y cutrerío.

Y es que, si algunos defienden el cine cutre como género, desde luego no debería caber la menor duda de que el señor Boll es su máximo exponente. Uwe Boll se ha especializado en conseguir licencias de videojuegos de éxito (a las tres mencionadas podemos añadir ‘Farcry‘, o ‘Dungeon Siege‘), y destrozar vilmente su espíritu conservando lo más superficial de éstos juegos (un poquito de la estética, el título, y quizá algún detalle sin importancia como por ejemplo incluir una captura de pantalla en mitad del metraje), aderezándolo con su estilo peculiar (zombis, tetas, bullet-time y una banda sonora capaz de sacarnos de nuestras casillas) y contratando a algún actor de éxito para tener un mínimo tirón de taquilla.

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No vivo de la boutade, ni me fío de las citas de Camille Paglia: ‘La semilla del Mal’ es pura y dura serie Z y, por supuesto, no es para todos los gustos, ni encaja en un criterio demasiado estricto e iracundo. Pero es un tipo muy especial de subproducto, uno que parte de la inconsciencia hasta terminar deconstruyendo el género por una acumulación burra e inconsciente de tópicos, que por acumulativa termina siendo estimulante, por absolutamente libérrima en su ausencia de suspense termina rozando lateralmente la vanguardia.

David S. Goyer es capaz de lo mejor y de lo peor, bien lo sabemos. De un guión tan arquetípico y consciente como el de ‘Libertad para morir’ a otro cargado de fraseo de novela de segunda fingiendo construcción de personajes y vergonzosas metáforas psicológicas como el de ‘Batman Begins’. De un texto de acompañamiento a la pesadilla de ‘Dark City’ o la modélica ‘Blade’ hasta desguisados mayores, como la secuela ‘Blade: Trinity’ o la serie de televisión.

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Un comando formado exclusivamente por mujeres oculta en un terreno el oro producto de un robo, pero el botín es descubierto y con él se construye un complejo dedicado al juego y la prostitución, llamado Ciudad del Pecado. Las mercenarias deciden entonces aliarse con su antiguo rival, “el comandante”, para apoderarse de un enorme y valiosísimo diamante conocido como Estrella de Oriente. Pero él las traiciona una vez más y huye con el mapa de la joya, que esconde detrás de un cuadro en la Ciudad del Pecado. Las chicas del Comando Rosa encuentran el mapa y se unen a las fuerzas de la guerrilla para defender la ciudad frente al ejército que acaudilla “el comandante”.

La fuerza del comando rosa (1982) fue concebida como una especie de secuela de otra película que Lawrence Full dirigió aquel mismo año y que se titulaba Golden queen commando (El comando de la reina dorada, también conocida como Comando de amazonas). En aquella ocasión se trataba de siete mujeres a la caza de un tesoro que emulaban a los héroes de Los siete magníficos defendiendo un lugar frente a una nutrida banda de malvados. Sus principales protagonistas —el trío formado por Venus Lin (Brigitte Lin en sus comienzos), Elsa Yeung y Sally Yeh (The killer)— repitieron suerte en esta extraña película de acción que mezcla sin ningún rubor géneros tan diversos como el western, el bélico, las aventuras y las artes marciales. Brigitte Lin y Elsa Yeung volverían a formar pareja en Phoenix, el truhán (Phoenix the raider, 1985), un subproducto de acción “escrito” por el inefable Godfrey Ho.

La influencia del western italiano se hace patente en la descarada inclusión de algunos fragmentos musicales, en el planteamiento de numerosas escenas y en varios de los personajes (esa Susie “Dinamita” que imita a Clint Eastwood arrojando imperturbable cartuchos de dinamita contra sus enemigos, o ese “hombre del corazón roto” que se gana la vida como cazador de recompensas y viste enteramente de negro, como el siniestro “enterrador” que hizo famoso a Lee Van Cleef en La muerte tenía un precio). También está presente el western americano, como en la secuencia del asalto final a la Ciudad del Pecado, que se basa torpemente en El Álamo hasta el punto de que una de las protagonistas muere como Richard Widmark en la famosa película de John Wayne.

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“La visión de Oliver Stone ha cambiado la manera de ver nuestro pasado. Ahora nos va a mostrar dónde estamos y para dónde vamos. Y te sorprenderás de lo que él ve”. Pocas veces, por no decir nunca, un trailer funciona como un manifiesto político. Sin embargo y de manera triste en el caso de Asesinos Natos lo logró.

La película está basada en un guión escrito por Quentin Tarantino y transformado por el propio Stone en compañía de los novatos David Veloz y Richar Rutowski. La historia se centra en la vida de los asesinos en serie llamados Mickey y Mallory Knox, interpretados por Woody Harrelson y Juliette Lewis, quienes aterrorizan a un sector de los Estados Unidos con sus violentos ataques, pero que al mismo tiempo logran el apoyo y respaldo de una parte de la población, influenciada por los medios televisivos, y que seguramente se siente segura y inalcanzable para ellos.

El impacto de Asesinos Natos el año de su estreno, 1.994, fue demasiado para una audiencia que se vio abrumada por un despliegue técnico en fotografía y edición que superaba todo lo hecho hasta ese momento. Una fotografía muy iluminada y brillante, clásica de Robert Richardson, y un ritmo aceleradísimo generado por los más de 3.000 cortes, muy superior incluso para estos tiempos, hicieron que el profundo mensaje político y social del film se perdiera y pasara desapercibido para el público de esa época.

Al verla hoy nuevamente, y acostumbrados a un cine de un ritmo más desenfrenado, es fácil de notar la mordaz crítica al sistema político, carcelario y de pocos valores con los que se rigen los medios masivos de comunicación norteamericanos. Es increíble ver como muchas cosas por las que condenaron a Oliver Stone en ese momento, son factores de elogio para otros cineastas actualmente, lo que sin duda alguna convierte el director de Asesino Natos en un visionario.

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“Sangrador” es una libre (libérrima, como en la misma película se anuncia) versión de la monumental obra de William Shakespeare: Macbeth. Esta película proviene de Venezuela, es protagonizada por Daniel Alvarado quién hará de un Macbeth llamado Maximiliano junto a su esposa Mileidi (si, así como suena) interpretada por Karina Gómez. Esta (y perdón que lo diga de forma tan directa) es una versión no sólo libérrima sino bizarra, asquerosa y espantosa de una gran obra. Además de esto (puede ser una mala versión y una buena película) la película como tal es peor de lo que sería como adaptación.

Esta es una película venezolana que, queriendo llevar la acción a su propio territorio para construir y lograr un producto válido, original y de calidad se queda en el camino. Esto lleva a que la película, además de mala sea pretenciosa. Está bien. Una película puede ser pretenciosa para llevarse adelante, después haber un mal producto y ya no serlo; esto ha pasado y pasará. Pero sus realizadores (y es por ellos por quienes más me duele tener que hablar de la película, llena de defectos, porque sé que está hecha con todas las ganas, la esperanza, las expectativas y las pocas posibilidades propias de su procedencia y puesta en marcha) parecen no haber reparado en el producto final y tenían la esperanza de que fuera seleccionada, por ejemplo, a competir en la selección de Mejor Película Extranjera de los Premios Oscar.

Pero bueno. ¿Por qué digo que la película no funciona? Nos encontramos con una película que (exceptuando el título) es totalmente a blanco y negro. Esto no debería presentar ni presenta una contra por sí mismo; es más, incluso puede hacer que uno se plantee “Ah… pero esta elección estética nos debe estar hablando de una puesta en escena pensada de forma conceptual” pensamiento que se desmoronará y caerá hecho pedazos en minutos.

La película está dividida en capítulos (por así llamarlos) con intertítulos. Esto tampoco es necesariamente malo, aunque ha determinada altura de la película uno se empieza a molestar, debido a que ya se sabe que estos están más porque “haa Mira que linda letra que le pusimos” que para ayudar a la narración o dar algún mensaje. Es más; yo diría que hacen lo contrario. Hacen de la narración algo más pesado y cuando ya estamos en la mitad de la película esperaremos que cada uno de los intertítulos que aparecen vengan a anunciarnos el final.

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La lógica perdió el mapa, el hilo desenrollado sobre la mesa, hilvana temas que no combinan ni con cola, conecta personajes que no tienen nada que ver, de esta forma se logra una película espectacular.

No tiene sentido decir que es una película para pensar, tampoco tiene sentido pensar que es una película para decir algo, para transmitir alguna ideología.

Esta película dirigida por Frank Oz simplemente, vuela, hace reír, divierte, comprende un momento tan doloroso; un funeral como algo que puede conllevar situaciones divertidas, desopilantes, indiscretas y locas.

El argumento gira a partir de la muerte del padre de Daniel (interpretado por Matthew Macfadyen), quién está a punto de irse a vivir con su esposa Jane (Keeley Hawes) cuando sucede el fallecimiento de su padre dejando en sus manos el funeral.

El único hermano de Daniel (Rupert Graves) es un escritor que se las da de vanguardista, vive en un piso en New York que no puede pagar y decide viajar en primera clase al funeral de su padre sin tener en cuenta que debía pagar parte de los gastos de éste.

Los parientes comienzan a poblar el living de la casa de Daniel y Jane, uno más extraño que el otro.

Una de las historias que se llevan las palmas es la del valium. Una de las primas de Daniel, Martha (interpretada por Daisy Donovan) lleva a su nuevo novio, un abogado importante, para presentarselos a sus padres en el funeral. Sin querer, ella le da a Simon, su novio, (Alan Tudyk) una pastilla que confundiendola con valium tranquilizante resulta ser una droga con altos poderes alucinógenos. Simon se siente planta, juega con los perros, se trepa, vuela y entre tanto, le tiende la mano a su nuevo suegro.

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Hay directores que después de un enorme éxito, sobre todo si es su primera o una de sus primeras obras, saben buscar su propio camino consiguiendo poco a poco un estilo característico que define claramente su obra, como los casos de Lynch o Fincher, por ejemplo, sin embargo, hay otros que han gozado de esa misma suerte (o trabajo, o una mezcla de ambos) que se empeñan en volver a la misma fórmula una y otra vez confiando en la poca exigencia del público mayoritario o sencillamente porque no saben hacer otra cosa. En este segundo grupo se podría incluir a M. Night Shyamalan, quien desde que sorprendiera en 1999 con “El sexto sentido” (sin ser una película del todo original sí fue algo distinto a lo que en ese momento era el cine de terror) se ha limitado a usar una y otra vez los mismos trucos y estructuras en sus películas, convirtiéndose en una parodia de sí mismo, estando más cerca de ser un nuevo Uwe Boll (le tengo bastante aprecio a Ed Wood para compararlo con él) que un nuevo Hicthcock, como algunos entusiastas proclamaron hace años.

“El incidente” tiene un buen comienzo, planteando un interesante punto de partida: un día, sin razón aparente, la gente empieza a suicidarse, y parece una plaga que se va extendiendo por el noreste norteamericano. Estos primeros diez minutos de película es lo único que se podría salvar de la misma, creando una situación tensa y desconcertante, que mantiene al espectador a la espera, pero que incluso aquí hay algo chocante, y es la reacción de una de las actrices que se encuentra en el parque en la primera “ola de suicidios”, que reacciona (“vaya, parece que se están hiriendo a sí mismos”, “¿eso es sangre?”) como si estuviera viendo llover.

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Julio Chávez es, al menos desde mi punto de vista, el mejor actor contemporáneo que tiene Argentina y al decir esto, espero que no se me enojen aquellos fanáticos de Ricardo Darín a quien también considero un excelente actor. Pero yo no tengo dudas, Chávez está dos escalones por arriba del resto… Es que simplemente sus interpretaciones me resultan tan creíbles, tan reales, que no puedo evitar compenetrarme con cada historia en la que se encuentra involucrado este brillante artista.

Antes de seguir, quiero advertirles que este particular largometraje no es para todos, ya que a pesar de haber ganado varios premios, a muchos seguramente les resultará un tanto aburrida y lenta debido a su relato extremadamente simple, el cual solo adquiere cierta complejidad en la psicología y en el desarrollo de sus también simples personajes. ¿Cuál es la trama? (espoilers), aquí el joven director y guionista Rodrigo Moreno nos cuenta en esta, su opera prima –antes había compartido experiencias con Mariano De Rosa y Ulises Rosell en Mala Época (1998) y El Descanso (2002) respectivamente-, la triste y solitaria historia de un custodio que cuida las espaldas de un burocrático ministro argentino que no corre nunca peligro alguno, pero que el absurdo protocolo institucional (dentro de este contexto entiéndase) obliga a proteger.

En el papel de Rubén, Chávez despliega su enorme y creativo potencial en una interpretación en la cual lo gestual es su recurso principal, dando vida -si se puede llamar vida a esa monótona y rutinaria acumulación de días que cotidianamente sufre el personaje- a un guardaespaldas hosco, solitario y de muy pocas palabras. La actuación es simplemente brillante, no hay dudas de que el guión ha sido escrito exclusivamente para él, otro gran acierto de Moreno de por cierto… Al igual que en El Naufrago (Cast Away -2000-), Soy Leyenda (I Am Legend -2007-), o la espectacular película alemana conocida en Argentina como La Vida de los Otros (Das Leben der Anderen -2006-), El Custodio -2006- es otro gran monólogo sobre la soledad (II), solo que en este caso en particular, la gran actuación de Julio Chávez, el magnífico guión y la gran dirección de Rodrigo Moreno, logran hacer que el espectador sienta en carne propia el sometimiento, la tristeza, la monotonía de la soledad y la tensión generada por las frustraciones de Rubén, quien muestra el relato desde sus obedientes ojos, como lo haría un observador pasivo y circunstancial.

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Halloween (1978), de John Carpenter, es uno de esos perfectos clásicos del cine de terror con los cuales se ha criado y marcado a toda una generación, en este caso, la mía. Siempre me acuerdo que de niño (abre tenido unos 5 o 6 años cuando vi por primera vez Noche de Brujas -así traducida en Argentina- en la caja boba), me gustaba acostarme por las noches en la cama de mi mamá y simular estar dormido, para poder ver -con un ojo abierto y el otro cerrado, porque al ser tan chico no me lo permitían- este tipo de películas en la televisión… Ahhhh! que buenos tiempos aquellos…
Tal vez por este motivo, no puedo dejar de sentir fuertes emociones con respecto a este filme. La nostalgia, la añoranza, la mezcla perfecta entre el terror y la curiosidad infantil, el descubrimiento de nuevas sensaciones que me llevaban a creer y temer al “Boogeyman” (el hombre de la bolsa, el cuco, Myers), afloran en mi cabeza y estimulan todos mi sentidos tal como lo hacían en aquellas épocas, sobre todo porque significarían mis primeros romances con este tipo de películas que pronto me llevarían al cine.

Pero dejemos de lado el pasado por un rato. Hoy, un poco más viejo y más racional que emocional, observo que más allá de cierto mensaje puritano característico de la sociedad de clase media norteamericana que deja escapar entre líneas Carpenter en su filme (con esto me refiero al hecho de que el psicópata Michael Myers persigue y mata a jóvenes transgresores de las “normas y las buenas costumbres”, es decir, aquellos que se drogan, beben alcohol y son sexualmente promiscuos en un contexto de festividad pagana, desde el punto de vista religioso), Halloween es una película prolija, bien escrita e igualmente dirigida. Ayudada por una simple pero muy efectiva banda sonora, su texto somete al espectador a una constante tensión sin necesidad de mostrar demasiada truculencia como posteriormente se haría costumbre en este tipo de productos. Algunas críticas inclusive, previa sustentación de lo escrito, la llegan a catalogar dentro del género de suspenso más que del terror o del horror, pero esta sería otra discusión, la cual podríamos retomar más adelante.

Lo cierto es que Carpenter sembró un importante precedente -sobre todo en lo que se refiere a lo comercial- en la industria del cine de terror con esta cinta. Si bien Alfred Hitchcock y Tobe Hooper ya habían incursionado en este rubro con las magníficas Psicosis (Psycho, 1960) y La Masacre de Texas (The Texas Chain Saw Massacre, 1974) respectivamente, el éxito de taquilla de Halloween -que prácticamente se rodó como una película independiente con un magro presupuesto- fue rotundo, tanto así, que llegó a ser, hasta la aparición de El Proyecto de la Bruja de Blair (The Bair Witch Project, 1999), la película mas rentable de la historia del cine.
Obviamente la mega industria norteamericana del celuloide no podía dejar pasar esta jugosa oportunidad de recaudar dinero fácil… A partir de allí, la explosión comercial, marketinera y pochoclera del “cine slasher” con una catarata de secuelas de este gran éxito y de otras películas similares como Martes 13 –así traducida en Argentina Friday The 13th, 1980- y Pesadilla en lo Profundo de la Noche –como fue conocida en mi país Nightmare on Elm Street, 1984-. Franquicias todas ellas que ante su falta de calidad, llevarían a la decadencia total al género de terror, el cual tuvo que ser reconvertido totalmente como para poder lograr algún tipo de impacto en estos tiempos un poco más exigentes…

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Antes que nada, tengo que aclarar que esta no es una película de terror, ni de horror, aunque sus características así lo propongan. Yo la catalogaría más bien como un cargado thriller psicológico con ciertos ribetes dramáticos. Como para comenzar a ponerlos al corriente, este filme está basado en el escalofriante hecho ocurrido en Alemania en el año 2001, en el cual un hombre llamado Armin Meiwes mató, mutiló y comió literalmente a otro llamado Bernd Jürgen Brandes, pero lo extraño del caso es que todo sucedió con el consentimiento de este último, es decir, todo el hecho fue consumado… de común acuerdo…

Esta oscura historia, que en su momento tuvo una cobertura mediática inigualable, sin ninguna duda era candidata para ser llevada al cine, sobre todo si consideramos que toca un tema tabú como lo resulta ser el canibalismo, y por otro lado, podría también tratar de arrojar cierta luz sobre el interrogante que supongo tenemos todos: ¿Qué se le puede haber pasado por la cabeza a la “victima” como para querer ser comida por otra persona?. Ahora bien, ya tenemos un par de motivos, y una vez tomada la decisión de comenzar el proyecto, la pregunta podría ser: ¿cómo diablos se cuenta algo así?, ¿desde que óptica se debería abordar todo el asunto para que sea un verdadero éxito o el relato cierre?, ¿desde lo policial, desde el miedo y el terror, como un documental, como drama -entre otras categorías-?… Al final, pienso que se hizo de la mejor manera que se podría haber hecho, se desarrollo el argumento desde lo psicológico y lo dramático. A mi criterio, el resultado fue acertado y bueno, y paso a explicarles porque.

Rhotemburg (2006), explora en profundidad la vida y psiquis de estos dos particulares personajes, aquí llamados Oliver Hartwin y Simon Grombeck, y para esto, el novato director -en cine- Martin Weisz, recurre a la óptica de un personaje de ficción, a quien logra introducir en esta historia que es real. El papel, vendría a ser el de una estudiante americana de un postgrado de psicología criminal, llamada Katie Armstrong, un poco obsesionada con el caso en cuestión y con la morbosidad, propia de nuestra condición humana. Como se irán dando cuenta, el relato se desarrolla a través de sus ojos, de sus investigaciones para su tesis y de sus conclusiones, por tal motivo, el hábil director utiliza el recurso archiconocido del flashback y la voz en off a medida que avanza el filme, pero lo hace de manera inteligente, por lo que no llega a cansar al espectador.

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