Una vez más se ha cumplido la leyenda y  David ha derrotado a Goliat. O lo que es lo mismo, En tierra hostil ha arrasado en los Premios  BAFTA del cine británico dejando a su gran competidora, la todopoderosa Avatar con tan solo dos premios menores. Pero no solo eso. James Cameron, el aclamado director de la cinta que ha batido records de taquilla a lo largo y ancho del mundo ha vito también como el premio BAFTA al mejor director se le escapaba de las manos e iba a parar a las de Kathryn Bigelow, directora de En tierra hostil y ,  la sazón, ex mujer del primero.

Foto oficial de la ceremonia

Donde no hubo sorpresas fue en los premios de las principales categorías interpretativas y mientras que el galardón al  mejor actor fue para Colin Firth por Un hombre soltero y el de mejor actriz fue para Carey Mulligan por Una educación.

El premio a mejor actriz de reparto fue para Mo’Nique por la valiente producción estadounidense Precious, y Christoph Waltz volvió a llevarse el premio al mejor actor de reparto por su escalofriante interpretación de nazi en Malditos Bastardos de Quentin Tarantino.

Mientras, Bigelow  entraba en la historia como la primera mujer en ganar el BAFTA a la mejor dirección;  Cameron estaba en la audiencia, y Avatar, el mayor éxito de taquilla de la historia, ganó dos premios solamente, diseño de producción y efectos visuales especiales. Bigelow bajó el perfil a la supuesta rivalidad entre el ex matrimonio.  “Ha sido un real honor”, dijo ella. “Específicamente con Jim, somos muy buenos amigos. Pienso que estamos orgullosos del otro y pienso que será así por un largo tiempo”, declaró la ganadora.

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En tierra hostil

Kathryn Bigelow es una de los mejores directores de acción de las últimas décadas. Suyas son ‘Le llaman Bodhi‘ o ‘Días extraños‘, dos películas buenísimas que rompen con aquella estupidez de que las mujeres no son capaces de rodar acción. Bigelow no sólo es capaz de hacerlo, sino de mirar por encima del hombro a la gran mayoría de directores del género y reírse de ellos. Y con su última película, de título fatal traducido ‘En tierra hostil‘ (el original es ‘The hurt locker‘), vuelve a demostrar que es una de las mejores en su trabajo. Y yo que me alegro por ello, porque esta mujer es capaz de ponerme los nervios en tensión con suma facilidad, y hacer que lo pase realmente bien en la sala.

‘En tierra hostil’ cuenta la historia de William James, militar destinado en la guerra de Irak, con un equipo de artificeros. Durante la película asistiremos a las últimas semanas antes del relevo, siendo una historia algo curiosa puesto que no es una única trama que abarque todo ese tiempo, sino cada una de las misiones a las que van haciendo frente cada día, todas independientes unas de otras (excepto por el equipo de artifieros, claro está). Así pues, estamos ante una película que es en realidad una serie de cortometrajes sobre la guerra, mantieniendo personajes y situación general, pero metiéndonos en un capítulo diferente en cada momento de la película. ¿Sabéis qué es lo mejor? Cada una de esas historias tiene introducción, nudo y desenlace, lo que significa que la historia no irá creciendo hasta un punto álgido cerca del final, sino que tendremos multitud de puntos álgidos a intervalos regulares, haciendo que la tensión se mantenga siempre a flor de piel, siempre los vellos de punta sin saber si saldrán de ésta, o qué pasará.

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El niño de papá comienza a ver la guerra con sus propios ojos

Steven Spielberg ha sido una influencia fundamental en el cine de los últimos treinta años. Cientos de miles de espectadores han acudido, de forma incondicional, a cada película que ha generado este cineasta. Otros, como David Trueba, le detestan, afirmando que “ha hecho mucho daño al cine”. Carlos Aguilar, el famoso crítico de cine, no ha dudado en machacar todos sus títulos, a excepción de su ópera prima, ‘El diablo sobre ruedas’, que por lo contrario le parece interesante.

Si bien es cierto que empezó arrasando con ‘Tiburón‘, en los años 80 se encontró con un rechazo general de la crítica, que se reveló en un chasco abrumador con la llegada de ‘El Color Púrpura‘. No se llevó ningún Oscar y contaba con nada menos que 11 nominaciones.

A ‘El Imperio del Sol‘, la película de la que vamos a hacer algunos comentarios, le pasó más o menos lo mismo. Fue nominada a 6 Oscars y se fue de vacío. Incluso el público le dio la espalda (costó más de lo que recaudó en EEUU) convirtiéndose esta película en una de las experiencias más nefastas de la carrera del llamado rey midas del séptimo arte, junto a fracasos sonoros como ‘1941′, ‘Always’, ‘Amistad’ o la reciente ‘Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal’.

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En 1.997, cuando se anunció que el último film de Steven Spielberg trataba sobre la Segunda Guerra Mundial, y de un escuadron de hombres debían ir a rescatar a otro, que se encontraba en medio de las garras de los alemanes, lo primero que pensé fue: “de verdad que estoy cansado del tema de los nazis“. Gracias a ese prejucio, dejé pasar el film, que hasta hace poco tuve la oportunidad de ver y de disfrutar.

Spielberg es uno de los genios más grandes que el séptimo arte ha tenido. Ha sido tan talentoso para mostrar hemosos dramas humanos, como espectacular aventuras. No obstante, es sumamente judio, y el tinte politequero de sus películas muchas veces chocan con la mejestuosidad de su puesta en escena. No es que este mal que el artista imponga su punto de vista, pero es que el mismo es demasiado parcializado.

El cine siempre ha mostrado que los judios fueron muy valientes, grandes líderes, personas muy unidas en medio de toda esta locura; por eso es que siempre me he preguntado, ¿por qué se dejaron masacrar de la manera en que lo hicieron?”. Me parece que esa respuesta es algo que solo pueden dar aquellos que vivieron eso tragicos días.

Más importante aún, es que el “Rescatando Al Soldado Ryan” es una película sobre un hecho histórico muy importante, un acontecimiento casi insolito, y que resultó ser una excelente base para crear importantes elementos drámaticos para hacer un buen film. Un grupo de soldados es enviado a rescatar a un militar, con la intención de enviarlo a casa, dado que sus hermanos, quienes estan también luchando en la guerra, han sido asesinados.

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Dos hechos definen “Apocalypse Now” de una manera muy certera. El primero fue antes de empezar a filmar, cuando Francis Ford Coppola le preguntó a su antiguo productor y mentor, Roger Corman, sobre consejos para producir en Filipinas; a lo que muy acuradamente el gurú de las películas serie b le dijo: No vayas. El otro es cuando en el Festival de Cine de Cannes, Coppola de manera muy elocuente les dijo a los periodistas quienes lo entrevistaban: “Mi película no es sobre Vietnam. Mi película es Vietnam. Un grupo de jóvenes, en la selva, con mucho dinero, que gastaron de más y se volvieron locos”.

A casi tres décadas desde su lanzamiento, la película del director de “El Padrino” se ha convertido en uno de los clásicos del cine más antibelicistas de todos los tiempos, logrando hacer que esta película no se siente como una película, sino como un viaje a lo más profundo de lo peor que un ser humano haya hecho jamás: una guerra.

La historia de la película creo que nada o poco importa: Apocalipsis es más un sentimiento, una reflexión, un discurso y una crítica a todos los referentes que hagan considerarnos como seres civilizados. Es mostrar toda la crueldad, locura, sevicia e injustificable que un conflicto armado es; pero desde la óptica de un verdadero artista, que tiene la elegancia necesaria para mostrarnos un universo sumamente cruel y desalmado, sin necesidad de recurrir a gráficos y baratos trucajes.

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Pelotón o “Platoon” es la más unánimemente considerada “mejor película” del consagrado director estadounidense Oliver Stone. Del año 1986 nos encontramos ante una película que incluye en su reparto a Tom Berenger, Willem Dafoe, Charlie Sheen, Forest Whitaker y Johnny Depp, entre otros. Muchos de ellos, increíblemente jóvenes. El guión es del propio Stone; la exquisita música de Georges Delerue y la gran fotografía de Robert Richardson.

Dura 113 minutos y se presenta como “una de esas” películas que hay que ver. Más allá del género bélico (al cual, de manera total, pertenece).

En 1986 Ganó el Oscar a Mejor Película y Mejor Director (Oliver Stone), Mejor Montaje (Claire Simpson) y Mejor Sonido (a cargo de John K. Wilkinson, Richard Rogers, Charles ‘Bud’ Grenzbach y Simon Kaye). Oliver Stone también ganó el Globo de Oro como director ese año.

Pero además, esta tenía dos nominaciones a Mejor Actor de Reparto: Una para Tom Berenguer y otra para Willem Dafoe (lo cual será gracioso para quienes la hayan visto… ¡Hasta con los premios se siguen peleando estos dos!); una para el Mejor Guión Original (¡Si! creado por Stone) y para la Mejor Fotografía.

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Esta es una película del 2007 a cargo de Joe Wright (Orgullo y prejuicio) es una coproducción de Inglaterra y Francia con las brillantes actuaciones de Keira Knightley, James McAvoy, Saoirse Ronan y con Vanessa Redgrave por ahí. El guión es de Christopher Hampton basada en la novela de Ian McEwan “Atonement” (que quiere decir Expiación), la fotografía de Seamus McGarvey y la música de Dario Marianelli.

Expiación
A mi la película me llegó con el nombre “Expiación, deseo y pecado” aunque si queremos ser fieles a su nombre original nos quedaremos con Expiación. Tengo que empezar diciendo que no he tenido el gusto de leer la novela (que, de cualquier forma, es considerada de las “mejores x -1″ de su autor). Un colega ya ha escrito sobre este filme aquí; y me encontré con que me pasó exactamente lo mismo respecto a que, con los dos o tres primeros planos (siendo que en el primero aparece una maqueta de la mansión en la cual nos encontraremos segundos después que es donde se está desarrollando la acción, que sigue por un caminito de animales puestos en cierta dirección, el cual la cámara seguirá para encontrar y acercarse a Briony, niña de 13 años que está terminando su primera obra…) ya podemos decirnos y pensar “Whoo! Esto es algo grande!”. Y exactamente. Esta es una OBRA CINEMATOGRÁFICA (con mayúsculas… por si no se notaba).

La historia se desarrollará, precisamente, a partir de esa/s “historia/s” que Brony se hará; no sólo aquí, sino durante toda la película. Por lo cual descubriremos ya, de primera, que esa maqueta a la cual me referí no sólo tiene una función estética (anunciando la increíble puesta en escena) sino que nos está hablando ya sobre el mismo carácter de la obra; que, a su vez, y música mediante quedara con un primer marco “[” ante el sonido de las teclas (de la máquina de escribir de la niña, puesto que la acción empieza en Inglaterra en 1935 y no hay laptops o pc`s…) que pasarán de ser diegéticas a formar parte del relato y ¿por qué no? la ambientación sonora extradiegética dada a través de la música.
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A veces contar la historia de una sociedad sumergida en la violencia a causa del hambre y la falta de educación es muy difícil. Es complejo poder evitar lugares comunes que conviertan a una película en un hecho absolutamente subjetivo. Tratar de reflejar cómo se vive, lo que se siente, lo que realmente sucede es tan complicado como tener que elegir un lado como protagonista de una película sin realmente inclinar la balanza hacia ese lado.

La película “Troupe de Elite” o Tropa de Elite como se traduce al español, claramente no cumple la regla de objetividad, ya que se pone de un lado en el relato. La historia nos muestra la vida y profesión de un grupo de choque de la policía federal de Brasil. Desde la mirada de estos protagonistas, somos testigos de un film muy crudo que refleja una parte de la sociedad, pocas veces utilizada como mirada principal.
Es común compartir la visión desde la pobreza, un individuo que lucha por su supervivencia en una sociedad que no le da posibilidades de avanzar o tal vez desde un narcotraficante que ha tenido una vida difícil y desea salir de aquello en lo que esta involucrado. Desde Tropa de Elite, conocemos la realidad de la policía que intenta luchar contra una delincuencia y el tráfico de drogas instalado en todas las escalas sociales.

En Brasil, el país más grande y con mayor población de América del Sur, la ciudad de Río de Janeiro es aquella que alberga la mayor cantidad de “favelas” (pequeños pueblos donde la delincuencia controla las calles, tienen sus propias reglas y las fuerzas de seguridad tiene muy poco acceso). La policía de Río de Janeiro durante años ha combatido contra el delito, que claramente es casi incontrolable o a lo sumo cercable. Para poder combatir estas olas de violencia que se llevan millones de vidas por año, la policía local ha creado una fuerza especial llamada BOPE: Batallón de Operaciones Policiales Especiales.

El BOPE fue creado el 19 de enero de 1978 como el núcleo de la compañía de Operaciones Especiales (NuCOE) a través de un proyecto elaborado y presentado por el Capitán PM Paulo Amendola Cesar de Souza para el Comandante General de PMERJ, Coronel del Ejército de Brasil Mario José Sotero de Menezes.
En la década de 1980, fue elevado a la categoría de Compañía de Operaciones Especiales (COE), cambiando poco después de nombre para obtener autonomía administrativa, siendo Compañía Independiente de Operaciones Especiales (CIOE). En 1991, se convirtió en Batallón, perteneciendo aún al Reglamento Mariscal Caetano de Farias, sede del Batallón de Policía de Choque, entre otras unidades policiales.
En el año de 2000 obtuvo instalaciones propias, ubicadas en la favela Tavares en el suburbio de Catete en la Zona Sur de la capital Fluminense.

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Esta película dirigida por Elie Chouraqui y que cuenta con dos guionista entre los cuales figura el mismo director, Elie Chouraqui y Didier LePecheur, se basa en la novela del mismo nombre de Dominique Lapierre y Larry Collins, siendo el primero de los autores escritor también de la obra La ciudad de la alegría, una obra que retrató la miseria y la angustia de vivir en un barrio de chabolas y que luego de lanzarse al mercado llegara a convertirse en best-seller, derivando el autor la mitad de ganancias por este libro a esa comunidad que fue retratada.

Con este antecedente podemos hacernos una idea, al menos, de lo que este autor plantea en sus libros y es que siempre ha optado por reflejar los conflictos de aquellas partes que se encuentran en guerra o bajo situación de pobreza, en donde sólo es posible aferrarse a los ideales humanos, que finalmente son los últimos que permanecen ante este tipo de situaciones.

La película Oh Jerusalén, recrea meticulosamente la lucha que se vivió alrededor de la creación del estado de Israel en el año de 1948. En el centro de estos eventos, se encuentran los protagonistas, dos jóvenes de diferentes nacionalidades, uno que es judío y otro que es árabe.

El film se cuenta desde los puntos de vista alternativos de los judíos, árabes y británicos, los cuales chocan en su lucha por el control de Jerusalén, mientras trae a acotación temas como el valor, la política, el terrorismo, la privación y un fuerte sentido de lo moral.

Esos protagonistas se involucran con la causa que los afecta desde diversos ángulos y eso hace que pasen de donde se encuentran estudiando en Nueva York hacia la Tierra Santa en donde acontece el conflicto, ellos arriesgan sus vidas haciendo increíbles sacrificios consiguiendo luchar por lo que ellos creen mientras la ciudad de sus sueños se balancea al borde de la destrucción.

Esta película trae también a colación, y creo que allí radica un poco de su popularidad y de que haya llegado dos años más tarde a las salas de cine españolas (pero haya llegado), y remite a los conflictos que se viven en el medio oriente y toda esa zona, que por mala suerte siempre se ha mantenido en constante estado de guerra, pasando de un lugar a otro, pero siempre dentro de una franja de territorio que tiene una paradoja significativa.

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Como buen nacido en la década del `70, mi romance con el cine comenzó, gracias a mi papá, aproximadamente a partir de 1983, año en que se restituyó la democracia en Argentina luego de una brutal dictadura, es decir, yo tenía unos 7 años…

El escenario mundial estaba convulsionado por las tensiones de la llamada “Guerra Fría”, que no era nada más ni nada menos que una batalla ideológica, política y económica-social caracterizada por una carrera tecnológica y armamentista nuclear entre los dos grandes bloques en los que había quedado dividido el planeta luego de la Segunda Guerra Mundial. Por un lado las naciones occidentales con Estados Unidos (EEUU) a la cabeza y su postura capitalista y neoliberal, y por el otro las naciones europeas orientales que conformaban la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS) y los países asiáticos como China, Corea del Norte y Vietnam con una política comunista y/o socialista.

Todo tipo de mensaje, texto o relato se volvía entonces una gran oportunidad para la propaganda política-económica y es, dentro de este contexto, que el cine comienza su transformación. Promovido y difundido mundialmente por la maquinaria de la gran industria norteamericana de Hollywood, se comienzan a dejar de lado los proyectos más artísticos y/o culturales, y los comerciales o “marketineros” comienzan a ganar terreno, dando lugar a los llamados productos blockbusters.

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