Si hay algo que no se puede negar, es que Richard Linklater es un director, como mínimo, inquieto. Ha dirigido películas tan disímiles como interesantes. Trabaja regularmente en la industria hollywoodense, pero se da sus gustos independientes, como es el caso de esta película llamada TAPE. Es un realizador al que le gusta experimentar, y creo que eso está muy claro en su copiosa filmografía.

Tape está basada en una obra de teatro escrita por Stephen Belber. La acción se desarrolla completamente en la habitación de un hotel de mala muerte. Vince, interpretado por Ethan Hawke, ha llegado a la ciudad después de varios años, con motivo de presenciar el estreno en un festival, de la película del que fuera su mejor amigo en la escuela, Jon, personaje a cargo de Robert Sean Leonard. A ellos se suma Uma Thurman y absolutamente nadie más. Si, nadie más. Imagínense que hermoso experimento, que tremendo desafío. Filmar una película con solo tres actores, sin extras, sin personajes secundarios, sin absolutamente nadie más que estos tres actores.

El personaje de Hawke, es el que lleva adelante la acción, es el encargado de empujar al personaje de Leonard al extremo de convencerlo y hacerlo confesar un acontecimiento que se convierte en la base de la película. Este acontecimiento, involucra al personaje de Amy, quien fuera novia de Vince y amante de Jon en época escolar.

Al estar basada en una obra teatral, es de esperarse que la trama avance por medio de los diálogos. Como podrán suponer, no hay espacio suficiente para demasiada acción en la habitación de un hotel. Pero a no asustarse. Se que puede parecer un poco insoportable pensar que durante la casi hora y media de duración de esta película vamos a estar escuchando una palabra tras otra, pero afortunadamente esto no es así. El ritmo que logran los actores con los diálogos, los temas de los que hablan y la constante evocación de personas o acontecimientos que ocurrieron fuera de esa habitación, hacen que esta película funcione a la perfección, que el espectador se vea forzado a imaginar lo que se está contando, haciendo que lo que se dice funcione como un disparador. Una herramienta narrativa propia del teatro, en este caso, bien explotada en pantalla.
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Matador es una pequeña producción independiente escrita y dirigida por Richard Shepard, protagonizada por Pierce Brosnan, Greg Kinnear y Hope Davis. La cinta tuvo su rotación por varios festivales importantes del mundo como Toronto y Sundance; siendo también un modesto éxito de taquilla (costo unos 10 millones y recaudo cerca de 17) y nos entregó lo que muchos críticos importantes de cine consideran la mejor actuación de Pierce Brosnan.

La película cuenta la historia de Julian (Brosnan), un asesino a sueldo que viaja por el mundo eliminando a los competidores que intervienen en los negocios de sus clientes. En uno de sus viajes de trabajo, Julian llega a Méjico, donde conoce a un modesto empresario llamado Danny Wright (Kinner), quien también se encuentra allí en una importante reunión de negocios. Danny lleva una muy normal vida de casado con Bean (Davis), quien lo espera en Denver, con la esperanza de que el viaje a Méjico de Danny sea un éxito, pues las finanzas del matrimonio no son las mejores. Desde el momento en que Danny y Julian se conocen y pasan en Méjico, éste se da cuenta de la inmensa soledad en la que vive, por lo que entra en una inmensa crisis nerviosa, de la que no tiene a nadie que lo pueda ayudar a salir, tan sólo Danny.

Matador tiene el encanto de las películas que teniendo muy poco hacen parecer que tenían mucho. Es una producción muy pequeña, que tan sólo se necesito de unas buenas actuaciones, una buena historia, una modesta pero justa fotografía (a cargo de David Tattersall) y una muy inteligente historia para dejar encantando al público que la vio. La película es una comedia negra, que trata y resalta temas y valores como la amistad, la lealtad, la familia y la ayuda a las personas que las necesitan en los momentos más urgentes, dejando de esa extraña mezcla uno de los thriller más interesantes del 2.005.

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Instinto Básico es una producción de 1.992 que impactó a todo los espectadores que asistieron en masa a los cines a disfrutar de ella. La película fue un éxito absoluto de taquilla a nivel mundial, logrando establecer a Sharon Stone como uno de los símbolos sexuales más poderosos de todos los tiempos. Sin embargo, es una película que el tiempo ha condenado, haciendo olvidarla y dejándonos ver lo vacía que en muchos aspectos realmente es.

Bajos instintos cuenta la historia del detective Nick Curran (Michael Douglas), quien debe investigar el asesinato cometido a una importante personalidad musical de su ciudad. La principal sospechosa del crimen es una escritora que mantenía relaciones sexuales con él: Catherine Tramell (Sharon Stone); pero que también escribió un libro que contiene una descripción exacta del asesinato que se llevó a cabo. Mientras Curran investiga a Tramell debe continuar con el tratamiento médico llevado a cabo por su ex esposa, la doctora Beth Garner (Jeanne Tripplehorn), al que se encuentra obligado a asistir por el asesinato causado a unos civiles estando bajos los efectos de la cocaína y el alcohol.

A medida que la investigación se va profundizando, Tramell se va haciendo más sospechosa, pero también se va relacionando de manera más intima con Curran, a quien parece estar manipulando con su atractivo físico y sexual, y con su gran inteligencia. Entre los dos una inmensa relación pasional se mantiene a lo largo de todo el film, lo que parece arriesgar la vida de Curran y que termina en el asesinato de su compañero Gus (George Dzundza). Gracias a las pistas dadas por Tramell, se descubre que la verdadera asesina es una antigua amante y compañera de Universidad de Tramell, quien está obsesionada con ella. La persona es la misma doctora Garner. Al final se deja una ambiguedad sobre sí Tramell era o no la asesina por el plano de un pica hielos debajo de su cama.

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You Shoot, es el debut como director de Ho-Cheung Pang, también conocido como Edmond Pang. Este señor, fue el escritor de la novela y uno de los encargados de adaptar el guión sobre el que se basó el exitoso film de Johnnie To, Full Time Killer. Antes de pasarse a la dirección, escribió un par de guiones y novelas que fueron adaptadas a la pantalla grande. Pero desde que realizó esta película, escribe exclusivamente para sus propios proyectos.

El nombre de la película, ya nos da pistas de que nos podemos encontrar. You shoot juega con la acepción en inglés que además de significar “disparar” se utiliza en la industria del cine para denominar una toma de imágenes. Esta dualidad que presenta el título, se verá reflejada en el humor de doble sentido que ocupa gran parte del metraje. La acción, el humor negro y absurdo. La sangre, los golpes y las risas se van mezclando para dar como resultado una película entretenida, aunque tenga hacia el final una pequeña perdida de ritmo.

Bart, es un asesino a sueldo al que le comienza a escasear el trabajo. Su esposa no deja de gastar dinero y el ya no sabe de donde obtenerlo. Es entonces que decide contactar a antiguos clientes para intentar conseguir algún trabajito extra para palear la crisis. Después de varios intentos contacta a una mujer adinerada, que fue filmada teniendo sexo y quiere vengarse del que la filmó. Pero no solo lo quiere muerto, además lo quiere filmado. Bart lo intenta, pero su fuerte son las armas, no las cámaras de video. Lleva a cabo su trabajo, pero la filmación es un desastre.

La clienta no queda satisfecha, pero le da otra oportunidad. En este caso debe matar al encargado de piratear su sesión de sexo en copias en DVD. Para este trabajo, Bart debe conseguir un socio para realizarlo correctamente. Es así como conoce a Cheun. Un estudiante de cine graduado en New York, fanático de Scorsese, que trabajaba como asistente en producciones pornográficas, al que lo obliga a trabajar para él bajo amenaza. Las ganas de filmar de Cheun, y ver hecho realidad su sueño de dirigir sus películas, lo llevan a entusiasmarse con la idea, queriendo mejorar en cada asesinato la calidad de producción de sus películas, y despuntando su vicio cinematográfico proponiendo muertes más espectaculares. La amistad entre ellos comienza a fortalecerse y sus películas/asesinatos atraen a más clientes.
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A principio de los noventa el cine de acción estaba en unos de sus momentos de mayor apogeo. Iniciando un ciclo desde mediados de los años 80 con películas como Arma Letal, Jungla de Cristal y El Exterminador; para la siguiente década las secuelas de estas y otras habían dado mucho éxito en la taquilla, revitalizando aún más el poderío de Hollywood.

En medio de esto, exactamente en 1.991, nació de los escritos de Shane Balck y bajo la dirección de Tony Scott, El Último Boy Scout. Película protagonizada por Bruce Willis y Damon Wayans, junto a Noble Willingham, Taylor Negron y Halle Berry, que narra la historia de un detective privado y un ex futbolista americano, que se ven envueltos en el corrupto mundo de las mafías, las apuestas, los políticos y los turbios negocios que se desarrollan detrás de las canchas del deporte favorito de los Estados Unidos.

Introduciendo el film con unos acordes menores de la composición de Michael Kamen, quien detestó la película una vez lo vio, se establece un aire de misterio y peligro como primer ingrediente. Abruptamente se le da una entrada a una canción pop denominada “Friday Noght’s A Great Time For Football” interpretada por Bill Medley, quien se encuentra acompañada de sensuales porristas, conformando una perfecta antesala a un partido más de la NFL. Una vez finalizada la fiesta, dejamos de ser espectadores pasivos y nos convertimos en testigos directos de la crisis por la que están pasando los dueños de los equipos. Marcone (Willingham) es dueño de los L.A. Staliions y una de las figuras más prominentes del deporte. Sin embargo y a pesar de su posición, se ve disminuido a la hora de responder las inquisitivas preguntas de un periodista que le recalca en ellas que menos gente va a los estadios y menos gente ve los partidos por televisión. Una de las mejores respuestas que tiene Marcone contra los ataques es su estrella Billie Cole, quien acaba de ser presionado por Milo (Negron) para que haga más anotaciones de las que regularmente logra, dado que esas eran las apuestas arregladas. Billie Cole sale al campo y después de asesinar a varios contrincantes, se suicida en medio de la cancha, dejando establecido la fuerte crisis por la que pasa el futbol americano.

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“La visión de Oliver Stone ha cambiado la manera de ver nuestro pasado. Ahora nos va a mostrar dónde estamos y para dónde vamos. Y te sorprenderás de lo que él ve”. Pocas veces, por no decir nunca, un trailer funciona como un manifiesto político. Sin embargo y de manera triste en el caso de Asesinos Natos lo logró.

La película está basada en un guión escrito por Quentin Tarantino y transformado por el propio Stone en compañía de los novatos David Veloz y Richar Rutowski. La historia se centra en la vida de los asesinos en serie llamados Mickey y Mallory Knox, interpretados por Woody Harrelson y Juliette Lewis, quienes aterrorizan a un sector de los Estados Unidos con sus violentos ataques, pero que al mismo tiempo logran el apoyo y respaldo de una parte de la población, influenciada por los medios televisivos, y que seguramente se siente segura y inalcanzable para ellos.

El impacto de Asesinos Natos el año de su estreno, 1.994, fue demasiado para una audiencia que se vio abrumada por un despliegue técnico en fotografía y edición que superaba todo lo hecho hasta ese momento. Una fotografía muy iluminada y brillante, clásica de Robert Richardson, y un ritmo aceleradísimo generado por los más de 3.000 cortes, muy superior incluso para estos tiempos, hicieron que el profundo mensaje político y social del film se perdiera y pasara desapercibido para el público de esa época.

Al verla hoy nuevamente, y acostumbrados a un cine de un ritmo más desenfrenado, es fácil de notar la mordaz crítica al sistema político, carcelario y de pocos valores con los que se rigen los medios masivos de comunicación norteamericanos. Es increíble ver como muchas cosas por las que condenaron a Oliver Stone en ese momento, son factores de elogio para otros cineastas actualmente, lo que sin duda alguna convierte el director de Asesino Natos en un visionario.

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Obsesionado con la historia del policía de Chicago Chuck Adamson y del ladrón Neil McCauley, Michael Mann trabajó durante más de 20 años en un complejo guión que pudiera funcionar como medio para llevar a la pantalla la vida de estas dos impactantes personalidades. Protagonizada por Al Pacino, Robert De Niro, Val kilmer, Tom Sizemore, Amy Brenneman y Dana Venora, Heat se convirtió en una de las mejores películas sobre ladrones y policías que se hayan hecho hasta nuestros días.

De lo que más impacto a Mann de la historia fue el alto profesionalismo con el que ambos trabajaban, y que a pesar de estar cada uno en lados opuestos de la ley, eran personas con muchas similitudes y talentos. En un momento cualquiera se presentó la oportunidad para que los dos se sentaran a tomar una taza de café, dejando claramente establecido que uno estaba persiguiendo e investigando al otro. La charla luego sería inmortalizada en la memoria de todos los cinéfilos por ser la primera vez que Al Pacino y Robert De Niro compartían una escena.

Y es que este es un artículo que tiene la intención de rememorar a dos de los actores que más y mejores momentos nos han regalado a quienes nos emocionamos con el séptimo arte. ¿Qué importa si hoy son dos personas que trabajan sólo por el dinero que les ofrezcan sin importar las calidades de los personajes? ¿Es qué acaso hay alguna forma de olvidar las increíbles actuaciones que ambos nos dieron en los setentas y ochentas? ¿Es posible que los errores de hoy borren de la memoria colectiva la genialidad de papeles como el de Travis Bickle, Vito y Michael Corleone o Sonny Wortzik? No lo creo.

McCauley (De Niro) es el jefe de una importante y talentosa banda de delicuentes que hace grandes atracos por encargo. El primer golpe que llevan a cabo es el robo de unos bonos que son transportados en un camión blindado de algún banco local. La fechoría es realizada con tanto profesionalismo y precisión que en el momento en que el detective Vincent Hanna (Pacino) llega al lugar de los hechos para analizar la situación, se da cuenta del grado de estrictez y preparación del equipo. Ahí comienza una interesante cacería a través de toda la ciudad, en donde el mejor policía debe atrapar al mejor ladrón.

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Big Nothing es una producción independiente del 2.006 dirigida por el joven francés Jean Baptiste-Andrea, que cuenta en su elenco con el comediante inglés Simon Pegg, la joven y atractiva Alice Eve y -no importa lo que haga siempre seré Ross - David Schwimmer.

La película se centra en la vida de Charlie (Schwimmer), quien debido a una enfermedad que le hará perder la memoria en el futuro cercano se queda sin trabajo como maestro, obligando a su familia vivir lo que él llama “una vida de segunda”. En su desesperada búsqueda de una subsistencia mejor para su hija y mujer, quien trabaja como policía, Charlie decide aceptar un trabajo en un call-center de servicios de computación. En su nuevo puesto, en el que claramente se encuentra subempleado, conoce a Gus (Pegg), quien le ofrece ser parte de un plan para extorsionar al pervertido reverendo de la ciudad y ganarse 100.000 dólares. Al plan se involucra la joven y atractiva Josie (Eve), amante de Gus, y quien es la parte faltante de lo que parece ser una sencilla, lucrativa, rápida e inmoral forma de ganarse una buena cantidad de dinero.

El plan desde su inicio, y de manera nada sorpresiva para el espectador, no sale de acuerdo a lo concebido, tanto porque las coartadas que iban a utilizar no sirven como porque la persona que iban a chantajear resultó peor de lo que esperaban. A medida que avanza el crimen, el plan comienza a desmoronarse llegando a complicarse hasta niveles inesperados.

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Algunas personas dicen que el cine es el séptimo arte no sólo por cronología, sino también porque abarca y adopta en su seno a los otros seis. Bueno, con el comic ha pasado exactamente lo mismo. La cercana relación que han tenido los dos viene desde la fundación de ambos, la que dista tan sólo en un año de diferencia entre el nacimiento de cada uno. En la búsqueda constante de historias para ser llevadas a la pantalla, el cine se ha servido de varias áreas de nuestra sociedad como fuente de ideas, no quedando el comic fuera de esta esfera. Sin embargo, la relación que entre ambos se ha consolidado en los últimos años, ha pasado por diferentes épocas y estados.

Desde que Alain Resnais relatara cómo encontró en comics como Mandrake y Dick Tracy una importante fuente de inspiración para la creación de los personajes y atmósferas de dos de sus películas, y que además advirtiera de la influencia que las historietas tuvieron en el uso de la profundidad en el fondo de campo en la fotografía de Greg Toland para la influyente Citizen Kane, muchas cosas han cambiado hasta nuestros días de Marvel sacando cuanto personaje de historieta se le aparezca. Desde aquellos días de Resnais, la constante es que el cine ha encontrado en el comic una importantísima fuente de ideas, que algunas veces han funcionado y otras han sido desastrosas. Lamentablemente, la mayoría de veces el fin con que han sido usados los comics son como simples historias para ser llevadas a la pantalla, más impulsado por un afán ecónomico que otra cosa.

Sin embargo, cuando en 2.005 Robert Rodriguez estrenó Sin City, La Ciudad del Pecado, una importante y valiosa aportación artística se volvió a presentar entre los dos, llegando a un nivel nunca antes logrado no sólo entre estos dos medios, sino entre el cine y cualquier otro. Y es que la película dirigida por Robert Rodriguez no es una adaptación cinematográfica de las novelas de Frank Miller, es una unión mucho más profunda: es una conversión del libro a la pantalla.

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Si de mujeres talentosas y hermosas estamos hablando, no podemos obviar hacer una referencia a esta neoyorquina nacida el 12 de Diciembre de 1970, en el seno de una familia de comerciantes. Jennifer Lyn Connelly, comenzó su carrera en los medios a la escasa edad de 10 años. Cuenta la historia que unos amigos de la familia, ligados al negocio publicitario, sugirieron a sus padres enviarla a un casting para un comercial. Fue así que Jennifer comenzó a dar sus primeros pasitos en el mundo de espectáculo.

Tras unas primeras apariciones como modelo publicitaria y una pequeña participación en el video de Duran Duran “Union of the Snake”, fue ganando terreno en la industria audiovisual.

A los 12 años, participa en la serie de la televisión británica “Tales of the Unexpected” basada en el libro de historias cortas del autor Roald Dahl. Escritor de éxitos llevados al cine por su propia pluma como Willy Wonka & the Chocolate Factory en su primera versión de 1971 de la que Tim Burton hiciese una remake en el año 2005.

En 1984, Sergio Leone, necesitaba una niña que supiese bailar para su aclamada obra Erase Una Vez En América. Fue Jennifer la que quedó definitivamente en el papel. Esta pequeña participación, le abrió la puerta del set de uno de los grandes directores del género de terror, Darío Argento. Connelly viajaría en 1985 a Italia a protagonizar la película Phenomena. En esta ocasión interpreta el papel de una estudiante que llega a Suiza para realizar estudios en un instituto para señoritas en la que recientemente se han cometido una serie de crímenes aberrantes. Todo, claro está, bajo el estilo gore y el particular manejo del lenguaje que volvió de Argento un cineasta único.

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