Halloween (1978), de John Carpenter, es uno de esos perfectos clásicos del cine de terror con los cuales se ha criado y marcado a toda una generación, en este caso, la mía. Siempre me acuerdo que de niño (abre tenido unos 5 o 6 años cuando vi por primera vez Noche de Brujas -así traducida en Argentina- en la caja boba), me gustaba acostarme por las noches en la cama de mi mamá y simular estar dormido, para poder ver -con un ojo abierto y el otro cerrado, porque al ser tan chico no me lo permitían- este tipo de películas en la televisión… Ahhhh! que buenos tiempos aquellos…
Tal vez por este motivo, no puedo dejar de sentir fuertes emociones con respecto a este filme. La nostalgia, la añoranza, la mezcla perfecta entre el terror y la curiosidad infantil, el descubrimiento de nuevas sensaciones que me llevaban a creer y temer al “Boogeyman” (el hombre de la bolsa, el cuco, Myers), afloran en mi cabeza y estimulan todos mi sentidos tal como lo hacían en aquellas épocas, sobre todo porque significarían mis primeros romances con este tipo de películas que pronto me llevarían al cine.

Pero dejemos de lado el pasado por un rato. Hoy, un poco más viejo y más racional que emocional, observo que más allá de cierto mensaje puritano característico de la sociedad de clase media norteamericana que deja escapar entre líneas Carpenter en su filme (con esto me refiero al hecho de que el psicópata Michael Myers persigue y mata a jóvenes transgresores de las “normas y las buenas costumbres”, es decir, aquellos que se drogan, beben alcohol y son sexualmente promiscuos en un contexto de festividad pagana, desde el punto de vista religioso), Halloween es una película prolija, bien escrita e igualmente dirigida. Ayudada por una simple pero muy efectiva banda sonora, su texto somete al espectador a una constante tensión sin necesidad de mostrar demasiada truculencia como posteriormente se haría costumbre en este tipo de productos. Algunas críticas inclusive, previa sustentación de lo escrito, la llegan a catalogar dentro del género de suspenso más que del terror o del horror, pero esta sería otra discusión, la cual podríamos retomar más adelante.

Lo cierto es que Carpenter sembró un importante precedente -sobre todo en lo que se refiere a lo comercial- en la industria del cine de terror con esta cinta. Si bien Alfred Hitchcock y Tobe Hooper ya habían incursionado en este rubro con las magníficas Psicosis (Psycho, 1960) y La Masacre de Texas (The Texas Chain Saw Massacre, 1974) respectivamente, el éxito de taquilla de Halloween -que prácticamente se rodó como una película independiente con un magro presupuesto- fue rotundo, tanto así, que llegó a ser, hasta la aparición de El Proyecto de la Bruja de Blair (The Bair Witch Project, 1999), la película mas rentable de la historia del cine.
Obviamente la mega industria norteamericana del celuloide no podía dejar pasar esta jugosa oportunidad de recaudar dinero fácil… A partir de allí, la explosión comercial, marketinera y pochoclera del “cine slasher” con una catarata de secuelas de este gran éxito y de otras películas similares como Martes 13 –así traducida en Argentina Friday The 13th, 1980- y Pesadilla en lo Profundo de la Noche –como fue conocida en mi país Nightmare on Elm Street, 1984-. Franquicias todas ellas que ante su falta de calidad, llevarían a la decadencia total al género de terror, el cual tuvo que ser reconvertido totalmente como para poder lograr algún tipo de impacto en estos tiempos un poco más exigentes…

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The Shining (El Resplandor) fue dirigida en 1980 por Stanley Kubrick y basada en la novela homónima de Stephen King. La conjunción entre una obra cuya autoría pertenece a un renombrado escritor, un elenco sólido y efectivo liderado por la figura protagónica del versátil Jack Nicholson y un atractivo manejo de recursos técnicos para la producción del relato han hecho del film un clásico de la cinematografía de terror que, como es habitual, ha sido, inicialmente, objeto de controversia mas luego, con el inmediato aval del público, halló un progresivo reconocimiento por parte de la crítica.

La secuencia inicial del film nos presentará a Jack Torrance (Jack Nicholson) un escritor algo mediocre que ha acudido a una entrevista con el objeto de obtener el puesto de vigilador del hotel Overlook, situado en un paraje remoto entre las montañas. Dado que durante el período de invierno el establecimiento no funciona el protagonista tendría allí la oportunidad de recluirse junto a su familia y trabajar sobre la obra que le otorgaría el reconocimiento que tanto ansía. Finalizada la entrevista el director (Barry Nelson), le acepta y es solo luego de ello que comenta a Torrance lo que sucedió con el cuidador anterior: en la soledad del gran hotel el vigilador irrumpió imprevistamente en un estado violento y, luego de asesinar brutalmente a su esposa e hijas, se quitó la vida. Veremos que, en tanto esto sucede, en el hogar de la familia se halla Wendy (Shelley Duvall) y el pequeño Danny (Danny Lloyd) aguardando la llamada del protagonista. Es aquí cuando la narración nos presenta un segundo elemento de misterio representado por la extraña actitud del niño que mantiene una conversación con Tony un amigo imaginario que le habla mediante los movimientos del dedo índice y las palabras que, a la manera de un ventrílocuo, expresa con la voz del niño. Tony le advierte del hotel y afirma con certeza que Jack ya ha conseguido el trabajo, lo que es asombrosa y tenebrosamente ratificado por el inmediato sonido del teléfono. La familia se dirige entonces al hotel donde son recibidos por el gerente y por Dick Halloran (Scatman Crothers), el cocinero del establecimiento, quien les muestra la ubicación de las provisiones y entabla una conversación con el pequeño Danny para entonces lejos de su madre. Lo perturbador es que ninguno de ellos mueve sus labios sino que hablan telepáticamente pues ambos poseen aquello a lo que Halloran refiere como “resplandor”, una facultad extraordinaria para comunicarse a distancia e incluso ver imágenes pertenecientes al pasado o al futuro. En medio de este diálogo el cocinero le pide se aleje de una habitación mas no comenta por qué.

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Antes que nada, tengo que aclarar que esta no es una película de terror, ni de horror, aunque sus características así lo propongan. Yo la catalogaría más bien como un cargado thriller psicológico con ciertos ribetes dramáticos. Como para comenzar a ponerlos al corriente, este filme está basado en el escalofriante hecho ocurrido en Alemania en el año 2001, en el cual un hombre llamado Armin Meiwes mató, mutiló y comió literalmente a otro llamado Bernd Jürgen Brandes, pero lo extraño del caso es que todo sucedió con el consentimiento de este último, es decir, todo el hecho fue consumado… de común acuerdo…

Esta oscura historia, que en su momento tuvo una cobertura mediática inigualable, sin ninguna duda era candidata para ser llevada al cine, sobre todo si consideramos que toca un tema tabú como lo resulta ser el canibalismo, y por otro lado, podría también tratar de arrojar cierta luz sobre el interrogante que supongo tenemos todos: ¿Qué se le puede haber pasado por la cabeza a la “victima” como para querer ser comida por otra persona?. Ahora bien, ya tenemos un par de motivos, y una vez tomada la decisión de comenzar el proyecto, la pregunta podría ser: ¿cómo diablos se cuenta algo así?, ¿desde que óptica se debería abordar todo el asunto para que sea un verdadero éxito o el relato cierre?, ¿desde lo policial, desde el miedo y el terror, como un documental, como drama -entre otras categorías-?… Al final, pienso que se hizo de la mejor manera que se podría haber hecho, se desarrollo el argumento desde lo psicológico y lo dramático. A mi criterio, el resultado fue acertado y bueno, y paso a explicarles porque.

Rhotemburg (2006), explora en profundidad la vida y psiquis de estos dos particulares personajes, aquí llamados Oliver Hartwin y Simon Grombeck, y para esto, el novato director -en cine- Martin Weisz, recurre a la óptica de un personaje de ficción, a quien logra introducir en esta historia que es real. El papel, vendría a ser el de una estudiante americana de un postgrado de psicología criminal, llamada Katie Armstrong, un poco obsesionada con el caso en cuestión y con la morbosidad, propia de nuestra condición humana. Como se irán dando cuenta, el relato se desarrolla a través de sus ojos, de sus investigaciones para su tesis y de sus conclusiones, por tal motivo, el hábil director utiliza el recurso archiconocido del flashback y la voz en off a medida que avanza el filme, pero lo hace de manera inteligente, por lo que no llega a cansar al espectador.

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En el primer artículo que escribí para este blog sobre la película Soy Leyenda (I Am Legend, 2008), les comenté sobre mi fanatismo por uno de los grandes maestros del terror contemporáneo, Stephen King.

Lo leo desde que tenía 14 años, y a pesar de que muchos críticos y seguidores desencantados digan que hoy ya no escribe como lo hacía antes y que muchas de sus novelas coinciden en sus argumentos resultando tal vez predecibles o cansadoras (sobre todo en aquellas en las que escribe sobre escritores con bloqueos literarios en lugares alejados de toda civilización donde suceden cosas extrañas y sobrenaturales), a mi, sus historias todavía me siguen cautivando como antaño. Su manera de escribir sobre las diversas visiones apocalípticas de nuestro mundo conocido, la relación entre los seres humanos en condiciones extremas, la gran cantidad de personajes que involucra y la forma en que los relaciona, la crítica mordaz a la sociedad americana media, los guiños hacia otros libros, muchas veces compartiendo personajes entre ellos, etc., funcionan para mi como efectivos cócteles de entretenimiento narrativo, tanto es así, que creo que no hay otro autor que haya alimentado tanto al cine y la televisión como él, no siempre con el resultado deseado pero bueno, ese es otro cantar…

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Algunos conocen su existencia por la afición al pulp americano de los 50, a otros les suena por la canción de los Misfits (también a buena parte de los primeros, sin duda), y los más la recordarán por el personaje de la película Ed Wood de Tim Burton, en la que se reflejaba, entre otros episodios, el rodaje de Plan 9 from Outer Space en la que Vampira tenía una corta pero estelar aparición.

La creación del personaje de Vampira roza lo casual, dado que Murni acudió a una fiesta disfrazada de la madre de familia de los Addams, que por aquel entonces sólo eran una tira cómica de un periódico neoyorkino.

Tanto revuelo armó su aspecto que un productor local no dudó en contactar con ella para presentar un mini espacio de terror previo a la película semanal del género, que lejos de poner los pelos de punta, levantaba otro tipo de pasiones entre la chavalería de la época. Y es que su escote daba de todo menos miedo.

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“Solo le temo a la estupidez humana”, decía Oscar Wilde. Y sí, el hombre ha demostrado ser un animal particularmente capaz no sólo de tropezarse varias veces con la misma piedra, sino de tomar una postura bélica contra ella. La solución más sencilla y pacífica, es rodearla, coexistir con ella. El hombre considera que esa piedra maldita está en su camino… entonces se empeña en encontrar diversos métodos para obligarla a correrse o, simplemente, hacerla desaparecer de la faz de la Tierra. Lo curioso es que, tan prolífico en desarrollar tales métodos diplomáticos, el hombre tiene la costumbre de considerarse inmune a sus propios métodos. Alguien creyente diría que se juega a ser Dios, y así como en su momento la especie fue castigada por su arrogancia al querer construir la torre que tocara el Cielo, así como las alas de Ícaro fueron quemadas por el sol, así el hombre es castigado por su orgullo y prepotencia. O, sencillamente, podríamos concluir que los desastres que ocurren son consecuencia de una peligrosa estupidez.

“Exterminio” (o, su más literario título original “28 days later…”), escrita por Alex Garland“La Playa” - 2000 -, se convirtiera en asiduo colaborador de Danny Boyle), por decirlo de alguna manera, expresa en imágenes aquella expresión de Wilde. (quien, desde En un laboratorio, una serie de monos infectados a propósito con un virus experimental son sometidos a constante exposición a imágenes de violencia. El virus es esencialmente ira pura y es altamente contagioso a través de cualquier contacto de fluidos corporales. Un grupo de ecoterrorismo ingresa al laboratorio para liberar a esos monos, sin saber de la infección…

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Obra maestra del cine clásico de terror americano dirigida en el año 1963 por el extraordinario Alfred Hitchcock, The Birds propone una peculiar y simbólica trama basada parcialmente en una obra de la corta historia homónima de Daphne du Maurier en conjunción con un maravilloso uso de las técnicas de producción logrando una pieza compleja y, sin dudas, en extremo original para su momento cinematográfico.

El film nos sitúa inicialmente en una tienda de mascotas de San Francisco donde la protagonista, Melanie Daniels (“Tippi” Hedren), se halla con el objeto de recoger un ave que habrá de obsequiar a su tía. Es allí donde se produce el encuentro con la poderosa figura masculina central, Mitch Brenner (Rod Taylor), abogado, quien pretende confundirle con una vendedora preguntando por un par de lovebirds (o agapornis), a lo que ella responderá con presteza como si lo fuese verdaderamente. Pronto revelará haberla reconocido desde un comienzo pues no era este su primer encuentro sino en una corte de justicia, mas se irá con las manos vacías e insultado por la joven. Melanie, intrigada y algo atraída, luego obtendrá información sobre su nombre y lugar de residencia por medio del número de placa y contactos especiales. Es así que la veremos pronto conduciendo por la ruta hacia Bodega Bay, un pequeño pueblo donde se supone, se halla Mitch durante el fin de semana, llevando consigo una jaula con dos pájaros que depositará a escondidas en su casa. En el trayecto que separa al hogar de éste y la costa es embestida inesperadamente por una gaviota. Brenner que la había divisado a la distancia, para entonces había tomado ya su camioneta y la esperaba del otro lado, donde la recoge y lleva a un restaurant local para atender la herida. En medio de un juego ambiguo de seducción invita a la joven a cenar en su hogar y le presenta a su viuda madre (Jessica Tandy) quien casualmente entra al local en medio de la conversación. Una primera impresión nos mostrará la escasa felicidad que produce en ella la noticia de la nueva invitada. Al arribar por la tarde a la velada es presentada a la hermana menor de Mitch, Cathy, con quien entabla rápidamente una amistosa relación y quien le invita a su cumpleaños, que se realizaría al día siguiente. Hasta entonces veremos algo más del desarrollo del vínculo establecido entre ella y los integrantes de la familia con una evidente tensión en el caso de Lydia, la madre.

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Hay un dicho que dice que, cuando los obstáculos se acumulan y la aventura se transforma en algo que se adivina imposible en su forma original, es necesario hacer de la falta una virtud. En “Apocalypse Now”, Marlon Brando no quería planos de cuerpo entero y tampoco se sabía el guión. Francis Ford Coppola y Vittorio Storaro resolvieron con improvisación, nueva iluminación y un plano cerrado. En “La película del rey”, de Carlos Sorín, el protagonista se la pasa teniendo que hacer estos ajustes para poder llevar a concreción su sueño. Steven Spielberg, en sus inicios, con lo que sería su primer gran éxito y, de hecho, inauguraría toda una era de superproducciones, experimentó en carne propia la posibilidad de que el film fuera un desastre.

En “Buscando a Nemo”, el tiburón vegetariano se presenta como Bruce. Bruce, casualmente, era el nombre del tiburón mecánico para “Tiburón”, realizada en 1975 por Steven Spielberg. En el parque de diversiones de Universal solía haber una réplica, bautizada Bruce II. El primero, probablemente, nunca funcionó mejor que su copia más barata.

“Tiburón”, novela best-seller de Peter Benchley (quien también escribió las primeras versiones del guión), estaba basada en unos míticos pero reales ataques que tuvieron lugar en las playas de New Jersey en Julio de 1916. Si bien los personajes y la ubicación temporal cambian, la secuencia de los hechos retratados en el film y la novela siguen, bastante fielmente, aquellos de los hechos en los que están basados. Incluso la cacería, y la rareza de que un un escualo de semejante tamaño se metiera en canales angostos, como si estuviera persiguiendo a sus presas. Antes de 1916, muchos estudiosos habían desestimado el peligro que el carcharodón (que, en su versión carcharias – el tiburón blanco de “Tiburón” -, puede llegar a medir 12 metros) representaba para el ser humano. Los ataques de Jersey Beach cambiaron esa percepción, para transformar a estos peces en fríos y crueles asesinos, símbolo de sadismo y maldad sin conciencia (de ahí el mote de “tiburones”, para los abogados).

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No soy un fanático de las películas de terror, pero esta sinceramente me llamo la atención ya que este film, es un remake estadounidense de una película asiática que consiguió un gran existo a nivel mundial en su tiempo. Se estrenara el 14 de marzo.

Esta es una historia típica de terror, los efectos especiales son muy comunes igual que los sonidos animados. Claramente no es una superproducción ni mucho menos, pero es una gran película que te trasporta a otro mundo desconocido, el de los muertos.

Sydney Wells interpretada por la deseada actriz de Jessica Alba, es una reconocida violinista de Los Ángeles que quedo ciega desde los 5 años por un accidente con su hermana. Luego de 15 años de espera, se decide a hacer un trasplante de córnea por segunda vez ( ya que anteriormente a los 12 años le había salido mal) para recuperar la vista, pero lo que ella no sabe es que no solo va a ver el mundo normal, si no también va a poder ver a los muertos.

En uno de estos hechos, por llamarlos, “extraños” se ve muy afectada, por lo cual decide en que no quiere ver mas y esta un tiempo con los ojos vendados, lo cual preocupa mucho a su médico y hermana.

A través de la película, nadie la escucha y piensan que se ha vuelto loca, el suspenso sigue en pie en muchos tramos, pero en otros, hay que decir verdad que se tornan largamente aburridos, a pesar de ser una película relativamente corta (una hora y media de duración).

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Lo primero en hacer al salir de la sala de cine, luego de ver esta película, ha sido correr a intentar comprarme el libro de Richard Matheson, y digo intentar, porque aún no he podido conseguirlo en ninguna librería de Córdoba… (mientras maldigo mi suerte, pienso en lo increíble de este periplo, considerando que Córdoba es la segunda ciudad en importancia de Argentina).

Tampoco logro entender como nunca he leído “Soy Leyenda”, a mi que de verdad me fascinan las historias apocalípticas como las que solía contar Stephen King en sus mejores épocas en títulos como La Danza de la Muerte (The Stand), La Niebla (The Mist), o La Tienda de los Deseos Malignos (Needful Things), en donde el mal y el bien en todas sus expresiones tienen sus confrontaciones místicas en un escenario catastrófico, terrenal y sobretodo, humano. Así como también muero por las oscuras historias de vampiros, hombres lobo, ángeles, demonios, y toda clase de seres fantásticos que al entrar en contacto con nuestra realidad, alimentan nuestras más profundas emociones como por ejemplo el miedo. Para ponerlos en contexto, les confieso que en este punto me reconozco fanático del clásico literario Drácula de Bram Stoker y de su posterior versión cinematográfica de Francis Ford Coppola, de La Hora del Vampiro (Salem´s Lot) del mismísimo King, y de comics como Constantine o El Predicador (simplemente genial, lo pueden comprobar en http://www.guiadelcomic.com/comics/predicador.htm), los cuales les recomiendo leer si es que no lo han hecho ya.

Teniendo en cuenta todo lo anterior, notarán que esta película contaba con todas las variables posibles como para al menos entretenerme, lo único que no me terminaba de convencer era la participación de Will Smith en el papel principal, quien nunca ha sido un actor de mi preferencia. Con el tiempo se darán cuenta de que no me gusta catalogar categóricamente a algo o alguien como malo o bueno en su condición, por lo que siempre partiendo de la premisa de que todos somos diferentes y de que por ende, percibimos diferente, y por una cuestión de respeto a la diversidad y a la heterogeneidad, solo puedo opinar sobre porque algo o alguien a mi particularmente no me gusta, o no me gustó… y nuestro amigo Will no me gusta porque en la mayoría de los papeles en los que lo he visto actuar, me ha resultado arrogante, con una ironía y un sarcasmo ¿cómico? que nunca me termina de convencer (a diferencia de por ejemplo: Bruce Willis en sus roles en Duro de Matar o El Último Boy Scout). Eso de cumplir siempre con el estereotipo de héroe –normalmente norteamericano- que se las sabe todas y que encima alardea de ello no va conmigo.

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