King Kong (1933)

Dentro del cine de terror y de ciencia-ficción, o quizá un poco a caballo entre ambos, existe un subgénero muy maltratado e infravalorado que sin embargo siempre ha tenido muchísima fuerza dentro del cine, contando con algunas de las películas más divertidas y redondas jamás rodadas, capaces de movernos entre la comedia, el horror o el drama en cuestión de minutos. Yo soy un gran aficionado al subgénero de monstruos, y hoy vamos a hablar un poco de él, así como de las cinco mejores películas que entrarían en dicha clasificación.

Lo primero que debemos contemplar es qué películas entrarían en el subgénero y cuáles no. Por norma, deberíamos eliminar todas aquellas que aún teniendo un antagonista monstruoso (por ejemplo, la saga de Freddy Krueger o ‘Tiburón’), sigue sin ser un verdadero monstruo, un ser no humano que amenace las vidas de la humanidad como conjunto, y no la de una o dos personas a quienes acecha. Quizá la línea sea delgada y por supuesto es algo muy subjetivo, estoy seguro que cualquiera de vosotros, queridos lectores, será capaz de ampliar -o corregir- la lista, sugiriendo obras que no hayan sido tenidas en cuenta por cualquier circunstancia. o incluso modificando esa línea divisoria.

Si bien podríamos datar la primera película de monstruos en 1915, cuando Paul Wegener hizo ‘El Golem’, es preferible obviar todo ese cine de monstruos clásicos (Frankenstein, Drácula, el hombre-lobo) y avanzar un poco más, hasta 1933, cuando hace su primera aparición ‘King Kong‘, inaugurando uno de los géneros más rentables de la historia del cine. El propio monstruo aparecería en decenas de películas (si bien en muchas de ellas no era “el mismo” King Kong, tratándose de su hijo y circunstancias similares).

En 1954 hizo su primera aparición otro de los grandes iconos de la historia del cine de monstruos, ‘Godzilla‘, inaugurando el cine kaiju, en el que veríamos más tarde a Gamera, Mothra, y tantos otros monstruos míticos del cine de terror japonés. El primer Godzilla, además, servía como vehículo propagandístico político, representando el mal de las armas nucleares (idea muy repetida en el subgénero durante aquella época), y teniendo como objetivo a los americanos, personificados por ese enorme dinosaurio.

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Cartel promocional 28 semanas después

A lo largo de la historia del cine, muchas son las películas que han explorado la veta infinita del cine de zombies. Desde George A. Romero hasta medio siglo después, películas tremendamente infravaloradas se han ido haciendo un hueco entre la gente, consiguiendo millones de seguidores, a base de legiones de seres humanos sin alma que tratan de devorar a los que siguen vivos.

El cine de zombies no se limita a una historia de terror en la que un grupo de personas son amenazados. Aunque en una primera lectura podría pasar inadvertido, comúnmente se trata de una exploración interesantísima sobre la naturaleza humana, los instintos más básicos y sus reacciones ante una situación límite. Su universo, antes lleno de comnunicaciones, transporte y todo tipo de ventajas de la era moderna, se ve tremendamente limitado de repente a un mundo en el que deben sobrevivir juntos, encerrados generalmente, sin poder ir a donde deseen ni contar con ninguna de las comodidades que tenían antes. Encarcelados en la trinchera que buenamente hayan conseguido improvisar, los personajes se encontrarán en una prisión imprevista, hacinados y teniendo que racionar alimentos, armamento para defenderse, decidir el devenir de sus vidas en general.

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The Call of Cthulhu

Que en pleno siglo XXI alguien se atreva a un experimento tan osado -y al mismo tiempo, tan apropiado- como recrear el estilo de cine más popular en los años veinte, el expresionismo alemán, no puede sino merecer mis alabanzas, por la valentía demostrada y por la innegable calidad que desprende este título que, en pleno 2005, volvió al cine mudo y en blanco y negro, renegando abiertamente de los avances tecnológicos actuales.

‘The Call of Cthulhu’ es la obra más famosa y aclamada de Howard Phillips Lovecraft, consistente en una serie de relatos cortos que juntos componen una historia terrorífica, de la que realmente no se nos cuenta nada de sí misma, sino sólo a través de sus consecuencias. Diferentes hechos aislados por el mundo parecen partir de una causa común, el despertar de Cthulhu, una criatura mitológica, un dios, extraterrestre, ser de las profundidades, o como cada cual prefiera verlo. En cualquier caso, su despertar significaría el fin de la existencia de la humanidad. Esta forma de narración en la que no se nos cuenta realmente qué ocurrió, sino lo que desencadenó en cada caso, es lo que dio tanto prestigio al escritor junto a, por supuesto, la increíble mitología creada en torno al relato y a los demás que componen su obra, girando alrededor de los llamados Mitos de Cthulhu.

H.P. Lovecraft es un escritor difícil. Sus relatos de horror pecan de un lenguaje excesivamente complejo, con descripciones largas y llenas de adjetivos que realmente no dicen nada que podamos representar visualmente (como por ejemplo, expresiones del tipo geometrías imposibles). Esto provoca que una adaptación actualizada de sus escritos sea realmente difícil, y así se ha demostrado en los muchos intentos que ha habido, desde ‘Die monster die‘ a ‘El horror de Dunwich‘, pasando por despropósitos como ‘Dagon‘, que en realidad más que adaptaciones eran sólo historias que habían cogido como base para su inspiración algún relato de los mitos.

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Jessica Harper y el pájaro de las plumas de cristal

Remontémonos a 1975. Darío Argento estrena ‘Profondo Rosso’. Y el maestro entre los maestros (Alfred Hitchcock) se pronuncia: “Este joven italiano está empezando a preocuparme”. Dos años después estrenaría la que se considera su obra maestra, la que nos ocupa. Una revisón del clásico de Argento se viene haciendo necesaria pues 31 años después de su estreno, se anuncia la intención de Hollywood de realizar su particular remake. Las noticias al respecto van llegando con cuentagotas pero se habla de Natalie Portman para el papel protagonista que en la original encarnara una frágil Jessica Harper. Si el sr. Hitchcock levantara la cabeza, en vez de preocuparse por Darío Argento, se preocuparía de la obsesión del Hollywood más ‘mainstream’ por hacer remakes al uso de todo el cine de terror que encuentra (primero el cine oriental, luego John Carpenter, después Wes Craven…¿le toca el turno a Darío Argento?).

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Las modas en el cine son como una veleta, apuntan a un lado o a otro en función del viento. Hace prácticamente una década, el viento que más soplaba era el kamikaze (ojo, la traducción fiel de la palabra es “viento divino”) oriental. A raíz de la que para muchos es la mejor película de terror del último cuarto de siglo, y para otros es la tomadura de pelo (negro y muy largo) más grande del cine reciente (estamos hablando, claro está, de ‘Ringu‘), y de la siempre elogiable manía de los festivales por descubrirnos el fantástico oriental, un público heterogéneo formado a la vez por amantes de las sensaciones fuertes y deseosos de encontrar “algo nuevo” en el panorama cinematográfico mundial encontró esa nueva ‘delicatessen’ que paladear… hasta que apareciese otra. Hollywood se dió cuenta, y además de paladearla, quiso devorarla, fagocitarla, pero la digestión fue difícil.

Mientras los espectadores empezaban a cansarse del oriental fantástico, los reincidentes productores cinematográficos de Hollywood seguían totalmente empeñados en que habían encontrado una fuente inagotable de ideas, sin plantearse qué es una idea. ¿Cómo equiparar una bolita de arroz con una hamburguesa? Con mucho ketchup, pensarían. Pues no. Tuvo que llegar el imposible remake de ‘Pulse’ para que se dieran cuenta de que todo no se puede copiar.

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No vivo de la boutade, ni me fío de las citas de Camille Paglia: ‘La semilla del Mal’ es pura y dura serie Z y, por supuesto, no es para todos los gustos, ni encaja en un criterio demasiado estricto e iracundo. Pero es un tipo muy especial de subproducto, uno que parte de la inconsciencia hasta terminar deconstruyendo el género por una acumulación burra e inconsciente de tópicos, que por acumulativa termina siendo estimulante, por absolutamente libérrima en su ausencia de suspense termina rozando lateralmente la vanguardia.

David S. Goyer es capaz de lo mejor y de lo peor, bien lo sabemos. De un guión tan arquetípico y consciente como el de ‘Libertad para morir’ a otro cargado de fraseo de novela de segunda fingiendo construcción de personajes y vergonzosas metáforas psicológicas como el de ‘Batman Begins’. De un texto de acompañamiento a la pesadilla de ‘Dark City’ o la modélica ‘Blade’ hasta desguisados mayores, como la secuela ‘Blade: Trinity’ o la serie de televisión.

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Es significativo ir al cine sabiendo que vamos a ver una película de terror. Una película de terror que no parece ser industrial (y como últimamente son éstas; repetitivas y más basadas en “efectos de computadora” que en los efectos personales y psicológicos usados con los personajes y por qué no con el espectador). Es por eso bastante grato y sorprendente al mismo tiempo el que se anuncie una Película de Terror iraní del 2007.

Es indudable también que el cine iraní de los noventas ha mutado y en el país los “acontecimientos cinematográficos” están tomando y/o probando nuevos rumbos.

Podremos dudar de antemano sobre ¿a qué tipo de obra nos estamos acercando? Y, considerando que algunas de las películas más terroríficas y originales de los últimos años han venido de oriente (aunque estemos hablando de zonas más cercanas a Japón, Corea del Sur, China) parece posible imaginarse, plantearse y preguntarse qué nos encontraremos con una película con dichas características.

Cuando me dirigía a verla, alguien comentó (a otra persona que estaba cerca, no a mi; aunque fue inevitable que escuchara) “No la veas, es extremadamente morbosa”. Esto, fue para mi, en principio un buen augurio; puesto que ya me estaba imaginando una película del nivel terrorífico, casi psicótica y bastante enferma como algo que podría hacer Takashi Miike.

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“Juego Macabro” fue una de las últimas producciones cenicientas de la historia del cine: una pequeña película hecha con muy pocos recursos, que además de ser un inmenso éxito de taquilla, tuvo la capacidad de darle un respiro al malogrado género del horror, que en los últimos años no encontró sus mejores exponentes.

La película está basada en las pesadillas que James Wan y Leigh Whannell tenían de niños, las que seguramente sufrían por su inmensa afición al maestro del terror, Dario Argento. De la historia creada por ambos, Whannell escribiría el guión que más tarde dirigiría su amigo de la infancia, y en el que él actuaría.

Una vez el libreto estuvo finalizado, entre Whannell y Wan se lo dieron a su agente, quien inmediatamente lo envió a Los Ángeles, donde contactaron con un productor, quien les dijo que hicieran un cortometraje para ser enviado a los estudios. Ellos lo hicieron, y sólo fue cuestión de tiempo para que Lions Gate Films se hiciera con los derechos y financiara la producción.

La película es una historia sumamente inteligente, con la capacidad de estremecer a cualquier espectador. La premisa básica (no sé para que la repito, estoy seguro que todo el mundo se acuerda) es un asesino en serie que logra, mediante variados juegos y trampas, que sean sus víctimas quienes al final terminen matándose entre ellos mismos.

Encerrados y amarrados en una especie de baño junto a un cadáver, Adam (Whannell) y el Dr. Lawrence Gordon (Cary Elwis) deben tratar de descifrar quién los secuestro y llevó hasta ese recóndito lugar. Una vez adentro, ambos descubren que están allí en una especie de misión, donde tendrán que cometer un asesinato entre ellos para sobrevivir y además, deberán cortarse sus pies por ellos mismos si quieren poder salir de allí.

Entre ambos empezarán a descifrar que clase de persona pudo haberles hecho esto, y comienzan a especular sobre los posibles candidatos. De esa manera, la historia se va completando por medio de flashbacks que van descifrando alguno de los interrogantes, pero que a la vez, de manera muy bien pensada, van generando unos nuevos. A medida que la historia se va desarrollando se va complicando cada vez más, y se nos va mostrando el plan tan bien desarrollado que el asesino tiene para acometer su crimen.

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Me cuesta mucho entender cómo es posible que una película de estas pueda llegar a ser vendida a una distribuidora, y luego exhibida en algún lugar del mundo. Frente a la actual crítica sobre los malos guionistas y sus pobres ideas, vale decir que hay también gran parte de culpa en los productores, quienes son en últimas quienes deciden qué proyectos llevar a cabo o no, así como de las personas que financian, compran y exhiben las mismas.

A pesar de que había leído muchas críticas malas sobre esta película, y de que todo el mundo me decía que no fuera a verla, la terquedad en mí pudo más y decidí darle una oportunidad. Y es que Joshua me parecía un film muy inteligente, con una trama de fondo muy interesante: un niño de diez años que odia a sus padres, la que tenía toda la potencialidad para ser explotado de manera muy profunda.

No obstante, le doy la razón a todos aquellos que creen que esta es una de las peores películas en muchas años, con una de las historias más inconcebibles, no por lo espectacular o extraordinario de la misma, sino por lo inesperado que es que algo así de malo hubiera llegado al cine.

La historia es absolutamente incoherente, con muchos fallos y cosas gratuitas, que llegan al final a una conclusión totalmente inesperada, no porque nos tome de sorpresa, sino porque sencillamente es algo totalmente inconexo lo que sucede al final, frente a todo lo que se nos había mostrado antes.

La película empieza con Brad Cairn (Sam Rockwell) viendo a su hijo Joshua (Jacob Kogan) jugar un partido de futbol, en el que el niño claramente se encuentra aburrido, no queriendo ser parte del mismo. En pleno desarrollo del encuentro, el padre del niño recibe una llamada urgente y agarrando a su hijo lo lleva al hospital, donde su esposa Abby (Vera Farmiga) dio a luz a su segundo hijo.

¿Por qué no estaba el padre con su esposa acompañándola en el parto, en vez de estar en un partido de futbol con su hijo? No es que fuera precisamente la final de la Champions League, y por otro lado, su hijo ni quería ir, entonces por qué la necesidad de llevar a su hijo al partido en vez de estar junto a su esposa en el hospital. Cuando una película tiene un arranque que parece tan ilógico y poco fundamentado, lo que uno espera es ver algo maravilloso en adelante que le explique el por qué de semejantes fallas. Pues no, lo que pasa de ahora en adelante es peor.

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No cabe duda de que el cine de terror asiático, particularmente el proveniente del Japón y Corea del Sur, está viviendo una ya dilatada época de bonanza desde el estreno de The ring: el círculo, filme que dirigió Hideo Nakata en 1998 y que obtuvo una repercusión internacional tan importante como inesperada. Desde entonces, y ya han pasado diez años, las películas asiáticas de horror son objeto de continuos remakes norteamericanos, como el reciente The eye (Visiones), y encuentran unas facilidades de distribución en los países occidentales que nadie era capaz de imaginar hace sólo algunos años.
 
Ghost train (Otoshimono, 2006) es uno de los últimos ejemplos de esa forma oriental de concebir el horror que sigue despertando un gran interés en el público de occidente, aunque algunos aficionados ya empiezan a encontrar cansina la recurrencia de ciertos temas, como esa fantasmagoría femenina que no descubrió ni mucho menos Ringu y que hunde sus raíces en el folclore y la literatura del Japón más antiguo.
 
La segunda y hasta la fecha última película de Takeshi Furusawa, quien asistió a Kiyoshi Kurosawa en la dirección de Kairo (internacionalmente conocida como Pulse y también con remake americano), no deja de ser la enésima historia de fantasmas con pelo lacio y largo, de apariciones espectrales en torno a un lugar maldito y, en definitiva, de muertos que no descansan en paz. Pero no por ello carece de algunos alicientes que la convierten en un producto moderadamente interesante para el aficionado al cine de terror.
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