A comienzos de año, New Line Cinema había anunciado su interés por dar nueva vida a la saga de Pesadilla en Elm Street / Pesadilla en lo profundo de la noche. No es hasta ahora que el proyecto comienza a convertirse en una realidad, ante el anuncio del fichaje del experimentado guionista Wesley Strick.

En coincidencia con el 25 aniversario del nacimiento de la franquicia, New Line lanzará al mercado una nueva película centrada en el personaje de Freddy Krueger, la peor pesadilla de los habitantes de Elm Street. Para dar nuevos aires a una saga que terminó por repetirse y perder su atractivo, el estudio fichó a Strick, quien cuenta en su filmografía con títulos reconocidos del cine de suspense como Aracnofobia, El cabo del miedo, de Martin Scorsese, y hasta Lobo, protagonizado por Jack Nicholson.

The Hollywood Reporter ha indicado que la nueva película desarrollará su acción en el ámbito estudiantil, enfocándose más en la historia de Krueger y sus pesadillas. Se desconoce si Robert Englund retornará para interpretar una vez más a este personaje, al igual que no hay noticias de la relación de Wes Craven -director y guionista de la cinta original de 1984- en el proyecto.

Aunque son pocos los detalles que se conocen, la idea sería poder satisfacer a los fans de la serie, a la vez que funcione como un imán para nuevas generaciones, como se ha hecho con tantos remakes y puestas al día de sagas.

Fuente: Noticine

Si hay un escritor contemporáneo cuya obra se hayan llevado con más asiduidad a la gran pantalla (con resultados muy dispares, desde las obras maestras al esperpento más ridículo) es Stephen King, quien también colaboró a esta difusión cediendo los derechos de sus relatos por el precio simbólico de un dólar a estudiantes de cine, y precisamente de esta iniciativa surgió, en 1983, el cortometraje “The woman in the room”, de un joven llamado Frank Darabont, quien décadas después entraría a lo grande en la Historia del cine con la extraordinaria “Cadena perpetua”, y que ha conseguido dotar a la obra de King de un respeto que hasta entonces pocas adaptaciones tenían ( si bien ahora se encuentra escribiendo el guión de su próximo proyecto, otra adaptación de “Fahrenheit 451” de Ray Bradbury).

En “La niebla” Darabont vuelve a adaptar un cuento de Stephen King, aportándole su sello personal, sobre todo en el polémico final del que hablaremos más tarde, consiguiendo una buena película de terror/suspense en la línea de los mejores clásicos del cine de serie B (en cuanto a presupuesto, no en cuanto a calidad, recordemos que ha costado poco más de 15 millones de dólares, lo que en Hollywood podría considerarse prácticamente como una película “independiente”).

La acción transcurre una vez más en la ciudad por excelencia de la obra de King: Castle Rock, que ha sido afectada por una tormenta, y en la que el pintor David Drayton (Thomas Jane) se dirige con su hijo y su vecino a un supermercado a comprar provisiones, pero, una vez allí, se ven sorprendidos por una extraña niebla que rodea el lugar y que oculta un terrible y peligroso misterio que hace que los se adentran en ella no vuelvan a aparecer, a partir de ahí se inicia una lucha por cómo sobrevivir a ese extraño fenómeno, aunque tal vez lo peor no está en La niebla…

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Una vereda oscura es el escenario ideal, un sótano de una casa abandonada, un auto solitario en el medio de la carretera. Llamadas perdidas de un celular que se apaga justo en el momento clave, en el que alguien abre la puerta y se desatan los efectos especiales, vuelan máscaras por el aire y demás cosas que no tienen mucho sentido.

Un portal sobre cine de terror: Conocélo

De terror, cada año, cada temporada se estrena una nueva película…de terror. Pero, ¿Qué es el terror? Hoy, el terror, es un juego, es el juego, del miedo. En donde hay un torturador, un psicópata, una pieza, una herramienta, una víctima y un público que compra la entrada dispuesto a ver eso: Una víctima, un verdugo, un juego, que nos da miedo o no, pero sólo es un juego.

¿Y qué de las películas con llamadas sobrenaturales? La muerte y la vida, se entrecruzan, alguien que está abajo intenta subir y decirnos algo.
Un desorden de sonidos, una pantalla que oculta la verdad. Sobrenaturalidad en el aire, historias para no dormir, o quizás para nunca despertar.

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Psycho fue dirigida en el año 1960 por el sublime Alfred Hitchcock y basada en la novela de igual nombre escrita por Robert Bloch, quien vagamente empleo como inspiración para su producción la historia de Ed Gein, un atroz asesino serial estadounidense.
Con el empleo de una imagen en blanco y negro, por motivos económicos y por elección visual del realizador, conjuntamente con una efectiva banda de sonido producida por Bernard Herrmann y buenas interpretaciones, el film logra un constante y profundo suspenso emergentes del oscuro origen del dinero que lleva consigo la protagonista y, a la vez, por la extraña figura antagónica.

La narración nos sitúa en la habitación de un hotel en Phoenix, Arizona, donde la joven Marion Crane (Janet Leigh) y su pareja Sam Loomis (John Gavin) debaten sobre planes de matrimonio indefectiblemente poco posibles en tanto éste posee una gran deuda que ha heredado de su padre mas también debe mantener a su reciente ex esposa. Finalizado el corto tiempo que ambos tenían disponible, retoman sus actividades sin resolución alguna. Marion se dirige entonces a la oficina donde trabaja y, antes de finalizada la jornada su jefe le pide realice un depósito de cuarenta mil dólares en el banco local, confiando en su absoluta diligencia. La protagonista ve aquí una posible solución a sus problemas personales y decide, entonces, armar sus maletas y escaparse con el dinero a California, donde su pareja vive. Rápidamente se dirige a la ruta, mirando en forma constante por el retrovisor ante un posible descubrimiento de su maniobra. Llega la noche y, sin haber hallado un hotel donde alojarse, decide estacionar a un lado del camino y allí descansar, mas pronto es encarada por un oficial de policía que toma su número de patente y parece notar su nerviosa expresión.
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Basada en la novela de terror escrita en 1967 por el americano Ira Levin y llevada a la pantalla grande el año posterior por el realizador Roman Polanski, Rosemary’s baby es considerada actualmente, uno de los grandes títulos cinematográficos de tal género. El film, que ha contado con un gran presupuesto para su realización y figuras, en su mayoria, de gran trayectoria, sitúa a los acontecimientos en la ciudad de Nueva York hacia el año 1965.

Es presentada hacia el comienzo del film una joven pareja que adquiere como primera vivienda un gran departamento en el oscuro edificio Bramford. La misma se halla constituida por Rosemary (Mia Farrow), una devota e ingenua muchacha que pronto se convertirá en ama de casa y por Guy Woodhouse (John Cassavetes), un apuesto actor de televisión y publicidades que desea con ansias ser reconocido por su labor e interpretar, finalmente, un personaje que le lleve a la fama. Si bien ambos contaban con la precaución del amigo y dueño del lugar, quien les afirmó sobre las extrañas prácticas satánicas de los inquilinos anteriores, ello no pareció suficiente para rechazar tamaña casa con una ubicación tan propicia. En sus inicios la estadía parece maravillosa e incluso Rosemary comienza a conocer y vincularse con parte de los habitantes del edificio. Terry Gionnoffrio (Victoria Vetri), una de ellas, entablará una breve relación con la protagonista mediante la que confiará su antigua adicción a las drogas y comentará sobre la ayuda proporcionada por los habitantes del departamento próximo al de la pareja, los Castevet (interpretados por Sidney Blackmer y Ruth Gordon), para desligarse de ella. Poco después esta muchacha aparecerá, extrañamente, desplomada sobre la acera como producto de una caída desde su ventana. Es así que próximos al cuerpo, observando lo sucedido, los jóvenes son reconocidos por los veteranos inquilinos mencionados por Terry y, luego de su presentación, son invitados a cenar en su hogar. Comienza así a establecerse un peculiar lazo que resulta agradable a Guy mas particularmente extraño a Rosemary, quien nota en ellos un excesivo interés, acaso entrometido, en cuestiones personales. Simultáneamente al desarrollo de esta relación veremos la concreción de los deseos del actor que, luego del terrible accidente que sufriera su rival, ha obtenido un papel de gran importancia.

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Durante la década del ´70, y hasta los primeros años de la década del ´80, el género terror fue sufriendo nuevas modificaciones, incluido el hecho de, gracias a films como “El Exorcista”, “El Resplandor” o “El bebé de Rosemary”, un novedoso lugar de aceptación dentro del cine “grande”. Que actores o directores de prestigio participaran de dichas empresas, por supuesto, ayudó.

A comienzos de los ´80, se daba el auge de la Guerra de las Galaxias. Por un lado, la entrecomillada, que refería a la saga de George Lucas. Por otro, sin comillas, la que tenía como protagonistas a Estados Unidos y la Unión Soviética. Ese espacio a ser conquistado, de golpe se volvía parte de un mercado en expansión; la globalización se expandía a una geografía exótica, como lo había hecho muchas veces en el pasado. Así, como una suerte de “Corazón de la Oscuridad”, la tripulación del Nostromo se adentraba una y otra vez en la pura negrura del universo.

El argumento, sencillo: un misterioso mensaje que pide ayuda llega al Nostromo, cuyo capitán decide rastrear y seguir la señal. Arriban a un planeta muerto, monstruoso, un gran útero entre material y extremadamente orgánico. Ahí encuentran esta gran granja o criadero de pesadilla. Es la vieja mitología del bosque o de la jungla: los viajeros caminan por entre lo desconocido, donde habita lo Terrible. Ahí es cuando uno de los aventureros es atacado por una criatura parásito que anida en su huésped para procrear al monstruo de que se hace referencia en el título del film.

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De la mano de Tim Burton llega a los cines el musical del barbero vengador.La historia comienza cuando Benjamin Barker (Johnny Deep) regresa de la prisión, a la que había sido injustamente enviado por el Juez Turpin (Alan Rickman) cuando éste se enamoró de la esposa de Benjamin y se quiso quedar con ella y su pequeña hija.

Al volver Benjamin de alta mar desea vengarse de todos los que le hicieron mal a él y a su familia, es así como vuelve a la misma barbería situada encima de la taberna de la señora Lovett.Su primera aparición en la vida pública es en una feria, un barbero italiano llama su atención y él lo bate a un duelo de afeitadas. Sale vencedor, pero luego, este barbero italiano (interpretado por Sacha Baron Cohen) se presenta en la barbería de Benjamin reclamando parte de las ganancias y sobornandolo con sacar a la luz su verdadera identidad. Es así, como Benjamin lo asesina brutalmente con una pava vieja y oxidada y decide junto con su cómplice, la señora Lovett, a utilizar su cádaver como carne para sus empanadas. Ésto deviene en muchísimos asesinatos más, que hacen que el espectador se acostumbre al caer de la sangre y los cuerpos en seco contra el suelo de la cocina ubicada justo debajo de la barbería.

Por otra parte, el pequeño niño sirviente de Pirelli, llamado Toby se queda con ellos sin enterarse nada sobre la muerte de su amo, este niño aporta a la película una gran cuota de humor y de rechazo social propio de los films de Tim Burton. Anthony Hope (un joven que lo había ayudado a escapar de la prisión y lo había llevado hasta Londres), se enamora de la hija de Benjamin: Johanna, y pretende escapar con ella para salvarla de su casamiento con el juez Turpin, que parecía no haberse conformado con Lucy Barker (la esposa de Benjamin) y ahora quería casarse con su hija.

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Halloween (1978), de John Carpenter, es uno de esos perfectos clásicos del cine de terror con los cuales se ha criado y marcado a toda una generación, en este caso, la mía. Siempre me acuerdo que de niño (abre tenido unos 5 o 6 años cuando vi por primera vez Noche de Brujas -así traducida en Argentina- en la caja boba), me gustaba acostarme por las noches en la cama de mi mamá y simular estar dormido, para poder ver -con un ojo abierto y el otro cerrado, porque al ser tan chico no me lo permitían- este tipo de películas en la televisión… Ahhhh! que buenos tiempos aquellos…
Tal vez por este motivo, no puedo dejar de sentir fuertes emociones con respecto a este filme. La nostalgia, la añoranza, la mezcla perfecta entre el terror y la curiosidad infantil, el descubrimiento de nuevas sensaciones que me llevaban a creer y temer al “Boogeyman” (el hombre de la bolsa, el cuco, Myers), afloran en mi cabeza y estimulan todos mi sentidos tal como lo hacían en aquellas épocas, sobre todo porque significarían mis primeros romances con este tipo de películas que pronto me llevarían al cine.

Pero dejemos de lado el pasado por un rato. Hoy, un poco más viejo y más racional que emocional, observo que más allá de cierto mensaje puritano característico de la sociedad de clase media norteamericana que deja escapar entre líneas Carpenter en su filme (con esto me refiero al hecho de que el psicópata Michael Myers persigue y mata a jóvenes transgresores de las “normas y las buenas costumbres”, es decir, aquellos que se drogan, beben alcohol y son sexualmente promiscuos en un contexto de festividad pagana, desde el punto de vista religioso), Halloween es una película prolija, bien escrita e igualmente dirigida. Ayudada por una simple pero muy efectiva banda sonora, su texto somete al espectador a una constante tensión sin necesidad de mostrar demasiada truculencia como posteriormente se haría costumbre en este tipo de productos. Algunas críticas inclusive, previa sustentación de lo escrito, la llegan a catalogar dentro del género de suspenso más que del terror o del horror, pero esta sería otra discusión, la cual podríamos retomar más adelante.

Lo cierto es que Carpenter sembró un importante precedente -sobre todo en lo que se refiere a lo comercial- en la industria del cine de terror con esta cinta. Si bien Alfred Hitchcock y Tobe Hooper ya habían incursionado en este rubro con las magníficas Psicosis (Psycho, 1960) y La Masacre de Texas (The Texas Chain Saw Massacre, 1974) respectivamente, el éxito de taquilla de Halloween -que prácticamente se rodó como una película independiente con un magro presupuesto- fue rotundo, tanto así, que llegó a ser, hasta la aparición de El Proyecto de la Bruja de Blair (The Bair Witch Project, 1999), la película mas rentable de la historia del cine.
Obviamente la mega industria norteamericana del celuloide no podía dejar pasar esta jugosa oportunidad de recaudar dinero fácil… A partir de allí, la explosión comercial, marketinera y pochoclera del “cine slasher” con una catarata de secuelas de este gran éxito y de otras películas similares como Martes 13 –así traducida en Argentina Friday The 13th, 1980- y Pesadilla en lo Profundo de la Noche –como fue conocida en mi país Nightmare on Elm Street, 1984-. Franquicias todas ellas que ante su falta de calidad, llevarían a la decadencia total al género de terror, el cual tuvo que ser reconvertido totalmente como para poder lograr algún tipo de impacto en estos tiempos un poco más exigentes…

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The Shining (El Resplandor) fue dirigida en 1980 por Stanley Kubrick y basada en la novela homónima de Stephen King. La conjunción entre una obra cuya autoría pertenece a un renombrado escritor, un elenco sólido y efectivo liderado por la figura protagónica del versátil Jack Nicholson y un atractivo manejo de recursos técnicos para la producción del relato han hecho del film un clásico de la cinematografía de terror que, como es habitual, ha sido, inicialmente, objeto de controversia mas luego, con el inmediato aval del público, halló un progresivo reconocimiento por parte de la crítica.

La secuencia inicial del film nos presentará a Jack Torrance (Jack Nicholson) un escritor algo mediocre que ha acudido a una entrevista con el objeto de obtener el puesto de vigilador del hotel Overlook, situado en un paraje remoto entre las montañas. Dado que durante el período de invierno el establecimiento no funciona el protagonista tendría allí la oportunidad de recluirse junto a su familia y trabajar sobre la obra que le otorgaría el reconocimiento que tanto ansía. Finalizada la entrevista el director (Barry Nelson), le acepta y es solo luego de ello que comenta a Torrance lo que sucedió con el cuidador anterior: en la soledad del gran hotel el vigilador irrumpió imprevistamente en un estado violento y, luego de asesinar brutalmente a su esposa e hijas, se quitó la vida. Veremos que, en tanto esto sucede, en el hogar de la familia se halla Wendy (Shelley Duvall) y el pequeño Danny (Danny Lloyd) aguardando la llamada del protagonista. Es aquí cuando la narración nos presenta un segundo elemento de misterio representado por la extraña actitud del niño que mantiene una conversación con Tony un amigo imaginario que le habla mediante los movimientos del dedo índice y las palabras que, a la manera de un ventrílocuo, expresa con la voz del niño. Tony le advierte del hotel y afirma con certeza que Jack ya ha conseguido el trabajo, lo que es asombrosa y tenebrosamente ratificado por el inmediato sonido del teléfono. La familia se dirige entonces al hotel donde son recibidos por el gerente y por Dick Halloran (Scatman Crothers), el cocinero del establecimiento, quien les muestra la ubicación de las provisiones y entabla una conversación con el pequeño Danny para entonces lejos de su madre. Lo perturbador es que ninguno de ellos mueve sus labios sino que hablan telepáticamente pues ambos poseen aquello a lo que Halloran refiere como “resplandor”, una facultad extraordinaria para comunicarse a distancia e incluso ver imágenes pertenecientes al pasado o al futuro. En medio de este diálogo el cocinero le pide se aleje de una habitación mas no comenta por qué.

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Antes que nada, tengo que aclarar que esta no es una película de terror, ni de horror, aunque sus características así lo propongan. Yo la catalogaría más bien como un cargado thriller psicológico con ciertos ribetes dramáticos. Como para comenzar a ponerlos al corriente, este filme está basado en el escalofriante hecho ocurrido en Alemania en el año 2001, en el cual un hombre llamado Armin Meiwes mató, mutiló y comió literalmente a otro llamado Bernd Jürgen Brandes, pero lo extraño del caso es que todo sucedió con el consentimiento de este último, es decir, todo el hecho fue consumado… de común acuerdo…

Esta oscura historia, que en su momento tuvo una cobertura mediática inigualable, sin ninguna duda era candidata para ser llevada al cine, sobre todo si consideramos que toca un tema tabú como lo resulta ser el canibalismo, y por otro lado, podría también tratar de arrojar cierta luz sobre el interrogante que supongo tenemos todos: ¿Qué se le puede haber pasado por la cabeza a la “victima” como para querer ser comida por otra persona?. Ahora bien, ya tenemos un par de motivos, y una vez tomada la decisión de comenzar el proyecto, la pregunta podría ser: ¿cómo diablos se cuenta algo así?, ¿desde que óptica se debería abordar todo el asunto para que sea un verdadero éxito o el relato cierre?, ¿desde lo policial, desde el miedo y el terror, como un documental, como drama -entre otras categorías-?… Al final, pienso que se hizo de la mejor manera que se podría haber hecho, se desarrollo el argumento desde lo psicológico y lo dramático. A mi criterio, el resultado fue acertado y bueno, y paso a explicarles porque.

Rhotemburg (2006), explora en profundidad la vida y psiquis de estos dos particulares personajes, aquí llamados Oliver Hartwin y Simon Grombeck, y para esto, el novato director -en cine- Martin Weisz, recurre a la óptica de un personaje de ficción, a quien logra introducir en esta historia que es real. El papel, vendría a ser el de una estudiante americana de un postgrado de psicología criminal, llamada Katie Armstrong, un poco obsesionada con el caso en cuestión y con la morbosidad, propia de nuestra condición humana. Como se irán dando cuenta, el relato se desarrolla a través de sus ojos, de sus investigaciones para su tesis y de sus conclusiones, por tal motivo, el hábil director utiliza el recurso archiconocido del flashback y la voz en off a medida que avanza el filme, pero lo hace de manera inteligente, por lo que no llega a cansar al espectador.

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