Después de haber roto casi todo los éxitos de taquilla existentes hasta el momento, y al parecer de paso ir creando unos nuevos, The Dark Knight, la última entrega de Batman, tiene en el Olimpo de los dioses del cine al ya mundialmente reconocido Christopher Nolan.

Cuando en 2.004 se anució el relanzamiento de la franquicia del superhéroe enmascarado, para todo el mundo estaba en la memoria la hasta ese momento sagrada adaptación que del personaje de Bob Kane había hecho el genial e inconfundible Tim Burton; pero también las desastrosas películas hechas por el mediocre Joel Schumacher. Tanto por lo primero como por lo segundo, no existía razón alguna para hacer otra película, dado que al parecer lo mejor y lo peor de este personaje ya se había llevado a la gran pantalla. Sin embargo, para la Warner y DC lo que estaba en su memoria no era eso, sino que cada una de las entregas habían dado más de cien millones de dólares, por lo tanto, otra Batman habría de hacerse.

El director de la interesante Following (1998) la estructuradísima Memento (2000) y la aburridísima e innecesaria Insomnia (2002), fue el encargado de resucitar de las cenizas al héroe de Ciudad Gótica. Como todos los grandes, Nolan se encontraba en un momento en el que podría quedar totalmente desacreditado como director por realizar esta película, o podría encontrar en las grandes dificultades la oportunidad para demostrar su inmenso talento.

De una manera sabia, la dirección tomada fue la de alejarse a lo realizado por los dos directores anteriores y, complementando lo hecho por ellos, darle al nuevo Batman una profunda y más interesante personalidad. Lo primero que se hizo fue centrar la primera película de la nueva serie en el héroe más no en los villanos. En Batman Begins, Nolan y David S. Goyer, se dieron cuenta de un período de 7 años en que Bruno desaparece y luego vuelve convertido en Batman. Aprovecharon ese tiempo y no ahorraron esfuerzos para contar de dónde provenía, cómo aprendió todo lo que sabe, el por qué de sus habilidades y, por primera vez nos respondieron, por qué escogió un murciélago en vez de una cucaracha o un dragón.

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Así como hace unas semanas les presentamos las cinco ediciones de la exitosa serie Star Trek, hoy cerramos un capítulo en la vida de esta saga, con las novedades de la filmación de una nueva película que se espera supere el éxito de las diez anteriores.

Por ahora titulada “Star Trek XI“, el proyecto hace tiempo que da vueltas por la mente de los responsables de la serie y las película, por el poco éxito que han tenido las últimas películas esta vez todos querían realizar algo memorable, y sin duda podrán conseguirlo. Con una campaña publicitaria mucho mayor que en las anteriores entregas, ya han logrado que esta entrega un año antes del estreno esté en boca de todos. Esto fenómeno se debe a muchos factores sin precedente.

Principalmente han logrado la conjunción de varios elementos que atraen a una gran variedad generacional de audiencia. La película tendrá como protagonistas a los personajes de la primera generación de Star Trek, aquella capitaneada por James T. Kirk, una de las tripulaciones más recordada por todos, desde aquellos que la vieron en directo en los años 60 hasta los fanáticos de hoy que la recuerdan con mucho cariño. Los jóvenes que tal vez no conocen a esta primera generación han sido captados con el hecho de que todos los personajes, desde Kirk hasta Spock, serán interpretados por nuevos actores.

Otro de los puntos que atrae la atención de las nuevas generaciones, es la participación del mejor director y creador de los últimos tiempos en el mundo de las series. Nada menos que la mente detrás de Lost, de la serie más famosa del mundo, J.J. Abrams, un director que casi con el poder del Rey Midas, todo lo que toca lo convierte en oro. En su filmografía aun no tiene películas inolvidables, pero en el camino hacia la consagración en la pantalla grande ya nos ha dejado películas como Misión Imposible III desde la dirección y Cloverfield como creador y productor. El resto de su carrera ya casi intachable se ha sucedido en la pantalla chica con series como Lost, Alias, Felicity, The Office y la próxima a estrenarse Fringe.

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Este tan esperado regreso de El Señor o Caballero de la Noche (también conocido como el Caballero Oscuro o el Caballero Nocturno, entre otros alias)… Batman, en definitiva, no ha hecho más que precipitar también mi regreso a los comentarios cinematográficos que bastante olvidados tenía. Creo que no está de más decirles que esta película era la que yo más había estado esperando en estos últimos tres largos años. Estaba totalmente intrigado en como haría Nolan para superarse a si mismo y continuar con aquello que inició con éxito en el año 2005 con Batman Begins. El resultado: superlativamente abrumador…

Luego de verla, llego a la conclusión de que esta nueva historia comienza exactamente donde había terminado la anterior, es decir, temporalmente no muy adelante en el futuro de esta podrida y corroída Ciudad Gótica. Es como si aquella primera entrega hubiese sido el tranquilo preludio de esta caótica y enloquecida obra magistral, como si >Batman Begins (2005) nos hubiera venido preparando el terreno antes de abrir esta Caja de Pandora, dejándonos la impresión de que todo lo que hemos visto hasta ahora ha sido parte de un único producto que se fue desarrollando in crescendo, como si se hubiese filmado todo junto de una sola vez (tal como lo hizo Quentin Tarantino con Kill Bill -2003- o Peter Jackson con El Señor de los Anillos -The Lord of the Ring, 2001-).

Christopher Nolan consigue de esta manera, hacer renacer exitosamente de las cenizas al “justiciero enmascarado” más famoso del mundo luego del estrepitoso derrumbe de la franquicia de la mano del psicodélico director Joel Schumacher, y lo hace apegándose a las novelas gráficas y a los comics que lo inmortalizaron desde un principio. A diferencia de la estética pop propuesta por la vieja serie de televisión de los años `60 (aquella con el panzón Adam West ¿recuerdan?), la cual fue retomada luego por Schumacher a fines de los `90, Nolan propone una estética oscura, densa, y con sus personajes siempre al límite de la cordura, y si bien Tim Burton ya había desarrollado esa profunda oscuridad, la misma solo se aplicaba a la fotografía de sus cuadros, al entorno y en menor medida a sus personajes. En este aspecto, este nuevo escritor y director toma lo mejor de Burton, y le da una vuelta de tuerca a la composición psicológica de los personajes, convirtiendo una película que se supone de acción, en prácticamente un complejo drama con una elevada dosis de suspenso y tensión.

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Precedida de una larga espera de diecinueve años por fin llegó a nuestras pantallas la ansiada continuación de una de las sagas míticas del cine, con la advertencia previa de George Lucas de que no esperásemos la mejor película de la historia…y cuánta razón tenía.

“Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal” continúa bien el camino que iniciaron sus predecesoras, y es en el primer tramo de la película donde tenemos la esperanza de volver a disfrutar con una gran película de aventuras, pero esta esperanza se va diluyendo conforme avanza la trama, si bien conserva algunas escenas interesantes, hasta llegar a la típica película “para toda la familia”, políticamente correcta hasta el hastío, que tantas veces hemos visto ya.

Ha pasado mucho tiempo desde el final de “La última cruzada” pero el doctor Henry Jones Jr. (“profesor, a veces”), sigue con su incansable labor como arqueólogo, y ahora, en 1957, en plena Guerra Fría, con el rockabilly moviendo a los jóvenes yanquis, son los comunistas los que han sustituido a los nazis como centro de todos los problemas, temores y paranoias de la bienpensante sociedad norteamericana, y en esta ocasión es la científica soviética Irina Spalko, interpretada fríamente por Cate Blanchett, quien se convierte en la Némesis de Indiana Jones en la búsqueda del objeto de poder (cambian los villanos, no la obsesión de dominar el mundo) que da título a la película.

Tras una presentación rápida de los personajes, se suceden las primeras escenas de acción, con un ritmo ágil y un montaje correcto, con guiños a elementos de las entregas anteriores y que muestra más características de la época en la que ahora se desarrolla la película, como la psicosis anticomunista. A partir de aquí, empieza una cuesta abajo en la que los despropósitos van sucediéndose, y es que si en anteriores entregas se permitía cierta “irrealidad” en las situaciones debido a las características del cine de aventuras (de ser películas realistas Indiana Jones habría muerto en la primera media hora de “En busca del arca perdida”) aquí hay situaciones que rozan lo absurdo, llegando a convertirse en auténticas tomaduras de pelo hacia el espectador.

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El proyecto había comenzado a fines de los ´70, pero sólo pudo concretarse a fines de los ´80. Una de esas empresas que parecen tomar por siempre. “Batman”, finalmente dirigida por un incipientemente exitoso Tim Burton, vio la luz en 1989.

Michael Uslan había conseguido, a fines de los ´70, que el decano de la Universidad de Indiana le otorgara una cátedra que versaría sobre comics. Ante la incredulidad del decano, evidente en sus palabras “Yo también he leído comics en mi juventud, y me gustaban, pero ya he crecido”, Uslan había respondido “Usted conoce la historia de Moisés, ¿verdad?”, tras lo cual le pidió a su entrevistador que se la narrara. Una vez que los deseos de Uslan fueron cumplidos, éste volvió a insistir: “Ahora cuénteme la historia de Superman”.

De todos modos, su recientemente ganado prestigio no le permitió a Uslan acceder al apoyo de ningún estudio para su proyecto fílmico sobre Batman. Pese al éxito de “Superman” a principios de los ´80s, nadie quería hacer un film sobre el Hombre Murciélago. No ayudaba, tampoco, la serie de los ´60s, que había optado por una aspecto más bufonesco y humorístico del personaje, acorde al Pop de la época. Sin embargo, en los ´80 todavía perduraba aquella impresión. No fue sino hasta mediados de la década de 1980 que Ulsan, con más socios y tras el éxito del “Return of the Dark Knight” de Frank Miller, la Warner Brothers aceptó, no sólo financiar una película sobre Batman, sino hacerlo según las intenciones de Uslan (al principio habían presionado por un Batman sesentoso, para el que se habían propuesto Bill Murray en el rol del encapotado y Eddie Murphy para interpretar a Dick Grayson, alias Robin).

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Halloween (1978), de John Carpenter, es uno de esos perfectos clásicos del cine de terror con los cuales se ha criado y marcado a toda una generación, en este caso, la mía. Siempre me acuerdo que de niño (abre tenido unos 5 o 6 años cuando vi por primera vez Noche de Brujas -así traducida en Argentina- en la caja boba), me gustaba acostarme por las noches en la cama de mi mamá y simular estar dormido, para poder ver -con un ojo abierto y el otro cerrado, porque al ser tan chico no me lo permitían- este tipo de películas en la televisión… Ahhhh! que buenos tiempos aquellos…
Tal vez por este motivo, no puedo dejar de sentir fuertes emociones con respecto a este filme. La nostalgia, la añoranza, la mezcla perfecta entre el terror y la curiosidad infantil, el descubrimiento de nuevas sensaciones que me llevaban a creer y temer al “Boogeyman” (el hombre de la bolsa, el cuco, Myers), afloran en mi cabeza y estimulan todos mi sentidos tal como lo hacían en aquellas épocas, sobre todo porque significarían mis primeros romances con este tipo de películas que pronto me llevarían al cine.

Pero dejemos de lado el pasado por un rato. Hoy, un poco más viejo y más racional que emocional, observo que más allá de cierto mensaje puritano característico de la sociedad de clase media norteamericana que deja escapar entre líneas Carpenter en su filme (con esto me refiero al hecho de que el psicópata Michael Myers persigue y mata a jóvenes transgresores de las “normas y las buenas costumbres”, es decir, aquellos que se drogan, beben alcohol y son sexualmente promiscuos en un contexto de festividad pagana, desde el punto de vista religioso), Halloween es una película prolija, bien escrita e igualmente dirigida. Ayudada por una simple pero muy efectiva banda sonora, su texto somete al espectador a una constante tensión sin necesidad de mostrar demasiada truculencia como posteriormente se haría costumbre en este tipo de productos. Algunas críticas inclusive, previa sustentación de lo escrito, la llegan a catalogar dentro del género de suspenso más que del terror o del horror, pero esta sería otra discusión, la cual podríamos retomar más adelante.

Lo cierto es que Carpenter sembró un importante precedente -sobre todo en lo que se refiere a lo comercial- en la industria del cine de terror con esta cinta. Si bien Alfred Hitchcock y Tobe Hooper ya habían incursionado en este rubro con las magníficas Psicosis (Psycho, 1960) y La Masacre de Texas (The Texas Chain Saw Massacre, 1974) respectivamente, el éxito de taquilla de Halloween -que prácticamente se rodó como una película independiente con un magro presupuesto- fue rotundo, tanto así, que llegó a ser, hasta la aparición de El Proyecto de la Bruja de Blair (The Bair Witch Project, 1999), la película mas rentable de la historia del cine.
Obviamente la mega industria norteamericana del celuloide no podía dejar pasar esta jugosa oportunidad de recaudar dinero fácil… A partir de allí, la explosión comercial, marketinera y pochoclera del “cine slasher” con una catarata de secuelas de este gran éxito y de otras películas similares como Martes 13 –así traducida en Argentina Friday The 13th, 1980- y Pesadilla en lo Profundo de la Noche –como fue conocida en mi país Nightmare on Elm Street, 1984-. Franquicias todas ellas que ante su falta de calidad, llevarían a la decadencia total al género de terror, el cual tuvo que ser reconvertido totalmente como para poder lograr algún tipo de impacto en estos tiempos un poco más exigentes…

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Allá por el 2005 se estrenó una película titulada “Las crónicas de Narnia: El león, la bruja y el armario”, talvez haya sido el síndrome de abstinencia por una buena historia fantástica que aun conservaban los seguidores de El Señor de los Anillos, pero la cuestión es que Narnia, tuvo un gran recibimiento por parte del público, no sólo infantil como generalmente se considera para los cuentos de hadas.

El escritor C.S. Lewis (1989-1963) publicó a partir de 1950 la saga de cuentos que comprenderían los siete libros de Las crónicas de Narnia. Entrañable amigo de J.R.R. Tolkien, juntos formaban parte de un grupo intelectual llamado “The Inklings”, donde acompañados de otras brillantes mentes de la época debatían sobre literatura y filosofía.

La saga de libros de Narnia, ha sido llevada al cine en varias ocasiones, como es el caso de “El león, la bruja y el armario” cuya primera adaptación animada fue realizada en 1979. La cadena británica BBC también ha presentado a Las crónicas de Narnia como películas para televisión entre 1988 y 1990.

La primera película de consumo masivo de Narnia, fue “El león, la bruja y el armario”, que corresponde cronológicamente al segundo libro de la saga, no al primero como todos piensan. Una hermosa película que sobre todas las cosas enaltece los valores y la vida frente a la muerte y la deslealtad. Dirigida por Andrew Adamson, responsable nada menos que de las geniales Shrek y sus secuelas, cuenta con la distribución impecable de Disney Pictures, quiénes mejores que ellos para estas historias.

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Aceptémoslo, las series nos cuentan siempre, indefectiblemente siempre, la misma historia. Una y otra vez seguimos las mismas peripecias, los mismos laberintos que, además, tienen la costumbre de llegar, más tarde o más temprano, al mismo lugar. ¿Por qué seguimos mirando?

Si uno mira las series de hoy en día, sean melodramas, comedias, sit coms, pertenezcan a lo fantástico o a la ciencia ficción, encontraremos siempre elementos en común. De hecho, el melodrama es un denominador común, por ejemplo. Los hay familiares, los hay de amores imposibles o corazones desincronizados. El melodrama familiar, por ejemplo, suele trabajar con elementos que van desde lo disfuncional a las típicas situaciones de grupo. Padres y/o madres que fallecen, relaciones conflictivas entre padres e hijos y cuya evolución consiste en ir elaborando los problemas o traumas que dieron origen a esa dinámica. Familias que van atravesando historias que los hacen crecer, de forma más o menos didáctica. En cuanto a los amores, ya es harto conocido el procedimiento: jamás una relación amorosa se concreta en el inicio de la serie, sino que se empuja hacia delante. Son contadas las series que sobreviven ese momento, como fue el extraño caso de “Friends”, con Ross y Rachel y su antítesis, de la misma época, con “The Nanny”, que comenzó su finalización cuando quisieron correr el centro de la tensión de la seducción sin concreción a algo simplemente familiar. Una especie híbrida son las sit coms de parejas, que repiten casi siempre la misma fórmula, con la excepción de “Mad about you”, que seguía la evolución de la pareja que interpretaban Paul Reiser y Helen Hunt.

En la ciencia ficción, por ejemplo, enfrentamos un paquete distinto, ubicado habitualmente en un futuro hipotético. Pero, pasados los créditos, y dentro de la estructura de un relato épico, ¿Qué hallamos? Historias de amor, conflictos entre padres e hijos. No es necesariamente un defecto, sino que solemos disfrutar de ver las mismas historias, los mismos mitos, con los que podemos interactuar o con los que nos podemos identificar, narrados de manera diferente. Nos entretenemos, de hecho, muchas veces escuchando los mismos chistes. ¿Acaso no somos capaces de ver veinte veces un mismo capítulo, del cual conocemos el principio, el desarrollo y el final, y reírnos o entreternos igual?

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Así lo ha decidido la MGM, el poli de ojalata con déficit de 3 en 1 va a volver por sus fueros. En SCI Fi Wire se hacen eco del planning de los próximos estrenos de la Metro, entre los que se encuentran la nueva de James Bond Quantum of Solace, El Hobbit, Outers Limits y otras más que poco me interesan (ver la fuente de esta nota para más detalles).

La cuestión es que resucita la franquicia RoboCop, cuya nueva película está en desarrollo, aunque no se explica el estado en el que está actualmente. ¿Seguirá siendo una campaña publicitaria de Ford, como en las dos primera pelis?.

Fuente: Sci Fi Wire.

Como buen nacido en la década del `70, mi romance con el cine comenzó, gracias a mi papá, aproximadamente a partir de 1983, año en que se restituyó la democracia en Argentina luego de una brutal dictadura, es decir, yo tenía unos 7 años…

El escenario mundial estaba convulsionado por las tensiones de la llamada “Guerra Fría”, que no era nada más ni nada menos que una batalla ideológica, política y económica-social caracterizada por una carrera tecnológica y armamentista nuclear entre los dos grandes bloques en los que había quedado dividido el planeta luego de la Segunda Guerra Mundial. Por un lado las naciones occidentales con Estados Unidos (EEUU) a la cabeza y su postura capitalista y neoliberal, y por el otro las naciones europeas orientales que conformaban la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS) y los países asiáticos como China, Corea del Norte y Vietnam con una política comunista y/o socialista.

Todo tipo de mensaje, texto o relato se volvía entonces una gran oportunidad para la propaganda política-económica y es, dentro de este contexto, que el cine comienza su transformación. Promovido y difundido mundialmente por la maquinaria de la gran industria norteamericana de Hollywood, se comienzan a dejar de lado los proyectos más artísticos y/o culturales, y los comerciales o “marketineros” comienzan a ganar terreno, dando lugar a los llamados productos blockbusters.

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