Dirigida por el celebrado realizador John Ford en 1939, durante la plenitud de la época de oro hollywoodense, Stagecoach (La diligencia) se ha conformado uno de los títulos sobresalientes de la cinematografía western. La historia se halla basada en la obra original de Ernest Haycox, The Stage to Lordsburg y respondiendo a las codificaciones técnicas, simbólicas y narrativas instauradas para la pertenencia de un film a su género, propone una atractiva trama rodada, a diferencia de lo hasta entonces usual, en exteriores, precisamente el Valle Monument al sudoeste del estado de Arizona, y con la participación de renombradas figuras como el recio John Wayne, Claire Trevor y John Carradine.

El film comienza la presentación de los sucesos situándolos hacia fines del siglo XIX en que un grupo reducido de pasajeros se alista para abordar el carruaje que pronto habrá de partir hacia Lordsburg, Nuevo México. Durante el comienzo del viaje se realizará un preciso desarrollo sobre los particulares individuos que comparten igual destino, entre ellos se hallará Dallas (Trevor), una muchacha que solía ejercer en el pueblo la prostitución mas al ser esto apercibido por las damas de la conservadora Liga de Decencia fue obligada a abandonarlo de inmediato, tambien allí se encuentra el Dr. Josiah Boone (Thomas Mitchell), un profesional de dudosa integridad y gran afección por las bebidas alcohólicas, que fue a la vez intimado por aquellas a alejarse. El comerciante de whisky al que pronto el médico se apega, Samuel Peacock (Donald Meek), les acompaña junto al banquero Henry Gatewood (Berton Churchill) que ha robado al establecimiento donde trabaja y pretende fugarse inadvertido con el dinero. Lucy Mallory (Louise Platt) se encuentra también en viaje pues, embarazada, espera llegar a tiempo para visitar a su esposo militar, como asi tambien Hartfield (Carradine), un empedernido y elegante jugador, que parece prestar especial atención al cuidado de la muchacha que espera a su hijo, y Curly Wilcox (George Bancroft), comisario enviado a capturar al fugitivo Ringo Kid (Wayne), que se ha escapado de prisión luego de haber sido incriminado por el intento de asesinato de uno de los hermanos Plummer para vengar la muerte de su padre y hermano en sus manos. Pronto en el recorrido dan con éste que, aun siendo amigo del comisario, es puesto bajo su custodia.
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¿Y si por cada globo hubiese una ilusión?

Los globos se tocan en el cielo, se entrecruzan, se miran, se sienten, cruzan el oceáno, atraviesan el cielo, y quiénes los tiran pueden sentir, que tocan el cielo. Dos historias que en realidad son una, Buenos Aires y Madrid, todos buscan la felicidad, que para cada quien es diferente, pero para todos es una búsqueda constante. En Buenos Aires vive el personaje que interpreta Facundo Arana, Santiago se casa con Amparo, interpretada por Montse German ya que ella no puede tener hijos, pero no es un casamiento normal, Santiago sigue con su vida disparatada y llena de mujeres mientras para la asistente social hace de padre primerizo. La abuela de Santiago vive sola en Buenos Aires, genial interpretación de China Zorrilla ella tuvo dos hijos, uno, el papá de Santiago que murió junto a su esposa en un accidente automovilístico en el cual Santiago sobrevive gracias a Gloria, la amigable Betiana Blum; el otro hijo vive en España, en Madrid sin trabajar, de sus rentas, culto, escritor, y totalmente loco. La mejor interpretación de la película es la de él: Chete Lera, en el rol de Pedro. Él tiene un hijo Fidel que vive encerrado en su habitación y él cree que es reaccionario. Pedro también se enamora de una amiga de Fidel que viene a estudiar a su casa sobre literatura, y es el mejor amigo de Gloria, con quien comparte todas las cenas de los jueves.

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Escrita, protagonizada y dirigida por el genial Charles Chaplin en el año 1928, The Circus propone una hilarante y romántica historia silente que muestra las peripecias del entrañable Charlot en su usual vagabundeo presentando aquí no solo un preciso humor físico, como es habitual, sino a la vez una suerte de esbozo sobre la comicidad y lo clownesco en la práctica. Si bien la producción del film contó, entonces, con una serie de severos contratiempos como el incendio del estudio donde se ésta se rodaba y cuestiones personales en las que su protagonista se vio inmerso, su divorcio con la actriz Lita Grey y la demanda que le acusaba de evasión de impuestos, The Circus le valió dos nominaciones a los premios de la Academia y un galardón especial por “versatilidad y talento en su actuación, creación del guión, dirección y producción”.

La obra comienza en un humilde circo dirigido por Allan Garcia (Al Ernest Garcia), su recio e impasible dueño que, con gran desdén observa el acto de su joven hija Myrna (Merna Kennedy). Montada a un caballo debe saltar a través de un aro mas este malabar parece resultarle imposible, es así que luego de una serie de intentos su padre, severo, la reprende, le prohíbe comer su cena aquella noche y con violencia la empuja contra los decorados. Humillada y con gran temor le veremos salir de cuadro. A su salida ingresa un grupo de veteranos y oxidados payasos que demostrarán al despótico director, de forma poco grácil, su número cómico. Entre tanto veremos lo que sucede fuera de la carpa circense, donde un ladronzuelo ejerce su oficio con destreza sacando silenciosamente las billeteras de sus bolsillos mientras evade la vista policial, sin embargo, poco después es observado por un oficial que sigilosamente se aproximará a él. En un desesperado intento por escapar deja una de ellas en el bolsillo de nuestro Charlot, que por allí se hallaba, y poco después de que se hubiese alejado el policía, el ladrón vuelve a recobrar lo que ha hurtado. Esta vez es atrapado y, por un malentendido, la pertenencia es ‘devuelta’ a Charlie que, presto, se dirige a un puesto de comidas.
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+ bien (2001) es el primer largometraje del realizador argentino Eduardo Capilla, hasta entonces únicamente abocado a la producción de comerciales, videos musicales, y a las artes plásticas, desarrollando su labor, particularmente, en el ámbito de la pintura e instalaciones que, por cierto, resulta evidente en la creación de esta obra. Para su producción contó con la esencial participación del talentoso músico y productor Gustavo Cerati, y la colaboración de la antaño VJ de la señal de MTV latino, Ruth Infarinato. El film, que también cuenta con la contribución del actor Damián de Santo y Atsushi Mizukawa, plantea, según afirmó el director escuetamente “la historia de seres bondadosos que tratan de superar dificultades personales” en un intento de éxito cuestionable, experimental e independiente.

La historia comienza, luego de una serie de imágenes alternadas, presentando a Ramiro (Mizukawa), un prometedor joven médico y escritor que sufre el abrupto abandono de su novia, Mariana. Relaciones ocasionales parecen, desde entonces, resultarle vacías pues la recuerda en forma constante y es por ello que comienzan sus penas a afectar su estado físico. Pronto veremos la aparición de Jorge (Cerati), un colega cirujano que acude a su hogar de visita para tomar prestado su pequeño auto pues iniciará un viaje hacia La Cumbre, en la provincia argentina de Córdoba. Allí se encontrará con una muchacha con la que ha comenzado una relación luego de cinco años de la muerte de su mujer e hija en el terremoto de Osaka. Galo (de Santo) será quien acuda por último a la casa de su amigo Ramiro pues parece ser, además de profesional en medicina, artista y, con el interés de embellecer su hogar, realizará allí un mural.
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Segundo largometraje en la filmografía de Sofía Coppola, luego de la producción de la relativamente exitosa obra The virgin suicides en el año 1999, Lost in translation (2003) presenta una propuesta más osada tanto en el plano del relato, técnico y visual, como en lo respectivo a la profundidad de su trama y dirección actoral. La historia propuesta se desarrolla en un corto período de tiempo y transcurre casi enteramente en la iridiscente ciudad de Tokio donde son desarrollados, ntáneaprincipalmente, los dos personajes protagónicos, encarnados por Bill Murray y Scarlett Johansson.

El film nos presenta al inicio a un hombre ya algo mayor sentado en el asiento trasero de un taxi que le conduce en su llegada a la ciudad hasta el suntuoso hotel al que ha sido destinado. Bob Harris (Murray) es un actor que ha depuesto su real vocación teatral por una participación en la campaña publicitaria de Suntory, una reconocida marca japonesa de whisky que habría de remunerarle dos millones de dólares por su trabajo. Luego de una cordial recepción por parte del comité de la empresa, que entre los regalos de bienvenida le entregan un sobre que contiene un fax de su mujer recriminándole haberse olvidado el cumpleaños de su hijo, veremos las extensas sesiones de filmación. Un compenetrado realizador de comerciales dará extensas directivas al actor en un idioma que desconoce absolutamente y poco le será de ayuda la escueta traducción de su acompañante que se empeñará en reducirlas en precisión aludiendo así al título del film.
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Posiblemente es Magnolia la mejor obra en la filmografía del joven Paul Thomas Anderson, tambien responsable por films como Boggie Nights, Hard eight y There Hill be blood. Estrenada en el año 1999 e interpretada por un soberbio elenco, presenta un complejo relato que transcurre en el valle de San Fernando, California, y aborda en forma profunda y simultánea la historia de varios personajes en un corto período de tiempo. A medida que avanza el desarrollo del film, el espectador comienza a observar una serie de convergencias que vinculan a las figuras entre sí y adquieren un carácter de extraña casualidad. Ya en una breve introducción se alude a la idea de las coincidencias peculiares con el planteo de tres casos que logran finalmente condicionar la forma en que se comprenderán los hechos del film.

Uno de las historias presentadas al inicio es la correspondiente a Jimmy Gator (Philip Baker Hall) un hombre entrado en años conductor del programa de entretenimientos “What do kids know?” en que un grupo de niños deben competir a la par de adultos para obtener premios en efectivo. Veremos que, afligido, recurre a su hija Claudia (Melora Walters) en busca de contención a pesar de sus ausencias y la decadente relación con ella pues le han diagnosticado cáncer localizado en sus huesos. De ella recibe una violenta evasión que le obligará a sobrellevar el problema solo. El desarrollo de esta última se verá, asimismo, ligado con el de Jim Kurring (John C. Reilly), un policia divorciado que realiza con gran criterio su trabajo y es enviado, aquel día, a su departamento debido a una denuncia por ruidos molestos. Allí encontrará a Claudia en su habitual estado luego de consumir drogas mas, sin embargo, comenzará un ameno dialogo con ella que parecerá vincularlos profundamente.
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Ya que, en breve, se estará estrenando “X-Files: I want to believe”, la segunda parte de ese capítulo extendido que fue el primer film sobre la serie creada por Chris Carter a principios de los ´90, haremos una pequeña pausa para referirnos al personaje interpretado por Gillian Anderson.

Si uno presta atención a las mujeres protagonistas de series de los últimos 20 años, notará, sin ninguna sorpresa, un predominio de determinado tipo femenino. Casualmente, o no, sin embargo, no son las rubias (aunque este detalle todavía se repite) altas y voluptuosas las que protagonizaron las series que marcaron toda esta época. Dentro de la categoría “bonita”, probablemente sea Kristen Bell una de las elegidas, más allá de la presente popularidad de Hayden Panettiere, la heroína de “Héroes”. Jennifer Garner no es la típica belleza suave, sino más bien atlética, con su personaje Sidney Bristow, de “Alias”. Laura Prepon, por su parte, Donna en “That 70´s Show”, alta, curvilínea, informal. Sarah Michelle Gellar, más allá del Photoshop, nunca fue una femme fatale y, pasadas las primeras temporadas, se corrió para siempre de la imagen inicial de porrista.Todas mujeres de carácter, pasionales tanto como racionales, y ninguna el estereotipo de protagonista atractiva. Probablemente, todas le deben algo, o mucho, a Dana Scully.

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Basada en la novela de terror escrita en 1967 por el americano Ira Levin y llevada a la pantalla grande el año posterior por el realizador Roman Polanski, Rosemary’s baby es considerada actualmente, uno de los grandes títulos cinematográficos de tal género. El film, que ha contado con un gran presupuesto para su realización y figuras, en su mayoria, de gran trayectoria, sitúa a los acontecimientos en la ciudad de Nueva York hacia el año 1965.

Es presentada hacia el comienzo del film una joven pareja que adquiere como primera vivienda un gran departamento en el oscuro edificio Bramford. La misma se halla constituida por Rosemary (Mia Farrow), una devota e ingenua muchacha que pronto se convertirá en ama de casa y por Guy Woodhouse (John Cassavetes), un apuesto actor de televisión y publicidades que desea con ansias ser reconocido por su labor e interpretar, finalmente, un personaje que le lleve a la fama. Si bien ambos contaban con la precaución del amigo y dueño del lugar, quien les afirmó sobre las extrañas prácticas satánicas de los inquilinos anteriores, ello no pareció suficiente para rechazar tamaña casa con una ubicación tan propicia. En sus inicios la estadía parece maravillosa e incluso Rosemary comienza a conocer y vincularse con parte de los habitantes del edificio. Terry Gionnoffrio (Victoria Vetri), una de ellas, entablará una breve relación con la protagonista mediante la que confiará su antigua adicción a las drogas y comentará sobre la ayuda proporcionada por los habitantes del departamento próximo al de la pareja, los Castevet (interpretados por Sidney Blackmer y Ruth Gordon), para desligarse de ella. Poco después esta muchacha aparecerá, extrañamente, desplomada sobre la acera como producto de una caída desde su ventana. Es así que próximos al cuerpo, observando lo sucedido, los jóvenes son reconocidos por los veteranos inquilinos mencionados por Terry y, luego de su presentación, son invitados a cenar en su hogar. Comienza así a establecerse un peculiar lazo que resulta agradable a Guy mas particularmente extraño a Rosemary, quien nota en ellos un excesivo interés, acaso entrometido, en cuestiones personales. Simultáneamente al desarrollo de esta relación veremos la concreción de los deseos del actor que, luego del terrible accidente que sufriera su rival, ha obtenido un papel de gran importancia.

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“Battlestar Galactica” vio la luz, por primera vez, en 1978. Glenn A. Larson dice que, en realidad, tenía el concepto para la serie ya a fines de los ´60s, pero que no fue hasta el éxito de “Star Wars” en 1977 que se decidió a empujar el proyecto. Por aquel entonces, fue Universal la que aceptó hacerse cargo, aunque no sin problemas, ya que 20th Century Fox le inició una demanda por plagio, al decir que había tomado ideas de “Star Wars”. Hoy en día, es conocimiento público que George Lucas se “inspiró” en numerosos antecesores, pero, en 1978, su film era la gran novedad. Universal contraatacó, diciendo que “Star Wars”, a su vez, plagiaba “Silent Running” (1972) y a la serie “Buck Rogers” (1940s). Lógicamente, el juicio terminó en la nada. Larson había pensado en un largo film, seguido de dos más cortos, todo para televisión. El estudio, tras el piloto, prefirió optar por una serie semanal de una hora cada capítulo.

La serie no tardó en convertirse en un producto de culto, ganando premios en el camino. Sin embargo, por los costos y la baja en el rating, el show fue cancelado en abril de 1979. Posteriores intentos de resucitarlo resultaron infructuosos, fuera por limitaciones creativas externas o por las que imponían las reducciones de presupuesto.

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Antes que nada, debo confesar que las películas ambientadas en el lejano oeste y de época no me gustan para nada, pero ese fue un desafío que tuve que afrontar este año con dos de las películas que estaban nominadas al Oscar, una de ellas fue No es país para Viejos y la otra la que voy a reseñar ahora: El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford.

Debo confesar también que no sabía nada acerca de este personaje y aunque Brad Pitt es uno de los protagonistas, no me había siquiera molestado en buscar información sobre esta película antes de verla.

Lo cual cambió radicalmente después, ya que al final de ver esta película entre a Internet a buscar información, pero no críticas ni cosas por el estilo, sino información acerca de la vida real de este personaje principal llamado Jesse James, y en verdad me di con la sorpresa de encontrar fotos verdaderas, de las cuales se habla en la película.

Como especifiqué líneas arriba, no soy fanática de los westerns, pero si poseo cierta cultura general al respecto, sólo la necesaria. Y realmente me sorprendí mucho porque al verla me hizo recordar a esos clásicos que veía mi papá, esos que eran protagonizados por Clint Eastwood o Jim Jarmusch, en el tiempo de apogeo del western.

Pero algo que pude identificar automáticamente de esta película fue que iba a ser muy difícil de que obtenga el reconocimiento que se merecía, y así fue, no ganó ninguno de los premios de la academia por los que fue nominada, más precisamente, el que recuerdo fue la nominación que recibió Casey Affleck por su papel como Robert Ford.

Yo creo que uno de los mayores reparos que hay con esta película es que es una biopic, como tal y debido al lanzamiento de numerosas biopics en la pantalla grande en el último tiempo, pues la crítica es más destructiva y podría tildar a esta película de larga, aburrida y confusa. De esta manera, esta película se podría unir a otras que han tenido reconocimiento pero que la crítica las ha molido al haber salido, casos como: Eyes Wide Shut de Stanley Kubrick, Inland Empire de David Lynch o La Dalia negra de Brian de Palma corrieron la misma suerte.
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