Dirigida en 1973, Amarcord es reconocida como una de las grandes obras del celebrado realizador Federico Fellini. Bajo un título que refiere a los “Recuerdos” en el dialecto de Romagna, región donde nació el director, se propone una narración fuertemente anclada en su experiencia personal y situada en alguna instancia durante la década de 1930. Durante el año abarcado por el tiempo de la historia se desarrollarán descripciones de espacios, sucesos y personajes sin establecer una figura protagónica sino variables puntos de atención. Este bello relato propone entonces una dulce y extravagante evocación que busca, con diversos métodos, la inclusión del espectador en el universo ficcional como estableciendo una suerte de diálogo íntimo con él.

El film comienza con el inicio de la primavera. Los molinillos auguran su llegada volando con el viento, proponiendo un suave lirismo pronto interrumpido con el relato a cámara de un mendigo que habla sobre ellos, errantes, mientras vagan por los cielos. A continuación, por medio de un corte, nos serán presentados dos personajes que posteriormente adquirirán más importancia, uno de ellos es el barbero, que habrá de ejecutar su clarinete durante la celebración en la plaza del pueblo. Asimismo veremos a su esposa peluquera, la joven y atractiva Gradisca (Magali Noël), que baila al ritmo de la melodía que interpreta aquel como muestra a un cliente. Pronto se desarrolla una animada festividad donde, para dar bienvenida a la estación, se realiza una gran fogata y es en esta secuencia donde se presentarán otros personajes que serán recurrentes como Volpina, la prostituta ninfómana y el ciego con su acordeón, acosado por los jóvenes del pueblo que se dedicarán, a la vez, a admirar la belleza de Gradisca. Una nueva figura, el abogado (Luigi Rossi), contará con orgullo al espectador, finalizada la festividad, sobre la naturaleza de su pueblo.

Un segmento posterior nos situará en el colegio local, donde veremos a los particulares docentes en sus clases en tanto exponen temas y reciben la escasa atención de sus alumnos, que se hallan algo distraídos haciendo travesuras.

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Ossessione (Obsesión) fue el primer largometraje dirigido en 1942 por el realizador Luchino Visconti y se basa en la novela El cartero siempre llama dos veces del escritor americano James Cain. Es reconocida como antecedente del neorrealismo italiano por su propuesta naturalista que con el empleo de espacios abiertos, es decuir, existentes, y la instauración de un compromiso moral en la narración se muestra en clara oposición a las normativas de creación cinematográficas impuestas por el régimen fascista vigente que ya desde la ideación del proyecto comenzó a obstaculizar la producción. Al finalizar el film, incluso, el gobierno italiano conminó al director y quemó el rollo original, afortunadamente el previsor director había hecho un duplicado.

El film se sitúa, al comienzo, en un paraje desolado, algo alejado del centro urbano. Allí hallaremos una precaria posada a cargo del envejecido Giuseppe (Juan de Landa) y atendido por su esposa Giovanna (Clara Calamai). Luego de una breve descripción de este ambiente apacible se producirá la llegada de Gino (Massimo Girotti), un joven vagabundo, sospechoso, que en su necesidad recurre al dueño del establecimiento para pedir un trabajo y asilo. Con el aval de su mujer, aquel finalmente lo acepta y le otorga diversas tareas como la atención del humilde restaurant y la reparación de su vehículo. Pronto comenzaremos a advertir una relación creciente entre Giovanna y el nuevo colaborador, una progresiva atracción que finalmente habrá de concretarse en un amorío a escondidas de Giuseppe, una clara antítesis del joven empleado. La relación de aquella con el dueño es simultáneamente desarrollada mostrando una absoluta decadencia pues la convivencia y el contacto físico con éste se le hacen ya insostenibles en tanto encarna una figura aplastada, de pequeñas aspiraciones y una apariencia poco atractiva. Gino, sin embargo, representa para la muchacha una posibilidad de reorganizar su vida entorno a una bella incertidumbre, distante de este apático estado en que se encontraba antes de conocerle. La llegada de este juvenil y apasionado muchacho trajo consigo, entonces, la viabilidad de un cambio radical. Mas llegado el momento de decidir si habrán de fugarse juntos o no es Giovanna quien, dudosa, se niega pues a la vez estaría perdiendo la estabilidad económica que su viejo marido le proporcionaba. Así es que Gino parte decepcionado hacia Ancona acompañado por un español al que conociera en el trayecto y cuyo nombre no es aclarado (Elio Marcuzzo).

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The Party (La fiesta inolvidable), dirigida y escrita en 1968 por Blake Edwards, se ha convertido en una entrañable comedia de enredos y el personaje principal uno de los más reconocidos en la carrera cinematográfica de su intérprete, el genial Peter Sellers. El film propone una historia ambientada en la escena hollywoodense hacia la década del sesenta logrando no solo relatar magníficamente las desventuras de su torpe protagonista en un contexto que le es absolutamente ajeno sino también proponer una sutil perspectiva crítica sobre él.

A comienzos de la narración nos será presentado Hrundi V. Bakshi (Sellers), un actor hindú que, llegado a California en búsqueda de su gran oportunidad, se desempeña como extra en el último film de aventuras del reconocido realizador Herbert Ellis.

Sin embargo su inexperiencia y pocas luces lograrán que se interrumpa la filmación reiteradas veces e incluso, en un intento de arreglar sus sandalias apoyando su pie sobre un detonador de dinamita, harán explotar el set destruyéndolo por completo. Inmediatamente Hrundi es despedido y será puesto, a pedido del director de la obra, en la lista negra de los estudios para impedir su ingreso al establecimiento. Es así que el productor, presto, se dirige al director del estudio para comentarle lo sucedido y darle el nombre del torpe extra mas éste, por equivocación y prisa, anota su nombre en otra lista. Pronto veremos que en ésta se encuentran los invitados a la fiesta que el director habrá de realizar en su hogar. El protagonista aprovecha, en su ingenuidad, esta oportunidad pues le permitirá establecer nuevos contactos y quizás lograr esa gran chance que estaba esperando. Arriba entonces a la gran reunión y percibiremos, ya, una absoluta incongruencia entre nuestro personaje y el ambiente en el que se halla, claramente enfatizado, por cierto. La gran mansión con su piscina y grandes espacios aloja al selecto grupo de invitados compuesto por adinerados caballeros y bellas damas que sorben de sus tragos y se dedican a hablar sobre negocios y temas intrascendentes en una calma refinada. Así Hrundi comienza a suscitar miradas de extrañeza al perder su zapato que, en su intención de limpiarlo con el agua de unos canales internos, se desprende de su pie y termina en la pileta. Aquí veremos, por cierto, la figura del camarero, interpretada por Steve Franken, que comienza a ofrecer a los presentes tragos con su bandeja tomando de ellos a escondidas, entre tanto. Éste personaje luego tendrá una importancia mayor en el film.

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The impostors fue escrita y dirigida en 1998 por el reconocido Stanley Tucci, quien a la vez la protagoniza junto a Oliver Platt. El film propone una hilarante historia que toma lugar, en principio, en Nueva York durante años posteriores a la Gran Depresión para luego desplazarse la acción al interior de un barco destinado a Europa, y cuenta con un gran elenco compuesto por distinguidas figuras que logra, junto a la dupla principal, generar un cálido ambiente y sostener un refinado humor que, muchos afirman, tiene sus momentos de slapstick comedy.

La narración comienza con la presentación de Maurice (Platt) y Arthur (Tucci), dos actores de gran vocación y poco talento que buscan un empleo sobre las tablas para subsistir y lograr quizás el reconocimiento que desean. Dedicados al objeto de su aspiración, realizan ejercicios teatrales e improvisaciones a la manera del teatro invisible, eventualmente para conseguir su alimento como sucede en la escena de la pastelería. Allí generan una discusión con el dueño quien finalmente no les da lo que esperan sino dos entradas para asistir a una puesta de Hamlet protagonizada por el solemne y pomposo actor Jeremy Burtom (Alfred Molina). Durante la función la dupla molesta, sin desearlo, al actor con sus comentarios y este jura que habrá de matarlos cuando los encuentre. Rápido salen de la sala y se dirigen a un bar donde comienzan a tomar, y ya ebrios analizan la espantosa actuación de Burtom pero casualmente éste arriba y les escucha hablar. Comienza entonces a perseguirlos mas ellos logran escapar escondiéndose en una gran caja cerca del puerto donde, poco después se duermen para despertar, ya a la luz del día y comprender que se hallan en un barco hacia Francia. Peor aún, el actor shakespeareano también se halla allí y rápidamente les reconoce. Son entonces advertidos como polizontes y en su escape reciben la inmediata ayuda de Lili (Lili Taylor), una empleada de cierta jerarquía, que les facilitará un escondite y ocultará del violento encargado alemán (Campbell Scott). Una serie de acontecimientos les mantendrá lejos de su guarida y deberán emplear sus capacidades actorales para mantener un bajo perfil y mantenerse a salvo hasta arribar a destino. Para ello se vestirán como empleados de servicio pero pronto serán requeridos por los pasajeros, quienes serán desarrollados por el film a continuación. Entre ellos puede hallarse al cómico suicida interpretado por el genial Steve Buscemi, una dama algo entrada en años que al borde de la ruina espera hallar algún hombre adinerado a quien engañar y luego apropiarse de su fortuna (Dana Ivey), su hija oscura y depresiva (Hope Davis), una antigua reina europea (Isabella Rossellini) y una pareja de norteamericanos que simularán ser franceses y habrán de seducir a los pasajeros más pudientes para luego asesinarlos y quedarse con sus riquezas. También se presentará a Voltri (Tony Shalhoub) un revolucionario rojo que desea volar el barco como manifestación de principios, a un extravagante y poderoso jeque, y, finalmente, a un tenista profesional homosexual que les invita a combatir “a la manera griega” sin ropa.

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Awakenings (Despertares), dirigida en 1990 por Penny Marshall, basa su trama en la obra autobiográfica de 1973 escrita por el neurólogo Oliver Sacks en que desarrolla su dedicación a la investigación y experimentación con la droga L-dopa durante fines de la década de 1960. Con el empleo, entonces, de una idea original conmovedora y auténtica como así también un maravilloso elenco, el film asegura una poderosa historia de gran emotividad.

El film transcurre, en su mayoría, en el hospital Bainbridge, al que arriba el Dr. Malcolm Sayer (Robin Williams) quien para entonces solo se ha dedicado a la investigación, particularmente con pequeños organismos. Inicialmente le es asignada la tarea de supervisar la sala principal donde los pacientes del instituto se distienden y es aquí cuando comienza a tomar contacto con la enfermedad que les aflige, una suerte de catatonismo generado por una epidemia de encefalitis producida durante la década de 1920. Todos quienes allí se hallaban tenían por tanto, décadas de afección, sumidos en un letargo absoluto. Sin embargo Sayer comienza a advertir en éstos ciertos signos de movilidad, como una suerte de reflejos en base a estímulos básicos, y ello le conduce a una investigación ardua sobre la enfermedad y, posteriormente, a la intención de implementar una droga, L-dopa, utilizada en pacientes afectados por el mal de Parkinson. En principio sus intenciones de reanimarles luego de tanto tiempo y de emplear de esta medicación resultaron cuestiones algo inadmisibles para sus colegas que se limitaban a preservar el su relativo bienestar. Aún así Sayer comienza a implementar su método con el grupo a su cargo, en él la narración destacará a Leonard Lowe (Robert de Niro) un hombre ya adulto que se encuentra en tal estado desde su infancia. Luego de haber ingerido la droga, Leonard despierta una noche como luego habrán de hacerlo los restantes pacientes. Durante este período comienzan a redescubrir el mundo que la enfermedad les había quitado durante décadas y que, para entonces, mucho había cambiado. Durante este plazo comienza a establecerse un vínculo más estrecho entre éste y Sayer quien no solo lo considera como su pequeña victoria médica sino que llega verdaderamente a apreciarlo y aprender de su optimista visión de la vida. Mas pronto veremos en los pacientes que esta cura comienza progresivamente a revertirse. En el caso de Leonard se adhiere a los frecuentes estados de catatonismo, una serie de recurrentes espasmos que son tratados con diversas dosis de L-dopa para lograr, al menos momentáneamente, su estabilidad. Es en estas instancias, en que posee una suerte de autocontrol, en que comienza a fijarse en una muchacha, hija de uno de los pacientes del establecimiento. Se inicia, entonces, el desenlace que dista en verdad del clásico final feliz.

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The Shining (El Resplandor) fue dirigida en 1980 por Stanley Kubrick y basada en la novela homónima de Stephen King. La conjunción entre una obra cuya autoría pertenece a un renombrado escritor, un elenco sólido y efectivo liderado por la figura protagónica del versátil Jack Nicholson y un atractivo manejo de recursos técnicos para la producción del relato han hecho del film un clásico de la cinematografía de terror que, como es habitual, ha sido, inicialmente, objeto de controversia mas luego, con el inmediato aval del público, halló un progresivo reconocimiento por parte de la crítica.

La secuencia inicial del film nos presentará a Jack Torrance (Jack Nicholson) un escritor algo mediocre que ha acudido a una entrevista con el objeto de obtener el puesto de vigilador del hotel Overlook, situado en un paraje remoto entre las montañas. Dado que durante el período de invierno el establecimiento no funciona el protagonista tendría allí la oportunidad de recluirse junto a su familia y trabajar sobre la obra que le otorgaría el reconocimiento que tanto ansía. Finalizada la entrevista el director (Barry Nelson), le acepta y es solo luego de ello que comenta a Torrance lo que sucedió con el cuidador anterior: en la soledad del gran hotel el vigilador irrumpió imprevistamente en un estado violento y, luego de asesinar brutalmente a su esposa e hijas, se quitó la vida. Veremos que, en tanto esto sucede, en el hogar de la familia se halla Wendy (Shelley Duvall) y el pequeño Danny (Danny Lloyd) aguardando la llamada del protagonista. Es aquí cuando la narración nos presenta un segundo elemento de misterio representado por la extraña actitud del niño que mantiene una conversación con Tony un amigo imaginario que le habla mediante los movimientos del dedo índice y las palabras que, a la manera de un ventrílocuo, expresa con la voz del niño. Tony le advierte del hotel y afirma con certeza que Jack ya ha conseguido el trabajo, lo que es asombrosa y tenebrosamente ratificado por el inmediato sonido del teléfono. La familia se dirige entonces al hotel donde son recibidos por el gerente y por Dick Halloran (Scatman Crothers), el cocinero del establecimiento, quien les muestra la ubicación de las provisiones y entabla una conversación con el pequeño Danny para entonces lejos de su madre. Lo perturbador es que ninguno de ellos mueve sus labios sino que hablan telepáticamente pues ambos poseen aquello a lo que Halloran refiere como “resplandor”, una facultad extraordinaria para comunicarse a distancia e incluso ver imágenes pertenecientes al pasado o al futuro. En medio de este diálogo el cocinero le pide se aleje de una habitación mas no comenta por qué.

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Alejándonos algo, quizás, de las habituales obras abordadas por el sitio deseo presentar un cortometraje experimental que surgió del ambiente vanguardista de principios de siglo y presenta una interesante composición de imágenes junto con una reconocida banda de sonido que si bien fue creada en el momento de producción de la obra, paralelamente, no fue aunada con la imagen sino casi setenta años después. Hablamos de Ballet Mécanique, un proyecto realizado en 1924 que contó con la ideación del pintor Fernand Léger y el compositor americano George Antheil, junto con la participación del cineasta Dudley Murphy y el icono artístico que ha colaborado con los movimientos dadaísta y surrealista, Man Ray.

El origen de esta pieza en cuanto a su concepción es algo incierto pues tanto Antheil como Léger afirmaban haber propuesto la producción de la obra como producto de la necesidad de acompañar sus sonidos con imágenes, y viceversa. Las disidencias se observaron en el trabajo mismo, es sabido que la labor de ambos se llevo a cabo sin la intervención mutua y, de hecho, la composición del músico llegó, originalmente, a doblar la duración misma de la producción visual. Incluso en su exposición inicial en Viena durante el mismo año, la pieza fue mostrada como silente mientras dos años después el compositor interpretaba su creación en un concierto realizado en París.
Si bien se ha comentado que recién el la década posterior se produjo la proyección del film junto con la banda de sonido en una interpretación en vivo, no hay pruebas concluyentes de ello. En el año 1990, por su parte, esta unión se produjo para una producción televisiva sueca con el empleo de sólo dos pianos (veremos más adelante los instrumentos originales propuestos para la interpretación)

El cortometraje carece, acorde con los principios dadaístas, de una secuencia lógica narrativa, no hay principio ni fin, solo una sucesión de imágenes que podría durar ad infinitum de no ser por la presentación inicial y final de una suerte de Charlot, personaje emblemático de Charles Chaplin, cuya alusión fue en verdad fue un homenaje, convertido por formas cubistas a las que Fernand Léger en sus pinturas había recurrido para ligarlas a una concepción personal de la representación. En sus múltiples segmentos y cuadros fijos veremos imágenes caleidoscópicas en movimiento como así también piezas geométricas planas que harán referencia al concepto gestáltico del fondo y la forma. Las recurrentes apariciones de Kiki de Montparnasse establecen un referente claro al qué asirse en una composición de esta naturaleza, la veremos sonreír a cámara en primeros planos e incluso detalles de su boca con esta gestualidad utilizando un maquillaje contrastante que pretende intensificar la presencia de ciertas partes de su rostro, multiplicado por espejos que dispone lateralmente para complejizar la imagen. También la hallaremos meciéndose en una hamaca, mas ello tiene una particular importancia por la cuestión principalmente dinámica, el movimiento oscilante, pendular que se presenta tiene una clara coherencia con los que observaremos ejecutan las máquinas representadas. Estas son un elemento importante en la composición, junto con la banda de sonido, en tanto permiten ligar a la obra con ciertos conceptos que pertenecen a la estética futurista.

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Terra, medio on line de entretenimientos, información y servicios de comunidad del Grupo Telefónica, estrenará a partir del 5 de Mayo, a través de Terra TV, el primer ciclo de cortometrajes por Internet.

A través de esta iniciativa, Terra apuesta al cine de autor y a la producción nacional independiente, ofreciendo contenidos innovadores para su audiencia.

Los usuarios que ingresen a www.terra.com podrán ver la primera entrega del ciclo dedicado al género fantástico. Esta muestra, bajo el título de El cine fantástico en Argentina, una pequeña revolución que crece, incluye 13 cortos seleccionados por La Nave de los Sueños. Cada obra presenta situaciones que remiten a un mundo de fantasía, donde encontrarán los desenlaces más insólitos, sorprendentes, impredecibles y divertidos; una impecable colección de películas breves.

Todas las producciones son realizadas por artistas independientes argentinos ligados al cine de aventuras y fantástico. Gran parte de los autores son reconocidos artistas ya consagrados en la industria cinematográfica.

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Esperando la carroza, dirigida en 1985 por Alejandro Doria y basada en la obra homónima de 1974 escrita por Jacobo Langsner, se ha convertido en una de los films cómicos más reconocidos y queridos de la cinematografía argentina. Sus personajes, hechos y líneas han perdurado por generaciones pues presenta una mirada costumbrista, autorreferencial, que elabora estereotipos argentinos y los desarrolla claramente empleando un humor muy particular.

El film tiene por protagonista a la adorable Mamá Cora (personaje antológico de Antonio Gasalla) una despistada anciana que, veremos hacia el comienzo de la obra, vive junto a su hijo Jorge (Julio de Grazia), Susana, su esposa (Mónica Villa) y el pequeño bebé de la pareja. El aire que se respira en ese hogar durante la secuencia inicial es ciertamente tenso. La niña llora desconsoladamente, Susana prepara frenética, un postre para su hija, mientras que la solícita Cora deambula lenta y torpemente pretendiendo ayudar en las tareas del hogar. Cuando la muchacha se dirige hacia la habitación del niño para cambiarle sus pañales entra en una acalorada discusión con Jorge sobre su madre y las habituales confusiones con las que tan difícilmente puede convivir.

Al regresar encuentra que Mamá Cora ha convertido su postre en una mayonesa y rompe en un ataque de nervios. Alterada se dirige, seguida por su marido, a la casa de Elvira (China Zorrilla) y Sergio (Juan Manuel Tenuta), otro de los hijos de Cora. Allí pide a los gritos que alojen a su suegra por un tiempo pues ya no la tolera pero solo recibe evasiones, críticas y la ironía de Elvira que minimiza el problema para, finalmente, desligarse de la responsabilidad de mantener a la anciana en su casa. Pronto arriba el tercer hermano, Antonio (Luis Brandoni) junto a su mujer Nora (Betiana Blum) en un lujoso auto y vestidos con elegantes prendas pues habían sido invitados para almorzar ravioles. La contraposición económica entre esta pareja y las restantes es evidente por tanto, apelando a ello, Susana reitera su pedido ésta vez dirigido a su otro hijo esperando hallar algo de compasión.

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Dirigida por Orson Welles en el año 1942 y basada en la novela homónima ganadora del premio Pulitzer en 1919 de Booth Tarkington, The Magnificent Ambersons (o El cuarto mandamiento) ofrece una historia ambientada en Indianápolis hacia finales del siglo XIX. Según ha comentado el realizador, para quien este film era el segundo en su filmografía como director, luego de Citizen Kane, la productora RKO alteró gran parte del material original al punto de extraer el fragmento de mayor relevancia para el desarrollo del film. Aún así la obra reviste valor, como todas las obras de Welles, por una concienzuda estructuración de la narración, una, acaso, clásica mas también personal caracterización de los personajes y un brillante empleo de los recursos del lenguaje cinematográfico.

El film parece estructurarse en dos grandes fragmentos que tienen por separador un cierre en iris que anuncia una pronta modificación de la situación presentada por el primero. Así el fragmento inicial comienza, empleando un montaje ágil, con la presentación del joven Eugene Morgan (Joseph Cotten) a quien vemos prepararse frente a un espejo para recoger a Isabel Amberson (Dolores Costello), quien le atrae y se halla enojada con él pues sin intención le había ridiculizado en público. Así le veremos tocar su puerta reiteradas veces e incluso seguirla mas nada de ello logra generar su atención. Finalmente la muchacha resuelve contraer matrimonio con otro de sus pretendientes, Wilbur Minafer (Donald Dillaway) y con él tiene al pequeño George. Desde su aparición en el film se enfatizan ciertas cuestiones sobre su personalidad, ostentando vanidad, impulsividad y un fuerte criterio anclado en la división de clases y capital económico, que se mantendrán aun en su adultez. Lo veremos claramente en la fiesta organizada en su honor al regresar, en vacaciones, de su institución de estudios. En ella se producen dos grandes acontecimientos que le conciernen, en principio es presentado por su madre al Sr. Morgan, a quien, por cierto, aquella ahora mira con cierta admiración advertida con desdén por su George, luego conocerá a su hija, la bella Lucy (Anne Baxter), con quien pronto establece un vínculo. Así la celebración llega a su fin mas en la pista vacía todavía se hallan Isabel y Eugene bailando un vals mientras Wilbur descansa en su recámara. Una vez que el padre y su hija se han retirado el muchacho deja ver su desagrado por la aparición del personaje de Cotten refiriéndose a él despectivamente generando particularmente en su tía Fanny (Agnes Moorehead) una frenetica reacción defensiva pues ella, a la vez, siempre ha gustado de él y este interés se intensificará a lo largo del film. Poco después veremos la conclusión del primer fragmento con un fallido paseo bajo la nieve en que debe de empujar el automóvil creado por Morgan que se ha quedado atascado. El cierre en iris determina la conclusión.

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