¿Quién hubiera dicho hace tan sólo algunos años que el crecimiento de la tecnología móvil habría de ponerla, en cuanto a la creación de ficción, a la altura de otros primos que registran imágenes? Primero fue la posibilidad de capturar fotografías, para luego incorporar video. Hoy en día, esas imágenes, que crecen en calidad y definición año a año, protagonizan diversos festivales. En este caso, es el Móvil Film Fest.

Es la segunda edición del festival, y esta lleva el slogan de “Más independiente que el cine independiente”. El año anterior, más de 160 cortometrajes se presentaron. Este, que incluye actividades extra sorpresa, promete seguir ampliándose. Los usuarios pueden votar por sus films preferidos hasta el 27 de mayo y el envío de material es hasta este 21 de abril.

Las categorías que incluye el Móvil Film Fest en su segunda edición son: Mejor película, Mejor pieza de periodismo ciudadano, Mejor idea original, Mejor “No-guión”, del cual hablamos un poco más en este post.

Dentro de este festival, que aumenta de tamañó año a año, así como también en importancia, este año se agregaron secciones y eventos. Uno de ellos es el Premio Atrápalo al “Mejor No Guión”, que tiene otorga un viaje al Mobil Fest de Sao Paulo 2008. El Premio Atrápalo requiere de sus participantes que sean capaces de grabar un hecho de la realidad, algo que no parta de un guión preconcebido sino que, en algún punto, sea encontrado. Lo primordial es no partir de un guión preconcebido.

Para quienes no saben qué es Atrápalo, es una agencia de viajes y promoción de actividades relacionadas con el ocio, que trabaja desde Internet. El nombre remite, precisamente, a la búsqueda que realiza el sitio sobre ofertas y otros elementos relacionados a los temas que le competen, que puedan ser de utilidad para sus usuarios.

Este premio va en consonancia con la propuesta del Móvil Film Fest, que pretende, también, convertirse en un lugar de discusión e intercambio de opiniones y pensamientos sobre todo lo concerniente a las nuevas tecnologías móviles. La posibilidad de que un teléfono, que es un dispositivo discreto y que llevamos con nosotros permanentemente, se convierta en una cámara, pone en conflicto la idea de privacidad y amplia la de libertad, o viceversa, o todo junto. Expresivamente, que lo grabado en un teléfono celular ya esté en condiciones de transportarse a otros formatos, o que el móvil mismo se convierta en un espacio de consumo, amplia las fronteras.

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Ver más y más, esa es la consigna. Por supuesto, como le dije a una joven colega, además es saludar a todos y todas, nunca se sabe quién habrá de llegar dónde en el futuro. Uno mismo está inclido en esa lista. Por eso, uno saluda también a la imagen demacrada que cada mañana devuelve el espejo, esa que después (o antes) se fija en la lista de funciones privadas, DVDs en videoteca o entradas disponibles qué hay para ver que pueda resultar interesante. Da un poco de vergüenza admitir esto, pero la duración del film comienza a influir; la capacidad neuronal disminuye a medida que avanza el festival, sepan entender. Y ni que hablar de la pobre gente de la organización, que, literalmente, deja de existir durante dos semanas (al menos).

Hoy a la mañana fue el turno de “SOS ex”, un film argentino que está en la Competencia Internacional. El director es el debutante Andrés Tamborino. El argumento, relativamente sencillo, consiste en dos amigos y sus respectivas ex, que coinciden en un mismo velero, el que uno de ellos está, precisamente, estrenando.

La primera secuencia anuncia el resto del film. Puma, un hombre de unos 30 y pocos, corpulento, está en un bar donde toca una banda. Está absolutamente borracho. Sale del bar tambaleándose. La cámara se retuerce, se cae y se levanta, gira. El montaje acompaña. La mirada del Puma está perdida, hasta que avista tres chicas. Las ve de espaldas, pero cree reconocer a alguien. Gritando “¡Marina!”, intenta seguirlas. Las pierde, pero sigue. Desconcierto topográfico, sin planos de referencia. Llega a su casa, a la que apenas logra entrar. Una vez adentro, se desploma sobre su cama, donde una mujer, presumiblemente su novia, duerme. ¿Quién es, entonces, Marina? La ex. Pero ¿por qué la borrachera tan violenta?

Al día siguiente aparece Fernando, el amigo, para llevar al Puma de paseo en su reciéntemente habilitado velero. También va su ex, Tatiana. Sospechoso, algo pasa, o no. Puma llama a Marina y, sin que Fernando lo sepa, también la invita al día de navegación.

Así comienza la pequeña odisea. En lugar de perderse en el bosque, los cuatro jóvenes adultos se pierden en el Río de la Plata. Film raro para lo que suele ser la filmografía argentina. Sus protagonistas no son ni veinteañeros ni personajes adultos que recuerdan. Tienen treinta y pocos. Las crisis, los planteos, son otros.

La película utiliza también ciertos elementos que “venden”, como el humor y el sexo. Los personajes siguen comportandose un poco como post-adolescentes. Ya se conocen entre sí, así que las anécdotas son de complicidad. Esencialmente, se pierden para volver a encontrarse. La gracia, como ocurre muchas veces, no es tanto la originalidad del argumento, sino el cómo está hecho. Hay una generación que suele estar perdida en el cine local de los últimos años, y no es casualidad: muchos de estos directores, recién ahora pasan a formar parte de ella, con las nuevas historias que ello trae.

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En el BAFICI todo se va complicando, porque, aparte, uno intenta mantener su vida, ¿verdad? No siempre se puede. El viernes había una fiesta, de esas donde es necesario una invitación especial, y yo la tenía. Pero debí quedarme traduciendo un texto de teatro del francés al inglés. Terminé a las 6 de la mañana. Mientras los demás bebían y hacían contactos (de todo tipo), yo me debatía con Jerzy Grotowski. Era noche de concierto, de milonga y de fiesta BAFICI. Táchenme los tres. Pero cine vi, al menos, por suerte.

Desde “Tren de Sombras”, que me atraen las propuestas de José Luis Guerín. Sus films toman puntos de vista, se arriesgan, buscan, indagan en su capacidad y posibilidad de ver el mundo y construirlo como un relato posible. Es algo así como un lugar corrido, fragmentario, para tratar de abarcar lo inabarcable; el relato, la memoria. En “Tren de Sombras”, pasaba por una eventual reconstrucción de una narración incompleta, partida, perdida. En “En Construcción”, el relato pasaba por la ciudad misma, que se narraba, a punto de desaparecer de una manera para reaparecer como otra; el proceso de reciclaje urbano como una suerte de refundación que pretendía, literalmente, acabar con lo viejo para introducir lo nuevo, más fashion, sin pobres a la vista, reubicados, mudados, transformados.

En el BAFICI se presentan “En la ciudad de Sylvia” y “Unas fotos de la ciudad de Sylvia”, una suerte de díptico. En “En la ciudad…”, un joven vuelve a una ciudad donde 6 años antes conoció a una chica de la cual se enamoró. Desafortunadamente, en aquel momento no hizo nada y no volvió a ver a la fémina en cuestión. Ahora retorna, intentando encontrarla. El asunto es que no sabe, a ciencia cierta, a quién busca. Entonces, intenta hallarla en cada mujer, donde descubre gestos, fragmentos, mohínes, sonrisas, curvas. Cada visión es fragmentaria, de encuadres partidos.

Lo único que este protagonista recuerda es que ella empezaba el conservatorio de artes dramáticas y que, con suerte, quizás la encuentre ahí, con lo que todos los días va y se sienta, pide varias cervezas, y espera. Mientras tanto, mira, escribe, dibuja. Como los films anteriores, el protagonista busca reconstruir lo perdido, sin saber si realmente habrá de lograrlo. En un momento dado, en uno de los tantos dibujos femeninos que deja sin rostros, genéricos casi, anota “Ellas”; todas tienen algo de Sylvia, todas pueden serlo.

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Segundo día del 10º Festival Internacion de Cine Independiente de Buenos Aires, BAFICI para los amigos. Compartimentar la jornada, correr de sala en sala, sentarse en uno de los cafés o la sala de prensa y saludar a los conocidos. Apuntar próximas películas, correr a otra sala, entrar a videoteca.

Hoy, por la mañana, fue el turno de “Luego”, film de la competencia local dirigido por Carola Gliksberg. Partiendo de un minimalismo interpretativo mezclado con algo de distanciamiento, la directora se concentra sobre rasgos y gestualidades específicas de sus personajes.

Tres historias, tres grupos. Primero, dos amigos que dejan de verse como tales, al menos ella, que no ve la hora de decirle que tiene ganas de que su mejor amigo, el que la conoce desde la infancia, sea algo más. Después, una pareja que recién comienza, y con “potencial”, pero él se va a vivir afuera; ella está embarazada, pero no sabe cómo decírselo. Por último, un hijo que toma una decisión crucial que, seguramente, cambiará la dinámica familiar, pero no se atreve a hablar con su madre.

El film abunda en texturas mínimas y escenografías igualmente básicas, teatrales. Todo resumido a lo genérico, como si se trabajara con siluetas identificables. El título apunta a la imposibilidad de los protagonistas de poder decir lo que necesitan cuando deben; ese “luego” es el momento que nunca llega. Usualmente, cuando se utiliza este recurso de distanciamiento y minimalismo, se busca imitar la poética de otro director argentino, Martín Rejtman, pero no es el caso, “Luego” tiene vuelo propio (más allá de no ser masiva).

“Wild Combination: Un retrato de Arthur Russell” es un documental que versa sobre la vida del peculiar músico Arthur Russell. Músico de culto, pasó desapercibido para muchos, y fue un genio casi profético para otros, incluso luminarias como el legendario poeta Allen Ginsberg.

Russell experimentó, usó numerosos pseudónimos, probó diferentes estilos, buscando los sonidos que mejor lo representaran.

El documental de Matt Wolf, si bien prolijo y correcta factura, con una evidente capacidad entrevistadora, se queda en esas voces que homenajean una y otra vez al artista fallecido. La música de Russell es omnipresente, especialmente su época “Eco”, donde su voz sedosa que acentúa más el sonido que lo dicho tiene una cualidad cavernosa junto al cello que lo caracterizaba.

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Como todos los años, comienza la locura. Se junta el dinero, se prepara la carpa para dormir al lado del shopping Abasto, y se dispone a invertir dos semanas de la vida de uno en ver películas. El resto del tiempo, en el caso de quienes cubrimos el evento, consiste en saludar todo lo que se mueva: nunca se sabe quién ocupará qué lugar en el futuro, o quién puede ser el próximo mejor amigo del momento. Un festival también es eso: hacer contactos. Hoy, igual, primer día oficial, es todavía una entrada en calor.

Esta ya suerte de Bienal del Cine, en realidad, se inició ayer, con “Jogo de Cena”, del director brasileño Eduardo Coutinho. El realizador entrevistó a un grupo de mujeres, editó el material, se lo envió a otro grupo, esta vez de actrices, para que lo prepararan y lo representaran. La idea era ver cómo este grupo de actrices se apropiaba del material anterior, que no era un texto, sino una imagen con un ser real contando su propia historia.
Cada actriz optó por caminos diferentes, desde la mímesis hasta la reinterpretación. Todas las historias rondaban, invariablemente, alrededor del amor, los hijos, la muerte, los traumas y las formas de seguir adelante. Ambos materiales son incluidos en el film, haciendo distinguir ficción de realidad una tarea entretenida. Pero no es eso lo que cuenta, sino el hecho del relato que cobra vida dos veces, convirtiéndose en algo potencialmente real en ambas. Una actriz no puede seguir adelante en medio de la representación, porque, ahora que está realmente actuando, se le vuelve demasiado real y el llanto la invade. Otra se enoja con ella misma, se frustra, no puede alcanzar el real de algo que ya lo es y la supera, le es más fácil convertir en verdad aquello que es ficción, pero se bloquea al intentar repetir el modelo que ve que no puede alcanzar.

Un bello documental (si es que se puede incluirlo libremente en ese género) que sigue una línea conceptual hípersimple. Lo mismo va para la técnica, que se apoyo sobre todo en la entrevista y en un camarógrafo atento a sus protaognistas.

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Mario Camus será una de las figuras preponderantes de la 11 edición del Festival de Málaga, ya que se le entregará una Biznaga de Plata por su carrera, además de dedicársele una retrospectiva que recoja su obra. Siendo uno de los directores más galardonados del cine español, su ingreso al séptimo arte se produjo tras abandonar sus estudios de derecho y comenzar en 1956 la carrera de dirección en la Escuela Oficial de Cinematografía. A principios de la década de los 60 colaboró con Carlos Saura en el guión de “Los golfos” (1959) y de “Llanto por un bandido”, tras lo cual, y después de algunos cortometrajes, en 1963 dirigió sus primeros largos, “Los farsantes” y “Young Sánchez”.

Desde sus comienzo experimentó con todos los géneros cinematográficos, destacando títulos tan comerciales como, “Al ponerse el sol”, protagonizada por el cantante Raphael y “Esa mujer”, con guión de Antonio Gala interpretada por Sara Montiel. Pero son sus adaptaciones de obras literarias, sobre todo en los años 80, las que le proporcionarán mayores éxitos: “La colmena” (1982), obra de Camilo José Cela y “Los Santos Inocentes” (1984), de Miguel Delibes, película con la que Alfredo Landa y Francisco Rabal obtuvieron -ex aequo- el premio de interpretación del Festival de Cannes. El pasado año estrenó su film más reciente, “El prado de las estrellas”, rodado en su tierra natal, Cantabria. El Festival de Cine de Málaga tendrá lugar del 4 al 12 de abril, y el 11 de abril se le entregará la Biznaga de plata a Camus en el Teatro Cervantes.

En el marco de la próxima edición del Festival Internacional de Cine de Berlín, el European Film Market presentará un total de 15 largometrajes latinoamericanos como parte del works in progress, mientras unos 35 proyectos buscarán financiamiento en el Mercado de Coproducción, incluyendo el nuevo film del rumano Cristian Mungiu (”4 meses, 3 días y 2 semanas”).

El mercado de la Berlinale sigue creciendo y estableciéndose como una cita ineludible para la industria internacional, siendo el primer evento de envergadura del año. Para este 2008, se prevé un número mayor de participantes en las diferentes actividades que presenta, donde destacan el works in progress de proyectos latinoamericanos y el Mercado de Coproducción, que reúne a nombres notables que buscan dar forma final a sus proyectos en lo que a términos financieros se refiere.

El Latin American Works-in-Progress, un apartado de Berlín convertido en plataforma para los nuevos talentos latinoamericanos, presentará 11 proyectos provenientes de Argentina, Brasil, México, Colombia, Chile y Uruguay en su próxima edición. Este año, la Revista Haciendo Cine ha recibido la cifra récord de más de 100 solicitudes para participar.

Por su parte, el Mercado de Coproducción asumirá su quinto año con 35 proyectos de 25 países, que se presentarán a productores e inversores para analizar la viavilidad de cada uno de ellos. Entre los directores que se apuntan este año se cuentan Deepa Mehta (”Agua“), Agnieszka Holland (”Europa Europa“), Andrei Zvyagintsev (”The Return“) y dos exponentes del “nuevo cine rumano”, Cristian Mungiu con “Outskirts” y Cristi Puiu (”La noche del señor Lazarescu”) con “Aurora”.

La organización destacó además que el European Film Market tendrá este año un récord de participantes, al registrarse 420 exhibidores y 636 compradores de más de 50 países del mundo. Este espacio destinado a la compra-venta de películas, contará con una oferta de 700 títulos, de los cuales un 75% se ofrecen en calidad de estreno.

Una versión completamente restaurada del cortometraje “Un perro andaluz” (1929), del director español Luis Buñuel, será proyectada cuatro veces en el Festival Internacional de Cine de Berlín, que se realizará del 7 al 17 de febrero próximo, acompañada por diferentes obras musicales contemporáneas.

Una de las presentaciones de “Un perro andaluz”, en la retrospectiva de la Berlinale, será el 9 de febrero, conjuntamente con la exhibición de otra obra maestra del cine surrealista, “La chute de la maison Usher“ (Francia, 1928) de Jean Epstein, con quien Buñuel trabajó entonces como asistente de dirección.

Ambos filmes serán proyectados en versiones restauradas y serán acompañados en vivo por los músicos holandeses Maud Nelissen, Merima Kljuco y Frido ter Beek.

El 17 de febrero, 21 músicos españoles del Grup Instrumental BCN216 acompañarán la exhibición de la obra con la que debutó como director Buñuel y que pronto se convirtió en un manifiesto cinematográfico del grupo surrealista, al que comenzó entonces a pertenecer gracias al artista plástico Salvador Dalí, entre otros. Una de las obras musicales que serán interpretadas acompañando la proyección será “Szenario” (1981/82), del compositor argentino Mauricio Kagel.

Entre los filmes más importantes del realizador español figuran “Viridiana” (1961, Palma de Oro en Cannes), “El ángel exterminador” (1962), “Los Olvidados” (1950, Palma de Oro en Cannes), film cuyo negativo original -perdido durante veinte años- fue incluido por la UNESCO en la colección “Memoria del Mundo”; “Él” (1952) o “El fantasma de la libertad” (1972).

La Retrospectiva de la Berlinale presentará además de los 32 filmes que dirigió Buñuel, otras ocho obras en las que participó como asistente de dirección, productor o guionista.

En “Mauprat” (Francia, 1926), de Jean Epstein, Buñuel debutó como asistente de dirección. En la década de 1930 en España, Buñuel fue codirector de “Don Quintín el amargao” (1935), de Luis Marquina, que alcanzó un gran éxito comercial, así como “La hija de Juan Simón”, de José Luis Sáenz de Heredia, y “Centinela alerta”, de Jean Grémillon. “Don Quintín el amargao” le sirvió más tarde a Buñuel de base para filmar en México “La hija del engaño” (1951).

Gran triunfadora del pasado festival de Sitges, donde consiguió cuatro premios (mejor director, mejor actriz, el premio de la crítica y el del público) [REC], dirigida por Paco Plaza y Jaume Balagueró, es una aterradora montaña rusa donde los momentos más tranquilos nos preparan para las sensaciones fuertes que llegarán después.

Rodada “cámara en mano”, cuenta la historia de Ángela (interpretada por Manuela Velasco), una reportera de televisión, y de su cámara Pablo, que están realizando un reportaje para la televisión sobre cómo es una noche normal de los bomberos de Barcelona. Esta es la parte más floja de la película, aunque subyace en ella una crítica a la televisión actual, o al menos a la parte más sensacionalista; la reportera tiene una actitud bastante hipócrita ante los entrevistados y está deseando que ocurra algo grave para poder grabarlo, en definitiva, tener “carnaza”. La noche transcurre con tranquilidad hasta que reciben un aviso de que en un edificio hay una señora dando gritos y tienen que evacuarla, y es aquí donde realmente empieza el terror: la perspectiva en primera persona nos sumerge de lleno en la película, que tiene un ritmo espectacular, y donde las situaciones de tensión se van sucediendo una tras otra, logrando un efecto de realidad visto muy pocas veces antes.

Además de la protagonista, que hace muy bien el papel de reportera repelente que con la excusa del derecho a la información de los espectadores justifica el “todo vale”, el resto de actores también logra transmitir que son personas normales que se ven en una difícil situación con una cámara de televisión que lo está grabando todo, exceptuando la madre de la niña, que sobreactúa en numerosas ocasiones.

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En Argentina actualmente existe un Festival Internacional Clase A como el de Mar del Plata y otro de reciente creación como el de San Luis, del cual ya hemos hablado. Pero también hay muestras que año a año se van haciendo más fuertes: una de ellas es “Pantalla Pinamar”, que se realizará del 8 al 15 de diciembre.

Será la cuarta edición de esta muestra, anunciada como un “Encuentro Cinematográfico Argentino-Europeo” y organizado por el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) y la Intendencia Municipal de Pinamar, ciudad balnearia ubicada a unos 300 kilómetros al sur de Buenos Aires.

“Pantalla Pinamar” tendrá una programación dedicada al cine argentino, en la cual se exhibirán todas las películas que entre el 1 de noviembre de 2006 y el 31 de octubre de este año hayan concursado en la competencia oficial o hayan ganado algún premio en cualquier apartado de los festivales internacionales clasificados como de “Clase A”.

Y además se mostrarán películas de toda Europa, con especial hincapié en España -se incluyen las ganadoras del último Festival de Málaga-, Francia, Inglaterra, Portugal, Italia, Alemania, Suiza y Holanda. Y se agregará una novedad, como cine egipcio. También estarán las secciones de años anteriores -entre ellas “La Noche americana”, “La Película Sorpresa”, “La Mirada Oriental”, “Y Nada más que la Verdad” y “La Hora de los Chicos”.

El público y los críticos asistentes votarán por vía electrónica cuáles son sus favoritas, y las obras que consigan los tres promedios mayores ganarán los Premios Balance de Oro, Plata y Bronce. Luego habrá una selección de preestrenos de títulos a comercializarse en el 2008. Como se ve, sin ser un festival en competición, en Pinamar tendrá lugar una muestra por demás interesante, con títulos para todos los gustos. Quien ande por allí, no se lo puede perder.