En el mundo del cine, si hay algo que salta a la vista es la necesidad absoluta de viajar alrededor del mundo. Desde directores a guionistas, directores de fotografía, o incluso críticos de cine y espectadores en general, necesitan moverse continuamente de un sitio a otro por cientos de motivos distintos, si queremos que el cine como arte siga evolucionando y dando todo lo que puede dar de sí.

Cuando George Lucas iba a rodar ‘Star Wars Episodio II: El ataque de los clones’, recorrió el mundo. Estuvo varios meses deambulando por los parajes más exóticos de Oriente en busca de su Naboo perfecto, hasta que finalmente lo encontró aquí al lado, en el lago Como del norte de Italia, un sitio precioso por cierto, aunque en él prácticamente todo es privado, por lo que se hace algo difícil para el turista estándar.  Afortunadamente Lucas no lo es, y alquiló una mansión a sus orillas para poder rodar esas escenas que exploraban los lazos sentimentales entre Anakin y Padmé Amidala.

La Plaza de España, en Sevilla

También estuvo aquí en Sevilla, desde donde escribe este redactor, enamorado de la majestuosidad de la Plaza de España para rodar otra parte del susodicho Naboo, en Túnez dando vida a Tatooine, y en estudios a lo largo de todo el mundo (principalmente en Estados Unidos, pero también en Inglaterra e incluso en Australia) para recrear los entornos digitales.
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La Nueva ola de Taiwán incluye a autores como pueden ser Tsai Ming-Liang, Edward Yang o el que hoy nos ocupa: Hou Hsiao Hsien. Allí una serie de cineastas parecieron ocupar ese lugar que en un fenómeno de memoria colectiva que es o ha sido necesario “llenar” (o, al menos, darle lugar e imagen). Estamos hablando de una generación de cineastas conscientizados y revindicativos de una identidad nacional propia.
Identidad nacional que se ha visto tambalente frente a los diferentes movimientos y cambios ya sea políticos, económicos o directamente sociales. En Taiwán el cine que abarrotaba las salas y las miradas era, más bien, proveniente de Hong Kong. Este “movimiento” viene a tratar de pararse, presentarse y “hablar” con una voz propia y autóctona que al tiempo que habla con sus propios dialectos reivindica el “pasado”, lo “propio” y lo “autóctono” como tal.

Hou Hsiao Hsien nació en 1947 en la provincia de Guadong, China. Con padres maestros su familia se mudó a Taiwán cuando tenía un año. Como la misma película abordará, veremos y sabremos que creció en Fengshan, en la zona sur de la isla.
De adolescente (¡Ho si! ¡Maldita pubertad!) Hou empezó a interesarse por el cine. Ingresará a la Academia Nacional de Arte de Taiwán después de terminar el servicio militar en 1969. Allí se especializará en el arte cinematográfico. Empezó trabajando con personas como Li Sing. En 1977 realiza su primer obra: Un documental que el ejército le encargó. En 1980 rueda su primer largometraje.

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Después de haber abordado algunas obras propias del panorama cinematográfico iraní contemporáneo es muy grato encontrarse con una obra como ésta. La obra de un gran director, como lo es Jafar Panahi; que se presenta con una propuesta algo diferente y bastante original que aborda el universo de las mujeres y el fútbol en el Irán actual.

Debiéramos decir antes que ésta es una película del año 2006 dirigida, producida, editada y escrita por Panahi (junto a Shadmehr Rastin en el guión) y contará en su reparto con una serie de actores (y, en especial, actrices) no profesionales como Sima Mobarak-Shahi, Shayesteh Irani, Ayda Sadeqi, Golnaz Farmani, Mahnaz Sabih y Nazanin Sediq-zadeh.

No es casualidad que se halla mencionado a Panahi alguna vez como un director que se dedica a hacer “neorrealismo iraní“.

Pero, tal vez antes debiéramos decir que fue discípulo de Kiarostami, y su primera película (genial, preciosa, inteligente y delicada) “El globo blanco” había sido ganadora de la Cámara de Oro en el Festival de Cannes.

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Esta película proviene de Taiwán y es del año 1997. Su nombre original es “He liu”, aunque en Estados Unidos es conocida como “The River”. Su director es el reconocido Tsai Ming Liang; uno de esos autores salidos de la “Nueva Ola del cine Taiwanés” (junto a Hou Hsiao Hsien). Es protagonizada por el actor fetiche de Ming Lang  (así como Antoine Doinel lo era de Truffaut) Kang-sheng Lee.

Esta película ganó el Oso de Plata en el Festival de Berlín. En el Festival Internacional de Chicago ganó el Hugo de plata “por su retrato de una humanidad urbanizada en un mundo que olvida los valores”, y estuvo nominado al de Oro. En el Festival Internacional de Edimburgo ganó una Mención especial. En el Golden Horse Film Festival Tien Mao estuvo nominado a mejor actor.
En el Festival Internacional de Singapur ganó el Premio a Pantalla de Plata y una “Honorable Mención” (premio de la crítica) en el Festival internacional de San Pablo. Todos de 1997.

Hsiao Kang (Kang-sheng Lee) es el joven de alrededor de 20 años protagonista. Tien Miao (que ya decíamos, fue nominado a mejor actor en el Goleen Horse Festival) hará del padre de este chico; teniendo que sobrellevar un papel que, si bien no tiene muchos diálogos, es bastante pesado. Yi-Ching Lu interpretará a la madre. Este trío protagonista (al igual que en “Viva el amor“) esta vez será conformado por una familia que, se podría decir, como poco: “es disfuncional”.
De cualquier forma debería aclarar que en un sentido algo diferente al que acostumbramos mencionar.

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Mi padre lo compró por dos perras, ¡el cordero, el cordero!

Esta es una película del director israelí Amos Gitai. Del año 2005 la película tiene una duración de una hora y media exacta. Estamos ante una coproducción de Israel, Francia, España y Bélgica y es esta la primera película “israelí” que se filma (en parte) en Jordania. El guión pertenece a Amos Gitai y Marie Jose Sanselme. El montaje pertenece a quienes muchos odiaran (y otros, no tantos, alabarán) Isabelle Ingold y Yann Dedet.

Con nombre original “Free Zone” la música o, mejor dicho, “la canción central” del film pertenece a Hava Albrstein (y es esa “del cordero”).

Esta película tiene un elenco (femenino) muy particular. Encabezado por Natalie Portman (si, “La Princesa Amidala“, o “Evey” en “V, de Vendetta“), Hanna Laszlo (que con su papel en esta película ganó el premio a Mejor Interpretación Femenina en el Festival de Cannes 2005), Hiam Abbass y metida por ahí (aunque muy poco tiempo del metraje) haciendo de “suegra judía”: Carmen Maura (y les aseguro que cuando la vi en pantalla pensaba “¡¿Qué es esto?!” Nunca me la hubiese esperado en ese papel…).

Mi padre lo compró por dos perras, así lo cuenta la Haggada. El gato astuto estaba al acecho. Se lanzó y devoró al cordero. El perro estranguló al gato que devoró al cordero que mi padre compró por dos perras, ¡el cordero, el cordero!

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“Piezas de Repuesto” en español es internacionalmente conocida con el nombre de “Spare Parts” aunque su título original es: “Rezervini Deli“. Esta es una película del año 2003 proveniente de Eslovenia. Con una duración de una hora y 27 minutos nos encontramos ante una película del internacionalmente aclamado Damjan Kozole. Producida por E-motion film/ Vertigo, RTV Slovenija esta es una película poco conocida pero de gran valor.
Es protagonizada por el joven Aljosa Kovacic que interpreta el papel de Rudi y el más veterano Peter Musevski que interpretará a esa especie de mentor bastante decepcionado de la vida llamado Ludvik.

La película ha ganado una serie de premios, ha sido alabada por crítica y público pasando (con un éxito que muchos otros le envidiarían) por varios festivales. Fue nominada al Delfin Dorado en el Festival Internacional de Tróia.
En el Festival Mediterráneo de Montpellier ganó el premio Nova y el premio Prix Titra Film; ganó el Premio Especial del Jurado al mejor film En el Festival de Sarajevo; en el Festival de Cine de Eslovenia ganó el premio Vesna a Mejor Director (Damjan Kozole) y a la mejor película. Obtuvo una Mención Especial “Alpa Adria Cinema” en Trieste, 2004. Todo esto sin contar los premios que ha ganado su director por otras películas como “Porno Film” y “Labour Equals Freedom“.

Y es que Damjan Kozole nació en Brezice, Eslovenia (antigua Yugoslavia) el primero de junio de 1964, aunque actualmente reside y trabaja en Ljubljana. A los 22 años comenzó su carrera con una de las primeras películas independientes de su país: “Usodni telefon” o “The Fatal Telephone”.
Este punk-rocker ya crecido obtuvo varios premios internacionales con “Porno Film” y, posteriormente con “Labour Equals Freedom” que obtuvo la Palmera de Oro en la XVII Mostra de Valencia-Cinema del Mediterrani. Participó también con otros directores como Aki Kaurismaki y Peter Greenaway en el proyecto europeo de esa película-audiovisual llamada “Visiones de Europa”; encargándose del episodio Esloveno.

En la película Ludvik empieza a trabajar con Rudi. Después de una introducción semi documental en la cual vemos muchas banderas, a un hombre que parece ser un político, un auto que pareciera ser “oficial” y una inauguración. La inauguración de la central nuclear ubicada en Krsko.
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Esta es una película del año 2003. La dirección corresponde al director tunezino-fránces Abdellatif Kechiche. Así el libreto y el guión que adaptó junto a Ghalya Lacroix. La fotografía (bastante emparentada con ese movimiento encabezado por Lars Von Traer y Thomas Vintenberg llamado Dogma 95) está a cargo de Lubomir Bakchev y la edición es de Ghalya Lacroix (si, con quien Abdellatif Kechiche adaptó el guión) y Antonella Bevenja.

El elenco está compuesto de forma casi total por unos jóvenes (por no decir adolescentes) actores no profesionales de distintas procedencias (étnicas y culturales al menos) encabezado por Osman Elkharraz (Krimo), (permítanme la expresión:) “La francesita” Sara Forestier (Lydia), Sabrina Quazani, Nanou Benahmou, Hafet Ben-Ahmed, Aurélie Ganito, Carole Franck, Hajar Hamlili, Rachid Hami y Meriem Serbah.

El filme obtuvo cuatro premios Cesar. Mejor filme francés; Mejor realizador: Abdellatif Kechiche; Mejor Actriz Revelación: Sara Forestier (si, ¡la francesita!); y por Mejor Guión Original o Adaptación: para Abdellatif Kechiche y Ghalya Lacroix.

Estamos hablando de la misma entrega de premios en la cual “Reyes y Reina” se vio favorecida. También competía con una película que, estoy seguro, será mucho más conocida para el público en general: “Los Coristas“.

A su vez ese año, en el mismo certamen, se premió como mejor película extranjera a la segunda película de Sofia Coppola, la gran “Lost In Translation“. Como mejor film europeo (de la Unión Europea, para ser más exactos) se premio de forma compartida a “Sólo un beso” de Ken Loach y “La vida es un milagro” de Emir Kusturica.

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Esta es una película a cargo de Arnaud Desplachin. Francesa y del año 2004 nos encontramos ante una propuesta fuera de lo común, que se atreve a romper con todos los formalismos; al mismo tiempo que los toma a todos juntos dentro de sí, en sus 150 minutos de duración (que pese a que si se siente algo larga no se llegan a notar en tal número).

Con 6 nominaciones a los premios César, premio Louis Delluc, el Lumiere y Etoile D`Or y premio de la crítica francesa nos encontramos con una de esas propuestas clásicas de festivales. Esto lo digo en el sentido de que es una propuesta que si bien “no reniega de lo comercial como tal”, creo que si “lo comercial como tal renegará de ella“.

Esta es una película extremadamente posmoderna y multireferencial. Debo reconocer que me he sentido un total ignorante; debido por ejemplo a todas las referencias pictóricas de las cuales no tengo ni idea (apenas pueda me formaré en este sentido, señores…). De cualquier manera y a pesar de su extremada densidad y/o saturación simbólica-significante estamos hablando de una película muy accesible.

Accesible debido a que cualquier espectador (que no vaya esperando ver Arma Mortal) podrá abordar y ver en tanto persona que ve, sigue, entiende y siente con otras personas. Esto es debido no sólo a la historia sino también a las excelentes actuaciones.

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Matador es una pequeña producción independiente escrita y dirigida por Richard Shepard, protagonizada por Pierce Brosnan, Greg Kinnear y Hope Davis. La cinta tuvo su rotación por varios festivales importantes del mundo como Toronto y Sundance; siendo también un modesto éxito de taquilla (costo unos 10 millones y recaudo cerca de 17) y nos entregó lo que muchos críticos importantes de cine consideran la mejor actuación de Pierce Brosnan.

La película cuenta la historia de Julian (Brosnan), un asesino a sueldo que viaja por el mundo eliminando a los competidores que intervienen en los negocios de sus clientes. En uno de sus viajes de trabajo, Julian llega a Méjico, donde conoce a un modesto empresario llamado Danny Wright (Kinner), quien también se encuentra allí en una importante reunión de negocios. Danny lleva una muy normal vida de casado con Bean (Davis), quien lo espera en Denver, con la esperanza de que el viaje a Méjico de Danny sea un éxito, pues las finanzas del matrimonio no son las mejores. Desde el momento en que Danny y Julian se conocen y pasan en Méjico, éste se da cuenta de la inmensa soledad en la que vive, por lo que entra en una inmensa crisis nerviosa, de la que no tiene a nadie que lo pueda ayudar a salir, tan sólo Danny.

Matador tiene el encanto de las películas que teniendo muy poco hacen parecer que tenían mucho. Es una producción muy pequeña, que tan sólo se necesito de unas buenas actuaciones, una buena historia, una modesta pero justa fotografía (a cargo de David Tattersall) y una muy inteligente historia para dejar encantando al público que la vio. La película es una comedia negra, que trata y resalta temas y valores como la amistad, la lealtad, la familia y la ayuda a las personas que las necesitan en los momentos más urgentes, dejando de esa extraña mezcla uno de los thriller más interesantes del 2.005.

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Why We Fight se estrenó en el Festival de Cine de Sundance el 17 de junio de 2.005. La fecha era importante y significativa para el lanzamiento porque se cumplían exactamente 45 años del famoso discurso de despedida del presidente estadounidense Dwight D. Eisenhower. En ese discurso, el presidente le advertía a sus ciudadanos sobre un naciente problema que podría traerles muchas consecuencias al desarrollo de su nación: la co-existencia entre el aparato productivo y el militar en un nuevo sector de la economía denominado el complejo militar-industrial. Para ser muy exactos, la apreciación de Einsenhower fue algo equivocada, puesto que las consecuencias del poderío de este sistema no recayeron sobre los norteamericanos, sino sobre el resto de pueblos del mundo.

La tesis expuesta por Eugene Jarecki en su documental tiene su comienzo al final de la Segunda Guerra Mundial, cuando los Estados Unidos, después de haber creado el ejercito más importante del mundo, se quedaron con un sistema productivo muy eficiente, que daba mucho empleo, pero que no tenía razón de ser puesto que habíamos entrado a una época de paz. Por otro lado, el ejército era tan inmenso, que era imposible encontrarle un enemigo capaz de enfrentársele. Por lo tanto miles de guerras inventadas y falseadas habrían por venir, como medio de justificación y legitimación de esta industria.

El documental trata de mostrar la variedad de lados y opiniones posibles sobre la actuación de los Estados Unidos en las guerras que se han desatada desde esa época hasta nuestros días. Contando con prestantes líderes de variados sectores interesados e involucrados en las actuaciones militares de su país, el documental sostiene que las razones de la guerra, están mucho más sustentadas por los intereses de fuertes grupos privados que cualquier otra posible honorable causa.

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