“2046″ es la última de esta suerte de trilogía apócrifa de Wong Kar Wai conformada por “Days of being wild”, “Con ánimo de amar” y la película en la que acá nos adentramos. De las tres, sólo “Con ánimo de amar” y “2046″ están conectadas de forma directa. “Days of being wild” pertenecía a un intento original de trilogía que quedó trunco allá por comienzos de los ´90s y que Wong conectó con las otras dos de forma más temática que incidental.

Chow, en “2046″, viene de su especie de auto-exilio, regresa a Hong Kong después de pasar una temporada en Singapur. Ahí trató, sin demasiado éxito, de exorcisar su corazón roto, al punto de encontrar un doble de aquella mujer que lo enamoró. Una mujer que también se llama Su Li Zhen, inicia el juego de espejos en que consiste el film. Simetrías, idas y vueltas, la posibilidad o imposibilidad de seguir adelante.

El protagonista es un periodista / escritor. “2046″ es el nombre de un cuento escrito por él, pero también tiene dos significados más. Es el año en que se vence el acuerdo entre China y Hong Kong que prometía que este último no sufriría cambios durante 50 años. Por otro, es un relato de ciencia ficción escrito por el propio Chow, sobre un lugar donde todos los recuerdos quedan almacenados intactos, un lugar donde todos quieren llegar, pero del cual nadie sabe volver. El relato que inicie el film, curiosamente, no es “2046″, sino “2047″, un cuento posterior que Chow escribe para una mujer, y que habla del intento de uno de estos aventureros de la memoria por retornar, en un viaje que parece no tener fin.

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Inside Man (El Plan Perfecto en Latinoamérica, Plan Oculto en España) es una película estadounidense de 2006, la he visto recientemente y me gusto mucho, asi que aquí se las voy a comentar.

Los hechos ocurren en Nueva York cuando un grupo de encapuchados se hace con un banco, secuestrando a unos rehenes y usando tácticas estratégicas para luego evadir a la policía que los rodea. Protagonizada por Denzel Washington quien interpreta a un policía llamado Keith Frazier, Madeleine White es Jodie Foster que lucha por los intereses del director del banco y Christopher Plummer, quien en su caja de seguridad guarda su oscuro pasado…( vendria a ser el malo de la película). Un film que demuestra un manejo de recursos, del ritmo y de actores, que muchos otras realizaciones quisieran tener. También está película hace referencias a la cultura popular de la ciudad, la gente, sus orígenes, y diferentes aspectos de la sociedad. Este thriller esta correctamente narrado, dura un poco mas de 2 horas de las cuales mas de la mitad son muy emocionante, asi que invito a los que la vieron y los que no a que sigan leyendo este articulo, que espero que le guste.

La historia comienza cuando como decíamos antes, un grupo armado ingresa al banco y lo toma a la fuerza, obligando a las personas que estaban en el, en convertirse en rehenes y hacer todo lo que le digan. Estos vándalos con su líder Owen, que no resulta se un ladrón cualquier, ejecuta las operaciones tan profesionales como del otro lado lo hace Keith Frazier (Denzel). El juego e interacciones entre ellos empiezan y llegan a un punto que el otro sabe que esta pensando hacer el y viceversa. Un poco de humor asoma de vez en cuando en el film teniendo así todos los condimentos. Suspenso y acción son los que mas predomina. El plan de los forajidos esta tan bien armado que hicieron que todos los rehenes del banco utilizaran su misma ropa y pudiendo así luego, confundir a los policías. En el trascurro de la película podemos ver unos flash-back hacia el futuro, donde están los detectives interrogando a todos los rehenes que estaban en el banco, no se podía confiar de nadie, ni de un pequeño de 10 años. Ahora comienza el papel de Madeleine, que se entera lo que esta ocurriendo en la ciudad y la contratan para poder negociar con los ladrones y poder defender los intereses de unos de los clientes del banco, que supuestamente tiene algo muy importante en una caja fuerte. Esta no la logra y nuevamente el caso no ha progresado.

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Awakenings (Despertares), dirigida en 1990 por Penny Marshall, basa su trama en la obra autobiográfica de 1973 escrita por el neurólogo Oliver Sacks en que desarrolla su dedicación a la investigación y experimentación con la droga L-dopa durante fines de la década de 1960. Con el empleo, entonces, de una idea original conmovedora y auténtica como así también un maravilloso elenco, el film asegura una poderosa historia de gran emotividad.

El film transcurre, en su mayoría, en el hospital Bainbridge, al que arriba el Dr. Malcolm Sayer (Robin Williams) quien para entonces solo se ha dedicado a la investigación, particularmente con pequeños organismos. Inicialmente le es asignada la tarea de supervisar la sala principal donde los pacientes del instituto se distienden y es aquí cuando comienza a tomar contacto con la enfermedad que les aflige, una suerte de catatonismo generado por una epidemia de encefalitis producida durante la década de 1920. Todos quienes allí se hallaban tenían por tanto, décadas de afección, sumidos en un letargo absoluto. Sin embargo Sayer comienza a advertir en éstos ciertos signos de movilidad, como una suerte de reflejos en base a estímulos básicos, y ello le conduce a una investigación ardua sobre la enfermedad y, posteriormente, a la intención de implementar una droga, L-dopa, utilizada en pacientes afectados por el mal de Parkinson. En principio sus intenciones de reanimarles luego de tanto tiempo y de emplear de esta medicación resultaron cuestiones algo inadmisibles para sus colegas que se limitaban a preservar el su relativo bienestar. Aún así Sayer comienza a implementar su método con el grupo a su cargo, en él la narración destacará a Leonard Lowe (Robert de Niro) un hombre ya adulto que se encuentra en tal estado desde su infancia. Luego de haber ingerido la droga, Leonard despierta una noche como luego habrán de hacerlo los restantes pacientes. Durante este período comienzan a redescubrir el mundo que la enfermedad les había quitado durante décadas y que, para entonces, mucho había cambiado. Durante este plazo comienza a establecerse un vínculo más estrecho entre éste y Sayer quien no solo lo considera como su pequeña victoria médica sino que llega verdaderamente a apreciarlo y aprender de su optimista visión de la vida. Mas pronto veremos en los pacientes que esta cura comienza progresivamente a revertirse. En el caso de Leonard se adhiere a los frecuentes estados de catatonismo, una serie de recurrentes espasmos que son tratados con diversas dosis de L-dopa para lograr, al menos momentáneamente, su estabilidad. Es en estas instancias, en que posee una suerte de autocontrol, en que comienza a fijarse en una muchacha, hija de uno de los pacientes del establecimiento. Se inicia, entonces, el desenlace que dista en verdad del clásico final feliz.

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Dirigida por Orson Welles en el año 1942 y basada en la novela homónima ganadora del premio Pulitzer en 1919 de Booth Tarkington, The Magnificent Ambersons (o El cuarto mandamiento) ofrece una historia ambientada en Indianápolis hacia finales del siglo XIX. Según ha comentado el realizador, para quien este film era el segundo en su filmografía como director, luego de Citizen Kane, la productora RKO alteró gran parte del material original al punto de extraer el fragmento de mayor relevancia para el desarrollo del film. Aún así la obra reviste valor, como todas las obras de Welles, por una concienzuda estructuración de la narración, una, acaso, clásica mas también personal caracterización de los personajes y un brillante empleo de los recursos del lenguaje cinematográfico.

El film parece estructurarse en dos grandes fragmentos que tienen por separador un cierre en iris que anuncia una pronta modificación de la situación presentada por el primero. Así el fragmento inicial comienza, empleando un montaje ágil, con la presentación del joven Eugene Morgan (Joseph Cotten) a quien vemos prepararse frente a un espejo para recoger a Isabel Amberson (Dolores Costello), quien le atrae y se halla enojada con él pues sin intención le había ridiculizado en público. Así le veremos tocar su puerta reiteradas veces e incluso seguirla mas nada de ello logra generar su atención. Finalmente la muchacha resuelve contraer matrimonio con otro de sus pretendientes, Wilbur Minafer (Donald Dillaway) y con él tiene al pequeño George. Desde su aparición en el film se enfatizan ciertas cuestiones sobre su personalidad, ostentando vanidad, impulsividad y un fuerte criterio anclado en la división de clases y capital económico, que se mantendrán aun en su adultez. Lo veremos claramente en la fiesta organizada en su honor al regresar, en vacaciones, de su institución de estudios. En ella se producen dos grandes acontecimientos que le conciernen, en principio es presentado por su madre al Sr. Morgan, a quien, por cierto, aquella ahora mira con cierta admiración advertida con desdén por su George, luego conocerá a su hija, la bella Lucy (Anne Baxter), con quien pronto establece un vínculo. Así la celebración llega a su fin mas en la pista vacía todavía se hallan Isabel y Eugene bailando un vals mientras Wilbur descansa en su recámara. Una vez que el padre y su hija se han retirado el muchacho deja ver su desagrado por la aparición del personaje de Cotten refiriéndose a él despectivamente generando particularmente en su tía Fanny (Agnes Moorehead) una frenetica reacción defensiva pues ella, a la vez, siempre ha gustado de él y este interés se intensificará a lo largo del film. Poco después veremos la conclusión del primer fragmento con un fallido paseo bajo la nieve en que debe de empujar el automóvil creado por Morgan que se ha quedado atascado. El cierre en iris determina la conclusión.

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Producida en el año 1974 con la dirección de Hector Olivera, La Patagonia rebelde halla su origen en la obra “Los vengadores de la Patagonia trágica” del historiador, ensayista, periodista y activista partidario del ideario anarquista Osvaldo Bayer. La pieza fílmica pretende remitirse a la búsqueda del libro original, proporcionar una fuente de análisis histórico para repensar ciertos sucesos que acaecieron ligados a la lucha social-anarquista de los trabajadores en Argentina durante el período 1920-1923 otorgando un panorama general de la situación social, política e ideológica, local e internacional. Tanto el film como la obra literaria, con sus diferentes destinatarios y dispositivos, poseen una clara y actual vigencia en las investigaciones de ese orden.

La narración se inicia en Río Gallegos, perteneciente a la provincia austral de Santa Cruz. Allí se presentará, inicialmente, a la Sociedad Obrera, sindicato de tendencia anárquica en que se desarrolla una asamblea con el fin de determinar acciones en respuesta a la injusta gestión de los empleadores del personal de uno de los hoteles de la zona. Presidida ésta por “el gallego” Antonio Soto (Luis Brandoni) con la colaboración de su colega “el alemán” Schultz (Pepe Soriano), concluye unánimemente en la huelga generalizada por tiempo indeterminado. Es en la cena en que el Gobernador de la provincia, Mendez Garzón (José María Gutierrez) es propuesto como gerente de la poderosa Sociedad Rural bonaerense en que la agrupación irrumpe y produce destrozos en parte del edificio logrando, con retroactividad, el cobro de los sueldos adeudados. Luego de este episodio veremos como los integrantes de la Sociedad Obrera se dirigen a los trabajadores rurales para lograr su afiliación y así otorgar a la federación un mayor poder. No sin temor ante las posibles represalias de los propietarios, parte de aquellos contribuye al movimiento, entre ellos José Font “Facón Grande”, interpretado por Federico Luppi.

Pronto el Gobernador, ante el reciente episodio, envía a fuerzas militares para ingresar por la fuerza al hogar de los dirigentes anarcosindicalistas y encarcelarlos. Las noticias de ésta gestión arriban al Poder Ejecutivo generando una posterior intervención del Presidente a cargo, Hipólito Irigoyen, quien determina la libertad de los apresados y el permiso para la gestión y huelgas de la Sociedad Obrera. La agrupación comienza, entonces, a peticionar más libremente mas aún con gran cautela.

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Candy (2006) no es una película fácil de llevar, se desarrolla explorando o navegando los opuestos extremos de la vida actual y los excesos de dos jóvenes amantes que conviven con ella de una manera poética, hermosa y sumamente cruel. Es como presenciar una tragedia que sabes no puede terminar bien, solo resta preguntarte cuan duro será el inevitable golpe del final. Sus tres actos o capítulos, Cielo – Tierra – Infierno, así lo proponen desde un principio, van desde lo más puro y utópico hacia lo más crudo y real en tan solo 108 minutos.

Antes de verla había leído ya algunos comentarios que la catalogaban como un filme romántico poco convencional que hablaba sobre un tema tabú, esto es, sobre lo terrible y devastador que puede resultar el consumo adictivo de drogas. Leí críticas favorables y desfavorables, algunas de ellas decían que solo es una película más sobre la adicción a las sustancias ilegales y que no le llega ni a los talones a otras del género como Trainspotting (1996), otras decían que es una muy buena adaptación del libro homónimo escrito por Luke Davies (el cual reconozco no he leído pero sé que ha sido premiado) y que esto tal vez se deba a la destreza del director Neil Armfield y los productores, al lograr que el autor participe en la escritura del guión adaptado con la colaboración del mismísimo director.

Como ven, no sabía bien con que tipo de producto me iba a encontrar, pero las buenas críticas superaban en número a las malas por lo que no esperaba una rotunda decepción sino todo lo contrario… Y gracias a todos los Dioses del mundo que fue así!!!, Candy me pareció una obra increíble, sólida y devastadora, cruda en toda la extensión del relato pero sin dejar de lado la belleza del amor en su estado más puro y poético. Es válido aclarar que no resultó para mi una película más sobre el tema de las drogas en particular, y/o una historia más de amor poco o nada convencional, sino que me quedé con la amarga sensación de haber sido espectador de una observación despersonalizada del director sobre el cóctel conflictivo y de confusión que viven estas personas de clase media con respecto a sus sueños, esperanzas, frustraciones, y perspectivas de vida, que luchan por mantener su lugar en el mundo sin tener que someterse a la pérdida de aquello que los hace sentirse completos, ser personas dignas… Tal vez me gustó porque me resultó fácil sentirme identificado con estos jóvenes.

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Muerte en Venecia (1971) es un clásico film del director Luchino Visconti basado, si bien con algunas modificaciones específicas, en la obra de Thomas Mann que, para su creación en 1911, hubo de basarse en ciertos episodios y características del compositor Gustav Mahler como así también en algunas experiencias personales. El film conjuga una historia compleja y psicologista que aborda la decadencia del protagonista sin permitirle traspasar los propios límites impuestos, una maravillosa composición y dirección fotográfica y actuaciones a la altura de los sucesos y la narración.

La obra se centra sobre la figura de Gustav von Aschenbach (Dirk Bogarde), músico de profesión, que ha debido embarcarse a Venecia por razones de salud que luego serán desarrolladas. A su llegada al Grand Hotel des Bains, luego de un fallido recorrido en bote, toma pronto su habitación y luego de desempacar se dirige a la ventana para admirar el maravilloso paisaje. Aquí se instaura el primer flashback en el que se muestra al protagonista tendido sobre un sofá, demacrado, mientras es examinado por un doctor que diagnostica, finalmente, una actividad cardíaca frágil para cuya estabilización debia de tomarse un descanso. Así la narración regresa a la habitación de su hotel donde, antes de dirigirse al comedor del establecimiento, toma en sus manos dos portarretratos con las imágenes de una mujer y una niña, pronto las entenderemos su hija y esposa. Es en el lobby, a la espera del llamado del maitre, en que se produce un fundamental hecho: von Aschenbach que levanta su vista del diario que se hallaba leyendo y percibe una intrigante y atractiva figura de un joven (Björn Andresen) acompañado por su familia. Incluso durante la cena habrá de observarlo fijamente y un acertado montaje sonoro complementará esta situación con una voz en off que dirá “belleza, te refieres a tu concepto espiritual de la belleza”, para dar paso a una profunda conversación sobre el arte y lo bello que hubo de mantener con su ayudante, Alfred (Mark Burns). Posteriores encuentros se producirán entre el compositor y el joven Tadzio, ahora objeto de sus pensamientos, mas en todos ellos, si bien no habrá una conversación dialógica explícita sí se verán cruces de miradas. El personaje del niño comienza a ser algo inquietante pues le vemos observar detenidamente al protagonista y luego escapar a un posible contacto, ciertos indicios de homosexualidad pueden incluso ser vistos en una de las escenas en la playa en que se lo ve abrazado a un muchacho y recibir de el caricias.

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Antes que nada, tengo que aclarar que esta no es una película de terror, ni de horror, aunque sus características así lo propongan. Yo la catalogaría más bien como un cargado thriller psicológico con ciertos ribetes dramáticos. Como para comenzar a ponerlos al corriente, este filme está basado en el escalofriante hecho ocurrido en Alemania en el año 2001, en el cual un hombre llamado Armin Meiwes mató, mutiló y comió literalmente a otro llamado Bernd Jürgen Brandes, pero lo extraño del caso es que todo sucedió con el consentimiento de este último, es decir, todo el hecho fue consumado… de común acuerdo…

Esta oscura historia, que en su momento tuvo una cobertura mediática inigualable, sin ninguna duda era candidata para ser llevada al cine, sobre todo si consideramos que toca un tema tabú como lo resulta ser el canibalismo, y por otro lado, podría también tratar de arrojar cierta luz sobre el interrogante que supongo tenemos todos: ¿Qué se le puede haber pasado por la cabeza a la “victima” como para querer ser comida por otra persona?. Ahora bien, ya tenemos un par de motivos, y una vez tomada la decisión de comenzar el proyecto, la pregunta podría ser: ¿cómo diablos se cuenta algo así?, ¿desde que óptica se debería abordar todo el asunto para que sea un verdadero éxito o el relato cierre?, ¿desde lo policial, desde el miedo y el terror, como un documental, como drama -entre otras categorías-?… Al final, pienso que se hizo de la mejor manera que se podría haber hecho, se desarrollo el argumento desde lo psicológico y lo dramático. A mi criterio, el resultado fue acertado y bueno, y paso a explicarles porque.

Rhotemburg (2006), explora en profundidad la vida y psiquis de estos dos particulares personajes, aquí llamados Oliver Hartwin y Simon Grombeck, y para esto, el novato director -en cine- Martin Weisz, recurre a la óptica de un personaje de ficción, a quien logra introducir en esta historia que es real. El papel, vendría a ser el de una estudiante americana de un postgrado de psicología criminal, llamada Katie Armstrong, un poco obsesionada con el caso en cuestión y con la morbosidad, propia de nuestra condición humana. Como se irán dando cuenta, el relato se desarrolla a través de sus ojos, de sus investigaciones para su tesis y de sus conclusiones, por tal motivo, el hábil director utiliza el recurso archiconocido del flashback y la voz en off a medida que avanza el filme, pero lo hace de manera inteligente, por lo que no llega a cansar al espectador.

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La tregua, obra realizada en 1974 por el director Sergio Renán y basada en la novela homónima del maravilloso escritor uruguayo Mario Benedetti es, a mi criterio, una de las piezas mas bellas y potentes de la cinematografía argentina.

El film se centra en la figura de Martín Santomé (Hector Alterio) un empleado contable entrado en años que ha quedado viudo hace ya dos décadas y no halla en su vida incentivo alguno pues se ve sumido en un estado constante de añoranza y peligrosa rutina que transforman sus pequeñas alegrías, prontamente, en meros pasos hacia la nada mas terrible.

El personaje vive en un humilde hogar junto a sus tres hijos: Blanca (Marilina Ross), una de ellos, es una abnegada muchacha que pretende ocuparse de su padre retomando algo de esa figura materna ya inexistente mientras que Esteban (Luis Brandoni), un joven ofuscado, guarda un cierto rencor indiferentemente direccionado por la pérdida de su madre y conserva un profundo gran temor de, eventualmente, llegar a tener la vida que ha tenido aquél. Jaime (Oscar Martinez), el restante, tiene un especial apego a su padre, acaso por ser el menor, y su estrecho vinculo afectivo con éste resultará, al fin, inmutable aún luego de enterarse Santomé de la homosexualidad de su hijo, para entonces asumida por los valores conservadores como una suerte de anormalidad.

El devenir de la historia, luego de realizar un concreto y explícito prólogo sobre el protagonista instaurará dos relaciones temporales importantes: una de ellas hacia el tiempo pasado al cruzarse por accidente con un antiguo conocido del barrio con quien compartirá viejas anécdotas y recordarán personajes olvidados de su infancia. Mas también veremos pronto el suceso de una situación que tendrá implicancias fundamentales sobre su porvenir, la llegada de dos nuevos empleados que habrán de estar a su cargo en la oficina contable. Uno de éstos, Santini, interpretado por Antonio Gasalla, es un delicado y afeminado muchacho que poco después será, por ello, objeto de burlas de sus compañeros. El segundo ingreso corresponde a una apacible y atractiva joven, Laura Avellaneda (Ana María Picchio) que enseguida habrá de ganarse la confianza y aprecio de su jefe.

El personaje de Gasalla, por su parte, tendrá una función inicial y primordial al llamar su atención luego de ser criticado y ridiculizado por el resto del equipo, es así que como respuesta se dirigirá a ellos y les dirá enfervorizado: “¿por qué me cargan? ¿a ustedes les gusta esta vida? ¿Ustedes están contentos con esta rutina? ¿no se imaginan nunca que uno podría estar en otra parte, viviendo otra vida, haciendo algo mejor que copiar números inútiles en papeles que nadie lee?”. Sin dudas aquello que para el joven Santini era una verdad indubitable comenzaba a resultar para su jefe una urgencia; aquello de utilizar el tiempo para edificar una realidad más acorde con las propias expectativas era ya una creciente necesidad.

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Dirigida en el año 2000 por Juan José Campanella en su segunda labor como director luego de El mismo amor, la misma lluvia, El hijo de la novia presenta una de las más bellas historias del cine argentino estructurada por un guión bien propuesto y sostenida por un elenco sólido de actores admirables.

La obra tiene por protagonista a Rafael Belvedere (Ricardo Darín) que ya en su cuarta década toma conciencia de la necesidad de retomar el control de su vida que hasta entonces estaba regida, principalmente, por la constante preocupación de mantener rentable el restaurant familiar que administra. Entre tanto ha perdido cierto vínculo con su hija Vicky (Gimena Nóbile), producto de un fallido matrimonio, ha relegado a su pareja (Natalia Verbeke) que espera de él muestras de compromiso siempre depuestas o interrumpidas por su trabajo, y por ello también ha postergado visitar a su madre (Norma Aleandro) que se halla internada en un geriátrico pues padece del mal de Alzheimer. Algo diferente es la relación que tiene con su padre Nino (Hector Alterio), figura por la que vemos cierta admiración, pues en cierta forma les une el local. Es en esta sucesión gris de faltas y olvidos que aparece un antiguo personaje de su infancia, Juan Carlos (Eduardo Blanco) que consigue hacerse un espacio en su rutina a fuerza de persuasión y logra, por momentos, aislarle del ajetreado presente recordando viejas anécdotas y personajes. Con ellas Rafael accede a un plano fuera de la mera inmediatez o la previsión y se permite con ellas una comparación con su presente. Mas en verdad el factor que logra causar en él la impresión suficiente para realizar una reflexión sobre el propio rumbo es el proyecto para el cual su padre recurre a él: quiere concretar finalmente el deseo de su madre, al que nunca escuchó, de casarse por Iglesia. Y con ello gran parte de la atención dirigida al protagonista se desplaza a la pareja, que luego de tantos años de estar juntos, forjar una familia y un vínculo indestructible, mas también sobreponerse a algunos obstáculos, conserva aún un amor puro e incondicional. Lo veremos en el maravilloso Nino que, en un emotivo monólogo, la describe como un ángel que solía maravillar a los clientes con su preciosa presencia, en la forma en que la trata y la dulzura con que la mira, mas también en ella, que en ciertos momentos de lucidez lo llama tiernamente “papito” y acaricia lentamente su ajado rostro.

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