Emir Kusturica es sobretodo un director independiente, muchos pueden haberlo conocido por una película en la que dirigió a Johnny Deep, American Dream en Hollywood, pero el prefiere seguir o tratar de seguir siendo el rey en el país de los independientes y no uno más en la lista de los tantos realizadores de Hollywood.

Muchos pueden haberlo conocido recientemente gracias a que hace algún tiempo, este año para ser más precisos, presentó en el Festival de Cannes un documental sobre Maradona, que atrajo la mirada no solamente en el crack de fútbol argentino de todo el mundo, sino también hacia este director.

En esta ocasión Emir Kusturica sigue manejando su sello personal, aunque no el que lo hizo acreedor de dos Palmas de oro en el Festival de Cannes, y nos presenta ahora películas con ese tono excesivo de la bufonada más allá de toda razón. Ahora nos trae Prométeme, una película que trata acerca de encontrar el amor verdadero, pero veamos bajo que concepto creativo lo plantea Kusturica.

Si bien el amor es un idioma universal, hay cosas en la trama de esta película que sencillamente no se pueden entender o que son confusas para muchas personas ajenas a una cultura y que hacen mucho más terrible la digestión de la película. Sabemos que Emir Kusturica es de origen Serbio y siempre saca a la luz sus orígenes, trayendo a colación alguna trama como la que se presenta en Prométeme.

No obstante, en esta película hay cosas que simplemente no funcionan para el espectador - observador desde otra cultura u otro punto de vista, ya que no se posee todo ese respaldo de conocimiento que puede ser el necesario para entender lo que se nos quiere plantear a cabalidad, siendo esta película un tanto ligera en ese aspecto.

Prométeme, como ya dijimos es una historia de amor, pero una historia de amor un tanto no convencional, con muchos elementos de hadas, violencia, pistolas, bufonadas, etc., algo que ciertos espectadores no pueden perdonar, más si viene desde otra cultura que no entendemos del todo.

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No he tenido muchos trabajos en mi vida, pero puedo comprender perfectamente de lo que hablan cuando dicen que un trabajo es aburrido, monótono y sin vida. A mí, al menos, esos trabajos aburridos me causan un estrés increíble y hacen que desista fácilmente de ellos. No obstante, yo he tenido suerte y sin hijos ni nada de por medio y mucho menos proyectos importantes, renunciar o no a un trabajo no se convierte en un problema. Pero, si me pongo a ver las cosas desde otro lado, y eso es algo que me acabo de dar cuenta hace unos meses, hay gente que necesariamente debe de trabajar, soportando esa monotonía que los hace cada día seres inertes, en donde necesariamente deben soportar todo aquello que les llega de arriba.

En cierto punto, en eso se basa la película Nevando voy, en soportar esa monotonía cuando no hay nada de por medio por hacer, es decir, el trabajo lo necesitas y estás en una fábrica de cadenas, sabemos que nunca soñaste con trabajar en una fábrica de cadenas para la nieve, de chica nunca dijiste: “cuando sea grande quiero ser trabajadora de una fábrica de cadenas”, no, imposible, pero lamentablemente esa es la fuente como puedes ganarte la vida y desafortunadamente tienes que hacerlo. Para ello, muchos optan por diferentes caminos pero sin duda uno importante es mirar lo que te toca con una mirada optimista.

Esto que les relato, lo del trabajo en una fábrica de cadenas es real, una de las directoras del film se empleó en esta fabrica para poder subsistir mientras podía tener algún tiempo libre para realizar lo que a ella le gusta, escribir y pensar en cine. Pero seguramente, en todo ese transcurso, algo a la directora no le permitió quedarse en un plano chato de esta experiencia y como buena artista, pudo ver más allá de lo que la realidad le planteaba.

Me ha tocado casos de trabajar en ambientes en los que no necesariamente suelo moverme, es decir, ambientes en los que la gente puede ser muy distinta a la que conocí en la universidad, en mi escuela, en mis grupos de amigos de música, etc., y por ello creo entender de lo que está hablando una de las directoras al relatar su experiencia en esa fábrica.

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Encontrar a esa persona que te complemente totalmente y enamorarte de él o ella es algo muy difícil en estos tiempos en donde todo sucede tan rápido y en donde el amor parece no ser el protagonista. Tal vez por ello me gustan tanto los dramas románticos, es como ver lo que debería ser en torno al amor y que escasamente se produce en la vida real, claro que con sus contadas excepciones.

Claro que cuando hablamos de historias de amor, inmediatamente se nos viene a la cabeza la posibilidad de poder comparar esa historia con los constantes clichés con los que hemos crecido y que inundan el imaginario tanto de la literatura como del mundo del cine. Pero, si nos damos cuenta, mientras las historias puedan ir creciendo en trama, muchos de esos clichés no se encuentra propiamente en la trama, es decir, estos no se encuentran en el guión, sino la mayoría de ellos podríamos considerarlos como clichés de ejecución de los momentos, es decir responsabilidad de director y actores.

Bueno esto parece suceder en la película Posdata: te quiero, la cual es protagonizada por Hilary Swank y Gerad Butler, en donde ambos interpretan a una joven pareja que sufre lo que todas las parejas sufren, peleas de vez en cuando, malentendidos, etc., pero que repentinamente y sin mediar más preámbulos, se ve separada por la muerte de uno de los integrantes.

Posdata: te quiero empieza mostrándonos a una pareja normal de esposos, Holly (Swank) y Gerry (Butler), que luego de una pelea, discusión y todo por lo que las parejas suelen pasar cuando se enojan, se besan y se amistan; momento después, y tras la aparición de los créditos iniciales de la película, saltamos hasta el velatorio de Gerry (Butler), en un bar – restaurante de propiedad de la madre de Holly (Swank). Pero, mientras ese salto es algo brusco, es en este punto donde recién se puede apreciar lo que la película verdaderamente nos quiere plantear. Para empezar vemos a un padre que presenta una de las canciones favoritas de Gerry, y empezamos a escuchar los primeros acordes de la canción Fairytale of New York de The Pogues, la cual inunda el aire. Lo malo de todo esto es que esa canción está editada para que precisamente espectadoras como yo lloremos un poco o al menos nuestros corazones puedan conmoverse.

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Una historia que rodea el amor, el dolor, la resignación, las distancias. Dos mujeres unidas por un oficio. Un oficio que al ser el más antiguo del mundo reúne a muchas mujeres. Dos mujeres que corren a través de la vida que les tocó deseando atravesarla y llegar a una mejor.
Dos mujeres: Zule y Caye

Zule o Zulema, interpretada por Micaela Nevárez es una mujer latina que ha dejado su país, sus costumbre y principalmente, a su hijo mientras busca un futuro mejor en España.

Caye o Cayetana, plasmada en la piel de Candela Peña vive sola en un edificio en Madrid, todos los días almuerza con su familia y enfrenta las preguntas, los llamados a deshora; la realidad y todo lo que ésta lleva consigo.

Este film dirigido por Fernando León de Aranoa presenta el conflicto de los inmigrantes ilegales, la facilidad para entrar en un país como España, pero la dificultad para volver a entrar si uno sale.

Un conflicto que gira en torno del amor, del trabajo, y de cómo se hace cuando uno se cruza con el otro y se dan la mano tan fuertemente que no se pueden soltar. Una película para llorar, para entender, para sonreírse y para valorar la amistad, la libertad y la confianza en el otro y por sobre todo, en uno mismo.

¿Se puede tener nostalgia de algo que aún no ha pasado?
Una de las escenas más desestructuradas y más estructurantes de la película. Caye, sostiene que su vida es nostalgia, es melancolía de lo que no tiene, plantea que la nostalgia es añorar algo que uno conoce… Entonces pregunta, podemos añorar algo que no sabemos cómo es, pero ansiamos tanto conocer algo diferente a lo que conocemos, que añoramos algo…que quizás ni nos guste.

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Adrenalina corriendo por las venas, en cualquier momento podemos ser nosotros quiénes estemos en la pantalla, sin darnos cuenta podemos dejar de ser espectadores para pasar a ser víctimas.
El peligro no se puede rastrear, se mueve demasiado rápido y no utiliza mapas ni relojes, solo instinto, dolor, y un sistema virtual y social desquiciado.

Untraceable, así es su título original, Sin Rastros en español fue dirigida por Gregory Hoblit, lleva la adrenalina al punto máximo, lleva el peligro a un terreno bordeando lo sádico, lo desagradable y lo inhumano.

Una visión clara por la sociedad norteamericana en particular y moderna en general, en donde el dolor del otro, el sufrir de mi semejante no es más que “mero entretenimiento”.

El sitio protagonista de la película fue creado en la web real como una forma de pedir por la seguridad virtual, si quieres sumarte a esta compaña, puedes visitarlo en la web

Esta película está protagonizada por Diane Lane, que encarna a una agente del FBI que se encanrga de investigar crímenes virtuales. Un día ella se encuentra con un sitio llamado “Kill with me”, mata conmigo. A partir de lo que ve, su modo de vivir da un giro transversal, comienza a correr peligro, a atar a cabos, a reconocerse lejos estando cerca, pierde el control total de lo que sucede.

Un sitio web es el protagonista de tanto crimen, de tanto dolor, una cámara web es la única testigo, un sótano es el lugar perfecto para sumarle un escenario más tétrico a los miles de espectadores que conforman la “tribuna” virtual.

Las víctimas comienzan siendo gatos, “es un chiste” comentan los visitantes del sitio en el muro del blog, pero luego él asesino empieza a mostrar gente, personas a las que mediante engaños o inventos los lleva a su casa, los encierra en su sótano y los prepara para una exposición pública sumamente desagradable que consiste en tortura y muerte.

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Por alguna razón, no pude dejarme atrapar por esta película. Se que es buena, me doy cuenta. Pero algo le falta para cautivarme totalmente. Se que las actuaciones están perfectas. Que la fotografía acompaña muy bien. Pero no me alcanza. Una de las posibles razones que despierta esta reacción, es que hace tan solo dos días, he visto la última película de esta directora (Things we lost in the fire) y encontré entre ambas, varios puntos de contacto. Una mujer viuda, obviamente un marido muerto (o así parece), otro hombre que no termina definitivamente de ocupar el lugar del difunto y cosas similares. Si bien Hermanos es anterior a la película que acabo de mencionar, me quedó la sensación de que había visto una buena película que por alguna extraña razón no termina de serlo. Las similitudes me hicieron compararlas y como todos sabemos, las comparaciones nunca son buenas.

Hay algo en el guión que no termina de cerrar. Comienza muy bien. Presentando a uno de los personajes principales, Michael (Ulrich Thomsen), haciendo su trabajo. Es un militar de alto rango que partirá esa misma noche en misión rumbo a Afganistán. A continuación conocemos a su hermano Jannik (Nikolaj Lie Kaas) que sale de la cárcel después de cumplir su condena por haber cometido un crimen en un banco. Conocemos a la familia. Los abuelos. Las hijas. La esposa de Michael, Sarah (la hermosísima Connie Nielsen) y hasta aquí, todo marcha bien. Después de esto, el guión se desmorona de a poco. Los padres de Michael y Jannick caen en el lugar común. El padre ama a su hijo ejemplo y detesta al delincuente que nunca perseveró en nada. Mamá está tan feliz de tener a sus dos hijos juntos que no le importa nada más. Y así seguimos.

Michael y Sarah se despiden esa noche como si saliera a comprar cigarros. No hay un nexo real entre ellos, por más que los veamos en la intimidad y felices, no terminan de convencer. Lo que como espectadores nos da a pensar que lo realmente intenso sucederá con Jannik, el hermano del que habla el título de esta cinta.

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Adiós a Las Vegas es una película fuerte. Adiós a Las Vegas es la película por la que va a ser recordado Nicholas Cage. Es una mirada lúcida al mundo del alcoholismo. La película muestra uno de los estadios más bajos a los que llega un hombre por el tobogán del alcohol.

En Adiós a Las Vegas vemos algunos días que comparten un alcohólico que ha perdido su trabajo y se va a Las Vegas a morir gastándose lo último que le queda en alcohol, y una prostituta que está huyendo de su hombre.
Estamos acostumbrados a ver en las películas las escenas en que el protagonista se toma un trago con gesto mundano y luego varonilmente prende un cigarro. También solemos ver las publicidades donde gente joven y alegre nos muestra (nos da el ejemplo, la mejor forma de convencer) cómo con el alcohol estaremos rodeados de amigos, juventud y belleza. También estamos acostumbrados a las campañas que advierten sobre los peligros de conducir en estado de ebriedad (recuerdo una que decía SI TOMA NO MANEJE, que si se piensa un poco, es tan absurdo como decir SI SE DROGA NO MANIPULE ARMAS NUCLEARES). Pero hay pocas o ninguna campaña de publicidad o película que hablen en contra del uso del alcohol (ni siquiera sé si sería legal hacer una campaña contra el uso de una producto absolutamente permitido). A lo sumo hay campañas donde se estimula el consumo de responsable del alcohol (Cómo puede ser responsable el consumo de una sustancia perjudicial y adictiva?(no hay forma de involucrarse con una droga y salir ileso, quizá la única manera sea no darse cuenta del daño que causa o morirse antes)).
Adiós a Las Vegas no es una película en contra del consumo del alcohol, es un testimonio desgarrador y dolorosos.

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En una mixtura entre el film noir y el drama con elementos cómicos, Subset Blvd. (1950) presenta una historia de brillo decadente que toma lugar en la ampulosa meca cinematográfica entorno a la década de 1930, en que se produce el auge inicial de las producciones sonoras. La cinta cuenta con la dirección del polaco naturalizado estadounidense, Billy Wilder y la colaboración de Charles Brackett junto a D.M Marshman Jr. para la realización del guión que habría de ser presentado a los estudios Paramount página a página para evitar su previa censura dada la perspectiva por demás crítica con que aborda al mundo cinematográfico.

El comienzo del film nos presenta, en la voz de un narrador en off, un caso policial que ha tomado lugar en una de las fastuosas mansiones, situada en la calle de la que la obra toma su nombre. Sobre la amplia piscina podremos ver el cuerpo de un hombre acribillado suspendido, mientras los oficiales pretenden asirlo y los cínicos periodistas obtener desesperadamente imágenes e información sobre el asunto con el que habrán de lucrar. El relator omnisciente nos afirmará que se trata de un ignoto guionista de films mediocres y adhiere que en el oscuro suceso se halla implicada una célebre estrella del cine mudo. Con ello invitará al espectador a retroceder en el tiempo para desarrollar así el devenir de eventos que han dado lugar a semejante conmoción instaurando un flashback que se habrá de situar seis meses antes de la aparición del cuerpo.
La narración se centrará en el personaje del escritor Joe Gillis (William Holden) que, inmerso en una acuciante situación económica, recurre al director de la Paramount para presentarle su última obra esperando su consideración para llevarla a la pantalla. La respuesta es, de inmediato, negativa de modo tal que el protagonista retorna a su auto y comienza a planificar su retorno a Ohio donde trabajaba en el periódico como redactor mas comprende, pronto, que es seguido por dos hombres que luego entenderemos, son agentes de una empresa de renta de automóviles a la que debe una suma de dinero.
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Gone with the wind, posiblemente uno de los títulos mas renombrados de la cinematografía melodramática hollywoodense, se encuentra basado en la obra homónima escrita por la norteamericana Margaret Mitchell, que obtuvo por ésta un masivo reconocimiento por parte del público, críticos e incluso fue galardonada con un premio Pulitzer por su labor magistral . Para la creación de su historia se dedicó a una minuciosa y extensa investigación con el fin de presentar los sucesos que contextualizan a la obra con la mayor precisión posible. Su adaptación fue realizada en 1939, dos años luego de haber sido la obra publicada, bajo la dirección de Victor Fleming, también responsable por la entrañable Wizard of Oz entre otros films en su, para entonces, extensa filmografía y con la colaboración de un elenco cautivante compuesto por grandes figuras como Vivien Leigh, Thomas Mitchell y Clark Gable.

La historia comienza su desarrollo en instancias previas a la Guerra Civil, hacia 1861, en el estado sureño de Georgia, donde se hallan las extensas plantaciones de la familia O’Hara. La narración pronto dirigirá nuestra atención a la mayor de las hijas de la pareja ya entrada en años, Scarlett (Leigh), una muchacha consentida e indomable que por su gran belleza tiene a los poderosos jóvenes del pueblo a su disposición mas ninguno de ellos parece atraerle como el refinado Ashley Wilkes (Leslie Howard). Sin embargo éste, para su descontento, pronto habrá de revelar el compromiso con su prima en una reunión familiar que se llevará a cabo en las excelsas tierras pertenecientes a los padres del muchacho. Allí la protagonista, determinada, confiesa al prometido su interés mas éste, si bien la considera atractiva, se mantiene firme en su proyecto pues tiene con Melanie una mayor afinidad. Repentinamente llega a la reunión la noticia del comienzo de la guerra de secesión, razón por la que todos los hombres alli presentes se apresuran a enlistarse. Antes de partir, el joven Charles Hamilton (Rand Brooks), hermano de su prima, le pide se case con él antes de partir a su función. Scarlett sin dudarlo acepta con el fin primordial de generar en Ashley irremediables celos y lograr con ello que revierta su opinión es así que entonces la boda se realiza y el muchacho parte para, poco después, fallecer de neumonía. Abrumada, decide dirigirse a Atlanta junto a Melanie para, secretamente, aguardar el retorno de su adorado aún disuadida por su madre. Es allí que asiste a un baile para la recaudación de fondos destinado a la armada y pronto es abordada por el galante Rhett Butler (Gable), a quien ya conocía desde la región familiar y quien pronto le invita a bailar aprovechando la oportunidad para aproximarse a ella románticamente. Esto es, en verdad, muy mal visto por los restantes invitados que miran con asombro a la reciente viuda en brazos de un hombre que le es ajeno. Desde allí la narración pronto presenta la Navidad de 1863, cuando los soldados retornan a sus hogares por tres cortos días, entre ellos Ashley quien, al cabo de ocho meses, durante la violenta campaña de Atlanta, habrá de recibir a su primer hijo. La joven Scarlett ayudará a la doliente Melanie que comenzará entonces, inoportunamente, su labor. Rhett, presto, acude a ellas y las conduce fuera de la ciudad para resguardarlas del peligro y luego partir, solitario, para participar en las fuerzas. A su despedida el muchacho pretende besarla pero solo obtiene de ella una bofetada.
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¿Y si por cada globo hubiese una ilusión?

Los globos se tocan en el cielo, se entrecruzan, se miran, se sienten, cruzan el oceáno, atraviesan el cielo, y quiénes los tiran pueden sentir, que tocan el cielo. Dos historias que en realidad son una, Buenos Aires y Madrid, todos buscan la felicidad, que para cada quien es diferente, pero para todos es una búsqueda constante. En Buenos Aires vive el personaje que interpreta Facundo Arana, Santiago se casa con Amparo, interpretada por Montse German ya que ella no puede tener hijos, pero no es un casamiento normal, Santiago sigue con su vida disparatada y llena de mujeres mientras para la asistente social hace de padre primerizo. La abuela de Santiago vive sola en Buenos Aires, genial interpretación de China Zorrilla ella tuvo dos hijos, uno, el papá de Santiago que murió junto a su esposa en un accidente automovilístico en el cual Santiago sobrevive gracias a Gloria, la amigable Betiana Blum; el otro hijo vive en España, en Madrid sin trabajar, de sus rentas, culto, escritor, y totalmente loco. La mejor interpretación de la película es la de él: Chete Lera, en el rol de Pedro. Él tiene un hijo Fidel que vive encerrado en su habitación y él cree que es reaccionario. Pedro también se enamora de una amiga de Fidel que viene a estudiar a su casa sobre literatura, y es el mejor amigo de Gloria, con quien comparte todas las cenas de los jueves.

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