“Noche y Niebla” es un documental de 32 minutos, realizado en 1955 por Alain Resnais, acerca de los campos de concentración. El film fue parte de la celebración de los diez años de la liberación de Francia de la ocupación Nazi, celebración impulsada y organizada por los historiadores Henri Michel y Olga Wormser-Migot. Comisionado por el Comité de Historia de la Segunda Guerra Mundial y la Red del Recuerdo, fue escrito por el poeta Jean Cayrol (cuya voz es la que se escucha como narradora a lo largo de la película recitando sus propios textos), quien había publicado en 1945 “Poemas de la noche y la niebla”, en referencia a su experiencia como sobreviviente del campo Mauthausen.

El título original era “Resistencia y Deportación”, pero en una reunión de pre-producción se decidió reemplazar ese nombre por el de “Nacht und Nebel” (“Noche y Niebla”), remitiendo a la marca que tenían ciertos prisioneros políticos, y al decreto de 1941 de Heinrich Himmler, en el cual quienes resistieran al Reich serían deportados y “disueltos, desaparecidos en la noche y la niebla”. La expresión, coloquialmente, significa algo así como “escapar secretamente de la oscuridad”. También en la ópera de Wagner – el compositor preferido del nazismo - “Das Reinghold” (1869) uno de sus personajes termina diciendo, mientras desaparece “Noche y niebla, ya no más nadie”. Resnais, por su parte, aceptó participar por la presencia de Cayrol, pero también, como dijera luego, porque veía la posibilidad de elaborar una obra que también estuviera hablando, desde un lugar distanciado, de la ocupación francesa en Argelia.

El film está rodado en color, pero revirtiendo permanentemente a las imágenes en blanco y negro de archivo, tanto de fotografías como de viejos noticieros. Estos últimos ilustran la barbarie y el sadismo nazi, al tiempo que el texto en off comenta la estructura y el funcionamiento de los campos de concentración. No es sólo la tortura su foco de interés, sino también ver a los campos como parte de un engranaje económico. De hecho, Pier Paolo Pasolini habría de hacer algo similar en su pieza teatral “Calderón” (una relectura de la obra “La vida es sueño”, de Calderón de la Barca, de 1635), de 1973, cuando su protagonista despertara finalmente para ver la realidad como un campo de exterminio.

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El planeta entero está a punto de ser destruido por la acción del ser humano, todos los científicos lo dicen desde sus laboratorios y universidades. Ante el calentamiento climático, la fundición de los hielos, la desaparición de millones de hectáreas de bosque y los numerosos desajustes naturales que ocurren en todo el planeta hay algunas personas que están intentando reaccionar. Este es el caso de Rob Stewart, biólogo y fotógrafo especializado en el mundo submarino y un ¡enamorado de los tiburones! Testigo de la extinción en masa de su animal favorito, traza aquí el retrato apenando de una especie en vías de extinción, una especie que nunca ha tenido las simpatías del hombre y ha sido maltrata. A través de un documental de choque que no duda un segundo en ir a expulsar a los furtivos y tomar partido en la lucha por las especies animales, Rob Stewart reacciona y nos abre los ojos sobre nuestra ignorancia y pasividad. Una crítica constructiva, apasionada y terrible.

Desde la infancia, Rob Stewart es un apasionado de los tiburones. Tanto que se convirtió en biólogo y fotógrafo submarino con el fin de poder nadar con ellos, descifrar su misterio y destruir el mito del tiburón antropófago. Este mito, enteramente, sería a su modo de ver responsable de la indiferencia que rodea al ser humano ante estos animales en todas partes del mundo. Si no, no existe otra explicación a la masacre que se realiza con fines comerciales. De Costa Rica a las Islas Galápagos, pasando por Guatemala, Stewart y la tripulación del activista de los mares Paul Watson intentan denunciar y hacer fracasar a los furtivos a saldo de mafias asiáticas respaldadas por gobiernos corruptos. En juego está el equilibrio ecológico del planeta.

Raros son los documentales que nos ponen ante una realidad tan terrible, capaz de hacer nacer en el espectador un sentimiento de culpabilidad tan intenso y útil en esto de la concienciación ecológica. Como buenos imbéciles que somos, nos hemos empapado de la imagen que la televisión ha dado de un animal al que se ha demonizado sin motivo. El tiburón ha sido considerado como el último enemigo de la especie humana al considerarlo el rey de la cadena alimentaria del fondo marino. Sin embargo estamos hablando de un animal temeroso, muy poco conocido por parte de los biólogos y que se está extinguiendo a pasos agigantados. En los últimos años, a causa del comercio de la aleta de tiburón se ha convertido en una delicatesen en algunas regiones del mundo. Gracias a eso, se estima que el 90% de los tiburones han desaparecido.

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La película que hoy os regalamos en Cartelera10.com describe el proceso de recuperación de empresas en Argentina por parte de los trabajadores. Una película de los canadienses Avi Lewis y Naomi Klein. Con voluntad “subversiva” y “de emocionar” gracias a “una historia humana” en los antípodas del reality show, Klein y Lewis pretenden que La toma dé “un giro de 180 grados al debate sobre la globalización“. ¿Cómo? “Presentando alternativas” a una problemática, la de la fuga de capitales y la deslocalización de empresas, capaz de “arrasar un país fronterizo entre el primer y el tercer mundo como Argentina pero que amenaza por igual a Barcelona, Toronto y Caracas“.

Lewis admite que se han ocupado fábricas en otros lugares y momentos de la historia, pero destaca del caso argentino “un énfasis nuevo en la democracia de base asamblearia” y el ejemplo de una lucha obrera que sustituye “la tradición de la huelga” por la “insistencia en el derecho y la necesidad de trabajar con dignidad“. Klein puntualiza: “Si en los años 70 la ocupación de fábricas fue fruto de una ideología que iba de la cabeza a los pies, hoy se ha invertido el proceso y la política nace y crece en acciones como la de ocupar no sólo una fábrica, sino una casa, un centro social o –tomados de internet– un programa de software libre o una canción“.

La combinación suena letal: Martin Scorsese + los Rolling Stones. El documental “Shine a Light” se estrenará el año que viene y mostrará a la banda inglesa en primer plano en un concierto filmado en el Beacon Theatre de Nueva York en setiembre de 2006. Martín Scorsese es fanático de los Stones y recién ahora pudo cumplir el sueño de trabajar junto a su grupo favorito, al que no conocía personalmente. El talentoso director musicalizó varias de sus películas con temas de ellos, como “Buenos Muchachos” y “Casino”.

En el documental, en el pequeño teatro de Nueva Cork aparecen invitados especiales como Bill Clinton o Christina Aguilera, es decir gente que no tiene nada relacionado al grupo. Se anuncia como “un acercamiento riguroso, deslumbrante, divertido y profundamente humano a los cuatro miembros de los Rolling Stones a lo largo de su pasado y su más enérgico presente”. Así, a Mick Jagger, Keith Richards, Ron Wood y Charlie Watts se los podrá observar más cerca que nunca.

No es la primera vez que Scorsese se prueba con el rock: ya realizó documentales con The Band (“El Ultimo Vals”), Bob Dylan (“No Direction Home”) y prepara otro sobre el fallecido Beatle George Harrison. Sobre el título de la peli, el director de “Los Infiltrados” afirmó que “me gustaba la idea de la luz: volver a echar luz sobre los Stones, iluminar su música y la contribución que hicieron a la cultura”. La canción “Shine a Light” está incluida en el disco “Exile On Main Street” de 1972.

En una entrevista reciente, Scorsese declaró que en el documental no hay entrevistas con ningún miembro del grupo: “Hace 40 años que los conocemos, ya han dicho todo. ¿Qué se les puede preguntar? Todo es su música y su actuación. Eso es lo que queda, lo que me inspira”. Y precisamente, la música de los Stones habla por sí sola: no faltarán clásicos de toda la vida, como “Jumpin’ Jack Flash” o “Sympathy For the Devil”, y otras menos conocidas como “Loving Cup”, a dúo con Jack White de The White Stripes o “Live With Me”, con la presencia de Christina Aguilera. Aquello de ‘es solo rocanrol pero me gusta’ le calza perfecto a Scorsese, veremos si el documento final está a la altura de los protagonistas.

Interesante documental con teorías alternativas a las causas del calentamiento global. Es un documental largo para ver con tiempo, tiene una duración de 74 minutos pero resulta muy interesante.

Un día como hoy bien podría utilizarse en este blog para hablar de los premios Goya, de lo guapa que iba Penélope Glamour, de lo “divertida” y “fresca” que resultó la ceremonia. Incluso podría criticar con bastante facilidad y mala leche que un país de libertades como el nuestro emita el acontecimiento con media hora de retraso. Y es que no hay nada más peligroso que autoproclamarse intelectual. Por si acaso, voy a lo mío que es comentar películas.

Me atrevo, nada menos que con “Campamento de Jesús”, un documental realizado por Heidi Swing y Rachel Grady que ha sido sorprendentemente nominado para los Oscars. El documental narra las peripecias de un grupo de degenerados que responden al nombre de “soldados de Cristo”, de dudosa pertenencia a la Iglesia Evangélica de Estados Unidos. Unos ciudadanos que gastan su dinero en manipular, mentir y engañar a los niños.

Becky Fischer es la encargada de organizar un campamento infantil en Dakota del Norte. El objetivo es salvar a los niños de la condena eterna. Por ejemplo, está prohibido leer “Harry Potter”. Si algo falla (por ejemplo un ordenador) es porque Satanás anda por ahí. Se les obliga a ir repartiendo propaganda por parques y boleras, tratando de convencer a la gente de que salven sus almas. A los niños que no demuestran una colaboración total les hacen tirarse por el suelo de parquet, llorar y entrar en trance. Se les enseña a rezar mirando ante un muñeco réplica a tamaño natural de George W. Bush.

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Julio Medem es un director controvertido. Sus películas no dejan indiferente a nadie. Para algunos, Los amantes del círculo polar es la más bella historia de amor jamás contada; para otros, una lánguida novela romántica llevada al cine. Qué decir de Lucía y el sexo, que escandalizó por la relación explícita de Tristán Ulloa y Paz Vega. Así que la polémica estaba servida desde el momento en que Medem acometió el proyecto de La pelota vasca. Y es que el tema se las traía: analizar el conflicto vasco desde todas las perspectivas posibles.

A través de múltiples entrevistas y horas de grabaciones en los lugares más hermosos del País Vasco, Julio Medem realiza un collage demostrativo sobre lo que defienden unos y otros. Bien es cierto que no están todos, pues el Partido Popular no quiso formar parte de un documental donde aparecía, por ejemplo, uno de los fundadores de la banda terrorista ETA. Así que el retrato es incompleto. Sin embargo, resulta interesante el contraste entre las ideologías de los entrevistados y las aportaciones al debate desde campos tan diversos como la política, la filosofía o la historia.

Quizá el aspecto más polémico de La pelota vasca es la comparación que hace el director entre las víctimas de ETA y los familiares de los presos. El testimonio de Eduardo Madina, joven socialista que perdió las piernas en un atentado etarra, se solapa con el de Anika Gil, torturada por la Guardia Civil sin motivo aparente. También se pone al mismo nivel a una mujer que perdió a su marido por culpa de ETA y a los hermanos de un preso que tienen que desplazarse miles de kilómetros para visitarle. Sin duda unos pasajes espinosos que fueron muy criticados por el PP y la Asociación de Víctimas del Terrorismo.

Pero La pelota vasca es un documental que sirve para entender muchas cosas. A nivel histórico, se nos explican las bases de quienes defienden la existencia e independencia de la llamada Euskal Herria. Esta tesis la defiende el historiador Tomás Urzainki. El filósofo Javier Sadaba, por su parte, intenta desmitificar la idea de que el nacionalismo es algo inmoral y excluyente, como quiere hacerse ver desde determinados partidos políticos. También hay declaraciones del lehendakari Juan José Ibarretxe y del ex presidente del gobierno español, Felipe González, que habla (poco) del GAL.

En cualquier caso, el objetivo de Medem era crear un documental polifónico sobre el País Vasco, ir más allá de los ‘buenos y malos’, adentrarse en los matices que a veces se nos escapan. Para ello, La pelota vasca se editó en una versión extendida de 7 horas de duración con todas las entrevistas completas que no cupieron en la versión comercial, de apenas 2 horas. También se editó un libro con la trascripción de las entrevistas y se abrió un foro de debate para que todo el mundo expresara su opinión. Porque esa era la intención de La pelota vasca: dar voz a todas las partes protagonistas.

Además, Julio Medem tiene previsto rodar una película de ficción llamada Aitor. La piel contra la piedra, que tratará de un hombre vasco en dos espacios de tiempo: entre los años 1976 y 1978, y en el año 2004. En palabras del director, el film será “una metáfora y una utopía de lo vasco, una sociedad profundamente plural”.

En 1935, un minero soviético llamado Alexei Stakhanov se convertía en héroe de los obreros. Había conseguido extraer 102 toneladas de carbón en un solo turno, el hombre dejaba paso a la leyenda… Incluso fue portada de Time.
Working’s man death fue presentada en septiembre de 2005 en el Festival de Venecia y sorprendentemente estrenada el 7 de julio de este año en nuestro país gracias a Sagrera TV.

La cinta hace un viaje por cinco lugares del mundo para descubrir las condiciones en que se desarrollan varios trabajos. El documental se divide en los siguientes capítulos, que se corresponden con distintas zonas del globo terráqueo:

Dewa Khan es agricultor, pero como las cosechas apenas le dan para vivir trabaja con otros cientos de personas en Gaddani, Pakistán. Con sus manos se dedican a desguazar barcos petroleros procedentes de todos los países del mundo. Se expone diariamente al peligro de una explosión y a ser aplastado por los grandes metales que caen desde las máquinas.

En Ucrania, Valodja y Vassili trabajan muy cerca de donde Stakhanov batió su famoso record. Sacan el carbón de un hoyo de unos 40 centímetros de profundidad que ellos mismos han cavado, apenas les da para su uso personal.

Pak Agus lleva más de treinta años transportando azufre utilizando dos cestas atadas a un yunque. Carga entre 70 y 100 kilos que baja desde el volcán hasta el valle donde lo vende. En su ruta diaria se encuentra con turistas que visitan los volcanes de Indonesia que le preguntan y hacen fotos como quien ve a un fantasma.

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