Instinto Básico es una producción de 1.992 que impactó a todo los espectadores que asistieron en masa a los cines a disfrutar de ella. La película fue un éxito absoluto de taquilla a nivel mundial, logrando establecer a Sharon Stone como uno de los símbolos sexuales más poderosos de todos los tiempos. Sin embargo, es una película que el tiempo ha condenado, haciendo olvidarla y dejándonos ver lo vacía que en muchos aspectos realmente es.

Bajos instintos cuenta la historia del detective Nick Curran (Michael Douglas), quien debe investigar el asesinato cometido a una importante personalidad musical de su ciudad. La principal sospechosa del crimen es una escritora que mantenía relaciones sexuales con él: Catherine Tramell (Sharon Stone); pero que también escribió un libro que contiene una descripción exacta del asesinato que se llevó a cabo. Mientras Curran investiga a Tramell debe continuar con el tratamiento médico llevado a cabo por su ex esposa, la doctora Beth Garner (Jeanne Tripplehorn), al que se encuentra obligado a asistir por el asesinato causado a unos civiles estando bajos los efectos de la cocaína y el alcohol.

A medida que la investigación se va profundizando, Tramell se va haciendo más sospechosa, pero también se va relacionando de manera más intima con Curran, a quien parece estar manipulando con su atractivo físico y sexual, y con su gran inteligencia. Entre los dos una inmensa relación pasional se mantiene a lo largo de todo el film, lo que parece arriesgar la vida de Curran y que termina en el asesinato de su compañero Gus (George Dzundza). Gracias a las pistas dadas por Tramell, se descubre que la verdadera asesina es una antigua amante y compañera de Universidad de Tramell, quien está obsesionada con ella. La persona es la misma doctora Garner. Al final se deja una ambiguedad sobre sí Tramell era o no la asesina por el plano de un pica hielos debajo de su cama.

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A pesar de que la taquilla recaudada fue más que aceptable, a la crítica y el público no les gustó esta película, siendo tal vez la peor comentada y tratada de todos los trabajos de su director. Sin embargo, a mí personalmente me encanta El Planeta de los Simios, la que consideró la mejor de Tim Burton, junto a Ed Wood.

La historia se centra en la vida del capitán de la estación espacial Oberon, Leo Davidson (Mark Wahlberg) quien está a cargo de entrenar chimpancés para que viajen en misiones que son arriesgadas para los seres humanos. Después de analizar lo que parece ser una tormenta eléctrica, el comandante decide enviar al chimpancé Pericles para estudiar lo sucedido. Sin embargo, en el desarrollo de la misión algo extraño sucede y la nave del pequeño animal desaparece. Davidson, quien era muy allegado a él, sale de manera impetuosa y desobedeciendo las ordenes de la tripulación, en búsqueda de Pericles.

Como era de esperarse el viaje del capitán tampoco sale de acuerdo a lo planeado, atravesando una tormenta electromagnética que lo hará aterrizar en una selva de algún planeta desconocido. En este mundo al que llega muy pronto se da cuenta que los seres dominantes son unos simios, mientras que los humanos están condenados al papel de meros objetos de trabajo para ellos. La clase social simia está muy organizada y tiene cercanos comportamientos a la de los hombres, teniendo un sistema bastante jerarquizado.

Davidson es cazado junto a otro grupo de hombres por lo que serían las fuerzas militares simias. Todo el grupo es llevado para ser entregados a Limbo (Paul Giamatti) un orangután que está en el negocio de la trata de humanos esclavos. Allí, y siendo una de las escenas que más me impactó y se quedó en mi memoria por siempre, una sobrina del general Thade (Tim Roth) está cumpliendo años, por lo que él decide comprarle una mascota. El regalo para ella será entonces una linda niña que la sobrina del general se llevará para su casa, la encerrará en una jaula y la sacará a pasear con un collar.

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Uno de los directores de la ola americana de los años setenta que más impresionaron al mundo por su narrativa casi que exclusivamente visual fue Brian De Palma. Conocido por su clásicos de terror como Sister y Carrie en los setenta, los que hacían recordar mucho a Hitchcock, De Palma hizo un fuerte giro temático en sus producciones a finales de los ochenta al cine de gánsteres, dejando para la posteridad clásicos imperdibles como Los Intocables y la película a la que haremos referencia, Atrapado Por Su Pasado.

Habiéndose interesado desde la época en que filmaba Serpico, Al Pacino le llevó a finales de los ochentas los libros de Edwin Torres “After Hours” y “Carlito’s Way” al productor Martin Bregman para la realización de un film basado en estos. Bregman contrató a David Koepp para que escribiera el guión, y después de dos años y varios intentos de directores para que se hicieran cargo (Abel Ferrara y John Mackensi) el proyecto pudo hacerse realidad cuando Brian De Palma se unió al mismo.

Carlito Brigante (Al Pacino) es un reo que acaba de terminar de cumplir su condena y está a punto de retomar su libertad. Una vez afuera, decide que va a encaminar su vida en medio de la legalidad, con la intención de poder terminar sus días de una manera más tranquila. Sin embargo, prontamente se da cuenta que su antiguo trabajo como un exitoso traficante de heroína, le ha dado una fama y respeto en el bajo mundo que lo va a perseguir por siempre.

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En 1.991, cuando Quentin Tarantino todavia era un empleado de la tienda de video alquiler “Video Archive” tuvo la oportunidad de conocer a Tony Scott, quien le compró los derechos de un guión que se llamaba “True Romance”. Con el dinero obtenido por esa venta, unos 50.000 dólares, iba a financiar su opera prima, Reservoir Dogs. En una entrevista de 2.003 que le dio a Charlie Rose, Tarantino le dijo que él consideraba que uno de sus mejores guiones producidos había sido precisamente este, que dirigió Scott, y la verdad es que creo saber por qué.

“True Romance” cuenta la historia de Clarence (Christian Slater), un vendedor de revistas y cómics, aficionado a Elvis y lo que se podría decir en el argot estadounidense un “perdedor” de la ciudad de Detroit. El día de su cumpleaños termina solo en un cine viendo tres películas de Sonny Chiba, puesto que trata de conquistar a una mujer mayor y no muy atractiva en un bar quien le dice que no a su invitación, y tampoco tiene una pareja quien lo acompañe. Mientras está en el cine, una bellísima mujer llamada Alabama (Patricia Arquette) se sienta a su lado después de botarle las palomitas de maíz, demostrando que su intención era estar con él. Ambos salen del cine, y se toman una romántica taza de café donde tienen la oportunidad de conocerse mejor y darse cuenta de que tienen mucho en común. Para el final de la noche, Clarence la lleva al lugar donde trabaja y entre los dos se solidifica una envolvente atracción, llevando a que ambos compartan la noche.

Más tarde esa misma noche Clarence se despierta y nota que Alabama está llorando. Cuando él le pregunta la razón ella le confiesa que es una trabajadora sexual y que fue pagada por Lance, su jefe, como un regalo de cumpleaños. La idea era que tuvieran una relación de una noche y ella lo abandonara sin que este se diera cuenta. El problema fue que ella se enamoró de él y no pudo abandonarlo. En una muestra de inmensa sensibilidad, Tony Scott hizo de esto una secuencia romática absolutamente tierna y hermosa, al mostrarnos como este par se va enamorando lentamente.

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Con título original Space Cowboys nos encontramos ante una película del ya mítico Clint Eastwood. Esta tiene un reparto protagónico de ensueño encabezado por el propio Eastwood, junto a Tommy Lee Jones, Donald Sutherland y James Garner. Es del año 2000 y creo que ni debería aclarar que es proveniente de Estados Unidos.

Tomando en cuenta estos datos ya de por sí esta película atrae. Por un lado es dirigida por el propio Eastwood, que se ha encargado de dirigir tanto el Díptico de Iwo Jima, como Río Místico, como Million Dollar Baby, como Los Puentes de Madisson. Hay quien dice que uno, al más conocer más sabe que desconoce y me sentí así (aunque es un ejemplo concreto y, tal vez algo tonto) debido a que yo creía que la carrera de director de Eastwood había empezado con Los Puentes de Madisson. Creo que esto es debido a un tema generacional, en parte (porque de Eastwood tengo el recuerdo de verlo en la televisión en películas de cowboys… y por ende, pensarlo solamente como actor). En parte a su vez porque, si bien (con las películas que he nombrado) he visto y disfrutado de su producción nunca me puse a averiguar mucho sobre él; sería algo así como el respeto por un clásico que se ha ganado su lugar y sabe bien qué es lo que hace, aunque sin un interés específico por demás (por averiguar sobre él, digo) de quién escribe, hasta ahora.

De cualquier forma, no deja de ser uno de los pocos representantes actuales, vivos y en actividad de cine más bien clásico. Mi sensación exacta con las películas de Eastwood es que “Voy a ver algo en lo que se cuenta algo (eso, sea lo que sea) sin dar muchas vueltas y sabiéndolo contar”. Cosa que, viendo el panorama actual, puede ser algo complicado de encontrar puesto que hay muchos directores (y voy a dar ejemplos de “más o menos independientes” al menos en su propuesta, con estética y temas muy particulares pero que al mismo tiempo hayan logrado su fama y hacer cosas extremadamente redituables) como podrían ser David Lynch, David Cronenberg, Tim Burton, Tarantino y me estoy preguntando seriamente si Lars Von Trier (no sé, no estoy seguro). Pero en fin; que esta sensación es parecida a la que siento cuando se anuncia una película de Robert Redford que es un señor al que respeto y que hace buenos productos (tanto y tan poco como eso).

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A pesar que muchas veces le he escuchado negar su calidad de intelectual, me parece que Woody Allen es una de las personalidades más interesantes, profundas y conocedoras del cine, siendo uno de los últimos y pocos genios de nuestra época.

“Shadows and Fog” es una de las películas que demuestra la capacidad de manejo y profundo conocimiento que Allen tiene de su arte. En esta obra, Allen hace referencias constantes y muy claras al expresionismo alemán de principios de siglo, especialmente a Murnau y a Lang. Sin embargo, y esa es la genialidad del director, la intención es contar una comedia en medio de este claro y directo homenaje a este tipo de películas.

Al principio de la película, un hombre enciende un cigarrillo y camina hacia un callejón muy oscuro y lleno de niebla, en donde un asesino que camina de manera muy parecida al vampiro Nosferatu se acerca y lo estrangula. La escena, con una magistral fotografía en blanco y negro a cargo de Carlo Di Palma, parece sacada de alguna película de los años treinta filmada en Alemania.

Un corte abrupto nos lleva hasta el apartamento de Kleiman (Woody Allen), quien es despertado por una serie de vecinos que decidieron atacar al estrangulador y formar un grupo de vigilancia para asesinarlo. Él, que es muy nervioso y acelerado (típico personaje de Allen), se muestra absolutamente en desacuerdo con la idea. Sin embargo, Kleiman es alguien de muy poca personalidad, lo que le impide sentar su posición frente al grupo de vigilancia, por lo que le toca alistarse y salir a la ciudad a atrapar el asesino. Una vez afuera, al grupo de vigilancia se le olvidó informarle a Kleiman cuál era su papel, por lo que él se debe pasear toda la noche no sólo vigilando al asesino que tanto le teme, sino tratando de averiguar exactamente cómo debe vigilarlo.

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Esta es la última película realizada por Robert Altman. Del año 2006, viene de Estados Unidos con un elenco coral, multifacético y destacado donde resalta Meryl Streep con Kevin Kline, Lily Tomlin, Lindsay Lohan, Woody Harrelson, John C. Reilly, Tommy Lee Jones, Virginia Madsen, entre otros.

Robert Altman nació en febrero de 1925 y murió el 20 de noviembre de 2006. Ha marcado el cine de los últimos cuarenta o cincuenta años, especialmente en Estados Unidos. Tiene la particularidad de haber sabido andar a contracorriente, burlarse de los Oscars o hacer encolerizar a Robert Duvall por lo “desorganizado” de un rodaje (del cual saldría su película, después convertida en serie de televisión: MASH). Tiene en su haber películas como Nashville, Tres Mujeres, Las Reglas del Juego, Ciudad de Ángeles, Gosford Park, etc. Es un director que tiene la particularidad de ser muy querido.

Su título original es “A Prairie Home Companion” y debo mencionar que ya desde aquí (desde el título) me hace acordar a su película anterior: “The Company” en la que Neve Campbell cumpliría la misma función que aquí tiene Garrison Keillor. ¿Por qué? Porque Garrison Keillor es el conductor y eventual cantante en un programa radial que comparte la mayoría de las características del de la película que nos ocupa (o sea, estoy diciendo que este programa no sólo existe en esta “ficción”; sino también en la realidad).

Y es que en fin (y antes de hablar “más a fondo de la película) debemos empezar diciendo que esta empieza con un Kevin Kline haciendo de un extraño ex detective que a falta de trabajo terminó trabajando en este radio haciéndose cargo de la seguridad. Este personaje ya desde un principio transmite una cierta emotividad y melancolía propia de aquellos seres que poblaron y tuvieron su lugar; y que se han visto desplazados con el tiempo, de todo su universo de referencia, pero no de su propia imagen ni de su existencia. Y si bien este personaje no va a tener nada que ver con lo que veremos y con lo que se desarrollará en la película, talvez justamente tenga en común la melancolía por aquello que deja de ser presente. Esto último se puede enlazar en varios sentidos. Por un lado en el sentido concreto y directo de la radio que nos ocupa; que, desde el teatro Scott Fitgerald dejará de existir y estar en ese lugar (desde donde emite hace 30 años) para ser sustituido por un seguramente “más rentable” estacionamiento. Por otro lado con el propio Altman; puesto que esta era su última película y, seguramente, no le sería ajeno el conocimiento del advenimiento de su propia muerte.

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A principio de los noventa el cine de acción estaba en unos de sus momentos de mayor apogeo. Iniciando un ciclo desde mediados de los años 80 con películas como Arma Letal, Jungla de Cristal y El Exterminador; para la siguiente década las secuelas de estas y otras habían dado mucho éxito en la taquilla, revitalizando aún más el poderío de Hollywood.

En medio de esto, exactamente en 1.991, nació de los escritos de Shane Balck y bajo la dirección de Tony Scott, El Último Boy Scout. Película protagonizada por Bruce Willis y Damon Wayans, junto a Noble Willingham, Taylor Negron y Halle Berry, que narra la historia de un detective privado y un ex futbolista americano, que se ven envueltos en el corrupto mundo de las mafías, las apuestas, los políticos y los turbios negocios que se desarrollan detrás de las canchas del deporte favorito de los Estados Unidos.

Introduciendo el film con unos acordes menores de la composición de Michael Kamen, quien detestó la película una vez lo vio, se establece un aire de misterio y peligro como primer ingrediente. Abruptamente se le da una entrada a una canción pop denominada “Friday Noght’s A Great Time For Football” interpretada por Bill Medley, quien se encuentra acompañada de sensuales porristas, conformando una perfecta antesala a un partido más de la NFL. Una vez finalizada la fiesta, dejamos de ser espectadores pasivos y nos convertimos en testigos directos de la crisis por la que están pasando los dueños de los equipos. Marcone (Willingham) es dueño de los L.A. Staliions y una de las figuras más prominentes del deporte. Sin embargo y a pesar de su posición, se ve disminuido a la hora de responder las inquisitivas preguntas de un periodista que le recalca en ellas que menos gente va a los estadios y menos gente ve los partidos por televisión. Una de las mejores respuestas que tiene Marcone contra los ataques es su estrella Billie Cole, quien acaba de ser presionado por Milo (Negron) para que haga más anotaciones de las que regularmente logra, dado que esas eran las apuestas arregladas. Billie Cole sale al campo y después de asesinar a varios contrincantes, se suicida en medio de la cancha, dejando establecido la fuerte crisis por la que pasa el futbol americano.

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Esta película es la primera que el reconocido y experiente actor Tommy Lee Jones aborda como director (más allá de que ya había tenido su experiencia en este rol en televisión). Es del año 2005, proviene de Estados Unidos y se supone que también de Francia. Esto puede parecer un poco extraño puesto que podríamos pensar que es sólo estadounidense (y mexicana a su vez); pero entendemos más cuando vemos en los créditos que ha sido producida por Luc Besson (y la productora es EUROPACORP, de este mismo); más allá de que también la han producido el propio Jones, Michael Fitzgerald y Pierre-Ange Le Pogam.

En esta actúan Tommy Lee Jones (como el estanciero Pete Perkins) junto a Barry Pepper (Mike Norton, quien se muda a Texas porque ha conseguido trabajo como Guardia Fronterizo), Julio César Cedillo (el mexicano Melquíades Estrada, que resaltará más por lo que su personaje significa como símbolo, encarnación de una realidad y amigo de Perkins que por su propia actuación), January Jones (Lou Ann Norton, la rubia linda simpática y hermosa que ha venido caer en el maldito y tedioso pueblo desde donde parte la acción debido a que su marido Mike ha conseguido trabajo allí) y Melissa Leo (como Rachel, la camarera que hará de lazo y amante de varios personajes y de la historia en sí).
Creo que justamente el personaje de Rachel surge y se hace necesario si lo pensamos a partir del guiónista: Guillermo Arriaga (guionista de Amores Perros y 21 Gramos que por esta película y junto con Jones fue premiado en Cannes). Como siempre su guión rompe con al linealidad y habrán personajes que se encuentren y desencuentren en pasados-presentes y futuros; aunque de forma diferente a esas otras películas y, mayoritariamente durante la primer parte de la película. Esta defragmentación de la historia, y estas líneas que durante el principio (hasta que “El Viaje” empiece) se van entrecruzando han sido tildadas de innecesarias en una película que podría ser totalmente lineal. Estoy de acuerdo en que la película realmente podría ser totalmente lineal; pero no en que estas “bifurcaciones” restan y confunden. Aunque es cierto que se diferencian mucho del resto.

De cualquier forma nos encontramos ante una película dividida en “capítulos” (no de igual extensión o importancia todos): “El Primer Entierro de Melquíades Estrada”, “El Segundo Entierro de Melquíades Estrada”, “El Viaje” (y este no sólo es el nudo de la película, sino el capítulo más largo e interesante) y “El Tercer Entierro de Melquíades Estrada”.

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“La visión de Oliver Stone ha cambiado la manera de ver nuestro pasado. Ahora nos va a mostrar dónde estamos y para dónde vamos. Y te sorprenderás de lo que él ve”. Pocas veces, por no decir nunca, un trailer funciona como un manifiesto político. Sin embargo y de manera triste en el caso de Asesinos Natos lo logró.

La película está basada en un guión escrito por Quentin Tarantino y transformado por el propio Stone en compañía de los novatos David Veloz y Richar Rutowski. La historia se centra en la vida de los asesinos en serie llamados Mickey y Mallory Knox, interpretados por Woody Harrelson y Juliette Lewis, quienes aterrorizan a un sector de los Estados Unidos con sus violentos ataques, pero que al mismo tiempo logran el apoyo y respaldo de una parte de la población, influenciada por los medios televisivos, y que seguramente se siente segura y inalcanzable para ellos.

El impacto de Asesinos Natos el año de su estreno, 1.994, fue demasiado para una audiencia que se vio abrumada por un despliegue técnico en fotografía y edición que superaba todo lo hecho hasta ese momento. Una fotografía muy iluminada y brillante, clásica de Robert Richardson, y un ritmo aceleradísimo generado por los más de 3.000 cortes, muy superior incluso para estos tiempos, hicieron que el profundo mensaje político y social del film se perdiera y pasara desapercibido para el público de esa época.

Al verla hoy nuevamente, y acostumbrados a un cine de un ritmo más desenfrenado, es fácil de notar la mordaz crítica al sistema político, carcelario y de pocos valores con los que se rigen los medios masivos de comunicación norteamericanos. Es increíble ver como muchas cosas por las que condenaron a Oliver Stone en ese momento, son factores de elogio para otros cineastas actualmente, lo que sin duda alguna convierte el director de Asesino Natos en un visionario.

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