Dirigida en 1973, Amarcord es reconocida como una de las grandes obras del celebrado realizador Federico Fellini. Bajo un título que refiere a los “Recuerdos” en el dialecto de Romagna, región donde nació el director, se propone una narración fuertemente anclada en su experiencia personal y situada en alguna instancia durante la década de 1930. Durante el año abarcado por el tiempo de la historia se desarrollarán descripciones de espacios, sucesos y personajes sin establecer una figura protagónica sino variables puntos de atención. Este bello relato propone entonces una dulce y extravagante evocación que busca, con diversos métodos, la inclusión del espectador en el universo ficcional como estableciendo una suerte de diálogo íntimo con él.

El film comienza con el inicio de la primavera. Los molinillos auguran su llegada volando con el viento, proponiendo un suave lirismo pronto interrumpido con el relato a cámara de un mendigo que habla sobre ellos, errantes, mientras vagan por los cielos. A continuación, por medio de un corte, nos serán presentados dos personajes que posteriormente adquirirán más importancia, uno de ellos es el barbero, que habrá de ejecutar su clarinete durante la celebración en la plaza del pueblo. Asimismo veremos a su esposa peluquera, la joven y atractiva Gradisca (Magali Noël), que baila al ritmo de la melodía que interpreta aquel como muestra a un cliente. Pronto se desarrolla una animada festividad donde, para dar bienvenida a la estación, se realiza una gran fogata y es en esta secuencia donde se presentarán otros personajes que serán recurrentes como Volpina, la prostituta ninfómana y el ciego con su acordeón, acosado por los jóvenes del pueblo que se dedicarán, a la vez, a admirar la belleza de Gradisca. Una nueva figura, el abogado (Luigi Rossi), contará con orgullo al espectador, finalizada la festividad, sobre la naturaleza de su pueblo.

Un segmento posterior nos situará en el colegio local, donde veremos a los particulares docentes en sus clases en tanto exponen temas y reciben la escasa atención de sus alumnos, que se hallan algo distraídos haciendo travesuras.

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El día de la bestia, de 1995, es el segundo largometraje dirigido por el genial director español Alex de la Iglesia. Ya en sus obras previas, el corto de 1991 Mirindas Asesinas y Acción Mutante, de 1993, puede hallarse una línea general que subyacerá a toda su producción, una búsqueda que explota sin reparos lo oscuro en lo social, expone lo ridículo sin concebirlo como tal sino en forma coherente en el seno de su narración y aborda casi lúdicamente la cuestión de la muerte. En este caso plantea una “comedia satánica” que tiene a las calles de Madrid como espacio de acción.

El film comienza con la presentación del Padre Berriartúa (Alex Angulo), un apacible cura que ha dedicado varios años al estudio del Apocalipsis de San Juan con el objeto de hallar en él un mensaje oculto que pudiera esclarecer y prevenir a la humanidad. Finalmente descifra un dato que parece afirmar el nacimiento del anticristo durante la madrugada de Navidad de ese año, 1995.

Sin embargo no tiene información alguna sobre dónde se producirá, por tanto iniciará un intrincado plan para contactarse con el diablo y lograr que éste le guíe hacia allí. Deberá cometer pecado tras pecado para atraer su presencia. Se dirigirá en primera instancia a una disquería, conducido, en su desesperación, por la idea estereotipada que atribuye a ciertas expresiones musicales un vínculo con las prácticas oscuras y las manifestaciones satánicas. Allí José María (Santiago Segura), el joven empleado, fanático del death metal, le asesorará sobre ello y mencionará a una banda de rock heavy llamada “Satánica”que tocará la noche siguiente, nochebuena, en el oscuro antro “El Infierno”. Le ofrecerá estadía en la pensión que administra su madre para poder hacerlo e inmediatamente el padre acepta sin por ello deponer sus planes. Esa misma noche, durante la cena, Berriartúa comenta sus planes al muchacho confesando haber pecado severamente en su búsqueda de contactar al maligno. Aquél interesado, decide ayudarlo en la cruzada y menciona a un reconocido adivino televisivo, el profesor Cavan (Armando de Razza), que puede serles de ayuda. Pronto, entonces, se dirigen a su hogar e inicialmente éste desacredita al religioso y le pide se retire. Junto a José María irrumpen violentamente capturándolo exigiendo información para realizar un rito de invocación. Cavan ríe pero, al ver la seriedad y urgencia de ambos, explica los pasos y elementos necesarios. Una vez conseguidos, habiendo para ello atacado a una joven virgen para obtener su sangre, disponen las piezas y dentro del circulo evocan a Satán quien inesperadamente aparece en forma de un cabrío negro en una terrorífica secuencia. El encuentro, sin embargo no ha provisto información alguna, por lo que el profesor, lejos ya del escepticismo, sugiere revisar algo de documentación. Analizará las diversas firmas que el diablo ha realizado sobre pactos con mortales y determinará en ello una constante gráfica, en algún lugar de su rúbrica hay indefectiblemente dos pequeñas líneas oblicuas convergentes. Esta forma es la antitesis de la imagen de la cruz, compuesta por dos líneas perpendiculares que dan origen a la estructura edilicia de las iglesias. Resultará fundamental este dato pues advertirán que aquellas se asemejan a las edificaciones reales que responden al nombre de Puerta de Europa, dos torres inclinadas. Con poco tiempo disponible se dirigirán hacia allá y con ello se producirá el desenlace del film.

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Ossessione (Obsesión) fue el primer largometraje dirigido en 1942 por el realizador Luchino Visconti y se basa en la novela El cartero siempre llama dos veces del escritor americano James Cain. Es reconocida como antecedente del neorrealismo italiano por su propuesta naturalista que con el empleo de espacios abiertos, es decuir, existentes, y la instauración de un compromiso moral en la narración se muestra en clara oposición a las normativas de creación cinematográficas impuestas por el régimen fascista vigente que ya desde la ideación del proyecto comenzó a obstaculizar la producción. Al finalizar el film, incluso, el gobierno italiano conminó al director y quemó el rollo original, afortunadamente el previsor director había hecho un duplicado.

El film se sitúa, al comienzo, en un paraje desolado, algo alejado del centro urbano. Allí hallaremos una precaria posada a cargo del envejecido Giuseppe (Juan de Landa) y atendido por su esposa Giovanna (Clara Calamai). Luego de una breve descripción de este ambiente apacible se producirá la llegada de Gino (Massimo Girotti), un joven vagabundo, sospechoso, que en su necesidad recurre al dueño del establecimiento para pedir un trabajo y asilo. Con el aval de su mujer, aquel finalmente lo acepta y le otorga diversas tareas como la atención del humilde restaurant y la reparación de su vehículo. Pronto comenzaremos a advertir una relación creciente entre Giovanna y el nuevo colaborador, una progresiva atracción que finalmente habrá de concretarse en un amorío a escondidas de Giuseppe, una clara antítesis del joven empleado. La relación de aquella con el dueño es simultáneamente desarrollada mostrando una absoluta decadencia pues la convivencia y el contacto físico con éste se le hacen ya insostenibles en tanto encarna una figura aplastada, de pequeñas aspiraciones y una apariencia poco atractiva. Gino, sin embargo, representa para la muchacha una posibilidad de reorganizar su vida entorno a una bella incertidumbre, distante de este apático estado en que se encontraba antes de conocerle. La llegada de este juvenil y apasionado muchacho trajo consigo, entonces, la viabilidad de un cambio radical. Mas llegado el momento de decidir si habrán de fugarse juntos o no es Giovanna quien, dudosa, se niega pues a la vez estaría perdiendo la estabilidad económica que su viejo marido le proporcionaba. Así es que Gino parte decepcionado hacia Ancona acompañado por un español al que conociera en el trayecto y cuyo nombre no es aclarado (Elio Marcuzzo).

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The impostors fue escrita y dirigida en 1998 por el reconocido Stanley Tucci, quien a la vez la protagoniza junto a Oliver Platt. El film propone una hilarante historia que toma lugar, en principio, en Nueva York durante años posteriores a la Gran Depresión para luego desplazarse la acción al interior de un barco destinado a Europa, y cuenta con un gran elenco compuesto por distinguidas figuras que logra, junto a la dupla principal, generar un cálido ambiente y sostener un refinado humor que, muchos afirman, tiene sus momentos de slapstick comedy.

La narración comienza con la presentación de Maurice (Platt) y Arthur (Tucci), dos actores de gran vocación y poco talento que buscan un empleo sobre las tablas para subsistir y lograr quizás el reconocimiento que desean. Dedicados al objeto de su aspiración, realizan ejercicios teatrales e improvisaciones a la manera del teatro invisible, eventualmente para conseguir su alimento como sucede en la escena de la pastelería. Allí generan una discusión con el dueño quien finalmente no les da lo que esperan sino dos entradas para asistir a una puesta de Hamlet protagonizada por el solemne y pomposo actor Jeremy Burtom (Alfred Molina). Durante la función la dupla molesta, sin desearlo, al actor con sus comentarios y este jura que habrá de matarlos cuando los encuentre. Rápido salen de la sala y se dirigen a un bar donde comienzan a tomar, y ya ebrios analizan la espantosa actuación de Burtom pero casualmente éste arriba y les escucha hablar. Comienza entonces a perseguirlos mas ellos logran escapar escondiéndose en una gran caja cerca del puerto donde, poco después se duermen para despertar, ya a la luz del día y comprender que se hallan en un barco hacia Francia. Peor aún, el actor shakespeareano también se halla allí y rápidamente les reconoce. Son entonces advertidos como polizontes y en su escape reciben la inmediata ayuda de Lili (Lili Taylor), una empleada de cierta jerarquía, que les facilitará un escondite y ocultará del violento encargado alemán (Campbell Scott). Una serie de acontecimientos les mantendrá lejos de su guarida y deberán emplear sus capacidades actorales para mantener un bajo perfil y mantenerse a salvo hasta arribar a destino. Para ello se vestirán como empleados de servicio pero pronto serán requeridos por los pasajeros, quienes serán desarrollados por el film a continuación. Entre ellos puede hallarse al cómico suicida interpretado por el genial Steve Buscemi, una dama algo entrada en años que al borde de la ruina espera hallar algún hombre adinerado a quien engañar y luego apropiarse de su fortuna (Dana Ivey), su hija oscura y depresiva (Hope Davis), una antigua reina europea (Isabella Rossellini) y una pareja de norteamericanos que simularán ser franceses y habrán de seducir a los pasajeros más pudientes para luego asesinarlos y quedarse con sus riquezas. También se presentará a Voltri (Tony Shalhoub) un revolucionario rojo que desea volar el barco como manifestación de principios, a un extravagante y poderoso jeque, y, finalmente, a un tenista profesional homosexual que les invita a combatir “a la manera griega” sin ropa.

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The Shining (El Resplandor) fue dirigida en 1980 por Stanley Kubrick y basada en la novela homónima de Stephen King. La conjunción entre una obra cuya autoría pertenece a un renombrado escritor, un elenco sólido y efectivo liderado por la figura protagónica del versátil Jack Nicholson y un atractivo manejo de recursos técnicos para la producción del relato han hecho del film un clásico de la cinematografía de terror que, como es habitual, ha sido, inicialmente, objeto de controversia mas luego, con el inmediato aval del público, halló un progresivo reconocimiento por parte de la crítica.

La secuencia inicial del film nos presentará a Jack Torrance (Jack Nicholson) un escritor algo mediocre que ha acudido a una entrevista con el objeto de obtener el puesto de vigilador del hotel Overlook, situado en un paraje remoto entre las montañas. Dado que durante el período de invierno el establecimiento no funciona el protagonista tendría allí la oportunidad de recluirse junto a su familia y trabajar sobre la obra que le otorgaría el reconocimiento que tanto ansía. Finalizada la entrevista el director (Barry Nelson), le acepta y es solo luego de ello que comenta a Torrance lo que sucedió con el cuidador anterior: en la soledad del gran hotel el vigilador irrumpió imprevistamente en un estado violento y, luego de asesinar brutalmente a su esposa e hijas, se quitó la vida. Veremos que, en tanto esto sucede, en el hogar de la familia se halla Wendy (Shelley Duvall) y el pequeño Danny (Danny Lloyd) aguardando la llamada del protagonista. Es aquí cuando la narración nos presenta un segundo elemento de misterio representado por la extraña actitud del niño que mantiene una conversación con Tony un amigo imaginario que le habla mediante los movimientos del dedo índice y las palabras que, a la manera de un ventrílocuo, expresa con la voz del niño. Tony le advierte del hotel y afirma con certeza que Jack ya ha conseguido el trabajo, lo que es asombrosa y tenebrosamente ratificado por el inmediato sonido del teléfono. La familia se dirige entonces al hotel donde son recibidos por el gerente y por Dick Halloran (Scatman Crothers), el cocinero del establecimiento, quien les muestra la ubicación de las provisiones y entabla una conversación con el pequeño Danny para entonces lejos de su madre. Lo perturbador es que ninguno de ellos mueve sus labios sino que hablan telepáticamente pues ambos poseen aquello a lo que Halloran refiere como “resplandor”, una facultad extraordinaria para comunicarse a distancia e incluso ver imágenes pertenecientes al pasado o al futuro. En medio de este diálogo el cocinero le pide se aleje de una habitación mas no comenta por qué.

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Dirigida por Orson Welles en el año 1942 y basada en la novela homónima ganadora del premio Pulitzer en 1919 de Booth Tarkington, The Magnificent Ambersons (o El cuarto mandamiento) ofrece una historia ambientada en Indianápolis hacia finales del siglo XIX. Según ha comentado el realizador, para quien este film era el segundo en su filmografía como director, luego de Citizen Kane, la productora RKO alteró gran parte del material original al punto de extraer el fragmento de mayor relevancia para el desarrollo del film. Aún así la obra reviste valor, como todas las obras de Welles, por una concienzuda estructuración de la narración, una, acaso, clásica mas también personal caracterización de los personajes y un brillante empleo de los recursos del lenguaje cinematográfico.

El film parece estructurarse en dos grandes fragmentos que tienen por separador un cierre en iris que anuncia una pronta modificación de la situación presentada por el primero. Así el fragmento inicial comienza, empleando un montaje ágil, con la presentación del joven Eugene Morgan (Joseph Cotten) a quien vemos prepararse frente a un espejo para recoger a Isabel Amberson (Dolores Costello), quien le atrae y se halla enojada con él pues sin intención le había ridiculizado en público. Así le veremos tocar su puerta reiteradas veces e incluso seguirla mas nada de ello logra generar su atención. Finalmente la muchacha resuelve contraer matrimonio con otro de sus pretendientes, Wilbur Minafer (Donald Dillaway) y con él tiene al pequeño George. Desde su aparición en el film se enfatizan ciertas cuestiones sobre su personalidad, ostentando vanidad, impulsividad y un fuerte criterio anclado en la división de clases y capital económico, que se mantendrán aun en su adultez. Lo veremos claramente en la fiesta organizada en su honor al regresar, en vacaciones, de su institución de estudios. En ella se producen dos grandes acontecimientos que le conciernen, en principio es presentado por su madre al Sr. Morgan, a quien, por cierto, aquella ahora mira con cierta admiración advertida con desdén por su George, luego conocerá a su hija, la bella Lucy (Anne Baxter), con quien pronto establece un vínculo. Así la celebración llega a su fin mas en la pista vacía todavía se hallan Isabel y Eugene bailando un vals mientras Wilbur descansa en su recámara. Una vez que el padre y su hija se han retirado el muchacho deja ver su desagrado por la aparición del personaje de Cotten refiriéndose a él despectivamente generando particularmente en su tía Fanny (Agnes Moorehead) una frenetica reacción defensiva pues ella, a la vez, siempre ha gustado de él y este interés se intensificará a lo largo del film. Poco después veremos la conclusión del primer fragmento con un fallido paseo bajo la nieve en que debe de empujar el automóvil creado por Morgan que se ha quedado atascado. El cierre en iris determina la conclusión.

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Dirigida en 1966 por el director Michelangelo Antonioni, en un progresivo alejamiento de su tetralogía compuesta por La Aventura (1960), La noche (1961), El eclipse (1962) y El desierto rojo (1964), Blow up propone una historia basada libremente en la obra de Julio Cortázar titulada “Las babas del diablo”, articulada con una clara búsqueda estética y de indagación sobre el universo social que rodea al personaje principal, así como también propone un enigma sobre lo real, lo existente, en relación con lo creado por quien lo observa.

El film se centra sobre la figura de Thomas (David Hemmings) un joven londinense que obtiene sus ingresos y renombre como fotógrafo para revistas de moda, mas pronto comprenderá el espectador que sus intereses exceden este ámbito pues le hallamos planificando, junto a su editor Ron (Peter Bowles), la pronta conclusión y publicación de su libro de imágenes que parecen aludir a la cotidianeidad de la clase media y media baja. Resultaría difícil creer que este interés por la vida diaria de los menos pudientes corresponde a una genuina preocupación y búsqueda de la concientización social puesto que es claro que se alimenta de la frivolidad, se lo caracteriza a lo largo del film como un individuo al que es difícil de acceder, demuestra un claro utilitarismo y está sin dudas firmemente aferrado a un solapado machismo.

En una de sus habituales sesiones improvisadas logra obtener una serie de fotografías de una pareja en el parque. Empleando la cámara aquí subjetivamente, observamos cómo la muchacha (Vanessa Redgrave) vacila entre alejarse y abrazar a su acompañante mas pronto, al observar al voyeur corre hacia a él y pide enérgicamente que rompa los negativos de las imágenes que acababa de tomar. Ante una clara negativa la joven mira hacia el claro y nota la ausencia del hombre, corre entonces a buscarlo y desaparece detrás de los árboles.

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Candy (2006) no es una película fácil de llevar, se desarrolla explorando o navegando los opuestos extremos de la vida actual y los excesos de dos jóvenes amantes que conviven con ella de una manera poética, hermosa y sumamente cruel. Es como presenciar una tragedia que sabes no puede terminar bien, solo resta preguntarte cuan duro será el inevitable golpe del final. Sus tres actos o capítulos, Cielo – Tierra – Infierno, así lo proponen desde un principio, van desde lo más puro y utópico hacia lo más crudo y real en tan solo 108 minutos.

Antes de verla había leído ya algunos comentarios que la catalogaban como un filme romántico poco convencional que hablaba sobre un tema tabú, esto es, sobre lo terrible y devastador que puede resultar el consumo adictivo de drogas. Leí críticas favorables y desfavorables, algunas de ellas decían que solo es una película más sobre la adicción a las sustancias ilegales y que no le llega ni a los talones a otras del género como Trainspotting (1996), otras decían que es una muy buena adaptación del libro homónimo escrito por Luke Davies (el cual reconozco no he leído pero sé que ha sido premiado) y que esto tal vez se deba a la destreza del director Neil Armfield y los productores, al lograr que el autor participe en la escritura del guión adaptado con la colaboración del mismísimo director.

Como ven, no sabía bien con que tipo de producto me iba a encontrar, pero las buenas críticas superaban en número a las malas por lo que no esperaba una rotunda decepción sino todo lo contrario… Y gracias a todos los Dioses del mundo que fue así!!!, Candy me pareció una obra increíble, sólida y devastadora, cruda en toda la extensión del relato pero sin dejar de lado la belleza del amor en su estado más puro y poético. Es válido aclarar que no resultó para mi una película más sobre el tema de las drogas en particular, y/o una historia más de amor poco o nada convencional, sino que me quedé con la amarga sensación de haber sido espectador de una observación despersonalizada del director sobre el cóctel conflictivo y de confusión que viven estas personas de clase media con respecto a sus sueños, esperanzas, frustraciones, y perspectivas de vida, que luchan por mantener su lugar en el mundo sin tener que someterse a la pérdida de aquello que los hace sentirse completos, ser personas dignas… Tal vez me gustó porque me resultó fácil sentirme identificado con estos jóvenes.

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Muerte en Venecia (1971) es un clásico film del director Luchino Visconti basado, si bien con algunas modificaciones específicas, en la obra de Thomas Mann que, para su creación en 1911, hubo de basarse en ciertos episodios y características del compositor Gustav Mahler como así también en algunas experiencias personales. El film conjuga una historia compleja y psicologista que aborda la decadencia del protagonista sin permitirle traspasar los propios límites impuestos, una maravillosa composición y dirección fotográfica y actuaciones a la altura de los sucesos y la narración.

La obra se centra sobre la figura de Gustav von Aschenbach (Dirk Bogarde), músico de profesión, que ha debido embarcarse a Venecia por razones de salud que luego serán desarrolladas. A su llegada al Grand Hotel des Bains, luego de un fallido recorrido en bote, toma pronto su habitación y luego de desempacar se dirige a la ventana para admirar el maravilloso paisaje. Aquí se instaura el primer flashback en el que se muestra al protagonista tendido sobre un sofá, demacrado, mientras es examinado por un doctor que diagnostica, finalmente, una actividad cardíaca frágil para cuya estabilización debia de tomarse un descanso. Así la narración regresa a la habitación de su hotel donde, antes de dirigirse al comedor del establecimiento, toma en sus manos dos portarretratos con las imágenes de una mujer y una niña, pronto las entenderemos su hija y esposa. Es en el lobby, a la espera del llamado del maitre, en que se produce un fundamental hecho: von Aschenbach que levanta su vista del diario que se hallaba leyendo y percibe una intrigante y atractiva figura de un joven (Björn Andresen) acompañado por su familia. Incluso durante la cena habrá de observarlo fijamente y un acertado montaje sonoro complementará esta situación con una voz en off que dirá “belleza, te refieres a tu concepto espiritual de la belleza”, para dar paso a una profunda conversación sobre el arte y lo bello que hubo de mantener con su ayudante, Alfred (Mark Burns). Posteriores encuentros se producirán entre el compositor y el joven Tadzio, ahora objeto de sus pensamientos, mas en todos ellos, si bien no habrá una conversación dialógica explícita sí se verán cruces de miradas. El personaje del niño comienza a ser algo inquietante pues le vemos observar detenidamente al protagonista y luego escapar a un posible contacto, ciertos indicios de homosexualidad pueden incluso ser vistos en una de las escenas en la playa en que se lo ve abrazado a un muchacho y recibir de el caricias.

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Antes que nada, tengo que aclarar que esta no es una película de terror, ni de horror, aunque sus características así lo propongan. Yo la catalogaría más bien como un cargado thriller psicológico con ciertos ribetes dramáticos. Como para comenzar a ponerlos al corriente, este filme está basado en el escalofriante hecho ocurrido en Alemania en el año 2001, en el cual un hombre llamado Armin Meiwes mató, mutiló y comió literalmente a otro llamado Bernd Jürgen Brandes, pero lo extraño del caso es que todo sucedió con el consentimiento de este último, es decir, todo el hecho fue consumado… de común acuerdo…

Esta oscura historia, que en su momento tuvo una cobertura mediática inigualable, sin ninguna duda era candidata para ser llevada al cine, sobre todo si consideramos que toca un tema tabú como lo resulta ser el canibalismo, y por otro lado, podría también tratar de arrojar cierta luz sobre el interrogante que supongo tenemos todos: ¿Qué se le puede haber pasado por la cabeza a la “victima” como para querer ser comida por otra persona?. Ahora bien, ya tenemos un par de motivos, y una vez tomada la decisión de comenzar el proyecto, la pregunta podría ser: ¿cómo diablos se cuenta algo así?, ¿desde que óptica se debería abordar todo el asunto para que sea un verdadero éxito o el relato cierre?, ¿desde lo policial, desde el miedo y el terror, como un documental, como drama -entre otras categorías-?… Al final, pienso que se hizo de la mejor manera que se podría haber hecho, se desarrollo el argumento desde lo psicológico y lo dramático. A mi criterio, el resultado fue acertado y bueno, y paso a explicarles porque.

Rhotemburg (2006), explora en profundidad la vida y psiquis de estos dos particulares personajes, aquí llamados Oliver Hartwin y Simon Grombeck, y para esto, el novato director -en cine- Martin Weisz, recurre a la óptica de un personaje de ficción, a quien logra introducir en esta historia que es real. El papel, vendría a ser el de una estudiante americana de un postgrado de psicología criminal, llamada Katie Armstrong, un poco obsesionada con el caso en cuestión y con la morbosidad, propia de nuestra condición humana. Como se irán dando cuenta, el relato se desarrolla a través de sus ojos, de sus investigaciones para su tesis y de sus conclusiones, por tal motivo, el hábil director utiliza el recurso archiconocido del flashback y la voz en off a medida que avanza el filme, pero lo hace de manera inteligente, por lo que no llega a cansar al espectador.

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