The Jazz singer (1927) ha marcado en la historia cinematográfica un hito fundamental pues es el primer largometraje en que se halla articulada la voz de los actores interpretando sus líneas conjuntamente con la imagen. Para ello se empleó el innovador sistema Vitaphone que permitía grabar en un disco la pista de sonido para, en el momento de la proyección, reproducirse por separado más simultáneamente. Sin embargo no es ésta la primera obra que implementó la tecnología sino la cinta Don Juan, realizada en 1926 por Alan Crosland, en que efectos de sonido específicos y melodías fueron adheridas al relato.

El film, basado en la obra del dramaturgo y guionista estadounidense Samson Raphaelson titulada Day of Atonement, cuenta con la dirección del mencionado cineasta bajo la producción de los estudios de la Warner Bros. Su narración se centra sobre el pequeño protagonista, Jakie Rabinowitz (Bobby Gordon), a quien veremos a comienzos de la historia cantando melodías de jazz en un bar local a escondidas de su padre (Warner Oland) pues éste, especialmente, espera verle continuar la extendida tradición familiar de participación en el coro del templo. Pronto llega a él la noticia de su presentación, por lo que de inmediato se dirige al local y, enfurecido, recoge al niño para devolverle a su hogar. Al arribar, el hombre severamente le regaña por “malgastar la voz que Dios le dio” y anticipa que luego de golpearle habrían de tener una extensa charla, a lo que Jakie contesta afirmando que si ello sucedía, se marcharía para nunca volver a su hogar. El niño finalmente debe de cumplir su promesa.

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Una vereda oscura es el escenario ideal, un sótano de una casa abandonada, un auto solitario en el medio de la carretera. Llamadas perdidas de un celular que se apaga justo en el momento clave, en el que alguien abre la puerta y se desatan los efectos especiales, vuelan máscaras por el aire y demás cosas que no tienen mucho sentido.

Un portal sobre cine de terror: Conocélo

De terror, cada año, cada temporada se estrena una nueva película…de terror. Pero, ¿Qué es el terror? Hoy, el terror, es un juego, es el juego, del miedo. En donde hay un torturador, un psicópata, una pieza, una herramienta, una víctima y un público que compra la entrada dispuesto a ver eso: Una víctima, un verdugo, un juego, que nos da miedo o no, pero sólo es un juego.

¿Y qué de las películas con llamadas sobrenaturales? La muerte y la vida, se entrecruzan, alguien que está abajo intenta subir y decirnos algo.
Un desorden de sonidos, una pantalla que oculta la verdad. Sobrenaturalidad en el aire, historias para no dormir, o quizás para nunca despertar.

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Adrenalina corriendo por las venas, en cualquier momento podemos ser nosotros quiénes estemos en la pantalla, sin darnos cuenta podemos dejar de ser espectadores para pasar a ser víctimas.
El peligro no se puede rastrear, se mueve demasiado rápido y no utiliza mapas ni relojes, solo instinto, dolor, y un sistema virtual y social desquiciado.

Untraceable, así es su título original, Sin Rastros en español fue dirigida por Gregory Hoblit, lleva la adrenalina al punto máximo, lleva el peligro a un terreno bordeando lo sádico, lo desagradable y lo inhumano.

Una visión clara por la sociedad norteamericana en particular y moderna en general, en donde el dolor del otro, el sufrir de mi semejante no es más que “mero entretenimiento”.

El sitio protagonista de la película fue creado en la web real como una forma de pedir por la seguridad virtual, si quieres sumarte a esta compaña, puedes visitarlo en la web

Esta película está protagonizada por Diane Lane, que encarna a una agente del FBI que se encanrga de investigar crímenes virtuales. Un día ella se encuentra con un sitio llamado “Kill with me”, mata conmigo. A partir de lo que ve, su modo de vivir da un giro transversal, comienza a correr peligro, a atar a cabos, a reconocerse lejos estando cerca, pierde el control total de lo que sucede.

Un sitio web es el protagonista de tanto crimen, de tanto dolor, una cámara web es la única testigo, un sótano es el lugar perfecto para sumarle un escenario más tétrico a los miles de espectadores que conforman la “tribuna” virtual.

Las víctimas comienzan siendo gatos, “es un chiste” comentan los visitantes del sitio en el muro del blog, pero luego él asesino empieza a mostrar gente, personas a las que mediante engaños o inventos los lleva a su casa, los encierra en su sótano y los prepara para una exposición pública sumamente desagradable que consiste en tortura y muerte.

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Muchas películas son realmente exitosas en sus primeras partes, es por ello que los productores de Hollywood no dudan en sacar a la luz una segunda parte después de un tiempo prudencial entre ambas.

No obstante, no todas estas secuelas son exitosas o tienen el visto bueno del público cuando llegan a la pantalla grande, ya que uno nunca sabe como reaccionarán los espectadores y los fanáticos que, en muchos casos, son muy difíciles de complacer.

Hay películas que si pueden dar más para hacer una segunda, tercera o hasta cuarta parte o más (incluyendo las excepciones de películas que han tenido infinidad de secuelas); pero también hay otras películas que simplemente ya no dan para más, pero es mucho más fuerte la ambición de los productores que fuerzan la trama y que hacen que esas películas que nuestra memoria guardaba como respetables se conviertan en verdaderos fiascos cinematográficos.

Es por ello que te presento aquí una lista con las que considero son las mejores secuelas que se han hecho de películas en el mundo del cine.

Toy Story 2

Esta es una de las mejores secuelas que he visto en mi vida, y es que cabe señalar que soy muy aficionada a las películas de animación, es más, hasta ahora tengo mis llaveros de Buzz Lightyear y del vaquero Woody, con la inscripción del nombre Andy en su zapato y todo. Una de las anécdotas de esta secuela es que fue planeada para que vaya directamente al formato DVD sin pasar por las carteleras de cine.

Pero posteriormente Disney - Pixar decidió sabiamente enviar esta secuela a los cines, haciendo que se convierta en una de las más conmovedoras historias que se hayan podido crear, y que añade un aspecto totalmente distinto de la primera, en la búsqueda por parte de Woody a su amigo Buzz. Una historia de amistad concebida como únicamente los niños pueden concebirla, un concepto que entre los adultos ya está muy desgastado.

Mención aparte merece la canción de esta película que fue nominada al Oscar como mejor canción interpretada por la vaquerita Jessy. Aquí la versión en español… enternecedora.

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A muchas personas les puede parecer subjetivo definir las mejores películas en cualquiera de los géneros cinematográficos que uno pueda imaginar, pero lo cierto es que estas listas se realizan quiera uno o no.

Desde el año 1998, el American Film Institute (AFI) o Instituto Americano del Cine, ha elaborado 13 listas distintas en donde presenta cada cierto tiempo aquellas películas que considera traspasarán la barrera del tiempo y quedarán presentes en el recuerdo de la humanidad para las décadas posteriores.

No es la primera vez que el Instituto Americano del Cine nos presenta una lista de 100 mejores películas, lo hizo el año pasado también, pero con la particularidad de que en esta ocasión se presenta una lista subdividida por géneros, en donde podemos tener un panorama jerárquico más claro de las películas seleccionadas.

Entre los primeros puestos tenemos películas tan entrañables como El mago de Oz, El Padrino, Vertigo y 2001: Odisea en el espacio, que sin duda al día de hoy son consideradas como clásicos de la cinematografía.

10 mejores Películas de Animación.

Para empezar, en el género de animación tenemos en primer lugar a Blanca Nieves y los 7 enanitos del año 1937 y cabe resaltar que del total de 10 películas que hay en la lista, tres de ellas son películas animadas por computadora. A pesar de que películas como Los Simpsons, han retrocedido en el tiempo y se han presentado en 2D, las películas de Animación en 3D han entrado con mayor facilidad a la lista. También figuran en la lista las películas clásicas de animación antiguas como Pinocho (1940), Bambi (1942), Cenicienta (1950) y Fantasía (1940). Por otro lado, entre las más actuales en 2D figuran El Rey León (1994) y La bella y la bestia (1991), y las películas de animación en 3D son Toy Story (1995), inolvidable; Shrek (2001) y Buscando a Nemo (2003).

10 mejores Películas de Fantasía.

En el género de Fantasía tenemos en primer lugar a la película El mago de Oz del año 1939. Hay algo que parece un tanto extraño, vamos en el segundo género y coincidentemente ambas películas son casi contemporáneas, ojala que en tanto vayamos avanzando esa no sea una tendencia tan marcada. La sorpresa la marca El señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo (2001), una muy actual en el segundo lugar y entre las antiguas tenemos a Que bello es vivir (1946), King Kong (1933), Milagro en la calle 34th (1947), entre otras. Es lamentable que en esta lista la única contemporánea sea el Señor de los Anillos, al parecer no hay otras películas actuales de fantasía dignas de la lista.

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+ bien (2001) es el primer largometraje del realizador argentino Eduardo Capilla, hasta entonces únicamente abocado a la producción de comerciales, videos musicales, y a las artes plásticas, desarrollando su labor, particularmente, en el ámbito de la pintura e instalaciones que, por cierto, resulta evidente en la creación de esta obra. Para su producción contó con la esencial participación del talentoso músico y productor Gustavo Cerati, y la colaboración de la antaño VJ de la señal de MTV latino, Ruth Infarinato. El film, que también cuenta con la contribución del actor Damián de Santo y Atsushi Mizukawa, plantea, según afirmó el director escuetamente “la historia de seres bondadosos que tratan de superar dificultades personales” en un intento de éxito cuestionable, experimental e independiente.

La historia comienza, luego de una serie de imágenes alternadas, presentando a Ramiro (Mizukawa), un prometedor joven médico y escritor que sufre el abrupto abandono de su novia, Mariana. Relaciones ocasionales parecen, desde entonces, resultarle vacías pues la recuerda en forma constante y es por ello que comienzan sus penas a afectar su estado físico. Pronto veremos la aparición de Jorge (Cerati), un colega cirujano que acude a su hogar de visita para tomar prestado su pequeño auto pues iniciará un viaje hacia La Cumbre, en la provincia argentina de Córdoba. Allí se encontrará con una muchacha con la que ha comenzado una relación luego de cinco años de la muerte de su mujer e hija en el terremoto de Osaka. Galo (de Santo) será quien acuda por último a la casa de su amigo Ramiro pues parece ser, además de profesional en medicina, artista y, con el interés de embellecer su hogar, realizará allí un mural.
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Segundo largometraje en la filmografía de Sofía Coppola, luego de la producción de la relativamente exitosa obra The virgin suicides en el año 1999, Lost in translation (2003) presenta una propuesta más osada tanto en el plano del relato, técnico y visual, como en lo respectivo a la profundidad de su trama y dirección actoral. La historia propuesta se desarrolla en un corto período de tiempo y transcurre casi enteramente en la iridiscente ciudad de Tokio donde son desarrollados, ntáneaprincipalmente, los dos personajes protagónicos, encarnados por Bill Murray y Scarlett Johansson.

El film nos presenta al inicio a un hombre ya algo mayor sentado en el asiento trasero de un taxi que le conduce en su llegada a la ciudad hasta el suntuoso hotel al que ha sido destinado. Bob Harris (Murray) es un actor que ha depuesto su real vocación teatral por una participación en la campaña publicitaria de Suntory, una reconocida marca japonesa de whisky que habría de remunerarle dos millones de dólares por su trabajo. Luego de una cordial recepción por parte del comité de la empresa, que entre los regalos de bienvenida le entregan un sobre que contiene un fax de su mujer recriminándole haberse olvidado el cumpleaños de su hijo, veremos las extensas sesiones de filmación. Un compenetrado realizador de comerciales dará extensas directivas al actor en un idioma que desconoce absolutamente y poco le será de ayuda la escueta traducción de su acompañante que se empeñará en reducirlas en precisión aludiendo así al título del film.
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Iron Man es una película que obtuvo muy buena taquilla y además de ello, muy buenos comentarios de la crítica, sin duda, una de las mejores comentadas en muchos años.

El hecho es que hay muchos detalles que todos los fanáticos de esta película desearían saber y aquí te los cuento en detalle. Algunos de ellos realmente te asombrarán.

Para empezar, el proyecto para realizar la película Iron Man estuvo por mucho tiempo en el tintero. En octubre de 1999, Quentin Tarantino fue convocado para escribir y dirigir ese film, un hecho que habría cambiado de hecho la visión de Iron Man con respecto al cómic (simplemente imagino).

Tiempo después, Joss Whedon, un gran fan del libro de historietas, estuvo en negociaciones para dirigir el film en junio del 2001. Más tarde, en diciembre del 2004 Nick Cassavetes había sido contratado para dirigir Iron Man, con intenciones de estrenarla en el 2006, pero no se llegó a realizar el proyecto.

Lo curioso es que Jon Favreau, finalmente elegido para dirigir Iron Man, dirigiría The First Avenger: Captain America para el 2011, no obstante hubo un cambio en los papeles y Nick Cassavetes, que fue el que dirigiría Iron Man en 2004, obtuvo la dirección de la película del capitán América.

Lo que Jon Favreu piensa acerca del film es que es “una especie de híbrido entre las película de espionaje y thriller independientes, una mezcla entre Superman (1978), las novelas de Tom Clancy, las películas de James Bond, Robocop (1987) y Batman Begins (2005)”.

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Andrei Tarkovsky fue reconocido internacionalmente por el tenor filosófico de sus films. El suyo era un estilo poético, donde primaba la meditación y un aire metafísico. De hecho, las autoridades de la Unión Soviética, se dicen, estuvieron tentados más de una vez a censurarlo, precisamente por la característica mística de sus films, cuando la posición oficial era de ateísmo. Pero Tarkovsky era relativamente popular y, lo cierto, es que se mantenía al margen de la discusión política. Las preguntas presentes en sus películas, en realidad, van más allá, tratan de llegar a respuestas sobre una supuesta esencia presente en el fondo de todo ser humano.

En el año 1978, Tarkovsky se abocó al rodaje de “Stalker”, otro relato de Ciencia Ficción (siendo hasta ese momento el más recordado, “Solaris”). Durante meses, se rodaron los exteriores, que incluían varios en las afueras o en las puertas de fábricas o centrales de energía abandonadas.

Los protagonistas del relato son tres hombres: un guía ( Stalker), el Escritor y el Profesor, cuyos nombres Stalker se niega a saber. Él debe guiarlos al centro de La Zona, un lugar donde no está muy claro qué ocurrió, pero que se ha convertido en objeto mitológico, donde se dice que existe un cuarto en su centro que concede deseos. Durante la duración de la narración, Tarkovsky juega con la ambigüedad, poniendo permanentemente en duda la veracidad o falsedad de las capacidades de La Zona. Está la cuestión de razonar o de creer, siempre presente en la poética del director soviético. Tanto los personajes como el espectador carecen en todo momento de la información suficiente como para poder articular una hipótesis definitiva. La Duda se cierne, se apodera de todo; no hay certezas a prueba de balas, ni creencias que no sean potencialmente falsas.

Ese rodaje conflictivo, donde Tarkovsky terminó peleado con su director de fotografía, culminó su ciclo cuando el material quedó inutilizable. Hete aquí que Kodak había provisto a la producción de material sensible nuevo, experimental, pero el cual los técnicos soviéticos no sabían cómo tratar, ni tenían los químicos adecuados para hacerlo. Consecuentemente, el trabajo de un año quedó anulado, como si nunca hubiera existido.

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Disney World se caracteriza por ser el lugar donde según su propio slogan “Where the dreams come true” “donde los sueños se hacen realidad”. Es por esta ilusión de felicidad, que Disney es una de las empresas que más facturación anual posee.

Comercializa con el producto más escaso en esta vorágine que es la vida real, la felicidad.
Porque cada vez que uno, grande o chico, sale de una sala de cine o pone stop en su reproductor y termina de ver un película de Disney, una sonrisa invade su cara por tiempo indefinido sin buscar ningún motivo para irse de allí.

Esta sonrisa implica el creer, sin llegar a credulidad, una felicidad sin llegar a alegría. Es simplemente pensar, que el “felices por siempre” y “el príncipe azul” nos espera a la vuelta, en el recodo del camino.

Ayer, Disney inventaba o retomaba historias de princesas, de damiselas que buscaban la felicidad, de mujeres malvadas que envenenaban manzanas, de brujas que no permitían la felicidad.
Pero esos mundos de fantasía, los carruajes que provenían de calabazas, los vestidos de gala que nacían de harapos, los príncipes que buscaban princesa en un baile, los zapatos de único talle, la rueca y los enanitos mineros, no se aplica la realidad de hoy.

Hoy, el mundo son las oficinas, la tecnología, la gran ciudad, los edificios, los bancos, el mercado y los hombres de negocio.

Pero, ¿Puede exisistir algún paralelismo entre estos dos mundos, en apariencia tan diferente? Y la respuesta es, y sigue siendo, sí.

Disney encontró la vuelta de conectar estos dos mundos, de recrear, y a la vez crearnos la sensación de que en cualquier lugar, en cualquier momento, algo puede pasar, el piso puede temblar, las paredes desaparecer, el cielo abrirse y volar hacia…un mundo de fantasía.

Un ejemplo de esto es la última película estrenada por Disney Studios a principios de 2008, Encantada, la historia de Giselle.Esta película muestra como una muchacha que conoce a su príncipe de encuento en el mundo de la fantasía es enviada por la cruel madre del enamorado al mundo real, lejos de pinchar dedos, envenenar manzanas o encerrar en cuartos escondidos, las madrastras son mucho más crueles, logran que la muchacha del mundo de la fantasía caiga por la tubería al enorme y fantasmal mundo real.
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