Si hay algo que no se puede negar, es que Richard Linklater es un director, como mínimo, inquieto. Ha dirigido películas tan disímiles como interesantes. Trabaja regularmente en la industria hollywoodense, pero se da sus gustos independientes, como es el caso de esta película llamada TAPE. Es un realizador al que le gusta experimentar, y creo que eso está muy claro en su copiosa filmografía.

Tape está basada en una obra de teatro escrita por Stephen Belber. La acción se desarrolla completamente en la habitación de un hotel de mala muerte. Vince, interpretado por Ethan Hawke, ha llegado a la ciudad después de varios años, con motivo de presenciar el estreno en un festival, de la película del que fuera su mejor amigo en la escuela, Jon, personaje a cargo de Robert Sean Leonard. A ellos se suma Uma Thurman y absolutamente nadie más. Si, nadie más. Imagínense que hermoso experimento, que tremendo desafío. Filmar una película con solo tres actores, sin extras, sin personajes secundarios, sin absolutamente nadie más que estos tres actores.

El personaje de Hawke, es el que lleva adelante la acción, es el encargado de empujar al personaje de Leonard al extremo de convencerlo y hacerlo confesar un acontecimiento que se convierte en la base de la película. Este acontecimiento, involucra al personaje de Amy, quien fuera novia de Vince y amante de Jon en época escolar.

Al estar basada en una obra teatral, es de esperarse que la trama avance por medio de los diálogos. Como podrán suponer, no hay espacio suficiente para demasiada acción en la habitación de un hotel. Pero a no asustarse. Se que puede parecer un poco insoportable pensar que durante la casi hora y media de duración de esta película vamos a estar escuchando una palabra tras otra, pero afortunadamente esto no es así. El ritmo que logran los actores con los diálogos, los temas de los que hablan y la constante evocación de personas o acontecimientos que ocurrieron fuera de esa habitación, hacen que esta película funcione a la perfección, que el espectador se vea forzado a imaginar lo que se está contando, haciendo que lo que se dice funcione como un disparador. Una herramienta narrativa propia del teatro, en este caso, bien explotada en pantalla.
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La frase que dice que el teatro es de los actores, la televisión es de los productores y el cine de los directores, explica muy bien el posicionamiento de cada uno en las tres diferentes áreas de trabajo. Sin embargo, y debido a la clase de cine que hoy en día se hace, los directores vienen perdiendo mucho espacio para plasmar su talento en sus trabajos o, por otro lado, vemos producciones constantes de personas con muy buenos conocimientos sobre las herramientas técnica , más sin ningún aporte crítico o de profundidad sobre la vida, la que debería ser la labor de todo artista.

Los grandes directores los podemos conocer a través de su obra: un conjunto de películas con la capacidad de dar un visión sobre la humanidad, la manera en que vivimos en ella y que nos comportamos; pero en medio de producciones que logran entretenernos. Y por entretenido no me refiero a acción o comedia de manera exclusiva: para mí tiene tanto entretenimiento una película de Tarantino como una de Kurosawa. Diferente cada una por supuesto, pero muy entretenidas los dos a su manera.

Sin embargo, también podemos saber más sobre ellos y sobre su arte por lo que tienen que decir sobre el mismo y sobre la vida. Para las personas que encuentren fascinante a algunos de los directores que acá se citarán, es un ejercicio interesante el notar como su pensamiento congenia con sus películas, incluso cuando se hable de algo no relacionado directamente con el cine. Veamos.

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Esta es la última película realizada por Robert Altman. Del año 2006, viene de Estados Unidos con un elenco coral, multifacético y destacado donde resalta Meryl Streep con Kevin Kline, Lily Tomlin, Lindsay Lohan, Woody Harrelson, John C. Reilly, Tommy Lee Jones, Virginia Madsen, entre otros.

Robert Altman nació en febrero de 1925 y murió el 20 de noviembre de 2006. Ha marcado el cine de los últimos cuarenta o cincuenta años, especialmente en Estados Unidos. Tiene la particularidad de haber sabido andar a contracorriente, burlarse de los Oscars o hacer encolerizar a Robert Duvall por lo “desorganizado” de un rodaje (del cual saldría su película, después convertida en serie de televisión: MASH). Tiene en su haber películas como Nashville, Tres Mujeres, Las Reglas del Juego, Ciudad de Ángeles, Gosford Park, etc. Es un director que tiene la particularidad de ser muy querido.

Su título original es “A Prairie Home Companion” y debo mencionar que ya desde aquí (desde el título) me hace acordar a su película anterior: “The Company” en la que Neve Campbell cumpliría la misma función que aquí tiene Garrison Keillor. ¿Por qué? Porque Garrison Keillor es el conductor y eventual cantante en un programa radial que comparte la mayoría de las características del de la película que nos ocupa (o sea, estoy diciendo que este programa no sólo existe en esta “ficción”; sino también en la realidad).

Y es que en fin (y antes de hablar “más a fondo de la película) debemos empezar diciendo que esta empieza con un Kevin Kline haciendo de un extraño ex detective que a falta de trabajo terminó trabajando en este radio haciéndose cargo de la seguridad. Este personaje ya desde un principio transmite una cierta emotividad y melancolía propia de aquellos seres que poblaron y tuvieron su lugar; y que se han visto desplazados con el tiempo, de todo su universo de referencia, pero no de su propia imagen ni de su existencia. Y si bien este personaje no va a tener nada que ver con lo que veremos y con lo que se desarrollará en la película, talvez justamente tenga en común la melancolía por aquello que deja de ser presente. Esto último se puede enlazar en varios sentidos. Por un lado en el sentido concreto y directo de la radio que nos ocupa; que, desde el teatro Scott Fitgerald dejará de existir y estar en ese lugar (desde donde emite hace 30 años) para ser sustituido por un seguramente “más rentable” estacionamiento. Por otro lado con el propio Altman; puesto que esta era su última película y, seguramente, no le sería ajeno el conocimiento del advenimiento de su propia muerte.

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“Sangrador” es una libre (libérrima, como en la misma película se anuncia) versión de la monumental obra de William Shakespeare: Macbeth. Esta película proviene de Venezuela, es protagonizada por Daniel Alvarado quién hará de un Macbeth llamado Maximiliano junto a su esposa Mileidi (si, así como suena) interpretada por Karina Gómez. Esta (y perdón que lo diga de forma tan directa) es una versión no sólo libérrima sino bizarra, asquerosa y espantosa de una gran obra. Además de esto (puede ser una mala versión y una buena película) la película como tal es peor de lo que sería como adaptación.

Esta es una película venezolana que, queriendo llevar la acción a su propio territorio para construir y lograr un producto válido, original y de calidad se queda en el camino. Esto lleva a que la película, además de mala sea pretenciosa. Está bien. Una película puede ser pretenciosa para llevarse adelante, después haber un mal producto y ya no serlo; esto ha pasado y pasará. Pero sus realizadores (y es por ellos por quienes más me duele tener que hablar de la película, llena de defectos, porque sé que está hecha con todas las ganas, la esperanza, las expectativas y las pocas posibilidades propias de su procedencia y puesta en marcha) parecen no haber reparado en el producto final y tenían la esperanza de que fuera seleccionada, por ejemplo, a competir en la selección de Mejor Película Extranjera de los Premios Oscar.

Pero bueno. ¿Por qué digo que la película no funciona? Nos encontramos con una película que (exceptuando el título) es totalmente a blanco y negro. Esto no debería presentar ni presenta una contra por sí mismo; es más, incluso puede hacer que uno se plantee “Ah… pero esta elección estética nos debe estar hablando de una puesta en escena pensada de forma conceptual” pensamiento que se desmoronará y caerá hecho pedazos en minutos.

La película está dividida en capítulos (por así llamarlos) con intertítulos. Esto tampoco es necesariamente malo, aunque ha determinada altura de la película uno se empieza a molestar, debido a que ya se sabe que estos están más porque “haa Mira que linda letra que le pusimos” que para ayudar a la narración o dar algún mensaje. Es más; yo diría que hacen lo contrario. Hacen de la narración algo más pesado y cuando ya estamos en la mitad de la película esperaremos que cada uno de los intertítulos que aparecen vengan a anunciarnos el final.

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Un edificio derrumbándose, una ola llevandose todo lo que tiene por delante, un virus matando a millones de personas, extraterrestres invadiendo el planeta, robots destruyendo ciudades y máquinas manejándolo todo con un control remoto.

Así nos pintan el mundo, así nos lo creemos, mientras los pochochos se terminan en la bolsa y el agrio sabor a realidad se nos queda impregnado en la garganta.

Para ver el trailer de El fin de los Tiempos haga click aquí

No hace falta más que mirar en los últimos lanzamientos del cine hollywoodense para entender esté fenómeno. Una cartelera plagada de films apocalípticos, en donde si el fin no se va a dar hoy, será …El día después de mañana.

Y el típico miedo estadounidense, a los desastres naturales, a los extraterrestres con ansias de poder y a las mismas máquinas que constantemente producen. Temen y nos hacen temer, en que, en cualquier momento, y bastante cerca de este momento, todo lo que generamos, en lo que confiamos y lo que utilizamos día a día, puede volverse en nuestra contra.

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O “El Gran Azul”, titulada originalmente “The Big Blue” es una película que supo ser muy taquillera, de 1988 a cargo del director francés internacionalmente reconocido Luc Besson. Es protagonizada por Jean-Marc Barr; Rosanna Arquette y Jean Reno. Trata sobre la vida e historia (legendaria y fílmica; que para nada pretende ser realista) de Jacques Mayol (de quien coloco una imagen), buceador, amigo de delfines y profundista.

La acción empieza en Grecia en 1965. Todo blanco y negro, excepto el azul. Nos encontramos aquí con una increíble fotografía, que se relame (y se relamerá) en los distintos paisajes afrodisíacos y naturales que iremos recorriendo; hecho aumentado además por el gran despliegue (en sentido cuantitativo al menos) de grúas, cámaras aereas y (unas realmente impresionantes) cámaras submarinas. Pero estamos en Grecia y Jacques Mayol aún no es interpretado por Jean-Marc Barr debido a que es un niño. Niño buceador, niño en el agua. Niño que tiene un encontronazo con otro niño debido a que se ha visto una moneda en al agua (una moneda de oro o plata, de un buque antiquísimo o algo así, suponemos) que será rescatada no por él; sino por Enzo (que viene como capo di tutti la mafia) con niños que lo tienen como líder y a los cuales llega a tratar con un gran desprecio, como lo hará con Jacques para agarrarse la moneda, ganarse el respeto, la admiración y la aclamación de toda esa especie de “vulgo” infantil, inmaduro, gritón y mal actuado. Así nos quedamos con un joven Jacques, al cual, un padre (eclesiástico… ya les contaré del sanguíneo…) le pide después de haber presenciado toda la absurda escena que agarre una moneda (otra) que está en el agua. Lo cual el niño hace y cuando quiere acordar el padre ya no está. Tal vez podríamos tratar de buscarle alguna significación algo profunda al hecho sino captáramos que la escena está tan asquerosamente preparada, poniendo “buenos” y “malos” tan fáciles y simples y haciendo un énfasis innecesario con la música de Eric Sierra (constante que está en toda la película; apareciendo siempre para decir “O hijos… Mirad la gran e importante enseñanza que esta película os quiere dar”, de una forma que a mi se me hizo empalagosa y edulcorante; más allá de que el disco, fuera de la película, debe ser uno excelente de “pseudos new wave”…). En fin; luego aparecerán delfines y Jacques se despierta. Está con su padre y otro hombre con el cual este trabaja. Los acompañaremos a salir a pescar (teniendo el padre que bucear con un equipo terriblemente anticuado). Jacques le pide a su padre que no baje, le dicen “¿de qué comemos entonces?” y el padre se tira. Enzo está a lo lejos, con una caña de pescar y verá la escena a continuación (siendo partícipe en unos primeros planos enfáticos y que se explicitarán con el resto de la película); pero la escena consiste en que (y como nos lo había anunciado una y otra vez en menos de cinco minutos de película Luc Besson) algo sale mal y el padre se ahoga. Su hijo grita y llora desesperado, el amigo de su padre lo para para que no se tire al agua. Enzo mira y grita “Jacques”. Y Jacques pega unos gritos de desesperación que sí le salen bien, verdaderos y que crispan la piel.

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Pantalla en negro. Silencio. Sobreimprime un fragmento de un cuento de J.D. Salinger hablando de Dios. La primera imagen que vemos, es la de una mujer dándonos la espalda, sentada en una hamaca, en el interior de una habitación. Vaya forma de empezar. Si Jan Cvitkovič, el director de esta película, quería llamarnos la atención, lo logra instantáneamente.

DeFosaEnFosa, es una pequeña película coral. Y digo pequeña porque cuenta pequeñas historias, que se desarrollan en un pequeño pueblo, con pequeños detalles, con pequeños personajes, viviendo pequeñas vidas. La sumatoria de estas pequeñeces, hacen de esta película, una interesante experiencia cinematográfica.

Las historias se desarrollan en un pueblito rural esloveno. Pero (Gregor Baković), redacta y recita discursos fúnebres. Vive con sus dos hermanas, Ida (Sonja Savić) que es sordomuda, y Vilma (Nataša Matjašec), que tiene un hijo. Vive con ellos su padre, un viudo silencioso y con tendencias suicidas llamado Dedo (interpretado por Brane Gruber). Completan el cuadro: Suki (Drago Milinović), amigo de Pero y muy cercano a su familia, y Renata (Mojka Fatur) , una adolescente sobreprotegida por su padre, de la cual Pero está enamorada.

Todo comienza como una comedia costumbrista. Pero se transforma paulatinamente, en un drama. Nos vamos dejando llevar por pequeños detalles hasta que el dolor se va colando entre líneas, tornando finalmente la película en algo que nunca pensamos que sería. En los 95 minutos de metraje, transitamos por varios estados anímicos. Oscilamos entre la risa y la angustia. Entre la sorpresa y la tranquilidad absoluta. Entre la ternura y la bronca. Es un gran abanico de sensaciones que no aburre en ningún momento.

Los personajes, viven una vida sin sobresaltos, en un pueblo tranquilo, en el que parece que todos se conocen. De fosa en fosa no es una película sobre Pero, es más bien, una película sobre él y sobre los que lo rodean. Su personaje es nuestro punto de partida desde donde conocemos a los demás integrantes de la familia, a los amigos, el pueblo, el amor y la muerte.

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El multipremiado realizador canadiense Denys Arcand había escrito y dirigido ya en 1986 el aclamado film Le Déclin de l’empire américain en que un grupo de profesores integrantes del departamento de Historia de la Universidad de Montreal conjuntamente con sus parejas, decide realizar una cena de reunión en una gran casa recluída. La narración, eminentemente verbal, permite descubrir los intrincados caracteres e ideologías de los personajes convocados mediante sus diversas discusiones eruditas, en las que se abordan temas como el devenir histórico del individuo y su compromiso ético. Ya en esta obra es presentado el personaje que será protagonista en Les invasions barberes, una suerte de secuela realizada diecisiete años más tarde. En ella se mantiene ese “humor, cinismo e inteligencia”, como afirma el director, mas la propuesta introduce a la narración una nueva generación encarnada por el hijo de Rémy, protagonista de la cinta encarnado por el actor Rémy Girard.

La trama del film se desarrolla entorno a su figura que, abatida, sufre los flagelos de un cáncer fatal que parece anticiparle sus últimos días. Lleva en su experiencia una vida libertina y apasionada, liderada por grandes convicciones que, hasta sus últimos momentos parecen mantenerse incólumes. Sin embargo, su decreciente estado de salud le ha obligado a instalarse en una ascética habitación del hospital de Montreal donde es atendido, y acompañado por algunos de sus seres queridos. Entre ellos se halla su ex esposa Louise (Dorothée Berryman), quien en el film anterior descubriese su infidelidad por el acto de conciencia de su amante durante la reunión. A pesar de ello se mantiene a su lado y determina llamar al joven Sébastien (Stéphane Rousseau), hijo de ambos, radicado en Londres donde se desempeña exitosamente como economista. La relación entre ambos es por demás distante, Rémy les abandonó cuando éste era más pequeño y siempre le menospreció por incompatibilidad ideológica. Acude, sin embargo, al pedido de su juega un rol fundamental contribuyendo a la reunión de sus viejos amigos, parientes e incluso sus antiguas amantes y haciendo uso de sus influencias para mejorar en lo posible las condiciones en las que se halla su padre. Sebastián contratará a un grupo compuesto por los alumnos universitarios a cargo de su padre, quienes le visitarán y pretenderán extrañarle, como así también recurrirá a Natalie (Marie-Josée Croze), hija de una de las amantes de aquel, para conseguir por medio de ella, una dosis de heroína que pudiese aliviar su dolor. Así es que los últimos días del protagonista serán acompañados en una suerte de celebración final de la vida junto con quienes incondicionalmente le aprecian en la bella casa junto al lago de la película en que fueron presentados los personajes.

Así es que los últimos días del protagonista serán acompañados en una suerte de celebración final de la vida junto con quienes incondicionalmente le aprecian en la bella casa junto al lago de la película en que fueron presentados los personajes.

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Hacia 1993 quienes luego crearan la corrosiva serie animada South Park, Trey Parker y Matt Stone, concurrían a la Universidad de Colorado para completar sus estudios en música y matemática respectivamente. Ambos compartían, sin embargo, clases de producción cinematográfica para la cual debieron, en una ocasión, realizar y presentar un trailer que, por su óptima recepción, se configuró pronto como origen del proyecto de un largometraje a realizar. Para ello debieron aunar una suma considerable de dinero y convocar a diversos conocidos para la interpretación de los personajes propuestos en el film que contaría con un guión eminentemente escrito por Parker, quien también se desempeñó como director. La obra se basó libremente en la controversial historia del estadounidense Alferd Packer, conocido como el primer ciudadano condenado por cometer canibalismo abordando la narración desde sus declaraciones. Pero lejos estaban de producir una biografía seria y minuciosa pues, apelando al humor que luego se conformaría en una marca distintiva en todos sus emprendimientos, hicieron de ella un hilarante y absurdo musical titulado Alferd Packer, The musical. En 1996, cuando el film comenzó a distribuirse, la empresa a cargo quitó el nombre y lo reemplazó por Cannibal comprendiendo que sería irrelevante el título para la inmensa mayoría que no lo conociese.

Su narración comienza con la escena del juicio en que un colérico abogado representa exageradamente la forma en que supone el joven Packer (Parker) asesinó a sus acompañantes en medio de un valle nevado para luego consumir sus sangrientas carnes. Al finalizar la sesión es enviado a una pequeña cárcel donde aguarda a su abogado y recibe pronto, la visita de una inescrupulosa reportera, Polly Pry (Toddy Walters), que pretende averiguar lo sucedido. Ante la negativa del protagonista pregunta entonces por Lianne, quien ha dicho el fiscal es para él de gran importancia, y él responde: “Es bella, tiene el cabello largo, brilloso y ojos almendrados. Tiene orejas puntiagudas y una cola suave”. Comenzando así su relato, vemos que Lianne no es más que su querido caballo, con quien recorre las verdes pasturas de Utah hacia la mina donde su amigo Swan (Jon Hegel) se encuentra trabajando. Éste le invita a reunirse junto con un grupo de muchachos, entre los que se encuentran James Humprhies (Stone) y George Noon (Dian Bachar), para viajar hacia Colorado y allí probar suerte en un cañón inexplorado.

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The Jazz singer (1927) ha marcado en la historia cinematográfica un hito fundamental pues es el primer largometraje en que se halla articulada la voz de los actores interpretando sus líneas conjuntamente con la imagen. Para ello se empleó el innovador sistema Vitaphone que permitía grabar en un disco la pista de sonido para, en el momento de la proyección, reproducirse por separado más simultáneamente. Sin embargo no es ésta la primera obra que implementó la tecnología sino la cinta Don Juan, realizada en 1926 por Alan Crosland, en que efectos de sonido específicos y melodías fueron adheridas al relato.

El film, basado en la obra del dramaturgo y guionista estadounidense Samson Raphaelson titulada Day of Atonement, cuenta con la dirección del mencionado cineasta bajo la producción de los estudios de la Warner Bros. Su narración se centra sobre el pequeño protagonista, Jakie Rabinowitz (Bobby Gordon), a quien veremos a comienzos de la historia cantando melodías de jazz en un bar local a escondidas de su padre (Warner Oland) pues éste, especialmente, espera verle continuar la extendida tradición familiar de participación en el coro del templo. Pronto llega a él la noticia de su presentación, por lo que de inmediato se dirige al local y, enfurecido, recoge al niño para devolverle a su hogar. Al arribar, el hombre severamente le regaña por “malgastar la voz que Dios le dio” y anticipa que luego de golpearle habrían de tener una extensa charla, a lo que Jakie contesta afirmando que si ello sucedía, se marcharía para nunca volver a su hogar. El niño finalmente debe de cumplir su promesa.

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