O “El Gran Azul”, titulada originalmente “The Big Blue” es una película que supo ser muy taquillera, de 1988 a cargo del director francés internacionalmente reconocido Luc Besson. Es protagonizada por Jean-Marc Barr; Rosanna Arquette y Jean Reno. Trata sobre la vida e historia (legendaria y fílmica; que para nada pretende ser realista) de Jacques Mayol (de quien coloco una imagen), buceador, amigo de delfines y profundista.

La acción empieza en Grecia en 1965. Todo blanco y negro, excepto el azul. Nos encontramos aquí con una increíble fotografía, que se relame (y se relamerá) en los distintos paisajes afrodisíacos y naturales que iremos recorriendo; hecho aumentado además por el gran despliegue (en sentido cuantitativo al menos) de grúas, cámaras áreas y (unas realmente impresionantes) cámaras submarinas. Pero estamos en Grecia y Jacques Mayol aún no es interpretado por Jean-Marc Barr debido a que es un niño. Niño buceador, niño en el agua. Niño que tiene un encontronazo con otro niño debido a que se ha visto una moneda en al agua (una moneda de oro o plata, de un buque antiquísimo o algo así, suponemos) que será rescatada no por él; sino por Enzo (que viene como capo di tutti la mafia) con niños que lo tienen como líder y a los cuales llega a tratar con un gran desprecio, como lo hará con Jacques para agarrarse la moneda, ganarse el respeto, la admiración y la aclamación de toda esa especie de “vulgo” infantil, inmaduro, gritón y mal actuado. Así nos quedamos con un joven Jacques, al cual, un padre (eclesiástico… ya les contaré del sanguíneo…) le pide después de haber presenciado toda la absurda escena que agarre una moneda (otra) que está en el agua. Lo cual el niño hace y cuando quiere acordar el padre ya no está. Tal vez podríamos tratar de buscarle alguna significación algo profunda al hecho sino captáramos que la escena está tan asquerosamente preparada, poniendo “buenos” y “malos” tan fáciles y simples y haciendo un énfasis innecesario con la música de Eric Sierra (constante que está en toda la película; apareciendo siempre para decir “O hijos… Mirad la gran e importante enseñanza que esta película os quiere dar”, de una forma que a mi se me hizo empalagosa y edulcorante; más allá de que el disco, fuera de la película, debe ser uno excelente de “pseudos new wave”…). En fin; luego aparecerán delfines y Jacques se despierta. Está con su padre y otro hombre con el cual este trabaja. Los acompañaremos a salir a pescar (teniendo el padre que bucear con un equipo terriblemente anticuado). Jacques le pide a su padre que no baje, le dicen “¿de qué comemos entonces?” y el padre se tira. Enzo está a lo lejos, con una caña de pescar y verá la escena a continuación (siendo partícipe en unos primeros planos enfáticos y que se explicitarán con el resto de la película); pero la escena consiste en que (y como nos lo había anunciado una y otra vez en menos de cinco minutos de película Luc Besson) algo sale mal y el padre se ahoga. Su hijo grita y llora desesperado, el amigo de su padre lo para para que no se tire al agua. Enzo mira y grita “Jacques”. Y Jacques pega unos gritos de desesperación que sí le salen bien, verdaderos y que crispan la piel.

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Pantalla en negro. Silencio. Sobreimprime un fragmento de un cuento de J.D. Salinger hablando de Dios. La primera imagen que vemos, es la de una mujer dándonos la espalda, sentada en una hamaca, en el interior de una habitación. Vaya forma de empezar. Si Jan Cvitkovič, el director de esta película, quería llamarnos la atención, lo logra instantáneamente.

DeFosaEnFosa, es una pequeña película coral. Y digo pequeña porque cuenta pequeñas historias, que se desarrollan en un pequeño pueblo, con pequeños detalles, con pequeños personajes, viviendo pequeñas vidas. La sumatoria de estas pequeñeces, hacen de esta película, una interesante experiencia cinematográfica.

Las historias se desarrollan en un pueblito rural esloveno. Pero (Gregor Baković), redacta y recita discursos fúnebres. Vive con sus dos hermanas, Ida (Sonja Savić) que es sordomuda, y Vilma (Nataša Matjašec), que tiene un hijo. Vive con ellos su padre, un viudo silencioso y con tendencias suicidas llamado Dedo (interpretado por Brane Gruber). Completan el cuadro: Suki (Drago Milinović), amigo de Pero y muy cercano a su familia, y Renata (Mojka Fatur) , una adolescente sobreprotegida por su padre, de la cual Pero está enamorada.

Todo comienza como una comedia costumbrista. Pero se transforma paulatinamente, en un drama. Nos vamos dejando llevar por pequeños detalles hasta que el dolor se va colando entre líneas, tornando finalmente la película en algo que nunca pensamos que sería. En los 95 minutos de metraje, transitamos por varios estados anímicos. Oscilamos entre la risa y la angustia. Entre la sorpresa y la tranquilidad absoluta. Entre la ternura y la bronca. Es un gran abanico de sensaciones que no aburre en ningún momento.

Los personajes, viven una vida sin sobresaltos, en un pueblo tranquilo, en el que parece que todos se conocen. De fosa en fosa no es una película sobre Pero, es más bien, una película sobre él y sobre los que lo rodean. Su personaje es nuestro punto de partida desde donde conocemos a los demás integrantes de la familia, a los amigos, el pueblo, el amor y la muerte.

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El multipremiado realizador canadiense Denys Arcand había escrito y dirigido ya en 1986 el aclamado film Le Déclin de l’empire américain en que un grupo de profesores integrantes del departamento de Historia de la Universidad de Montreal conjuntamente con sus parejas, decide realizar una cena de reunión en una gran casa recluída. La narración, eminentemente verbal, permite descubrir los intrincados caracteres e ideologías de los personajes convocados mediante sus diversas discusiones eruditas, en las que se abordan temas como el devenir histórico del individuo y su compromiso ético. Ya en esta obra es presentado el personaje que será protagonista en Les invasions barberes, una suerte de secuela realizada diecisiete años más tarde. En ella se mantiene ese “humor, cinismo e inteligencia”, como afirma el director, mas la propuesta introduce a la narración una nueva generación encarnada por el hijo de Rémy, protagonista de la cinta encarnado por el actor Rémy Girard.

La trama del film se desarrolla entorno a su figura que, abatida, sufre los flagelos de un cáncer fatal que parece anticiparle sus últimos días. Lleva en su experiencia una vida libertina y apasionada, liderada por grandes convicciones que, hasta sus últimos momentos parecen mantenerse incólumes. Sin embargo, su decreciente estado de salud le ha obligado a instalarse en una ascética habitación del hospital de Montreal donde es atendido, y acompañado por algunos de sus seres queridos. Entre ellos se halla su ex esposa Louise (Dorothée Berryman), quien en el film anterior descubriese su infidelidad por el acto de conciencia de su amante durante la reunión. A pesar de ello se mantiene a su lado y determina llamar al joven Sébastien (Stéphane Rousseau), hijo de ambos, radicado en Londres donde se desempeña exitosamente como economista. La relación entre ambos es por demás distante, Rémy les abandonó cuando éste era más pequeño y siempre le menospreció por incompatibilidad ideológica. Acude, sin embargo, al pedido de su juega un rol fundamental contribuyendo a la reunión de sus viejos amigos, parientes e incluso sus antiguas amantes y haciendo uso de sus influencias para mejorar en lo posible las condiciones en las que se halla su padre. Sebastián contratará a un grupo compuesto por los alumnos universitarios a cargo de su padre, quienes le visitarán y pretenderán extrañarle, como así también recurrirá a Natalie (Marie-Josée Croze), hija de una de las amantes de aquel, para conseguir por medio de ella, una dosis de heroína que pudiese aliviar su dolor. Así es que los últimos días del protagonista serán acompañados en una suerte de celebración final de la vida junto con quienes incondicionalmente le aprecian en la bella casa junto al lago de la película en que fueron presentados los personajes.

Así es que los últimos días del protagonista serán acompañados en una suerte de celebración final de la vida junto con quienes incondicionalmente le aprecian en la bella casa junto al lago de la película en que fueron presentados los personajes.

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Hacia 1993 quienes luego crearan la corrosiva serie animada South Park, Trey Parker y Matt Stone, concurrían a la Universidad de Colorado para completar sus estudios en música y matemática respectivamente. Ambos compartían, sin embargo, clases de producción cinematográfica para la cual debieron, en una ocasión, realizar y presentar un trailer que, por su óptima recepción, se configuró pronto como origen del proyecto de un largometraje a realizar. Para ello debieron aunar una suma considerable de dinero y convocar a diversos conocidos para la interpretación de los personajes propuestos en el film que contaría con un guión eminentemente escrito por Parker, quien también se desempeñó como director. La obra se basó libremente en la controversial historia del estadounidense Alferd Packer, conocido como el primer ciudadano condenado por cometer canibalismo abordando la narración desde sus declaraciones. Pero lejos estaban de producir una biografía seria y minuciosa pues, apelando al humor que luego se conformaría en una marca distintiva en todos sus emprendimientos, hicieron de ella un hilarante y absurdo musical titulado Alferd Packer, The musical. En 1996, cuando el film comenzó a distribuirse, la empresa a cargo quitó el nombre y lo reemplazó por Cannibal comprendiendo que sería irrelevante el título para la inmensa mayoría que no lo conociese.

Su narración comienza con la escena del juicio en que un colérico abogado representa exageradamente la forma en que supone el joven Packer (Parker) asesinó a sus acompañantes en medio de un valle nevado para luego consumir sus sangrientas carnes. Al finalizar la sesión es enviado a una pequeña cárcel donde aguarda a su abogado y recibe pronto, la visita de una inescrupulosa reportera, Polly Pry (Toddy Walters), que pretende averiguar lo sucedido. Ante la negativa del protagonista pregunta entonces por Lianne, quien ha dicho el fiscal es para él de gran importancia, y él responde: “Es bella, tiene el cabello largo, brilloso y ojos almendrados. Tiene orejas puntiagudas y una cola suave”. Comenzando así su relato, vemos que Lianne no es más que su querido caballo, con quien recorre las verdes pasturas de Utah hacia la mina donde su amigo Swan (Jon Hegel) se encuentra trabajando. Éste le invita a reunirse junto con un grupo de muchachos, entre los que se encuentran James Humprhies (Stone) y George Noon (Dian Bachar), para viajar hacia Colorado y allí probar suerte en un cañón inexplorado.

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The Jazz singer (1927) ha marcado en la historia cinematográfica un hito fundamental pues es el primer largometraje en que se halla articulada la voz de los actores interpretando sus líneas conjuntamente con la imagen. Para ello se empleó el innovador sistema Vitaphone que permitía grabar en un disco la pista de sonido para, en el momento de la proyección, reproducirse por separado más simultáneamente. Sin embargo no es ésta la primera obra que implementó la tecnología sino la cinta Don Juan, realizada en 1926 por Alan Crosland, en que efectos de sonido específicos y melodías fueron adheridas al relato.

El film, basado en la obra del dramaturgo y guionista estadounidense Samson Raphaelson titulada Day of Atonement, cuenta con la dirección del mencionado cineasta bajo la producción de los estudios de la Warner Bros. Su narración se centra sobre el pequeño protagonista, Jakie Rabinowitz (Bobby Gordon), a quien veremos a comienzos de la historia cantando melodías de jazz en un bar local a escondidas de su padre (Warner Oland) pues éste, especialmente, espera verle continuar la extendida tradición familiar de participación en el coro del templo. Pronto llega a él la noticia de su presentación, por lo que de inmediato se dirige al local y, enfurecido, recoge al niño para devolverle a su hogar. Al arribar, el hombre severamente le regaña por “malgastar la voz que Dios le dio” y anticipa que luego de golpearle habrían de tener una extensa charla, a lo que Jakie contesta afirmando que si ello sucedía, se marcharía para nunca volver a su hogar. El niño finalmente debe de cumplir su promesa.

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Una vereda oscura es el escenario ideal, un sótano de una casa abandonada, un auto solitario en el medio de la carretera. Llamadas perdidas de un celular que se apaga justo en el momento clave, en el que alguien abre la puerta y se desatan los efectos especiales, vuelan máscaras por el aire y demás cosas que no tienen mucho sentido.

Un portal sobre cine de terror: Conocélo

De terror, cada año, cada temporada se estrena una nueva película…de terror. Pero, ¿Qué es el terror? Hoy, el terror, es un juego, es el juego, del miedo. En donde hay un torturador, un psicópata, una pieza, una herramienta, una víctima y un público que compra la entrada dispuesto a ver eso: Una víctima, un verdugo, un juego, que nos da miedo o no, pero sólo es un juego.

¿Y qué de las películas con llamadas sobrenaturales? La muerte y la vida, se entrecruzan, alguien que está abajo intenta subir y decirnos algo.
Un desorden de sonidos, una pantalla que oculta la verdad. Sobrenaturalidad en el aire, historias para no dormir, o quizás para nunca despertar.

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Adrenalina corriendo por las venas, en cualquier momento podemos ser nosotros quiénes estemos en la pantalla, sin darnos cuenta podemos dejar de ser espectadores para pasar a ser víctimas.
El peligro no se puede rastrear, se mueve demasiado rápido y no utiliza mapas ni relojes, solo instinto, dolor, y un sistema virtual y social desquiciado.

Untraceable, así es su título original, Sin Rastros en español fue dirigida por Gregory Hoblit, lleva la adrenalina al punto máximo, lleva el peligro a un terreno bordeando lo sádico, lo desagradable y lo inhumano.

Una visión clara por la sociedad norteamericana en particular y moderna en general, en donde el dolor del otro, el sufrir de mi semejante no es más que “mero entretenimiento”.

El sitio protagonista de la película fue creado en la web real como una forma de pedir por la seguridad virtual, si quieres sumarte a esta compaña, puedes visitarlo en la web

Esta película está protagonizada por Diane Lane, que encarna a una agente del FBI que se encanrga de investigar crímenes virtuales. Un día ella se encuentra con un sitio llamado “Kill with me”, mata conmigo. A partir de lo que ve, su modo de vivir da un giro transversal, comienza a correr peligro, a atar a cabos, a reconocerse lejos estando cerca, pierde el control total de lo que sucede.

Un sitio web es el protagonista de tanto crimen, de tanto dolor, una cámara web es la única testigo, un sótano es el lugar perfecto para sumarle un escenario más tétrico a los miles de espectadores que conforman la “tribuna” virtual.

Las víctimas comienzan siendo gatos, “es un chiste” comentan los visitantes del sitio en el muro del blog, pero luego él asesino empieza a mostrar gente, personas a las que mediante engaños o inventos los lleva a su casa, los encierra en su sótano y los prepara para una exposición pública sumamente desagradable que consiste en tortura y muerte.

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Muchas películas son realmente exitosas en sus primeras partes, es por ello que los productores de Hollywood no dudan en sacar a la luz una segunda parte después de un tiempo prudencial entre ambas.

No obstante, no todas estas secuelas son exitosas o tienen el visto bueno del público cuando llegan a la pantalla grande, ya que uno nunca sabe como reaccionarán los espectadores y los fanáticos que, en muchos casos, son muy difíciles de complacer.

Hay películas que si pueden dar más para hacer una segunda, tercera o hasta cuarta parte o más (incluyendo las excepciones de películas que han tenido infinidad de secuelas); pero también hay otras películas que simplemente ya no dan para más, pero es mucho más fuerte la ambición de los productores que fuerzan la trama y que hacen que esas películas que nuestra memoria guardaba como respetables se conviertan en verdaderos fiascos cinematográficos.

Es por ello que te presento aquí una lista con las que considero son las mejores secuelas que se han hecho de películas en el mundo del cine.

Toy Story 2

Esta es una de las mejores secuelas que he visto en mi vida, y es que cabe señalar que soy muy aficionada a las películas de animación, es más, hasta ahora tengo mis llaveros de Buzz Lightyear y del vaquero Woody, con la inscripción del nombre Andy en su zapato y todo. Una de las anécdotas de esta secuela es que fue planeada para que vaya directamente al formato DVD sin pasar por las carteleras de cine.

Pero posteriormente Disney - Pixar decidió sabiamente enviar esta secuela a los cines, haciendo que se convierta en una de las más conmovedoras historias que se hayan podido crear, y que añade un aspecto totalmente distinto de la primera, en la búsqueda por parte de Woody a su amigo Buzz. Una historia de amistad concebida como únicamente los niños pueden concebirla, un concepto que entre los adultos ya está muy desgastado.

Mención aparte merece la canción de esta película que fue nominada al Oscar como mejor canción interpretada por la vaquerita Jessy. Aquí la versión en español… enternecedora.

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A muchas personas les puede parecer subjetivo definir las mejores películas en cualquiera de los géneros cinematográficos que uno pueda imaginar, pero lo cierto es que estas listas se realizan quiera uno o no.

Desde el año 1998, el American Film Institute (AFI) o Instituto Americano del Cine, ha elaborado 13 listas distintas en donde presenta cada cierto tiempo aquellas películas que considera traspasarán la barrera del tiempo y quedarán presentes en el recuerdo de la humanidad para las décadas posteriores.

No es la primera vez que el Instituto Americano del Cine nos presenta una lista de 100 mejores películas, lo hizo el año pasado también, pero con la particularidad de que en esta ocasión se presenta una lista subdividida por géneros, en donde podemos tener un panorama jerárquico más claro de las películas seleccionadas.

Entre los primeros puestos tenemos películas tan entrañables como El mago de Oz, El Padrino, Vertigo y 2001: Odisea en el espacio, que sin duda al día de hoy son consideradas como clásicos de la cinematografía.

10 mejores Películas de Animación.

Para empezar, en el género de animación tenemos en primer lugar a Blanca Nieves y los 7 enanitos del año 1937 y cabe resaltar que del total de 10 películas que hay en la lista, tres de ellas son películas animadas por computadora. A pesar de que películas como Los Simpsons, han retrocedido en el tiempo y se han presentado en 2D, las películas de Animación en 3D han entrado con mayor facilidad a la lista. También figuran en la lista las películas clásicas de animación antiguas como Pinocho (1940), Bambi (1942), Cenicienta (1950) y Fantasía (1940). Por otro lado, entre las más actuales en 2D figuran El Rey León (1994) y La bella y la bestia (1991), y las películas de animación en 3D son Toy Story (1995), inolvidable; Shrek (2001) y Buscando a Nemo (2003).

10 mejores Películas de Fantasía.

En el género de Fantasía tenemos en primer lugar a la película El mago de Oz del año 1939. Hay algo que parece un tanto extraño, vamos en el segundo género y coincidentemente ambas películas son casi contemporáneas, ojala que en tanto vayamos avanzando esa no sea una tendencia tan marcada. La sorpresa la marca El señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo (2001), una muy actual en el segundo lugar y entre las antiguas tenemos a Que bello es vivir (1946), King Kong (1933), Milagro en la calle 34th (1947), entre otras. Es lamentable que en esta lista la única contemporánea sea el Señor de los Anillos, al parecer no hay otras películas actuales de fantasía dignas de la lista.

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+ bien (2001) es el primer largometraje del realizador argentino Eduardo Capilla, hasta entonces únicamente abocado a la producción de comerciales, videos musicales, y a las artes plásticas, desarrollando su labor, particularmente, en el ámbito de la pintura e instalaciones que, por cierto, resulta evidente en la creación de esta obra. Para su producción contó con la esencial participación del talentoso músico y productor Gustavo Cerati, y la colaboración de la antaño VJ de la señal de MTV latino, Ruth Infarinato. El film, que también cuenta con la contribución del actor Damián de Santo y Atsushi Mizukawa, plantea, según afirmó el director escuetamente “la historia de seres bondadosos que tratan de superar dificultades personales” en un intento de éxito cuestionable, experimental e independiente.

La historia comienza, luego de una serie de imágenes alternadas, presentando a Ramiro (Mizukawa), un prometedor joven médico y escritor que sufre el abrupto abandono de su novia, Mariana. Relaciones ocasionales parecen, desde entonces, resultarle vacías pues la recuerda en forma constante y es por ello que comienzan sus penas a afectar su estado físico. Pronto veremos la aparición de Jorge (Cerati), un colega cirujano que acude a su hogar de visita para tomar prestado su pequeño auto pues iniciará un viaje hacia La Cumbre, en la provincia argentina de Córdoba. Allí se encontrará con una muchacha con la que ha comenzado una relación luego de cinco años de la muerte de su mujer e hija en el terremoto de Osaka. Galo (de Santo) será quien acuda por último a la casa de su amigo Ramiro pues parece ser, además de profesional en medicina, artista y, con el interés de embellecer su hogar, realizará allí un mural.
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