¿Qué hacer cuando rompes con tu chica, para luego darte cuenta que no querías hacerlo, pero es demasiado tarde, porque ella ya está saliendo con otro y no quiere verte más la cara, y ahora no puedes olvidarte de ella? ¿Qué haces si el recuerdo de ella te mortifica al punto de no dejarte más dormir? ¿Qué hacer si dormir queda anulado como opción? Bueno, siempre hay algún supermercado abierto las 24hs.

Ben Willis rompe con su novia, porque considera que no hay nada que él haga que la haga feliz. Romper con ella, tampoco ayuda. La imagen inicial se congela sobre el rostro de la ennovia, enfurecida. Ben sólo puede mirar. De hecho, Ben es un aspirante a artista, alguien que disfruta con la mirada. No obstante, para el mirón también es necesario el descanso, descanso que deja de llegar una vez que el protagonista queda obsesionado con la imagen de la chica con quien ya no podía estar. Es un clásico.

Como Ben está estudiando, le hace falta dinero y, ahora, el tiempo le sobra (ya ha leído todo lo que puede ser leído, pensado todo lo que puede ser pensado, y le quedan varias horas de más), ingresa a un supermercado que está abierto las 24hs para cubrir el turno nocturno. Ahí queda, con otros perdidos igual que él, entre los cuales está Sharon – no es difícil adivinar que es lo que habrá de ocurrir con ella -.

“Cashback” es la expansión a largometraje de un corto que fue nominado al Oscar y premiado en otros festivales. Y, en el estilo que elige Sean Ellis, su director, la impronta del cortometraje se nota. Hay un desarrollo de los personajes que parece algo forzado, precisamente porque implica “estirar” lo que estaba pensando para la brevedad. Pero, de todas maneras, es esa misma característica la que le confiere un toque extraño.

Ben ansía la belleza, busca absorberla, congelarla en sus dibujos. En ese acelere que adquiere, que es como el equivalente de haber nadado en una pileta de café, Ben consigue detener el tiempo. Característica bien de realismo mágico, esta le da al protagonista la posibilidad de observar, de gozar profundamente en su mirada. Lógicamente, como es de esperarse, su objeto de deseo son las mujeres. Sin embargo, está también en los colores que adquiere el contexto cuando la acción se vuelve cámara lenta, cuando los cuerpos desnudos parecen hechos de alabastro, creados para ser mirados y disfrutados.

Ese voyeurismo es bien adolescente, de aquel que todavía tiene una mirada “pura” sobre el mundo y todo le resulta fascinante. También uno puede encontrar esa obsesión por el tiempo de Wong Kar Wai, aunque en un tono mucho más Light, menos filosófico. Este es un personaje, en definitiva, a quien el tiempo le sobra, pero no sabe qué hacer con él.

Corazón en conflicto, detenido, varado en agujas del reloj que se niegan a moverse. Ben es el falso enamorado. Romper con Suzy era lo correcto, pero, después de hacerlo, quiere tener lo que ya no puede. Típico. Típico también que luego ocurra a la inversa, pero eso ya es otro tema.

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A veces puede resultar demasiado difuso el límite que separa lo que podría ser una buena película de una mala, depende mucho de la subjetividad de cada espectador y también de su expectativa con respecto al relato con el que se encontrará o con el que desea encontrarse. Entonces ¿cómo podría alguien asegurar por ejemplo que Antes de Partir (The Bucket List, 2007 –creo que en España la conocen como Ahora o Nunca-) es una película mala, o regular?. ¿Cómo podríamos asegurar que La Joven Vida de Juno es muy buena o excelente, o que Love Liza o Reign Over Me, siendo todas comedias dramáticas como las anteriores, son mejores productos que The Bucket List?. Creo que es posible llegar a estas conclusiones en este mundo susceptible en su totalidad de medición cualitativa y cuantitativa, y que algunos llegarán a ellas con más método y otros, con un mayor sentido común.
Si hacemos un análisis profundo sobre la narrativa de todas estas películas que nombramos anteriormente, utilizando como técnica -por ejemplo- la semiótica, notaremos que la concatenación de elementos y factores que ponen en marcha cada uno de estos relatos, cobran vital importancia, comenzando por los guiones, las diferentes interpretaciones de los directores y sus puestas en escena, y la de los actores que llevan a cabo los distintos proyectos. Supuestamente, todo debería estar planeado para la perfecta decodificación por parte del que sería el modelo de lector al cual el escritor dirige su relato, en este caso, podríamos hablar del guionista como autor del texto y del director como ejecutor del mismo.

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The Purple rose of Cairo, obra de 1985, es según su director, Woody Allen, una de las pocas películas, dentro de la propia filmografía, que mas se aproximan a su búsqueda. Si bien mantiene una línea técnica y narrativa constante, como puede comprobarse con la lectura del comentario publicado recientemente sobre su pieza de 1983, Zelig, aborda aquí la temática desde una suerte de juego con los conceptos dicotómicos de realidad-ficción aplicados a una situación amorosa. Su contextualización enfatiza el análisis del funcionamiento del dispositivo cinematográfico americano entorno a la Gran Depresión.
El film comienza con la presentación de Cecilia (Mia Farrow), una distraída y joven camarera que suele disfrutar de los films románticos en el cine local pues también, en verdad, desea escapar de su miserable vida laboral y conyugal. Su esposo, Monk (Danny Aiello), que ha quedado desempleado, dedica su tiempo a apostar en juegos de azar, a sus amoríos y tiene por costumbre agredir física y psicológicamente a su mujer, de manera tal que ésta, sumisa, es quien finalmente se halla a cargo del hogar. Luego de una de las tantas riñas con su marido y de ser despedida del restaurante en que trabaja, se dirige al cine para hallar en el último estreno “La rosa púrpura del Cairo” una distracción que le aleje de sus pesares. Proyección tras proyección, Cecilia se mantiene en su asiento observando al apuesto Tom Baxter (Jeff Daniels), aventurero y arqueólogo, que ha sido invitado a visitar Nueva York por unos caballeros americanos y, durante su paseo por los glamorosos clubes nocturnos, conoce a una atractiva mujer de la que inmediatamente se enamorará. Mas pronto sucede algo en absoluto inesperado: durante una de sus líneas, Baxter dirige su mirada hacia el público, rompiendo por tanto los límites del espacio ficcional, y con una voz suave interpela a Cecilia que, azorada, lo observa desde su butaca. Pronto sale de la pantalla e invita a la protagonista a un lugar donde pudiesen hablar con más tranquilidad. Con ello se genera un caos en la sala del cine y el gerente se dirige a los personajes para pedirles calma y colaboración mientras estos desesperados discuten entre si y le piden que no apague el proyector pues serían aniquilados. Para entonces Tom y Cecilia han llegado a un parque de diversiones desolado y es aquí donde él revela su afecto por la protagonista y sus intereses de quedarse con ella en el mundo real. El encuentro, que culminará con una cena romántica y una conversación a media luz en el carrusel del parque, nos mostrará al arqueólogo como una apasionada figura que responde a las características y conocimientos que el autor original le ha dado y las reconoce como tales. Cecilia afirmando, triste, ser una mujer casada, pide algo de tiempo para poder reordenar la situación.

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Estoy convencido de que hay películas que se piensan, otras que se sienten, y algunas que implican hacer ambas cosas… Juno definitivamente se siente desde lo más profundo del corazón, por este motivo, ni bien terminé de verla, me senté desbordado de emoción a escribir esta recomendación, porque eso es lo que quiero, que la vean (al menos aquellos que aun no lo han hecho), les aseguro que no se van a arrepentir.
Obviamente, la exquisita riqueza de este particular relato “nace” desde el guión magistralmente escrito por Diablo Cody (ganadora de un Oscar por este trabajo), pero también hay que reconocer que el mismo esta bien sostenido por un círculo retroalimentado de aciertos y cosas bien hechas. El resultado, es sencilla y simplemente perfecto, como los engranajes de un reloj suizo.

El brillante guión no deja nada librado al azar, todo está pensado para que encaje como piezas en un rompecabezas, el perfil de los personajes, los filosos diálogos entre ellos, la elección del nombre de nuestra adolescente, locuaz y sarcástica heroína (teniendo en cuenta que Juno representa a la Diosa de la maternidad en la mitología romana, reina del olimpo, protectora de las mujeres, entre otras características), y hasta la elección del nombre de su pequeña hermanastra Liberty Bell (Campana de Libertad) -tal vez como para dejarnos en claro el hecho de que la familia en cuestión es más bien de corte liberal-. Todos pequeños detalles con los que Cody juega para lograr crear una profundidad sin igual en los personajes que describe, quienes son interpretados majestuosamente por actores de gran carácter -aunque no tan conocidos comercialmente- y que tienen su punta de lanza en la aquí espectacular Ellen Page (nominada al Oscar por esta película en el rubro de mejor actriz principal).

Ya desde el inicio del filme queda claro que Juno no es una chica del montón, un poco más madura que el resto de sus compañeros, está centrada en otras cosas menos frívolas y/o propias de la edad, inclusive llegando a ser considerada “rara” por el resto de sus pares. Es poseedora de un vocabulario muy desarrollado, directo e irónico (hasta el punto a veces de resultar extremadamente provocativo e irreverente) y una frialdad emocional sin igual. Con estos recursos protege su hermético mundo de aquellos sentimientos que la pueden llegar a lastimar, son métodos que aprendió a usar tal vez por el temprano abandono de su madre biológica, hecho que seguramente influye en su decisión final de no abortar y en cambio si buscar una “familia feliz”, esas que duran para siempre y que en un momento de la historia le pregunta a su padre si existen, para que críen a “la cosa” (como ella llama a su bebé en desarrollo). Es a lo largo de esta búsqueda, y mientras transcurre su accidental embarazo, que iremos observando la increíble e inevitable transformación de nuestro pequeño personaje, quien a pesar de ser distinta a los demás, no deja de ser una niña inocente y asustada de 16 años que se ha encontrado cara a cara con la vida y que solo quiere seguir siendo lo que es, pero que observa en su cuerpo, como se convierte en mujer.

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Harry Stevenson, (Morgan Freeman), visita habitualmente la cafetería de la ciudad y allí observa y analiza las vidas y relaciones amorosas de cuantos le rodean. Y da consejos, sobre todo al Bradley, (Greg Kinnear), dueño de la cafetería y cuya vida afectiva no va muy bien, a Diana, (Radha Mitchell), que es agente inmobiliaria y se ha liado con un hombre casado, a una Kathryn, (Selma Blair), que busca su identidad sexual, y a una joven pareja que comienza, protagonizados por Alexa Davalos y Toby Hermingway. Pero Harry no sólo enseña, en la relación con su esposa, (Jane Alexander), aún le quedan lecciones por aprender…

Dirigida por Robert Benton, director de larga experiencia, “El juego del amor“, que narra las relaciones personales de los habitantes de un pueblo de Oregón, está basada en la novela “El festín del amor“, de Charles Baxter. Esta libro entusiasmó muchísimo a Robert Benton, al que le apasiona ahondar en las pasiones y frustraciones humanas y desgranarlas hasta darles un significado. No podemos olvidar que ha dirigido películas como “Kramer contra Kramer“, estrenada en 1979 o “En un lugar del corazón“, de 1984, poseyendo ambas producciones gran carga emocional. Por cierto, que con ambos trabajos logró dos de los Oscars de su brillante carrera.

En cuanto a los protagonistas, por supuesto hay que destacar a Morgan Freeman, veterano actor al que siempre es un placer ver en pantalla y que seguro que sabe darle ese toque de sabiduría ancestral y de tranquilidad que parece requerir el personaje de Harry Stevenson. Estos días podemos verlo también en la polémica, aunque sin pretenderlo, “Adiós pequeña, adiós“.

El otro gran protagonista es Greg Kinnear, que da vida a Bradley, hombre maduro que se topa de pronto con un amor apasionado.

Amor entre jóvenes, amor entre adultos, amor entre personas que llevan toda la vida juntas, amor que busca conocer su inclinación, amor que te pide ser atrevido y lanzarte al vacío… ¿qué sería de nosotros sin amor?

El estreno está previsto en EEUU para el día 16 de Noviembre. Sin duda es una película que no hay que dejar de ver.

El sueño (machista) de muchos varones es tener una mujer hermosa en la cocina. Bueno, a algunos se les cumplirá pero solo en la pantalla grande, porque en breve la película “No Reservations” (Sin Reservas), dirigida por Scott Hicks, se estrenará en todo el mundo. Allí, la sensual Catherine Zeta-Jones interpreta a una jefa de cocina de un exclusivo restaurante de Manhattan. Y según la sinopsis del filme, la morena se la pasa coordinando cientos de comidas, preparando delicadas salsas, condimentando y cocinando cada plato hasta la perfección absoluta.

Pero las cosas se complicarán cuando un nuevo y desenfadado ayudante de chef entra a formar parte de su personal, personaje interpretado por Aaron Eckhart. A él le gusta escuchar ópera y hacer reír a los demás mientras cocina, actitud que a ella la saca de quicio, pero como los opuestos se atraen, vivirán un romance que -para no deschavar más a los futuro espectadores- no se sabe si terminará o no.

Lo interesante es que Catherine, en la vida real, se convirtió por un día en la camarera de un restaurante, para hacer más creíble su personaje. Y los clientes del lugar tardaron ¡más de una hora en reconocerla! “Cuando eres camarera, no te miran, sólo te escuchan”, dijo ella de su experiencia. Y además mencionó que antes de hacer esta película cocinaba sólo para sus hijos: “Unas semanas antes de comenzar la filmación tuve que aprender a evitar cortarme los dedos y estar atenta a todo”.

“No Reservations” es una remake norteamericana de una exitosa película alemana llamada “Deliciosa Martha” dirigida por Sandra Nettelbeck, que se estrenó en 2001. Ahora le toca el turno a Catherine, que brilló en filmes como “Chicago” (por el cual ganó un Oscar a mejor actriz de reparto en 2002) y “La Máscara del Zorro” (1998)- demostrar sus cualidades en la cocina. Seguro que después de lo aprendido por ella, su marido Michael Douglas debe estar contento. Machista…

Tópico, tópico y más tópico. Hasta que el Cura nos Separe es una de las peores películas que he visto en este 2007. Pretende ser una comedia romántica, pero, como dice un usuario de IMDB, “el mayor chiste de esta película es que el guión lo hayan escrito tres personas”.

La película es pretenciosa a más no poder, sobretodo porque fantasea con la idea de ser una de las comedias clave sobre el matrimonio, exponiendo a sus personajes a unas situaciones tan surrealistas y sacadas de contexto que ni David Lynch se atrevería a filmar.
El argumento es el siguiente: una pareja joven y guapa acude a un sacerdote a que les de cursillos prematrimoniales y les case. No pidan más porque no hay más. Y como no hay más, la película se desarrolla mediante una sucesión de gags a cual peor. Algunos llegan a dar vergüenza ajena, y uno no puede evitar pensar en que los actores han tenido que “tomarse en serio” este esperpento.

Entre las pruebas a las que les somete el cura, se encuentran las siguientes: pasear un par de bebés de juguete (que lloran, hacen pipí y hacen popó) por un hipermercado, para acostumbrarse; conducir (ella) un coche con los ojos vendados mientras él le guía, para consolidar la confianza entre ambos; instalar micrófonos en su dormitorio (allanamiento de morada incluido) con el fin de estudiar su vida sexual. Evidentemente, una película que no sólo tiene un guión deplorable, cogido por los pelos, unas discretas labores de dirección a cargo del televisivo Ken Kwapis, y una moralidad de pacotilla, no puede evocar interés alguno.

Robin Williams, en el papel de tan bizarro sacerdote, hace lo que puede para mantener a flote esta humillación cinematográfica. Usa todos aquellos recursos humorísticos que tan acostumbrados a ver, pero sujeto a un guión de serie C, no consigue levantar ni siquiera una sonrisa. La pareja que está a punto de casarse está interpretada por John Krasinski y Mandy Moore. Krasinski está insoportablemente plúmbeo, no desprendería carisma ni aunque se lo propusiera. Ni siquiera la presencia de Mandy Moore, actriz de la que estoy muy pendiente (y no precisamente por sus cualidades actorales), ameniza este tostonazo. Me duele especialmente lo de Robin Williams, a quien últimamente había visto en otro tipo de papeles (Retratos de una Obsesión o Insomnio), con resultados muy favorables.

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Existen actores con tanto carisma que con solo una película en su haber pueden cautivar al público. Y así como lo hizo Audrey Tautou con “Amelie”, Julie Delpy lo consiguió con “Antes del Amanecer” en 1995, en el papel de Celine, la chica ingenua / inteligente / amante de la aventura que conoce a Ethan Hawke y recorren Europa vía tren. Y si bien la francesa ya hacía una década que actuaba, fue con esta peli de Richard Linklater cuando el mundo la descubrió en todo su esplendor. Más de diez años después, Julie se estrena como directora, aunque en 2002 ya había probado lo que es estar detrás de cámara cuando hizo el experimento “Looking For Jimmy”, filmado en forma digital y tiempo real.

Pero ahora es en serio: “2 días en París” no sólo la tendrá como directora, sino también como actriz principal. Además, ¡escribió el guión, compuso la música y la editó! Lo que se dice una todoterreno. El filme gira alrededor de una francesa, Marion (Delpy) que lleva a su novio americano Jack (Adam Goldberg) de visita a París. El choque de culturas, de idiomas y los flirteos de sus ex-novios pondrán su relación a prueba. “No es autobiográfica, aunque sí hay cosas en común”, dijo sobre el filme, al que calificó como una “comedia ligera y modesta”. “2 días en París” se estrenará en julio en Francia y en agosto en España.

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Empapado. Así parece estar Ernesto Alterio, quien se encuentra en Buenos Aires filmando la película “Lluvia”, de la directora argentina Paula Hernández. Producido por Pol-ka, Patagonik e Icónica, el filme contará la historia de Roberto (Alterio) y Alma (Valeria Bertucelli), quienes se encuentran en una situación inesperada en medio de un atasco. En el filme habrá muy pocos personajes y todo transcurrirá en tres días: el encuentro fortuito entre un hombre y una mujer que se conocen durante un día de lluvia le dará el sentido a la narración. “Es una historia mucho más personal que ‘Herencia’, mi primer película; ésta tiene más riesgo desde el relato y los personajes”, aclaró la realizadora.

Para Alterio será su debut en la pantalla grande argentina, aunque ya haya trabajado con directores de este país, como Marcelo Piñeyro, que lo dirigió en “El Método” (2005), o con Juan José Campanella en la excepcional miniserie “Vientos de Agua” (2006), donde componía con magnificencia al personaje principal, el asturiano José Olaya. En tanto Paula Hernández, la directora de “Lluvia”, sorprendió a crítica y público con su debut “Herencia” (2002), un film pequeño y cálido pero sumamente eficaz a la hora de conmover con su sencillez. “El pulso de Paula es muy delicado”, dijo sobre ella Alterio. “La conocí cuando nos dirigió en el capítulo 7 de Vientos de agua y nos entendimos sin hablar, como si tuviéramos un código común”.

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“Si una chica dedica todo su tiempo a preocuparse por todo el dinero que tiene, ¿cómo va a tener tiempo para estar enamorada?”. Esta frase define perfectamente la película protagonizada por nuestra querida Marilyn Monroe en uno de los papeles que ella mejor sabía interpretar: el de diva rompecorazones, una Lorelei Lee, inmortal chica de Little Rock, que se proponía conseguir un marido rico para satisfacer su necesidad de tener una buena colección de diamantes.

Lorelei no dejará en todo el metraje que su amiga Dorothy Shaw (Jane Russell) la aparte de su enfoque esencial en lo referente al matrimonio. Dorothy se enamora, durante un viaje en barco, de todo el equipo olímpico masculino de la carrera de relevos, también del lanzador de peso. El guión hacía uso de las típicas escenas de enredo de la época: identificaciones equivocadas, hombres con ropa interior femenina, grandes traseros y pequeños ojos de buey y coristas con trajes sado-maso inspirados en Schiaparelli. Pero en realidad, la cámara se “come” a Marylin Monroe en su personaje favorito: la rubia tonta. Sus imitadoras nunca fueron capaces de interpretarlo de manera ni remotamente parecida.

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