Al final del camino

¿Quieres ganar un fin de semana en una casa rural, compartir fotos de viajeros del Camino de Santiago, o simplemente disfrutar la última comedia de Roberto Santiago (basada en una idea del siempre prolífico Alan Smithee), que toma como escenario los inconmensurables paisajes gallegos para dar rienda suelta a los enredos de los personajes? Para cualquiera de las tres opciones, o incluso una armónica combinación de todas ellas, hoy día 8 de abril se estrena ‘Al final del camino’, una propuesta ligera pero divertida que hace de contrapunto a la seriedad que impregna la cartelera en estas santas fechas.

Cualquiera que haya hecho el Camino de Santiago sabrá que es mágico, un hito, un antes y un después en la vida de una persona. Todos los tópicos se hacen realidad ante una experiencia que realmente te cambia la perspectiva de las cosas, te enseña a valorar cosas que antes ni siquiera prestabas un minuto de atención y abre las puertas a un mundo que desconocías; cualquier cosa puede ser posible en una de las peregrinaciones más famosas del mundo. Este es el escenario que Roberto Santiago ha elegido para su última película, la cuarta si no contamos algunos episodios de ‘El síndrome de Ulises‘, para la que ha vuelto a contar con algunos de sus colaboradores habituales.

La premisa de la película es sencilla y directa. Dos periodistas que no se llevan precisamente bien, se harán pasar por una pareja que hace el Camino, para poder hacer un reportaje sobre Olmo, un gurú que resuelve crisis de pareja. A lo largo de seis días de camino, inmersos en una maraña de situaciones absurdas, líos amorosos y personajes delirantes, descubrirán todas esas facetas del Camino que mencionaba más arriba. Una propuesta divertida e interesante que sin duda hará las delicias de los aficionados a las comedias desenfadadas y de situación.

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En algún lado leí que el cine no se trata sobre lo que el mundo es, sino sobre lo que el mundo debería ser. Personalmente me parece que esa afirmación es muy incompleta y errada, pero que con respecto a las películas de amor de la gran pantalla, se aplica completamente. El amor es el sentimiento más poderoso que un ser humano pueda sentir, el que más nos afecta y el único sentimiento que es verdaderamente capaz de transformarnos en unos mejores seres humanos, pero que muchas veces en la vida real no tiene toda la belleza necesaria alrededor de él.

Personalmente me declaro un amante eterno de las historias de amor en el cine. Desde las tontas películas románticas hasta los más poderosos clásicos del cine mundial, me parece que la marca que puede dejar estas historias en una persona son tan profundas e importantes, que siento que sin duda alguna quienes somos amantes y seguidores de este tipo de historias somos seres diferentes de los demás. No mejores o peores, tan solo diferentes.

Walter Murch decía que la manera como cortamos y editamos una película no tiene la más mínima lógica con lo que respecta a lo que día a día vivimos. De hecho, dice el maestro, la manera como una película termina editada parece acercarse más a la manera en la que vemos y sentimos los sueños cuando dormimos, que a la manera que vemos el mundo cuando estamos despiertos. Teniendo en cuenta que cuando estamos verdaderamente enamorados es más el tiempo que gastamos pensando y soñando, tanto despiertos como dormidos, encuentro una relación fantástica entre el amor que sentimos y el que vemos en la pantalla.

No obstante, lo que verdaderamente es mágico en las historias de amor en el cine son las actuaciones heroicas de los personajes frente a la mujer amada. No me refiero con esto a un caballero que tengo que derrotar a un ejército para llegar a la torre del castillo y liberar a su princesa, me refiero a los inmensos actos que debemos hacer para poder conquistar y conservar a nuestro lado a la persona que nos ha dado todas las razones para vivir.

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Stupeur et tremblements (Estupor y temblores) es la adaptación al cine de la novela homónima y autobiográfica escrita por Amélie Nothomb en 1999. En ella contaba su experiencia durante el año que trabajó para una gran corporación japonesa, poco después de licenciarse como filóloga en la universidad de Bruselas, y con ella ganó el premio a la mejor novela concedido por la Academia Francesa. De hecho Amélie es de nacionalidad belga pero de origen japonés, ya que su padre fue cónsul de Bélgica y ella nació en Kobe y pasó los primeros años de su infancia en el Japón, cuyo idioma habla perfectamente.

Lo primero que hay que decir del filme de Alain Corneau (Policía Python 357, Fort Saganne, Todas las mañanas del mundo) es que se trata de una fidelísima adaptación de la novela, no sólo por la sensibilidad de los guionistas (Pascal Quignard y el propio Corneau) para captar la esencia del original sino también por la brevedad de éste, menos de 150 páginas que se leen en un par de horas, que hace posible abarcar prácticamente todo su contenido sin sobrepasar la duración estándar de un largometraje. No sólo eso: además de no echarse en falta ninguna de las situaciones descritas en el libro, las imágenes son la traslación exacta de los personajes y escenarios tal como los imagina el lector. Por último, es indudable que Corneau logra conectar con el pensamiento íntimo de la autora, quien a pesar de su amarga experiencia y de la ironía destilada en no pocos párrafos nunca pretendió escribir una diatriba contra los excesos y contradicciones de la sociedad japonesa, como podría interpretarse de una lectura superficial. Amélie Nothomb ama el Japón y se esfuerza por adaptarse a sus gentes y su cultura, pero existe una barrera infranqueable que a menudo convierte su admiración en estupefacción: a pesar de haber nacido en Kobe, Amélie es una gaijin (extranjera).

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Hay un fuerte encontronazo entre los tituladores de películas en Hollywood y aquellos que las traducen en los países de habla hispana. Los primeros muchas veces se conforman con titular la película con el nombre del personaje principal, mientras que a los segundos lo anterior les parece un imposible. Frente a esto, hemos tenido que sufrir inmensamente con las traducciones que se les ocurren a nuestros bilingües amigos.

“Drillbit Taylor” es el nombre original de “No Tan Duro de Pelear” o “Guardaespaldas Escolar“, una divertida y ligera comedia norteamericana de 2.008, protagonizada por Owen Wilson y dirigida por Steven Brill (quien dirigió Mr Deeds).

La historia se centra en un par de jóvenes, Wade y Ryan, interpretados por los geniales Nate Hartley y Troy Gentile, que ingresan a la secundaria y son víctimas de un par de abusadores del colegio, quienes disfrutan a costa de una pesadas bromas que les realizan, haciéndolos pasar vergüenzas y dolores innecesarios a ambos muchachos.

En su afán por librarse de este par, así como de ser populares en su escuela, algo que parece ser sumamente importante en la juventud de ese país, Ryan y Wade contrataran a un guardaespaldas que los proteja y defienda de los abusadores, dándoles un castigo y una venganza por haberlos tratado así.

La persona que contratan es a Drillbit Taylor, (Wilson), un fracasado y absolutamente quebrado ex militar estadounidense, quien se aprovecha de los inocentes muchachos para robarlos, exprimirlos y poder financiar sus más básicas necesidades. De allí, una relación entre los jóvenes y el adulto irán floreciendo lentamente, sobrepasando el aspecto comercial que le dio inicio.

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Cuando vi los posters y los trailers de “Escuela de Rock“, me imaginé que otra de esas películas tontas de Hollywood habría de llegar a las pantallas de cine. Y la verdad fue que no me equivoqué, pero la diferencia en esta ocasión fue que la película tonta me fascinó y cautivó por completo.

Sin duda alguna que mirar una producción de este tipo con ojos críticos tendría la consecuencia de que no aguantaríamos hasta el final de la misma. Pero cuando la imaginación y los sentimientos priman sobre todo lo racional que uno pueda ser, la experiencia de “Escuela de Rock” es una muy linda y entretenida.

La historia es la de una fracasado rockero quien todo su gremio lo ha rechazado, principalmente por su amor sincero y nada comercial frente al género musical que más lo desvela. Sin trabajo y con necesidades financieras como todos, Dewey Finn (Jack Black) acepta el puesto de profesor substituto en una prestigiosa escuela primaria, pero haciéndose pasar por su amigo suyo llamado Ned Schneebly (Mark White). En el colegio descubre que los niños a quienes les da clase son unos muy buenos músicos, por lo que decide formar una banda de rock con ellos.
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1968 fue un buen año para Peter Sellers, el año en el que protagonizó una de las comedias más célebres de todos los tiempos y, por supuesto, uno de los mejores títulos de su filmografía: El guateque, de Blake Edwards (La pantera rosa), un director que debe gran parte de su fama a Sellers, como Sellers debe gran parte de la suya a Edwards (la certeza que ambos tenían de esto explica que colaboraran tantas veces a pesar de no poder soportarse en el terreno personal, como refleja el biopic de Stephen Hopkins Llámame Peter).

Ese mismo año el actor interpreta otra estupenda comedia, no exenta de cierto sabor agridulce y tampoco recordada como se merece, tal vez por su título algo difícil de recordar: Te quiero, Alice B. Toklas (I love you, Alice B. Toklas!), dirigida por el poco conocido Hy Averback, con guión de Paul Mazursky y Larry Tucker (también productores ejecutivos y verdaderos artífices del filme) y una pegadiza banda sonora de Elmer Bernstein.

Peter Sellers es Harold, un abogado judío de familia acomodada agobiado por las circunstancias de su vida: un trabajo insípido en un pequeño bufete que comparte con un amigo, una novia obsesionada en fijar la fecha de la boda y una madre neurótica y posesiva que todavía se empeña en organizar su existencia a pesar de que Harold ya ha cumplido los 35 años (en realidad Sellers tenía 43 pero aparentaba algunos menos). Por si esto fuera poco, su hermano menor, Herbie, se ha hecho hippy y cada dos por tres está dando disgustos a la familia con su excéntrico comportamiento.
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¿Alguien tiene idea de quién es Craig Gillespie? En mi caso particular no tenía ni la menor pista sobre quién era este director de cine hasta que vi esta película suya, Mr. Woodcock. Una vez finalizada la proyección, debo decir que no quiero saber absolutamente nada más de él.

La película es para mí el ejemplo máximo de la crisis de las ideas en Hollywood, que ha llevado a hacer miles de remakes de historias provenientes de cualquier parte del mundo. Ahora, a pesar de que esta era una práctica muy criticada, me parece que sí estas son las historias originales que tienen los escritores de California, quedémonos con los remakes por un momentico.

¿Qué hace que actores de la talla de Billy Bob Thornton y Susan Sarandon acepten trabajar en semejante bodrio? La respuesta común sería decir que el sueldo que pudieran haber recibido por participar, sin embargo la producción de esta película contó con tan solo 22 millones de dólares de presupuesto, o sea que por allí no va la cosa.

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Con título original: “Monster in law” esta película ha sido conocida también como “Una suegra de cuidado”. De cualquier forma, todos estos diversos nombres nos remiten a quien es el personaje central y más interesante. Como se podrá imaginar: La madre del Novio; representada por la heroína de la película (en el sentido de que es ella quien la salva): Jane Fonda.

Dirigida por el joven Robert Luketic el film es protagonizado por Jennifer Lopez, la más experiente actriz ya mencionada, por Michael Vartan y Wanda Sykes. Esta es una película del año 2005, proveniente de Estados Unidos, con una duración de 101 minutos. El guión es el primero de Anya Kochoff. El dinero aparece a nombre de Paula Weinstein, Chris Bender y J.C. Spink; la música es de David Newman y la fotografía de Russell Carpenter.

La historia empieza con Charlotte “Charlie” Cantilini (Jennifer Lopez), quien tiene entre 25 y 35 años, lleva una vida con múltiples trabajos “temporales”, los cuales le hacen ocupar su tiempo con una sonrisa.

Por supuesto: No tiene un amor (y hace un buen tiempo que sexo) le dirán sus “dos amigos inseparables” (estereotipados y necesitados por el guión): “su mejor amiga” y “el amigo gay” (y no! no pasará como en otras películas… aunque sea una “comedia romántica” no descubrirá que está enamorado de la novia o algo así).

En uno de sus trabajos (paseando perros) irá a la playa; y después de leer en el horóscopo que “tiene que estar abierta al amor” verá pasar trotando a pecho descubierto a un chico lindo que le sonreirá. Esa misma tarde, sin querer, se choca con él a la salida de un local de comida y no logra intercambiar con él más que un vergonzoso (y sorprendido) “hola”.

Pero será al día siguiente, cuando este oficiando de “moza” en una fiesta que lo vuelva a ver. Anunciándole esto a sus amigos; quienes le explicarán que la fiesta es de él: Es su cumpleaños, es doctor y… Y apenas él la vuelva a ver se le intentará acercar. Hagamos una pequeña elipsis: Ambos empiezan a salir.

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Esta es una película de Woody Allen. Del año 2001 ambientada en los años 40` (1940, para ser más exactos). Es una comedia muy divertida y detectivesca en la cual Woody Allen se pone en la piel del protagonista (C.W. Briggs) un detective que, guiado por su intuición resuelve muchísimos casos en una Compañía de Seguros. Será el antagonista de Betty Ann  Fitzgerald (Helen Hunt), con un reparto que incluye a Dan Aykroyd y Charlize Theron entre otros.

Podríamos decir que la película toma vuelo a partir de la relación que se da en la compañía entre Briggs y Fitzgerald. Ellos se ven enfrentados. Ella significa la modernización en nombre de los avances científicos en una oficina donde Woody Allen sabe manejarse con sus propios métodos. En estos métodos creo entrever una referencia (y reverencia) ante Fritz Lang y su Vampiro de Dusseldorf.

En fin, se llevan mal: muy mal. Hay un cumpleaños y todos los compañeros de trabajo van a un restaurante a festejarlo. Allí habrá un mago, ilusionista y/o hipnotista de nombre Voltan que sugestionará a ambos protagonistas, los cuales suben obviamente diciendo que nada se podrá hacer con ellos en ese sentido. A partir de ahí la voz de Voltan aparecerá en la oídos del propio detective para inducirlo a hacer cosas que ¿nunca hubiese hecho?

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A pesar que muchas veces le he escuchado negar su calidad de intelectual, me parece que Woody Allen es una de las personalidades más interesantes, profundas y conocedoras del cine, siendo uno de los últimos y pocos genios de nuestra época.

“Shadows and Fog” es una de las películas que demuestra la capacidad de manejo y profundo conocimiento que Allen tiene de su arte. En esta obra, Allen hace referencias constantes y muy claras al expresionismo alemán de principios de siglo, especialmente a Murnau y a Lang. Sin embargo, y esa es la genialidad del director, la intención es contar una comedia en medio de este claro y directo homenaje a este tipo de películas.

Al principio de la película, un hombre enciende un cigarrillo y camina hacia un callejón muy oscuro y lleno de niebla, en donde un asesino que camina de manera muy parecida al vampiro Nosferatu se acerca y lo estrangula. La escena, con una magistral fotografía en blanco y negro a cargo de Carlo Di Palma, parece sacada de alguna película de los años treinta filmada en Alemania.

Un corte abrupto nos lleva hasta el apartamento de Kleiman (Woody Allen), quien es despertado por una serie de vecinos que decidieron atacar al estrangulador y formar un grupo de vigilancia para asesinarlo. Él, que es muy nervioso y acelerado (típico personaje de Allen), se muestra absolutamente en desacuerdo con la idea. Sin embargo, Kleiman es alguien de muy poca personalidad, lo que le impide sentar su posición frente al grupo de vigilancia, por lo que le toca alistarse y salir a la ciudad a atrapar el asesino. Una vez afuera, al grupo de vigilancia se le olvidó informarle a Kleiman cuál era su papel, por lo que él se debe pasear toda la noche no sólo vigilando al asesino que tanto le teme, sino tratando de averiguar exactamente cómo debe vigilarlo.

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