“La visión de Oliver Stone ha cambiado la manera de ver nuestro pasado. Ahora nos va a mostrar dónde estamos y para dónde vamos. Y te sorprenderás de lo que él ve”. Pocas veces, por no decir nunca, un trailer funciona como un manifiesto político. Sin embargo y de manera triste en el caso de Asesinos Natos lo logró.

La película está basada en un guión escrito por Quentin Tarantino y transformado por el propio Stone en compañía de los novatos David Veloz y Richar Rutowski. La historia se centra en la vida de los asesinos en serie llamados Mickey y Mallory Knox, interpretados por Woody Harrelson y Juliette Lewis, quienes aterrorizan a un sector de los Estados Unidos con sus violentos ataques, pero que al mismo tiempo logran el apoyo y respaldo de una parte de la población, influenciada por los medios televisivos, y que seguramente se siente segura y inalcanzable para ellos.

El impacto de Asesinos Natos el año de su estreno, 1.994, fue demasiado para una audiencia que se vio abrumada por un despliegue técnico en fotografía y edición que superaba todo lo hecho hasta ese momento. Una fotografía muy iluminada y brillante, clásica de Robert Richardson, y un ritmo aceleradísimo generado por los más de 3.000 cortes, muy superior incluso para estos tiempos, hicieron que el profundo mensaje político y social del film se perdiera y pasara desapercibido para el público de esa época.

Al verla hoy nuevamente, y acostumbrados a un cine de un ritmo más desenfrenado, es fácil de notar la mordaz crítica al sistema político, carcelario y de pocos valores con los que se rigen los medios masivos de comunicación norteamericanos. Es increíble ver como muchas cosas por las que condenaron a Oliver Stone en ese momento, son factores de elogio para otros cineastas actualmente, lo que sin duda alguna convierte el director de Asesino Natos en un visionario.

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Diane Selwyn es una inocente mujer nacida en Depp River, Ontario, Canada. Después de ganarse un concurso de jitterbug en su ciudad natal, y recibir una pequeña herencia de parte de su tía Ruth, se muda a Los Ángeles, a probar suerte en el siempre difícil mundo de Hollywood, donde no le va muy bien. Diane sigue intentando y llega al casting de la película “Silvia North Story” donde conoce a Camilla Rhodes, otra aspirante a actriz que termina obteniendo el papel principal y beneplácito del director Bob Brooker.

Entre las dos actrices comienza una relación amorosa y pasional, la que es paralela al éxito profesional de Camilla, quien se convierte en una celebridad, ofreciéndosele muchos nuevos papeles en películas donde logra que se contrate a Diane para pequeñas partes. En uno de sus nuevos proyectos conoce al joven director Adam Kesher, con quien se compromete, terminando abruptamente la relación amorosa con Diane.

Camilla invita a Diane al anuncio de su casamiento. Le envía una limosina para recogerla y la lleva hasta la casa de Adam en Mulholland Drive. En la reunión conoce a la mamá de éste, Coco, quien es una antipática mujer quien le hace saber que no le agrada. Así mismo y tristemente para Diane, también se da cuenta de que Camilla no sólo la ha cambiado por un hombre, sino que tiene una joven y atractiva amante que la reemplazó.

Días después, Camilla visita a su ex amante en su casa con la intención de reconciliarse, pero la situación sólo logra empeorarse. Diane la expulsa de su hogar y se encierra en una profunda depresión. En medio de un enérgico ataque de celos, decide contratar a un asesino para que liquide a su ex-novia. Se reúne con él en una cafetería denominada Winkies, donde le muestra una “photo resume” de Camilla y le entrega un bolso de cuero negro lleno de billetes como pago para realizar el crimen. Una mesera llamada Betty los atiende, mientras el sicario le advierte que en el momento en que el golpe sea realizado, él le dejara una llave azul en un lugar previamente acordado. Algunos días pasan y finalmente Diane encuentra la llave, lo que empeora su depresión.

Esa misma noche Diane se acuesta y tiene un sueño. En medio de ese sueño es que comienza Mulholland Dr, una de las películas más impactantes de toda la década de los años noventa, escrita y dirigida por el siempre sugestivo David Lynch.

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Obsesionado con la historia del policía de Chicago Chuck Adamson y del ladrón Neil McCauley, Michael Mann trabajó durante más de 20 años en un complejo guión que pudiera funcionar como medio para llevar a la pantalla la vida de estas dos impactantes personalidades. Protagonizada por Al Pacino, Robert De Niro, Val kilmer, Tom Sizemore, Amy Brenneman y Dana Venora, Heat se convirtió en una de las mejores películas sobre ladrones y policías que se hayan hecho hasta nuestros días.

De lo que más impacto a Mann de la historia fue el alto profesionalismo con el que ambos trabajaban, y que a pesar de estar cada uno en lados opuestos de la ley, eran personas con muchas similitudes y talentos. En un momento cualquiera se presentó la oportunidad para que los dos se sentaran a tomar una taza de café, dejando claramente establecido que uno estaba persiguiendo e investigando al otro. La charla luego sería inmortalizada en la memoria de todos los cinéfilos por ser la primera vez que Al Pacino y Robert De Niro compartían una escena.

Y es que este es un artículo que tiene la intención de rememorar a dos de los actores que más y mejores momentos nos han regalado a quienes nos emocionamos con el séptimo arte. ¿Qué importa si hoy son dos personas que trabajan sólo por el dinero que les ofrezcan sin importar las calidades de los personajes? ¿Es qué acaso hay alguna forma de olvidar las increíbles actuaciones que ambos nos dieron en los setentas y ochentas? ¿Es posible que los errores de hoy borren de la memoria colectiva la genialidad de papeles como el de Travis Bickle, Vito y Michael Corleone o Sonny Wortzik? No lo creo.

McCauley (De Niro) es el jefe de una importante y talentosa banda de delicuentes que hace grandes atracos por encargo. El primer golpe que llevan a cabo es el robo de unos bonos que son transportados en un camión blindado de algún banco local. La fechoría es realizada con tanto profesionalismo y precisión que en el momento en que el detective Vincent Hanna (Pacino) llega al lugar de los hechos para analizar la situación, se da cuenta del grado de estrictez y preparación del equipo. Ahí comienza una interesante cacería a través de toda la ciudad, en donde el mejor policía debe atrapar al mejor ladrón.

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A principios de la década de los años setentas, a un joven y desconocido Francis Ford Coppola se le pidió que dirigiera la adaptación para cine de la novela “El Padrino”, del también joven y desconocido Mario Puzo. Como resultado de esa unión, el cine habría de cambiar para siempre.

Sin embargo, desde muy temprano, los problemas comenzaron a salir a flote. La decisión de la Paramount, con Bob Evans, Charlie Bluhdorn y Peter Bart a la cabeza, era la de hacer una adaptación moderna y de pequeña escala, financiándola con un escaso presupuesto de menos de 2 millones de dólares. La visión que tenía Francis Coppola en la mente era tres veces más costosa. Los ejecutivos querían contratar a un joven, barato y controlable director italiano y Coppola resultó ser todo lo contrario.

“El Padrino” narra la vida, ascensión y muerte de Vito Corleone como jefe de una de las cinco familias mafiosas más poderosas de New York. La Cossa Nostra Corleone además de ser una poderosa organización criminal temida y respetada, es una familia de siete miembros con variados problemas internos. El hijo menor de Vito, Michael, a pesar de tener las mejores cualidades para heredar el trono de Don, es alguien rebelde y alejado del imperio que su padre ha consolidado. Sus otros dos hijos, Sonny y Fredo, son miembros ineptos que hacen parte de su organización, mientras que su hija Connie es una recién casada que consiguió marido sólo por el apellido que conlleva. De los miembros de la familia, Tom Hagen es el más competente, pero como su apellido lo indica es un miembro adaptado del clan.

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De título original Some Like it Hot esta película procede del año 1959 y de Estados Unidos. Dirigida (y guionizada) por el brillante Billy Wilder tiene en su plantel protagónico a Tony Curtis, Jack Lemmon y Marilyn Monroe. Esta es una comedia brillante que se sitúa en el año 1929 en Estados Unidos.

Antes que nada voy a hacerle una apuesta, un reto al lector/espectador. Le reto a usted (quien lee) que vea esta película. Si no se ríe; si no la disfruta usted me avisa y yo me voy a llorar al cuartito…

Y es que, es impresionante que una película de 1959 (que nadie dudará, aún más viendo quienes están entre sus realizadores) no sólo haya sido considerada buena, muy buena y excelente en su momento; que no sólo haya sido taquillera (a tener en cuenta: tenemos la presencia de Marilyn Monroe) sino que impresiona por lo actual que es (y, recordemos que, ya en su momento era una adaptación de época). Impresiona que tenga una historia y un sentido del humor tan bien llevados y frente a los cuales terminemos lanzando carcajadas. Es por eso que ya no lo reto a usted, sino le pido, le imploró que si está al alcance de sus posibilidades la consiga o vaya a verla en alguna sala de proyección porque, realmente, para reírse y pasar un buen rato no creo que nadie se arrepienta.

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Algunas personas dicen que el cine es el séptimo arte no sólo por cronología, sino también porque abarca y adopta en su seno a los otros seis. Bueno, con el comic ha pasado exactamente lo mismo. La cercana relación que han tenido los dos viene desde la fundación de ambos, la que dista tan sólo en un año de diferencia entre el nacimiento de cada uno. En la búsqueda constante de historias para ser llevadas a la pantalla, el cine se ha servido de varias áreas de nuestra sociedad como fuente de ideas, no quedando el comic fuera de esta esfera. Sin embargo, la relación que entre ambos se ha consolidado en los últimos años, ha pasado por diferentes épocas y estados.

Desde que Alain Resnais relatara cómo encontró en comics como Mandrake y Dick Tracy una importante fuente de inspiración para la creación de los personajes y atmósferas de dos de sus películas, y que además advirtiera de la influencia que las historietas tuvieron en el uso de la profundidad en el fondo de campo en la fotografía de Greg Toland para la influyente Citizen Kane, muchas cosas han cambiado hasta nuestros días de Marvel sacando cuanto personaje de historieta se le aparezca. Desde aquellos días de Resnais, la constante es que el cine ha encontrado en el comic una importantísima fuente de ideas, que algunas veces han funcionado y otras han sido desastrosas. Lamentablemente, la mayoría de veces el fin con que han sido usados los comics son como simples historias para ser llevadas a la pantalla, más impulsado por un afán ecónomico que otra cosa.

Sin embargo, cuando en 2.005 Robert Rodriguez estrenó Sin City, La Ciudad del Pecado, una importante y valiosa aportación artística se volvió a presentar entre los dos, llegando a un nivel nunca antes logrado no sólo entre estos dos medios, sino entre el cine y cualquier otro. Y es que la película dirigida por Robert Rodriguez no es una adaptación cinematográfica de las novelas de Frank Miller, es una unión mucho más profunda: es una conversión del libro a la pantalla.

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Las películas de momias, como La momia 3: La Tumba del Emperador Dragón, han sido realizadas en la pantalla grande de forma recurrente a lo largo de la historia del cine.

Por un lapso de tiempo ese tópico fue desdeñado por los directores hasta que en el año 1999 una nueva película llamada La Momia fue estrenada y dio paso a una franquicia que hoy nos entrega su tercer lanzamiento.

La momia 3: La Tumba del Emperador Dragón empieza con una extensa historia de base, la historia del Emperador Dragón de hace miles de años atrás. Este personaje era un rudo tirano, interpretado por Jet Li, que confía en una infame bruja (Michelle Yeoh) la cual le conseguirá los métodos y conjuros para ser inmortal.

Los protagonistas de las anteriores películas de la saga,  que fueron los encargados de luchar contra otras momias, Rick O’Connell interpretado por el actor Brendan Fraser y su esposa Evelyn interpretada por Maria Bello, han decidido retirarse de la acción y tratan de vivir una vida tranquila y apacible. No obstante, a pesar de la promesa que se han hecho, son sutilmente convencidos de entregar un raro artefacto a China, que supone un peligro si cae en otras manos, es por ello que los dos serán los encargados.
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“La primera vez que nos vimos nos odiamos. La segunda vez que nos vimos el no me recordaba. La tercera vez que nos vimos, nos convertimos en mejores amigos y lo fuimos por mucho tiempo. Luego nos enamoramos, tres meses después nos casamos, nos llevó doce años y tres meses. Sí, tuvimos una hermosa boda”.

Hablar de los clásicos de las comedias románticas inevitablemente nos hacen pasar por “When Harry met Sally”. Muchos dirán que esta película aun no es un clásico debido a que tiene menos de 20 años, pero realmente si uno considera lo que es un “clásico” comienza a enumerar una cantidad de características que van más allá del tiempo. Un film que haya marcado su género convirtiéndose en un referente es un clásico, sin lugar a dudas esta película marcó un antes y un después en lo que a comedias románticas se refiere.

En esta gran película se conjugan varios elementos que años después siguieron siendo un estandarte en las comedias que contaban historias de amor. Dirigida por Rob Reiner, un hacedor de éxitos. Principalmente la escritora que da formato a este proyecto, Nora Ephron quien luego de este film fue responsable de grandes éxitos en el mismo género. Principalmente “Sleepless in Seattle” de 1993, traducida para habla hispana como “Sintonía de Amor”, protagonizada por Tom Hanks y Meg Ryan una dupla que también conformaría un clásico exitoso en el cine.

6 años después del inconmensurable éxito de Sintonía de Amor, los actores Tom Hanks y Meg Ryan volverían a ponerse bajo el guión y la dirección de Nora Ephron para intentar repetir el éxito, emulando a los grandes clásicos de la época de dorada de Hollywood. “You´ve got mail” fue un éxito de taquilla, casi sin precedente para una comedia romántica, fue tan esperado el regreso de este trío que nadie dejó de mirarla.

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La extensa obra del director americano John Ford comienza casi en los albores del siglo XX con la vasta producción de cortos y largometrajes dentro de los parámetros del género western, por el cual es por muchos reconocidos y al que principalmente se atendría hasta el rodaje, en 1926, de Three Bad Men. Nuevas pretensiones creativas y, en principio, el esencial condicionamiento de un público cuya atención se representaba para entonces en una decreciente rentabilidad de este tipo de producciones hicieron que Ford le abandonase de momento. Su retorno al mismo se daría recién a comienzos de la década de 1940 con el celebrado film Stagecoach, luego de haber incursionado sólidamente en el drama e incluso la comedia, donde pudo desarrollar y desplegar un característico estilo que le ha hecho merecedor de múltiples galardones y alabanzas por parte de figuras ilustres en la producción cinematográfica, muchas de las cuales han admitido su influencia en la obra personal. Entre ellos se destacan Jean Luc-Godard, Akira Kurosawa, Ingmar Bergman, Orson Welles, y François Truffaut, quien concluyentemente caracteriza al director como uno “de esos artistas que nunca pronuncian la palabra “arte” y de esos poetas que no hablan nunca de “poesía”. La obra de Ford se ha caracterizado por alejarse de meros fastuosos esteticismos del relato para poner a la cámara a disposición de las fuerzas del drama en la construcción de una narrativa que vincula fuertemente al personaje con el espacio que lo circunda y enmarca sus actos. Usual fue en su modo de trabajo recurrir a locaciones para el rodaje de las tomas, proceso en que aplicaría un trabajo minucioso y justo pretendiendo con ello disminuir la labor del editor e intervenir activamente en el proceso de montaje, en el que los directores tenían, para entonces, poca incidencia. El producto de ello conjuga, a la vez, un poderoso sentido de lo real ligado a un ineludible vínculo de compromiso emocional con el espectador.

Una de sus obras mas elogiadas es la cinta The grapes of wrath (también conocida como Las uvas de la ira), realizada en el año 1940 con la invaluable colaboración en el área de dirección fotográfica de Gregg Toland, quien participara al año siguiente en la producción de la obra maestra de Orson Welles, Citizen Kane. El film, cuya historia basó en las palabras de la pieza homónima escrita por el literato estadounidense John Steinbeck, ganadora del Premio Pulitzer en 1940, es uno de los tantos en su filmografía que retoman producciones consagradas, como también lo fue How green was my valley (de Richard Llewellyn) y The long voyage home (Eugene O’Neill), entre otras.

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Este tan esperado regreso de El Señor o Caballero de la Noche (también conocido como el Caballero Oscuro o el Caballero Nocturno, entre otros alias)… Batman, en definitiva, no ha hecho más que precipitar también mi regreso a los comentarios cinematográficos que bastante olvidados tenía. Creo que no está de más decirles que esta película era la que yo más había estado esperando en estos últimos tres largos años. Estaba totalmente intrigado en como haría Nolan para superarse a si mismo y continuar con aquello que inició con éxito en el año 2005 con Batman Begins. El resultado: superlativamente abrumador…

Luego de verla, llego a la conclusión de que esta nueva historia comienza exactamente donde había terminado la anterior, es decir, temporalmente no muy adelante en el futuro de esta podrida y corroída Ciudad Gótica. Es como si aquella primera entrega hubiese sido el tranquilo preludio de esta caótica y enloquecida obra magistral, como si >Batman Begins (2005) nos hubiera venido preparando el terreno antes de abrir esta Caja de Pandora, dejándonos la impresión de que todo lo que hemos visto hasta ahora ha sido parte de un único producto que se fue desarrollando in crescendo, como si se hubiese filmado todo junto de una sola vez (tal como lo hizo Quentin Tarantino con Kill Bill -2003- o Peter Jackson con El Señor de los Anillos -The Lord of the Ring, 2001-).

Christopher Nolan consigue de esta manera, hacer renacer exitosamente de las cenizas al “justiciero enmascarado” más famoso del mundo luego del estrepitoso derrumbe de la franquicia de la mano del psicodélico director Joel Schumacher, y lo hace apegándose a las novelas gráficas y a los comics que lo inmortalizaron desde un principio. A diferencia de la estética pop propuesta por la vieja serie de televisión de los años `60 (aquella con el panzón Adam West ¿recuerdan?), la cual fue retomada luego por Schumacher a fines de los `90, Nolan propone una estética oscura, densa, y con sus personajes siempre al límite de la cordura, y si bien Tim Burton ya había desarrollado esa profunda oscuridad, la misma solo se aplicaba a la fotografía de sus cuadros, al entorno y en menor medida a sus personajes. En este aspecto, este nuevo escritor y director toma lo mejor de Burton, y le da una vuelta de tuerca a la composición psicológica de los personajes, convirtiendo una película que se supone de acción, en prácticamente un complejo drama con una elevada dosis de suspenso y tensión.

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