¿Qué hacer cuando rompes con tu chica, para luego darte cuenta que no querías hacerlo, pero es demasiado tarde, porque ella ya está saliendo con otro y no quiere verte más la cara, y ahora no puedes olvidarte de ella? ¿Qué haces si el recuerdo de ella te mortifica al punto de no dejarte más dormir? ¿Qué hacer si dormir queda anulado como opción? Bueno, siempre hay algún supermercado abierto las 24hs.

Ben Willis rompe con su novia, porque considera que no hay nada que él haga que la haga feliz. Romper con ella, tampoco ayuda. La imagen inicial se congela sobre el rostro de la ennovia, enfurecida. Ben sólo puede mirar. De hecho, Ben es un aspirante a artista, alguien que disfruta con la mirada. No obstante, para el mirón también es necesario el descanso, descanso que deja de llegar una vez que el protagonista queda obsesionado con la imagen de la chica con quien ya no podía estar. Es un clásico.

Como Ben está estudiando, le hace falta dinero y, ahora, el tiempo le sobra (ya ha leído todo lo que puede ser leído, pensado todo lo que puede ser pensado, y le quedan varias horas de más), ingresa a un supermercado que está abierto las 24hs para cubrir el turno nocturno. Ahí queda, con otros perdidos igual que él, entre los cuales está Sharon – no es difícil adivinar que es lo que habrá de ocurrir con ella -.

“Cashback” es la expansión a largometraje de un corto que fue nominado al Oscar y premiado en otros festivales. Y, en el estilo que elige Sean Ellis, su director, la impronta del cortometraje se nota. Hay un desarrollo de los personajes que parece algo forzado, precisamente porque implica “estirar” lo que estaba pensando para la brevedad. Pero, de todas maneras, es esa misma característica la que le confiere un toque extraño.

Ben ansía la belleza, busca absorberla, congelarla en sus dibujos. En ese acelere que adquiere, que es como el equivalente de haber nadado en una pileta de café, Ben consigue detener el tiempo. Característica bien de realismo mágico, esta le da al protagonista la posibilidad de observar, de gozar profundamente en su mirada. Lógicamente, como es de esperarse, su objeto de deseo son las mujeres. Sin embargo, está también en los colores que adquiere el contexto cuando la acción se vuelve cámara lenta, cuando los cuerpos desnudos parecen hechos de alabastro, creados para ser mirados y disfrutados.

Ese voyeurismo es bien adolescente, de aquel que todavía tiene una mirada “pura” sobre el mundo y todo le resulta fascinante. También uno puede encontrar esa obsesión por el tiempo de Wong Kar Wai, aunque en un tono mucho más Light, menos filosófico. Este es un personaje, en definitiva, a quien el tiempo le sobra, pero no sabe qué hacer con él.

Corazón en conflicto, detenido, varado en agujas del reloj que se niegan a moverse. Ben es el falso enamorado. Romper con Suzy era lo correcto, pero, después de hacerlo, quiere tener lo que ya no puede. Típico. Típico también que luego ocurra a la inversa, pero eso ya es otro tema.

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Candy (2006) no es una película fácil de llevar, se desarrolla explorando o navegando los opuestos extremos de la vida actual y los excesos de dos jóvenes amantes que conviven con ella de una manera poética, hermosa y sumamente cruel. Es como presenciar una tragedia que sabes no puede terminar bien, solo resta preguntarte cuan duro será el inevitable golpe del final. Sus tres actos o capítulos, Cielo – Tierra – Infierno, así lo proponen desde un principio, van desde lo más puro y utópico hacia lo más crudo y real en tan solo 108 minutos.

Antes de verla había leído ya algunos comentarios que la catalogaban como un filme romántico poco convencional que hablaba sobre un tema tabú, esto es, sobre lo terrible y devastador que puede resultar el consumo adictivo de drogas. Leí críticas favorables y desfavorables, algunas de ellas decían que solo es una película más sobre la adicción a las sustancias ilegales y que no le llega ni a los talones a otras del género como Trainspotting (1996), otras decían que es una muy buena adaptación del libro homónimo escrito por Luke Davies (el cual reconozco no he leído pero sé que ha sido premiado) y que esto tal vez se deba a la destreza del director Neil Armfield y los productores, al lograr que el autor participe en la escritura del guión adaptado con la colaboración del mismísimo director.

Como ven, no sabía bien con que tipo de producto me iba a encontrar, pero las buenas críticas superaban en número a las malas por lo que no esperaba una rotunda decepción sino todo lo contrario… Y gracias a todos los Dioses del mundo que fue así!!!, Candy me pareció una obra increíble, sólida y devastadora, cruda en toda la extensión del relato pero sin dejar de lado la belleza del amor en su estado más puro y poético. Es válido aclarar que no resultó para mi una película más sobre el tema de las drogas en particular, y/o una historia más de amor poco o nada convencional, sino que me quedé con la amarga sensación de haber sido espectador de una observación despersonalizada del director sobre el cóctel conflictivo y de confusión que viven estas personas de clase media con respecto a sus sueños, esperanzas, frustraciones, y perspectivas de vida, que luchan por mantener su lugar en el mundo sin tener que someterse a la pérdida de aquello que los hace sentirse completos, ser personas dignas… Tal vez me gustó porque me resultó fácil sentirme identificado con estos jóvenes.

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Antes que nada, tengo que aclarar que esta no es una película de terror, ni de horror, aunque sus características así lo propongan. Yo la catalogaría más bien como un cargado thriller psicológico con ciertos ribetes dramáticos. Como para comenzar a ponerlos al corriente, este filme está basado en el escalofriante hecho ocurrido en Alemania en el año 2001, en el cual un hombre llamado Armin Meiwes mató, mutiló y comió literalmente a otro llamado Bernd Jürgen Brandes, pero lo extraño del caso es que todo sucedió con el consentimiento de este último, es decir, todo el hecho fue consumado… de común acuerdo…

Esta oscura historia, que en su momento tuvo una cobertura mediática inigualable, sin ninguna duda era candidata para ser llevada al cine, sobre todo si consideramos que toca un tema tabú como lo resulta ser el canibalismo, y por otro lado, podría también tratar de arrojar cierta luz sobre el interrogante que supongo tenemos todos: ¿Qué se le puede haber pasado por la cabeza a la “victima” como para querer ser comida por otra persona?. Ahora bien, ya tenemos un par de motivos, y una vez tomada la decisión de comenzar el proyecto, la pregunta podría ser: ¿cómo diablos se cuenta algo así?, ¿desde que óptica se debería abordar todo el asunto para que sea un verdadero éxito o el relato cierre?, ¿desde lo policial, desde el miedo y el terror, como un documental, como drama -entre otras categorías-?… Al final, pienso que se hizo de la mejor manera que se podría haber hecho, se desarrollo el argumento desde lo psicológico y lo dramático. A mi criterio, el resultado fue acertado y bueno, y paso a explicarles porque.

Rhotemburg (2006), explora en profundidad la vida y psiquis de estos dos particulares personajes, aquí llamados Oliver Hartwin y Simon Grombeck, y para esto, el novato director -en cine- Martin Weisz, recurre a la óptica de un personaje de ficción, a quien logra introducir en esta historia que es real. El papel, vendría a ser el de una estudiante americana de un postgrado de psicología criminal, llamada Katie Armstrong, un poco obsesionada con el caso en cuestión y con la morbosidad, propia de nuestra condición humana. Como se irán dando cuenta, el relato se desarrolla a través de sus ojos, de sus investigaciones para su tesis y de sus conclusiones, por tal motivo, el hábil director utiliza el recurso archiconocido del flashback y la voz en off a medida que avanza el filme, pero lo hace de manera inteligente, por lo que no llega a cansar al espectador.

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“Observad: aplauden al dj. No a la música, al músico o al creador. Al medio. Aquí está: el nacimiento de la cultura rave, la beatificación del ritmo, la era del baile. Bienvenidos a Manchester” (Steve Coogan como Tony Wilson).

Así describía Steeve Coogan (al interpretar a Tony Wilson) el espectáculo musical y de baile que veía a su alrededor en The Hacienda, una discoteca de Manchester que fue el centro neurálgico de los nuevos estilos musicales de los 70 y 80. Wilson, personaje y narrador, es el eje a través del cuál discurre la película que nos ocupa, pero antes de abordarla intentaremos aclarar un dato crucial ¿por qué elige el director a un productor y presentador de televisión como vehículo narrativo de un film que trata sobre mitos como Joy División, New Order o The Happy Mondays? ¿Por qué no eligió a Ian Curtis, líder de “Joy Division” o a los hermanos Ryder de “The Happy Mondays”?

Michael Winterbottom usa un estilo cercano al falso documental para acercarse a casi veinte años de música, de desarrollo de nuevas tendencias y gustos estéticos. Esta elección narrativa le obliga en cierta medida a buscar una figura central que exponga los acontecimientos. No hay ningún grupo o líder musical de la época que pueda comprender un periodo de tiempo tan extenso como el que pretende abarcar Winterbottom. Todos son estaciones en un viaje muy largo que sólo Tony Wilson recorre, su mirada y vivencias dotan de cierta coherencia y unidad a la película ¿Pero quién es Tony Wilson?

“Las compañías grandes son el status quo. Nosotros somos anarquistas. Será una cooperativa. Compartiremos los beneficios. Si no os gustamos, os largáis. Escribiré que no hay contratos con mi propia sangre”(Tony Wilson).

Con esta frase queda definido el carácter del protagonista, un excéntrico (a veces cómico) presentador musical de una televisión local de Manchester (Granada Televisión) que se lanza a la producción musical para cambiar la realidad establecida. Aunque el personaje, como la historia, está basada en hechos reales, se deforma la realidad a propósito en busca de una figura mesiánica, catalizadora de todos los cambios de una gran época. Se busca su mitificación. Y esta es la perspectiva con la que hay que analizar la película, como una historia basada en hechos reales pero deformada para convertirse en ficción; no como un documental (aunque en ocasiones el director no se defina y se quede a medio camino). Winterbottom propone una fusión formal de la realidad y la ficción imitando descaradamente la apariencia de las imágenes documentales. Así, en las recreaciones, el diseño de producción, el vestuario y la elección de los formatos y estilos de realización se calcan respecto a las imágenes reales, de manera que al combinarse, la mezcla resulta prácticamente imposible de descomponer.

El carácter mesiánico de Wilson se ve reflejado desde una de las primeras escenas de la película, la semilla de todo lo que germinará después; un concierto de los Sex Pistols en el que podemos encontrar entre el público a unos pocos elegidos (que todavía no eran conscientes del papel que jugarían en el cambio musical y artístico que se avecinaba): actuando, Sex Pistols (cogen el relevo de Buzzcocks, lideres musicales del momento que se disuelven inesperadamente), un grupo que tan sólo editó un disco pero que significó un auténtico terremoto en el panorama británico, su himno, “Anarchy in the UK” es una canción llena de referencias a William Butler Yeats o Plutarco. A pesar de su corta carrera se convirtieron en uno de los grupos de rock más influyentes de la historia. En The filth and the fury queda reflejado su aire de leyenda, de este documental son algunas de las imágenes que se mezclan con las grabadas para la película (elemento enriquecedor que Wintterbottom usa con buen criterio en la primera parte del film). Al evento también acudieron, además de Devoto y Shelley (los ya ex Buzzcocks), Tony Wilson y su esposa, Ian curtis, Peter Hook y Bernard Summer (posteriormente serían la base de Joy División), Morrisey (lideró The Smiths y no permitió su inclusión en esta película) y Mike Hucknall (Simply Red).

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Cada día se difunden noticias acerca de los inmigrantes, estadísticas y análisis que en la mayoría de los casos nos presentan a personas conflictivas con las que no se sabe muy bien como actuar. A menudo se trata la inmigración como un problema… ¡para nosotros!, para los que conocemos el idioma, para los que tenemos derechos (y obligaciones, por supuesto), para los que tenemos a nuestro alcance la posibilidad de hacernos escuchar… en definitiva, para los que nos hemos auto proclamado como “legales”.

Los medios y los poderes públicos contribuyen a crearnos la sensación de necesidad de protección ante ese “ente” sin cara que nos amenaza… pero ¿cómo se ve la “película” desde el otro lado? ¿cómo es la vida de un inmigrante?

Ken Loach nos presenta en su última película una historia con la que pueden identificarse muchos de los inmigrantes que aterrizan en las democracias occidentales, en el “primer mundo” y muchos de los que recibimos a esos inmigrantes. Ambientada en el Reino Unido contemporáneo, nos presenta a Angie, una madre soltera hastiada por la falta de estabilidad, que tras ser despedida injustamente decide montar, junto con su compañera de piso Rose (Juliet Ellis), su propio negocio; una empresa de trabajo temporal.

La sed de dinero y éxito ciegan a este par de jóvenes inglesas que ven en los inmigrantes la mano de obra perfecta. El aumento de ingresos va unido a la pérdida de escrúpulos a la hora de conseguirlos. La ambición desaforada de Angie (Kierston Wareing) le lleva inexorablemente a adentrarse en las profundidades del sistema, entrando sin ser muy consciente de ello en una espiral de peligros, tanto personales como de los inmigrantes a los que usa. La paradoja del explotado transformado en explotador es aprovechada para mostrar la deshumanización de un sistema sin valores ni moral en el que siempre hay un eslabón más débil al que exprimir, en este caso los inmigrantes.

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Tras “Simplemente Sangre”, los Coen realizaron “Educando a Arizona” en 1987, un film que ya mostraba parte del gusto por lo grotesco que los hermanos habrían de desarrollar, y de bajo presupuesto. En 1990, finalmente, reciben el encargo de dirigir “Miller´s Crossing” por la Fox, manejando ya unos números más holgados. Curiosamente, es en este momento, realizando una película de género que deberían poder hacer sin demasiadas dificultades (un policial negro con Gabriel Byrne como protagonista y Albert Finney como contraparte), donde se atascan, se atoran en un bloqueo creativo y no pueden salir de ahí.

A veces, dicen, las crisis son las mejores consejeras. O bueno, en realidad no dan consejos, sino que obligan a buscar nuevas soluciones. En medio de ese bloqueo creativo, los Coen deciden rodar “Barton Fink”, un guión sobre el cual habían venido trabajando desde hacía un tiempo. El protagonista, casualmente, un dramaturgo contratado por un gran estudio de Hollywood para escribir un guión para un film de género que queda varado a la hora de ponerse a llenar las páginas en blanco.

Barton es un joven dramaturgo, idealista y egocéntrico, orientado hacia la izquierda (de ahí que busque permanentemente el ángulo social para sus obras). En el New York de la década del ´40, es una gran promesa para el teatro, su nombre se va convirtiendo en una marca. Sentado en un lujoso bar de la metrópoli, insiste sobre su necesidad de escribir sobre “el hombre común”. Es en ese momento que recibe la oferta para el trabajo antes mencionado. El género en cuestión no es acá un policial negro, como aquel en que los Coen estaban trabajando para la Fox, sino un film de lucha, para un estudio que, juzgando por el personaje interpretado por Michael Lerner, en la Warner.

El protagonista sale de los colores sobrios de New York y su intelectualidad, para llegar al Art Déco chillón de Los Ángeles. En el hotel que se hospeda, no bien llega, el número 6 se repite tres veces. Barton ha llegado a su infierno, uno de infinitas y anónimas habitaciones, en el cual deberá producir un “producto Barton Fink” para su nuevo jefe. Es la costera Los Ángeles, escuchamos incluso el mar, pero no lo vemos durante mucho tiempo. Lo único es un cuadro de una mujer en la playa, en un cuarto de mala muerte con un empapelado que se despega emitiendo ruidos líquidos. Para completar el averno, Barton conoce a Charlie Meadows, quien probará ser más de lo que parece a simple vista. No obstante, para este héroe antiheróico, Charlie es la perfecta representación de su idea de “hombre común”.

Con el microcine del estudio a su disposición, Barton estudia cintas de películas clásicas del género, tratando de captar la esencia de lo que debe hacer. Pero es inútil. Aquello que ve, siente, está por debajo de él, o, simplemente, no entiende cómo imponer su impronta a algo que, en realidad, pide nada más que ser reproducido. La creatividad elude a Barton, como si, al dejar New York, toda su arrogancia lo redujera a este ser que camina encorvado y tartamudea al hablar, absolutamente fuera de lugar y sin confianza alguna.

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Estoy convencido de que hay películas que se piensan, otras que se sienten, y algunas que implican hacer ambas cosas… Juno definitivamente se siente desde lo más profundo del corazón, por este motivo, ni bien terminé de verla, me senté desbordado de emoción a escribir esta recomendación, porque eso es lo que quiero, que la vean (al menos aquellos que aun no lo han hecho), les aseguro que no se van a arrepentir.
Obviamente, la exquisita riqueza de este particular relato “nace” desde el guión magistralmente escrito por Diablo Cody (ganadora de un Oscar por este trabajo), pero también hay que reconocer que el mismo esta bien sostenido por un círculo retroalimentado de aciertos y cosas bien hechas. El resultado, es sencilla y simplemente perfecto, como los engranajes de un reloj suizo.

El brillante guión no deja nada librado al azar, todo está pensado para que encaje como piezas en un rompecabezas, el perfil de los personajes, los filosos diálogos entre ellos, la elección del nombre de nuestra adolescente, locuaz y sarcástica heroína (teniendo en cuenta que Juno representa a la Diosa de la maternidad en la mitología romana, reina del olimpo, protectora de las mujeres, entre otras características), y hasta la elección del nombre de su pequeña hermanastra Liberty Bell (Campana de Libertad) -tal vez como para dejarnos en claro el hecho de que la familia en cuestión es más bien de corte liberal-. Todos pequeños detalles con los que Cody juega para lograr crear una profundidad sin igual en los personajes que describe, quienes son interpretados majestuosamente por actores de gran carácter -aunque no tan conocidos comercialmente- y que tienen su punta de lanza en la aquí espectacular Ellen Page (nominada al Oscar por esta película en el rubro de mejor actriz principal).

Ya desde el inicio del filme queda claro que Juno no es una chica del montón, un poco más madura que el resto de sus compañeros, está centrada en otras cosas menos frívolas y/o propias de la edad, inclusive llegando a ser considerada “rara” por el resto de sus pares. Es poseedora de un vocabulario muy desarrollado, directo e irónico (hasta el punto a veces de resultar extremadamente provocativo e irreverente) y una frialdad emocional sin igual. Con estos recursos protege su hermético mundo de aquellos sentimientos que la pueden llegar a lastimar, son métodos que aprendió a usar tal vez por el temprano abandono de su madre biológica, hecho que seguramente influye en su decisión final de no abortar y en cambio si buscar una “familia feliz”, esas que duran para siempre y que en un momento de la historia le pregunta a su padre si existen, para que críen a “la cosa” (como ella llama a su bebé en desarrollo). Es a lo largo de esta búsqueda, y mientras transcurre su accidental embarazo, que iremos observando la increíble e inevitable transformación de nuestro pequeño personaje, quien a pesar de ser distinta a los demás, no deja de ser una niña inocente y asustada de 16 años que se ha encontrado cara a cara con la vida y que solo quiere seguir siendo lo que es, pero que observa en su cuerpo, como se convierte en mujer.

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La pasada publicación de nuestra compañera Laura M. sobre el film Love, Liza (2002), no ha hecho más que traerme a la memoria -por su gran parecido argumental- una película que he visto hace un par de meses y que realmente me ha gustado mucho, motivo por el cual, no puedo dejar de compartir mi opinión con respecto a la misma, con todos ustedes. Les estoy hablando de Reign Over Me (2007), protagonizada por Adam Sandler y Don Cheadle en los papeles principales y un gran reparto en los roles secundarios, en donde podemos apreciar a Jada Pinkett Smith (esposa de Will Smith en la vida real), Liv Tyler, Saffron Burrows, Donald Sutherland, entre otros.

La esperanza vive en mi, como se la conoce en Argentina, o En algún lugar de la memoria, como creo que se la tradujo en España (odio cuando por cuestiones comerciales de cada país, les cambian el nombre original), básicamente cuenta la historia sobre el reencuentro de dos viejos compañeros -y amigos- de la universidad. Cada uno de ellos, ya con sus vidas familiares y profesionales hechas y con sus profundos dramas personales a cuestas, redescubren y exploran el poder de la amistad, el compañerismo y la solidaridad, valores muy importantes y necesarios pero bastante olvidados, de por cierto, en estos últimos tiempos de pensamiento neoliberal.

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Love, Liza es de aquellos films que requiere, para su verdadero disfrute, un vínculo con el activo compromiso del espectador, que no se verá expuesto aquí a un relato que enfatiza artilugios técnicos sino que busca una narrativa profunda y con gran fuerza, tanto en su guión como en las impecables actuaciones de, sobre todo, su dupla Phillip Seymour Hoffman – Kathy Bates.

El film se centra sobre la figura de Wilson Joel (Hoffman), un joven diseñador de páginas web, que ha sufrido la pérdida de su joven esposa y no parece hallar sentido alguno a lo que ha quedado de su vida. Vemos, tanto en el comienzo como a lo largo del film, cómo el protagonista debe de recurrir a pequeños objetos con el fin de recuperar, acaso, algo de su presencia, mas es el descubrimiento de una carta que le escribiese antes de su suicidio el elemento que instaura un nuevo punto de atención. Aún impelido por su apegada suegra (Bates), Wilson no desea abrirlo puesto que quizás contenga algo que pueda cambiar la imagen que de ella tiene como así también de su relación, mas también porque, como dice el autor “entiende que es lo último que sabrá de Liza, (…) Esa es una de las razones por las que no abre el sobre, porque no quiere un cierre”.

Es en este estado de latente incertidumbre y profunda angustia en que recurre a la práctica de inhalar gas para satisfacer, precariamente, su deseo de evadir la situación y quizás también cierta evocación de su fallecida esposa pues el film sugiere, sutilmente, que ella se ha quitado la vida encerrándose en su auto y dejando correr el motor. Comportamientos excéntricos comienzan a tomar control sobre él en una oscilación entre el desconsuelo y momentos de una suerte de alegría primitiva para dar paso, progresivamente, a la posibilidad de lidiar con su pena. Entre tanto, adquiere accidentalmente el hobby (que podría, en verdad, considerarse más una fascinación temporal) del aeromodelismo, insertando aquí una bella metáfora que vincula al protagonista con los pequeños aviones que errantes buscan su rumbo.

El film tiene una forma original de abordar un tema que puede y generalmente es objeto de los tratamientos más estereotipados. Incluso la carta, como elemento de tensión, podría conllevar a un efecto cliché pero, por el contrario, no hace más que desplazar la atención hacia Wilson, hacia lo que a él le sucede. Vemos que no se hace referencia explicita a su esposa sino en contadas ocasiones.

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El niño prodigio de la cultura pop de los años 90, Harmony Korine, se parece cada día más a una especie de cineasta imperceptible del que no se sabe ni que existe. Hace algunos años, Gummo, su primer largometraje cayó como una bomba en el mundillo del cine independiente de los Estados Unidos. Tanto que ha contado con el apoyo de Werner Herzog y Gus Van Sant, entusiasmados por ver como ese enfant terrible destruía todas las convenciones sobre cómo se hace una película. A medio camino entre lo mortífero y lo poético cortaba con todas las producciones estandarizadas, revelaba sus influencias (Cassavetes, Godard y Jarman) a la vez que garantizaba una sensibilidad brutal ya anunciada en su contribución al guión de Kids (Larry Clark). Korine ataca de nuevo con Mister Lonely, una comedia sobre la falsedad que cuenta como en París, un joven americano (Luna) qen trabaja como un imitador de Michael Jackson conoce a una imitadora de Marylin Monroe (Morton), lo invita a su vecindario en Escocia, donde vive con un imitador de Charlie Chaplin y su hija Shirley Temple.

Temporal o no, Harmony Korine parece haber extraído una característica sobre los retratos oscuros de adolescentes que esnifan el pegamento, quieren acabar con sus padres, padecen del virus del desconocimiento y yerran al no reconocer sus malas vidas. A su modo de ver, este cambio en su manera de ver el mundo tuvo lugar cuando su casa se quemó con todos sus recuerdos y se refugió en la Amazonia, para formar parte de una secta dedicada al culto de un extraño pez que sólo se cada setenta y cinco años. Tanta parodia o parafernalia se confirma de manera involuntaria en Mister Lonely, una cinta esquizofrénica donde encontramos dobles de Michael Jackson, Charlie Chaplin, Abraham Lincoln, la reina de Inglaterra, el Papa, Madonna, Buckwheat, Sammy Davis Jr y Marilyn Monroe, ablandando ese estilo tan agresivo de las primeras películas, dando lugar a una emotividad un poco más moderada y sana, me atrevería a decir.

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