Comparte ‘Cuestión de Honor’ con la también reciente ‘El Intercambio‘ el tema, el de los policías corruptos que actúan y se benefician de la ley a la que representen. Hay una diferencia entre ellas significativa, al margen de los puntos de vista y la historia: la película de Gavin O’Connor se anuncia al final como historia orgullosamente ficticia, y la de Clint Eastwood se abre como rimbombante historia real.  No resulta curioso pues que la cinta del primero funcione muchísimo mejor, puesto que consigue la verosimilitud a partir de la ficción mientras que Eastwood lo hace con el proceso inverso, saliendo naturalmente perdiendo.

El canon del policíaco de los setenta sigue siendo para el cine norteamericano contemporáneo un modelo para resucitar la gran película. Hay ejemplos de todo tipo: desde la fallida y derivativa ‘American Gangster’ hasta la arriesgada y triste ‘La noche es nuestra‘. Comparte la película de O’Connor con la de James Gray una família de policías de Nueva York y los conflictos éticos que surgen en ella, siempre presididos por un patriarca que es además un policía legendario (y lo encarna un actor consagrado en aquél viejo cine de los setenta, en la de Gray un estupendo Robert Duvall, y en la de O’Connor un sorprendente Jon Voight, fuera de sus colaboraciones con Bruckheimer/Bay). Las similitudes terminan aquí: la película de James Gray era un homenaje a la policía neoyorquina que se arriesgó en los años ochenta por limpiar la delincuencia y el tráfico de drogas, y O’Connor prefiere narrar una situación justamente contraria: el peligro de la policía en su lucha contra el narcotráfico, sintiéndose tentada por el factor económico.

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1967. Roger Corman, ese señor que a sus más de ochenta años todavía sigue produciendo películas (y van casi cuatrocientas), asume personalmente la dirección de The trip (El viaje), que podría definirse como la recreación visual de una experiencia con el LSD, también conocido como ácido o tripi (por lo de “trip”). Evidentemente los últimos 60 fueron años de apertura, psicodelia y experimentación, pero no tanto como para atreverse a hacer una apología directa del consumo de drogas; de ahí que Corman, astuto como pocos, se asegurara la coartada moral insertando un texto al principio de la película en el que advierte al espectador sobre las nefastas consecuencias de una lacra social —la de la fabricación, distribución y consumo de sustancias estupefacientes— que a más de uno le ha llevado a un “viaje” sin retorno.

El protagonista de la historia es Paul Groves (Peter Fonda), un joven director de anuncios comerciales que está a punto de divorciarse de su esposa (Susan Strasberg) y decide tener una experiencia alucinógena (“a big trip in a small pill”, reza el ingenioso eslogan) con la esperanza de encontrarse a sí mismo. Con tal propósito es invitado a la mansión de Max (Dennis Hopper), un hippy millonario que tiene la casa pintarrajeada de colores y se pasa día y noche dándole al canuto entre barbudos amuermados en los sofás y chicas rubias de sonrisa lánguida. A Paul le acompaña su amigo John (Bruce Dern), presumiblemente psiquiatra o psicólogo, que le promete estar a su lado en todo momento para evitar que cometa alguna locura bajo los efectos de la poderosa píldora. Paul y John buscan intimidad en una habitación de la planta superior, charlan un rato para que Paul se relaje y, cuando éste considera que ya está preparado, ingiere la droga con un poco de zumo de manzana. El viaje comienza.

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Si hay algo que no se puede negar, es que Richard Linklater es un director, como mínimo, inquieto. Ha dirigido películas tan disímiles como interesantes. Trabaja regularmente en la industria hollywoodense, pero se da sus gustos independientes, como es el caso de esta película llamada TAPE. Es un realizador al que le gusta experimentar, y creo que eso está muy claro en su copiosa filmografía.

Tape está basada en una obra de teatro escrita por Stephen Belber. La acción se desarrolla completamente en la habitación de un hotel de mala muerte. Vince, interpretado por Ethan Hawke, ha llegado a la ciudad después de varios años, con motivo de presenciar el estreno en un festival, de la película del que fuera su mejor amigo en la escuela, Jon, personaje a cargo de Robert Sean Leonard. A ellos se suma Uma Thurman y absolutamente nadie más. Si, nadie más. Imagínense que hermoso experimento, que tremendo desafío. Filmar una película con solo tres actores, sin extras, sin personajes secundarios, sin absolutamente nadie más que estos tres actores.

El personaje de Hawke, es el que lleva adelante la acción, es el encargado de empujar al personaje de Leonard al extremo de convencerlo y hacerlo confesar un acontecimiento que se convierte en la base de la película. Este acontecimiento, involucra al personaje de Amy, quien fuera novia de Vince y amante de Jon en época escolar.

Al estar basada en una obra teatral, es de esperarse que la trama avance por medio de los diálogos. Como podrán suponer, no hay espacio suficiente para demasiada acción en la habitación de un hotel. Pero a no asustarse. Se que puede parecer un poco insoportable pensar que durante la casi hora y media de duración de esta película vamos a estar escuchando una palabra tras otra, pero afortunadamente esto no es así. El ritmo que logran los actores con los diálogos, los temas de los que hablan y la constante evocación de personas o acontecimientos que ocurrieron fuera de esa habitación, hacen que esta película funcione a la perfección, que el espectador se vea forzado a imaginar lo que se está contando, haciendo que lo que se dice funcione como un disparador. Una herramienta narrativa propia del teatro, en este caso, bien explotada en pantalla.
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Si hay algo para decir de esta película es que es diferente, arriesgada, provocadora, independiente. Si hay algo más para decir, es que es una película de autor, o mejor dicho, de autora. Miranda July es la guionista, directora y protagonista de éste, su primer largometraje.

Para quienes no sepan nada de ella, Miranda July es una artista multidisciplinaría norteamericana nacida el 15 de febrero de 1974. Es escritora, guionista, dramaturga, directora, actriz, fotógrafa y música. Tiene una extensa trayectoria como puestísta de performances e instalaciones en Norteamérica y en algunas de las ciudades más importantes del mundo. También ha sido la directora de uno de los primeros cortometrajes seleccionados por Youtube para lanzar su nuevo producto: Una sala para que los cineastas independientes den a conocer sus obras, con la posibilidad de obtener regalías de la publicidad del propio sitio y agregar un link para vender copias en DVD.

Su primer paso en los largometrajes ha sido con el pie derecho, ya que Me And You And Everyone Whe Know ha sembrado premios en algunos de los festivales más importantes de la industria, como en el Festival de Cannes en 2005, llevándose entre otros galardones La Cámara de Oro, y en Sundance se llevó el Premio Especial del Jurado. Además, dicho festival, le dio a July en el año 2003, la posibilidad de terminar de escribir el guión en el marco del taller de escritura y dirección.

Me And You And Everyone Whe Know, es una película excelente. Plagada de personajes interesantes, con pequeñas historias y detalles. Es una típica película de mujer: Sensible, con una visión distinta, con la intención de ser diferente y con la seguridad de serlo.

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Mientras Tanto es una coproducción entre Argentina y Francia. Fue dirigida por Diego Lerman, quien fuera galardonado en el año 2002 por la Cinefondation con una residencia de cuatro meses en Cannes para escribir un guión. Fue allí donde comenzó a esbozar las primeras líneas del que sería el guión de ésta, su segunda película, después de Tan de Repente.

Mientras tanto es una película que narra precisamente eso. El mientras tanto de los personajes. No alude a otra cosa que no sea el presente de la vida cotidiana. Las pequeñas cosas por las que pueden verse atravesados. Mientras Tanto, no es más que eso. Es lo que pasa mientras esperamos que llegue algo importante. Que en definitiva, es lo que vivimos. Vivimos en constante espera. Esperamos las vacaciones, el fin de semana. Esperamos que una mujer o un hombre, nos ame. Esperamos a cambiar de trabajo, esperamos a ganar más dinero. ¿Y que pasa mientras tanto?

Esta película es un cúmulo de pequeños relatos. Es una película coral, en la que las historias y los personajes se cruzan por cuestiones azarosas o forzadas. A fuerza de pequeños acontecimientos la película avanza, los personajes crecen, pero no tanto como para sentirnos identificados con ellos. Es lógico que en una película con tantos personajes pase algo así. Pero tampoco quiere decir que esté mal. ¿A caso debemos esperar siempre lo mismo de las películas? ¿Debemos sentirnos identificados con los personajes? ¿Tiene que haber un cambio espectacular en sus vidas? ¿Todo debe ser grandilocuente, o podemos conformarnos con pequeñas cosas, con acontecimientos casi mínimos por los que podría transitar cualquiera de nuestros vecinos o nosotros mismos?
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Esta es una película del año 2008, proveniente de Uruguay. Dirigida y guionada por Federico Veiroj (siendo esta, su ópera prima en largometraje) es protagonizada por un pequeño Rafa Bregman (Alejandro Tocar) que estará acompañado entre otros por actores de esas latitudes como la protagonista de “La Espera“: Verónica Perrotta.

La película trata sobre la adolescencia (o pre adolescencia en términos… ¿posmodernos?) de Rafa Bregman (y no, el apellido no tiene nada que ver ni es ninguna referencia al cineasta y genio sueco). Él es un chico que vive en una casa de clase media alta judía. Va al colegio, tiene amigos, mira tele, estudia piano (aunque su profesora le dice en algún momento que sus compañeros/amigos van más adelantados).
En fin, que es un chico más o menos común en una familia más o menos común y más o menos disfuncional (como todas ¿no?). La película se centrará en su despertar a la sexualidad, y me estoy refiriendo a esta en términos amplios, pues si lo hiciera en términos “no amplios” y dijera simplemente “al sexo” les estaría adelantando ya lo que pasa en los diez o quince primeros minutos del film.
Oh no! Lo hice.

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“En el verano de 1.989, un trabajador de una video tienda de 25 años, aficionado al cine, vendió un guión por menos de lo que gana un taxista en promedio al año. El cine moderno nunca volvería a ser el mismo.”Pulp Fiction, The Facts.

Hubo algo en el tándem de películas que hizo Quentin Tarantino a principios de la década de los noventa que habrían de redefinir el cine hasta nuestros días. Reservoir Dogs, pero muy especialmente Pulp Fiction, lograron paralizar por un momento la industria del cine mundial, con la intención de lograr entender que había en estas películas que tenían extasiado a medio planeta. Después de haber conmocionado a propios y extraños con su ópera prima en el Festival de Cine de Sundance, Tarantino y Miramax estrenaron Pulp Fiction en el Festival de Cine de Cannes en 1.994. Como es de todos sabidos, la película se llevó la Palma de Oro ese año, pero su camino en la historia del cine no había hecho más que comenzar.

La película tiene muchos elementos que impactaron a cualquiera de los cinéfilos que corrierron a las salas de cine a ver de lo que todo el mundo estaba hablado. Su crudeza, el tratamiento de la violencia, los clásicos diálogos, la novedosa música, los escenarios retro, la cantidad de información pop-cultural, y de especial manera, su narrativa no-lineal por capítulos en vez de actos. Pulp Fiction tenía todo para convertirse en una película de culto que hiciera temblar las bases del cine mundial.

Lo primero que impactó de esta película fueron sus largos pero muy entretenidos diálogos, que el propio Tarantino escribió. Pero como él mismo ha dicho mil veces, lo que hizo grandes esas frases fue la gente que consiguió para que los dijeran. Y es precisamente allí, donde me parece a mí que la verdadera grandeza de este artista se encuentra, la que no radica tanto en las frases que escribe, sino en que tiene un talento increíble para encontrar las personas que mejor las dicen. No son las más grandes estrellas, sino los actores indicados para que reciten sus palabras de la manera que mejor combinan con toda su creación.

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Matador es una pequeña producción independiente escrita y dirigida por Richard Shepard, protagonizada por Pierce Brosnan, Greg Kinnear y Hope Davis. La cinta tuvo su rotación por varios festivales importantes del mundo como Toronto y Sundance; siendo también un modesto éxito de taquilla (costo unos 10 millones y recaudo cerca de 17) y nos entregó lo que muchos críticos importantes de cine consideran la mejor actuación de Pierce Brosnan.

La película cuenta la historia de Julian (Brosnan), un asesino a sueldo que viaja por el mundo eliminando a los competidores que intervienen en los negocios de sus clientes. En uno de sus viajes de trabajo, Julian llega a Méjico, donde conoce a un modesto empresario llamado Danny Wright (Kinner), quien también se encuentra allí en una importante reunión de negocios. Danny lleva una muy normal vida de casado con Bean (Davis), quien lo espera en Denver, con la esperanza de que el viaje a Méjico de Danny sea un éxito, pues las finanzas del matrimonio no son las mejores. Desde el momento en que Danny y Julian se conocen y pasan en Méjico, éste se da cuenta de la inmensa soledad en la que vive, por lo que entra en una inmensa crisis nerviosa, de la que no tiene a nadie que lo pueda ayudar a salir, tan sólo Danny.

Matador tiene el encanto de las películas que teniendo muy poco hacen parecer que tenían mucho. Es una producción muy pequeña, que tan sólo se necesito de unas buenas actuaciones, una buena historia, una modesta pero justa fotografía (a cargo de David Tattersall) y una muy inteligente historia para dejar encantando al público que la vio. La película es una comedia negra, que trata y resalta temas y valores como la amistad, la lealtad, la familia y la ayuda a las personas que las necesitan en los momentos más urgentes, dejando de esa extraña mezcla uno de los thriller más interesantes del 2.005.

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La frase que dice que el teatro es de los actores, la televisión es de los productores y el cine de los directores, explica muy bien el posicionamiento de cada uno en las tres diferentes áreas de trabajo. Sin embargo, y debido a la clase de cine que hoy en día se hace, los directores vienen perdiendo mucho espacio para plasmar su talento en sus trabajos o, por otro lado, vemos producciones constantes de personas con muy buenos conocimientos sobre las herramientas técnica , más sin ningún aporte crítico o de profundidad sobre la vida, la que debería ser la labor de todo artista.

Los grandes directores los podemos conocer a través de su obra: un conjunto de películas con la capacidad de dar un visión sobre la humanidad, la manera en que vivimos en ella y que nos comportamos; pero en medio de producciones que logran entretenernos. Y por entretenido no me refiero a acción o comedia de manera exclusiva: para mí tiene tanto entretenimiento una película de Tarantino como una de Kurosawa. Diferente cada una por supuesto, pero muy entretenidas los dos a su manera.

Sin embargo, también podemos saber más sobre ellos y sobre su arte por lo que tienen que decir sobre el mismo y sobre la vida. Para las personas que encuentren fascinante a algunos de los directores que acá se citarán, es un ejercicio interesante el notar como su pensamiento congenia con sus películas, incluso cuando se hable de algo no relacionado directamente con el cine. Veamos.

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You Shoot, es el debut como director de Ho-Cheung Pang, también conocido como Edmond Pang. Este señor, fue el escritor de la novela y uno de los encargados de adaptar el guión sobre el que se basó el exitoso film de Johnnie To, Full Time Killer. Antes de pasarse a la dirección, escribió un par de guiones y novelas que fueron adaptadas a la pantalla grande. Pero desde que realizó esta película, escribe exclusivamente para sus propios proyectos.

El nombre de la película, ya nos da pistas de que nos podemos encontrar. You shoot juega con la acepción en inglés que además de significar “disparar” se utiliza en la industria del cine para denominar una toma de imágenes. Esta dualidad que presenta el título, se verá reflejada en el humor de doble sentido que ocupa gran parte del metraje. La acción, el humor negro y absurdo. La sangre, los golpes y las risas se van mezclando para dar como resultado una película entretenida, aunque tenga hacia el final una pequeña perdida de ritmo.

Bart, es un asesino a sueldo al que le comienza a escasear el trabajo. Su esposa no deja de gastar dinero y el ya no sabe de donde obtenerlo. Es entonces que decide contactar a antiguos clientes para intentar conseguir algún trabajito extra para palear la crisis. Después de varios intentos contacta a una mujer adinerada, que fue filmada teniendo sexo y quiere vengarse del que la filmó. Pero no solo lo quiere muerto, además lo quiere filmado. Bart lo intenta, pero su fuerte son las armas, no las cámaras de video. Lleva a cabo su trabajo, pero la filmación es un desastre.

La clienta no queda satisfecha, pero le da otra oportunidad. En este caso debe matar al encargado de piratear su sesión de sexo en copias en DVD. Para este trabajo, Bart debe conseguir un socio para realizarlo correctamente. Es así como conoce a Cheun. Un estudiante de cine graduado en New York, fanático de Scorsese, que trabajaba como asistente en producciones pornográficas, al que lo obliga a trabajar para él bajo amenaza. Las ganas de filmar de Cheun, y ver hecho realidad su sueño de dirigir sus películas, lo llevan a entusiasmarse con la idea, queriendo mejorar en cada asesinato la calidad de producción de sus películas, y despuntando su vicio cinematográfico proponiendo muertes más espectaculares. La amistad entre ellos comienza a fortalecerse y sus películas/asesinatos atraen a más clientes.
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