En tierra hostil

Kathryn Bigelow es una de los mejores directores de acción de las últimas décadas. Suyas son ‘Le llaman Bodhi‘ o ‘Días extraños‘, dos películas buenísimas que rompen con aquella estupidez de que las mujeres no son capaces de rodar acción. Bigelow no sólo es capaz de hacerlo, sino de mirar por encima del hombro a la gran mayoría de directores del género y reírse de ellos. Y con su última película, de título fatal traducido ‘En tierra hostil‘ (el original es ‘The hurt locker‘), vuelve a demostrar que es una de las mejores en su trabajo. Y yo que me alegro por ello, porque esta mujer es capaz de ponerme los nervios en tensión con suma facilidad, y hacer que lo pase realmente bien en la sala.

‘En tierra hostil’ cuenta la historia de William James, militar destinado en la guerra de Irak, con un equipo de artificeros. Durante la película asistiremos a las últimas semanas antes del relevo, siendo una historia algo curiosa puesto que no es una única trama que abarque todo ese tiempo, sino cada una de las misiones a las que van haciendo frente cada día, todas independientes unas de otras (excepto por el equipo de artifieros, claro está). Así pues, estamos ante una película que es en realidad una serie de cortometrajes sobre la guerra, mantieniendo personajes y situación general, pero metiéndonos en un capítulo diferente en cada momento de la película. ¿Sabéis qué es lo mejor? Cada una de esas historias tiene introducción, nudo y desenlace, lo que significa que la historia no irá creciendo hasta un punto álgido cerca del final, sino que tendremos multitud de puntos álgidos a intervalos regulares, haciendo que la tensión se mantenga siempre a flor de piel, siempre los vellos de punta sin saber si saldrán de ésta, o qué pasará.

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Donde viven los monstruos

Cerrando ya el 2009, nos llegan ya los últimos coletazos de las películas más esperadas del año. Esta semana le ha tocado el turno a Spike Jonze con su última película, ‘Donde viven los monstruos‘, adaptando el cuento infantil de Maurice Sendak, una historia brevísima en la que poco había que escarbar. Y quizá ese sea el mayor pero, una historia quizá demasiado breve, que si bien sirve de vehículo para que Jonze exprese sus ideas con dureza, se queda corta en una película en la que todo lo demás es sencillamente sublime.

Spike Jonze es el director de algunas joyas que me resultaron redondas, como ‘Aptation. El ladrón de orquídeas‘, o ‘Cómo ser John Malkovich‘. Como en ocasiones anteriores, aquí Jonze compone una obra cuyo objetivo es expresar una idea, un estado mental propio complejo y en ocasiones incómodo, como es la madurez y el monstruo que todos hemos llevado dentro cuando éramos críos. La película, que en un principio parecía definitivamente orientada al público infantil, está tremendamente alejada de eso buscando un público adulto, un público que ya pasó esa edad hace muchos años y que ahora tiene la cabeza preparada para comprender lo que ve en pantalla. Por lo tanto aviso, por experiencia propia, de que la película no es para niños: se aburrirán, y en ciertos momentos pueden incluso asustarse.

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In the loop

A falta de menos de un mes para que entre el nuevo año, despidiendo éste que se va plagado de películas con una calidad general realmente alta (desde ‘Gran Torino‘ a ‘Moon‘), y cuando parecía que sólo Cameron o Jonze tendrían algo que aportar en el poco tiempo que teníamos, aparece en la cartelera una película de la que, sinceramente, no había oído hablar hasta hace relativamente poco (en concreto, cuando empezó a sonar fuerte por los British Film Awards). ‘In the loop’ es la sorpresa del año, por cogernos a traición y darnos algo que no esperábamos. Algo de una calidad abrumadora que te hace reír a carcajadas mientras te deja el corazón aterrorizado por la realidad que plantea.

Armando Iannucci es relativamente desconocido por estos lares, siendo su trabajo más conocido la serie británica ‘The thick of it‘, una comedia política de la que ha reciclado muchísimo a la hora de crear la película que nos ocupa, incluyendo algunos personajes como Malcolm Tucker (ahora es cuando nos quitamos el sombrero). Su labor de dirección es notable, siendo una tarea titánica la capacidad de moverse con tal versatilidad por entre los entresijos de los diferentes gabinetes políticos entre los que se pasean y trabajan los personajes. Ianucci se permite además algún plano especialmente inspirado, que si bien no resultaba imprescindible para retratar la historia sí que aporta mucha personalidad, fuerza -e incluso confusión- en ciertos momentos, lo que termina de redondear una labor poco menos que perfecta en un trabajo que se antoja complicado, dado la cantidad tremenda de personajes y situaciones que maneja, y el ritmo frenético del que hace gala. Dicho de otra manera, es gracias a Ianucci que podemos disfrutar de una película de tales características sin perdernos ni pasarnos la parada.

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Comparte ‘Cuestión de Honor’ con la también reciente ‘El Intercambio‘ el tema, el de los policías corruptos que actúan y se benefician de la ley a la que representen. Hay una diferencia entre ellas significativa, al margen de los puntos de vista y la historia: la película de Gavin O’Connor se anuncia al final como historia orgullosamente ficticia, y la de Clint Eastwood se abre como rimbombante historia real.  No resulta curioso pues que la cinta del primero funcione muchísimo mejor, puesto que consigue la verosimilitud a partir de la ficción mientras que Eastwood lo hace con el proceso inverso, saliendo naturalmente perdiendo.

El canon del policíaco de los setenta sigue siendo para el cine norteamericano contemporáneo un modelo para resucitar la gran película. Hay ejemplos de todo tipo: desde la fallida y derivativa ‘American Gangster’ hasta la arriesgada y triste ‘La noche es nuestra‘. Comparte la película de O’Connor con la de James Gray una família de policías de Nueva York y los conflictos éticos que surgen en ella, siempre presididos por un patriarca que es además un policía legendario (y lo encarna un actor consagrado en aquél viejo cine de los setenta, en la de Gray un estupendo Robert Duvall, y en la de O’Connor un sorprendente Jon Voight, fuera de sus colaboraciones con Bruckheimer/Bay). Las similitudes terminan aquí: la película de James Gray era un homenaje a la policía neoyorquina que se arriesgó en los años ochenta por limpiar la delincuencia y el tráfico de drogas, y O’Connor prefiere narrar una situación justamente contraria: el peligro de la policía en su lucha contra el narcotráfico, sintiéndose tentada por el factor económico.

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1967. Roger Corman, ese señor que a sus más de ochenta años todavía sigue produciendo películas (y van casi cuatrocientas), asume personalmente la dirección de The trip (El viaje), que podría definirse como la recreación visual de una experiencia con el LSD, también conocido como ácido o tripi (por lo de “trip”). Evidentemente los últimos 60 fueron años de apertura, psicodelia y experimentación, pero no tanto como para atreverse a hacer una apología directa del consumo de drogas; de ahí que Corman, astuto como pocos, se asegurara la coartada moral insertando un texto al principio de la película en el que advierte al espectador sobre las nefastas consecuencias de una lacra social —la de la fabricación, distribución y consumo de sustancias estupefacientes— que a más de uno le ha llevado a un “viaje” sin retorno.

El protagonista de la historia es Paul Groves (Peter Fonda), un joven director de anuncios comerciales que está a punto de divorciarse de su esposa (Susan Strasberg) y decide tener una experiencia alucinógena (“a big trip in a small pill”, reza el ingenioso eslogan) con la esperanza de encontrarse a sí mismo. Con tal propósito es invitado a la mansión de Max (Dennis Hopper), un hippy millonario que tiene la casa pintarrajeada de colores y se pasa día y noche dándole al canuto entre barbudos amuermados en los sofás y chicas rubias de sonrisa lánguida. A Paul le acompaña su amigo John (Bruce Dern), presumiblemente psiquiatra o psicólogo, que le promete estar a su lado en todo momento para evitar que cometa alguna locura bajo los efectos de la poderosa píldora. Paul y John buscan intimidad en una habitación de la planta superior, charlan un rato para que Paul se relaje y, cuando éste considera que ya está preparado, ingiere la droga con un poco de zumo de manzana. El viaje comienza.

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Si hay algo que no se puede negar, es que Richard Linklater es un director, como mínimo, inquieto. Ha dirigido películas tan disímiles como interesantes. Trabaja regularmente en la industria hollywoodense, pero se da sus gustos independientes, como es el caso de esta película llamada TAPE. Es un realizador al que le gusta experimentar, y creo que eso está muy claro en su copiosa filmografía.

Tape está basada en una obra de teatro escrita por Stephen Belber. La acción se desarrolla completamente en la habitación de un hotel de mala muerte. Vince, interpretado por Ethan Hawke, ha llegado a la ciudad después de varios años, con motivo de presenciar el estreno en un festival, de la película del que fuera su mejor amigo en la escuela, Jon, personaje a cargo de Robert Sean Leonard. A ellos se suma Uma Thurman y absolutamente nadie más. Si, nadie más. Imagínense que hermoso experimento, que tremendo desafío. Filmar una película con solo tres actores, sin extras, sin personajes secundarios, sin absolutamente nadie más que estos tres actores.

El personaje de Hawke, es el que lleva adelante la acción, es el encargado de empujar al personaje de Leonard al extremo de convencerlo y hacerlo confesar un acontecimiento que se convierte en la base de la película. Este acontecimiento, involucra al personaje de Amy, quien fuera novia de Vince y amante de Jon en época escolar.

Al estar basada en una obra teatral, es de esperarse que la trama avance por medio de los diálogos. Como podrán suponer, no hay espacio suficiente para demasiada acción en la habitación de un hotel. Pero a no asustarse. Se que puede parecer un poco insoportable pensar que durante la casi hora y media de duración de esta película vamos a estar escuchando una palabra tras otra, pero afortunadamente esto no es así. El ritmo que logran los actores con los diálogos, los temas de los que hablan y la constante evocación de personas o acontecimientos que ocurrieron fuera de esa habitación, hacen que esta película funcione a la perfección, que el espectador se vea forzado a imaginar lo que se está contando, haciendo que lo que se dice funcione como un disparador. Una herramienta narrativa propia del teatro, en este caso, bien explotada en pantalla.
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Si hay algo para decir de esta película es que es diferente, arriesgada, provocadora, independiente. Si hay algo más para decir, es que es una película de autor, o mejor dicho, de autora. Miranda July es la guionista, directora y protagonista de éste, su primer largometraje.

Para quienes no sepan nada de ella, Miranda July es una artista multidisciplinaría norteamericana nacida el 15 de febrero de 1974. Es escritora, guionista, dramaturga, directora, actriz, fotógrafa y música. Tiene una extensa trayectoria como puestísta de performances e instalaciones en Norteamérica y en algunas de las ciudades más importantes del mundo. También ha sido la directora de uno de los primeros cortometrajes seleccionados por Youtube para lanzar su nuevo producto: Una sala para que los cineastas independientes den a conocer sus obras, con la posibilidad de obtener regalías de la publicidad del propio sitio y agregar un link para vender copias en DVD.

Su primer paso en los largometrajes ha sido con el pie derecho, ya que Me And You And Everyone Whe Know ha sembrado premios en algunos de los festivales más importantes de la industria, como en el Festival de Cannes en 2005, llevándose entre otros galardones La Cámara de Oro, y en Sundance se llevó el Premio Especial del Jurado. Además, dicho festival, le dio a July en el año 2003, la posibilidad de terminar de escribir el guión en el marco del taller de escritura y dirección.

Me And You And Everyone Whe Know, es una película excelente. Plagada de personajes interesantes, con pequeñas historias y detalles. Es una típica película de mujer: Sensible, con una visión distinta, con la intención de ser diferente y con la seguridad de serlo.

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Mientras Tanto es una coproducción entre Argentina y Francia. Fue dirigida por Diego Lerman, quien fuera galardonado en el año 2002 por la Cinefondation con una residencia de cuatro meses en Cannes para escribir un guión. Fue allí donde comenzó a esbozar las primeras líneas del que sería el guión de ésta, su segunda película, después de Tan de Repente.

Mientras tanto es una película que narra precisamente eso. El mientras tanto de los personajes. No alude a otra cosa que no sea el presente de la vida cotidiana. Las pequeñas cosas por las que pueden verse atravesados. Mientras Tanto, no es más que eso. Es lo que pasa mientras esperamos que llegue algo importante. Que en definitiva, es lo que vivimos. Vivimos en constante espera. Esperamos las vacaciones, el fin de semana. Esperamos que una mujer o un hombre, nos ame. Esperamos a cambiar de trabajo, esperamos a ganar más dinero. ¿Y que pasa mientras tanto?

Esta película es un cúmulo de pequeños relatos. Es una película coral, en la que las historias y los personajes se cruzan por cuestiones azarosas o forzadas. A fuerza de pequeños acontecimientos la película avanza, los personajes crecen, pero no tanto como para sentirnos identificados con ellos. Es lógico que en una película con tantos personajes pase algo así. Pero tampoco quiere decir que esté mal. ¿A caso debemos esperar siempre lo mismo de las películas? ¿Debemos sentirnos identificados con los personajes? ¿Tiene que haber un cambio espectacular en sus vidas? ¿Todo debe ser grandilocuente, o podemos conformarnos con pequeñas cosas, con acontecimientos casi mínimos por los que podría transitar cualquiera de nuestros vecinos o nosotros mismos?
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Esta es una película del año 2008, proveniente de Uruguay. Dirigida y guionada por Federico Veiroj (siendo esta, su ópera prima en largometraje) es protagonizada por un pequeño Rafa Bregman (Alejandro Tocar) que estará acompañado entre otros por actores de esas latitudes como la protagonista de “La Espera“: Verónica Perrotta.

La película trata sobre la adolescencia (o pre adolescencia en términos… ¿posmodernos?) de Rafa Bregman (y no, el apellido no tiene nada que ver ni es ninguna referencia al cineasta y genio sueco). Él es un chico que vive en una casa de clase media alta judía. Va al colegio, tiene amigos, mira tele, estudia piano (aunque su profesora le dice en algún momento que sus compañeros/amigos van más adelantados).
En fin, que es un chico más o menos común en una familia más o menos común y más o menos disfuncional (como todas ¿no?). La película se centrará en su despertar a la sexualidad, y me estoy refiriendo a esta en términos amplios, pues si lo hiciera en términos “no amplios” y dijera simplemente “al sexo” les estaría adelantando ya lo que pasa en los diez o quince primeros minutos del film.
Oh no! Lo hice.

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“En el verano de 1.989, un trabajador de una video tienda de 25 años, aficionado al cine, vendió un guión por menos de lo que gana un taxista en promedio al año. El cine moderno nunca volvería a ser el mismo.”Pulp Fiction, The Facts.

Hubo algo en el tándem de películas que hizo Quentin Tarantino a principios de la década de los noventa que habrían de redefinir el cine hasta nuestros días. Reservoir Dogs, pero muy especialmente Pulp Fiction, lograron paralizar por un momento la industria del cine mundial, con la intención de lograr entender que había en estas películas que tenían extasiado a medio planeta. Después de haber conmocionado a propios y extraños con su ópera prima en el Festival de Cine de Sundance, Tarantino y Miramax estrenaron Pulp Fiction en el Festival de Cine de Cannes en 1.994. Como es de todos sabidos, la película se llevó la Palma de Oro ese año, pero su camino en la historia del cine no había hecho más que comenzar.

La película tiene muchos elementos que impactaron a cualquiera de los cinéfilos que corrierron a las salas de cine a ver de lo que todo el mundo estaba hablado. Su crudeza, el tratamiento de la violencia, los clásicos diálogos, la novedosa música, los escenarios retro, la cantidad de información pop-cultural, y de especial manera, su narrativa no-lineal por capítulos en vez de actos. Pulp Fiction tenía todo para convertirse en una película de culto que hiciera temblar las bases del cine mundial.

Lo primero que impactó de esta película fueron sus largos pero muy entretenidos diálogos, que el propio Tarantino escribió. Pero como él mismo ha dicho mil veces, lo que hizo grandes esas frases fue la gente que consiguió para que los dijeran. Y es precisamente allí, donde me parece a mí que la verdadera grandeza de este artista se encuentra, la que no radica tanto en las frases que escribe, sino en que tiene un talento increíble para encontrar las personas que mejor las dicen. No son las más grandes estrellas, sino los actores indicados para que reciten sus palabras de la manera que mejor combinan con toda su creación.

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