Antes que nada, tengo que aclarar que esta no es una película de terror, ni de horror, aunque sus características así lo propongan. Yo la catalogaría más bien como un cargado thriller psicológico con ciertos ribetes dramáticos. Como para comenzar a ponerlos al corriente, este filme está basado en el escalofriante hecho ocurrido en Alemania en el año 2001, en el cual un hombre llamado Armin Meiwes mató, mutiló y comió literalmente a otro llamado Bernd Jürgen Brandes, pero lo extraño del caso es que todo sucedió con el consentimiento de este último, es decir, todo el hecho fue consumado… de común acuerdo…

Esta oscura historia, que en su momento tuvo una cobertura mediática inigualable, sin ninguna duda era candidata para ser llevada al cine, sobre todo si consideramos que toca un tema tabú como lo resulta ser el canibalismo, y por otro lado, podría también tratar de arrojar cierta luz sobre el interrogante que supongo tenemos todos: ¿Qué se le puede haber pasado por la cabeza a la “victima” como para querer ser comida por otra persona?. Ahora bien, ya tenemos un par de motivos, y una vez tomada la decisión de comenzar el proyecto, la pregunta podría ser: ¿cómo diablos se cuenta algo así?, ¿desde que óptica se debería abordar todo el asunto para que sea un verdadero éxito o el relato cierre?, ¿desde lo policial, desde el miedo y el terror, como un documental, como drama -entre otras categorías-?… Al final, pienso que se hizo de la mejor manera que se podría haber hecho, se desarrollo el argumento desde lo psicológico y lo dramático. A mi criterio, el resultado fue acertado y bueno, y paso a explicarles porque.

Rhotemburg (2006), explora en profundidad la vida y psiquis de estos dos particulares personajes, aquí llamados Oliver Hartwin y Simon Grombeck, y para esto, el novato director -en cine- Martin Weisz, recurre a la óptica de un personaje de ficción, a quien logra introducir en esta historia que es real. El papel, vendría a ser el de una estudiante americana de un postgrado de psicología criminal, llamada Katie Armstrong, un poco obsesionada con el caso en cuestión y con la morbosidad, propia de nuestra condición humana. Como se irán dando cuenta, el relato se desarrolla a través de sus ojos, de sus investigaciones para su tesis y de sus conclusiones, por tal motivo, el hábil director utiliza el recurso archiconocido del flashback y la voz en off a medida que avanza el filme, pero lo hace de manera inteligente, por lo que no llega a cansar al espectador.

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Garage Olimpo fue filmada en 1999 y dirigida por el realizador Marco Bechis, con un guión de su propia autoría junto a Lara Fremder. Su estructura dramático-histórica se sitúa en un período nefasto de la historia argentina, aquí abordado desde 1976, año en que se efectuó la última toma militar del gobierno, y 1982, momento en que se puso en marcha un vergonzoso plan para la recuperación de las Islas Malvinas que, liderado por el infame Leopoldo F. Galtieri, no fue más que una mera distracción que mantuvo al pueblo sumido en un sentimiento de nacionalismo mientras atrocidades se cometían en todo ámbito de su gestión. Similar sucedió con el mundial de fútbol de 1978 y el conflicto del Beagle que “culminó” en 1979 con la intervención papal, ambos también incluidos en el período abarcado por la obra y claramente referenciados en ella.

La escena inicial desde la que se deriva el relato cronológicamente, se sitúa en una villa de emergencias en la Capital Federal donde hallaremos a la joven protagonista, María (Antonella Costa), a cargo del dictado de clases de lectura y escritura básica a un grupo reducido de adultos. Mas poco después se expondrá otra de sus actividades al presentar junto a ella, ya en pleno centro urbano, a un muchacho que, comprenderemos, resulta ser un compañero de la agrupación de militancia a la que pertenece y con el que organiza secretamente un encuentro durante el próximo partido de fútbol. Es aquí cuando el conflicto de la narración comienza pues un “grupo de tareas” (denominación con que se pretendía aludir a las células de captura y tortura que tenían el fin de obtener información sobre actividad política disidente) los observa a bordo de un Falcón oscuro, símbolo emblemático de las organizaciones represivas.

Poco después se presentará a la figura de su madre (Dominique Sanda) quien luego del divorcio de su ahora adinerado marido ha encontrado su sustento en el alquiler de las piezas de su propiedad. Entre sus inquilinos hallaremos a Félix (Carlos Echevarría), un joven de apariencia serena con quien María mantiene una extraña relación basada en un vínculo de escasa atracción y mera simpatía que no culmina por constituirlos como pareja. Hecha la presentación de los tres personajes fundamentales, el film comienza a desarrollar el conflicto que tuvo sus inicios en aquel encuentro clandestino: un grupo parapolicial irrumpe en la vivienda y, luego de realizar una exploración general del inmueble y sus habitantes en búsqueda de posibles subversivos, apresan y raptan a María. Solo responden a las desesperanzadas súplicas de su madre argumentando su sustracción dada la necesidad de realizarle “algunas preguntas”, cuando en realidad era captada por su actividad paralela a la docencia. La joven es llevada, entonces, al centro de detención que da nombre a la obra, donde, inicialmente, es trasladada al “quirófano”, un reducto donde se realizan torturas utilizando, sobre todo, picanas. Aquí, luego de recibir durante horas altas descargas eléctricas para obtener información sobre procedimientos y planificación subversiva, y un tratamiento de electroshock para la normalización de su pulso, es relegada a la autoridad de un joven que, inesperadamente, resulta ser Félix, aquel apacible inquilino con quien compartía vivienda. Es este quien, respondiendo a su confuso afecto mas también a su deber, continua la tarea mas otorgándole ciertas concesiones (como el descanso esporádico). La relación entre ambos se ven entonces resignificada en una suerte de simbiosis pues aquél puede significar su salvación, o al menos un menor sufrimiento y ella constituye un vestigio de lo que de su sensibilidad y “vida corriente” queda.

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Obra del cineasta Sergei Eisenstein, El acorazado Potemkin, no solo es uno de los mayores hitos cinematográficos sino que también fue, entonces, una expresión sublime de la atribución de la funcionalidad revolucionaria a la producción artística, anclada en una vasta teorización, por parte de su autor, sobre cuestiones formales, perceptivas e ideológicas.

El film está integrado por cinco secuencias identificadas con rotulo, tambien empleado para ciertas acotaciones de diálogo, tiempo y espacio. En su comienzo, nos muestra el interior del acorazado donde uno de los marineros, en el camarote del grupo, es golpeado por un oficial por encontrarse mal dispuesto en el espacio. Luego hallaremos sobre la cubierta a otra concentración de navegantes quejarse junto una res en descomposición, sobre su estado. El medico, luego de examinarla y aun observando los gusanos sobre su superficie dirá que solo es necesario lavarla para su consumo. El descontento de sus espectadores origina una primera rebelión. Veremos posteriormente a los oficiales examinar los platos llenos del alimento que los marinos se han rehusado a comer. Un segundo rótulo anunciará un “Drama en el puerto” y mostrará el llamado a cubierta de todo el personal. “Quien haya disfrutado de su sopa –dirá una autoridad- que de un paso adelante”, a lo que el llano de los navegantes no responde. Parte de ellos serán conducidos hacia la proa del barco donde se les cubrirá con una larga tela y apuntará con sus armas. Vakulinchuk, un breve protagonista (pues según se dirá no hay lugar para él en la obra dado que el cineasta se concentra, principalmente, en la figura de la masa) pregunta a quienes empuñan el arma “Hermanos, ¿a quienes apuntan?” generando una toma de conciencia y, luego, una nueva rebelión que si bien culmina con la victoria sobre las autoridades también lo hace con la vida del efímero personaje principal.

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Una introducción musical que pasa desapercibida durante los primeros minutos y que termina pasando desapercibida ante la fuerza de las imágenes de Paul Thomas Anderson. La sutileza en el montaje, la utilización de violines para la banda sonora, los intercambios de mirada impacientes, la precisión maníaca de un gesto y la intensidad brutal de las imágenes dicen todo. Así comienza una historia que dura más de dos horas y media, en la que los acontecimientos se entrecruzan con la misma potencia; porque Pozos de Ambición es un meteorito dispuesto a estrellarse contra todos los que se sientan en la sala de cine. Una apuesta por la inteligencia y sensibilidad del espectador. Un modelo de construcción de historias que Paul Thomas Anderson ya había experimentado en otra ocasión con menos medios. Después de No Country for Old Men, de los hermanos Coen, tenemos encima de la mesa una de las mejores cintas del año. ¿Os seguimos contando de qué va?

Daniel Plainview (Daniel Day Lewis) es un prospector de petróleo astuto, hijo de un perforador que murió en su trabajo, compra los derechos de explotación de unos pozos de petróleo de una familia que vive en un rancho de Texas. El petróleo va a cuestionar el sueño americano. Con eso está todo dicho. Sería inútil contar más porque todo está en la pantalla. Aparentemente, Pozos de ambición diseca la fascinación americana del Western a través del itinerario de un trabajador que se convierte en magnate del petróleo. Un Rockefeller a partir de la nada. Más concretamente, de Edward Doheny, personaje que existió realmente y que es fuente de inspiración del cineasta, que a principios del siglo pasado hizo cavar más de quinientos pozos y en cinco años pasó a disponer de una de las fortunas más considerables de América. El director de la cinta se ha inspirado en tópicos ricos en detalles, destacando los hechos históricos y poniendo la mano en antiguos cuadernos de la época.

En la parte del trabajo histórico, el concepto de transposición literaria no es una obsesión enfermiza para el cineasta. Al fin y al cabo se centra en dos temas personales que ya exploró en el pasado. Nada más y nada menos que las relaciones filiales entre un padre y un hijo, y el problema de la ge a través del personaje de un predicador evangelista que disimula su falta de fe. Esto ya lo habíamos visto en Magnolia, pero estos temas principales en Pozos de Ambición se expresan como los problemas de búsqueda frenética de dinero. Nada se sugiere, todo es instintivo, el resultado es un guirigay de imágenes intrigantes. Las escenas de evangelización se revelan trágicamente grotescas, siempre desactivadas por la mirada de Plainview que toma la fe y la religión como subterfugios para hacer sonido ambiente. En esta mirada cohabitan la tragedia y la broma.

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Una de las producciones que más dará que hablar el año que viene será “The Other Boleyn Girl”, no sólo por su peso histórico sino además por la presencia de dos de las actrices jóvenes más requeridas en los últimos años: Scarlett Johansson y Natalie Portman. Un verdadero duelo de titanas se dará aquí, donde ambas se disputarán el amor de Eric Bana, en este filme dirigido por Justin Chadwick, que se estrenará en febrero de 2008.

Ellas serán las dos hermanas Bolena, Anne (Portman) y Mary (Johansson), que presas de las ambiciones de su familia compiten por el amor del apasionado rey Enrique VIII (Bana). Y sólo una será reina durante un breve y turbulento período, que acabará bajo la “espada del verdugo”. La película está basada en la novela histórica del mismo título de Philippa Gregory y el guión fue adaptado por Peter Morgan. Además, actúan Jim Sturgess, Kristin Scott Thomas, Eddie Redmayne y la española Ana Torrent, que interpreta a Catalina de Aragón, primera esposa de Enrique VIII.

En principio, la película se iba a estrenar en Navidad, pero dicen que los primeros pases que ha tenido no han sido satisfactorios y se tuvieron que realizar varias escenas y montajes más. Por eso el estreno pasó para febrero, con lo cual las esperanzas de entrar a los Oscar se han diluido. La historia además fue motivo de varios filmes a lo largo del tiempo, entre los cuales se cuentan “A Man For All Seasons”, que ganó el Oscar a la Mejor Película en 1966, y “Anne of the Thousand Days”, de 1969.

Hagamos un poco de historia: Ana Bolena (1507-1536) fue la segunda de las seis esposas de Enrique VIII y madre de Isabel I de Inglaterra. Fue una de las damas de compañía de Catalina de Aragón y allí llamó la atención de Enrique, quien le propuso matrimonio en 1527. Ana fue coronada reina consorte en 1533 y luego del nacimiento de la princesa Isabel, no pudo volver a quedar embarazada.

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Roman Polanski dirigirá una superproducción épica basada en la destrucción de Pompeya, según la novela del especialista Robert Harris. Polanski, después de haber dirigido la grandiosa El Pianista y su aceptable versión de Oliver Twist, piensa volver a lo grande con una obra que contará con 130 millones de euros de presupuesto.

En el año 79 A. D., el joven ingeniero Marcus Attilius Primus debe reestructurar un acueducto para consolidar el Imperio Romano. En medio de todo esto, el cercano monte Vesubio erupcionará, desatando una catástrofe que conllevará graves consecuencias, entre ellas políticas. Según ha dicho el propio Polanski, será “un thriller de época”, además de reconocer que una película ambientada en tiempos antiguos no es precisamente aquello en lo que se siente más cómodo trabajando.
Polanski, que viene de hacer un cameo en Hora Punta 3, se apunta así a un taquillazo seguro, ya que es la primera vez que se aborda la mítica destrucción de esta ciudad romana, aunque en su momento Ridley Scott o Roland Emmerich estuvieron tentados de hacerlo.

La película se rodará en Italia y España, y actualmente los ayudantes de Polanski están en los alrededores de la antigua Pompeya en labores de documentación.

Del reparto aún se sabe poco, pero se rumorea que los protagonistas serán Orlando Bloom y Scarlett Johansson. Orlando Bloom no es un actor que me inspire mucha confianza (ni siquiera poca), pero al menos está acostumbrado a este tipo de películas, dada su participación en Troya, Piratas del Caribe, Black Hawk Derribado, El Señor de los Anillos y El Reino de los Cielos. De Scarlett Johansson, como es lógico, no pongo objeción alguna.
Si Polanski sabe darle su toque personal, con un guión inteligente al estilo de Chinatown y un ritmo adecuado como el de El Pianista, será una de las grandes películas del año 2009.

Coincidentemente, en los últimos años hubo una gran proliferación de películas dedicadas a la figura del guerrillero argentino Ernesto ‘Che’ Guevara, principal gestor de la Revolución Cubana que en 1959 derrocó al por entonces dictador Fulgencio Batista. Y es curioso que a 40 años de su muerte solo en los últimos cinco la atención para esta figura emblemática haya sido tan amplia. En estos momentos hay varios filmes que giran en torno al Che. Tal vez la película más deslumbrante por sus figuras y presupuesto sea la que ahora está realizando con miras a estrenarla el año que viene el director Steven Soderbergh (‘Erin Brockovich, ‘Traffic’, ‘La Gran Estafa’), denominada por ahora ‘The Argentine’, con Benicio del Toro como protagonista. Soderbergh además realizará otra película más sobre el Che, titulada provisionalmente ‘Guerrilla’.

En tanto, un español, Eduardo Noriega, también se puso en la piel del Che para rodar bajo las órdenes del norteamericano Josh Evans ‘Che’, filme que aun no tiene fecha de estreno. Otra realización de menor presupuesto pero que curiosamente fue un éxito en muchos países fue ‘Diarios de motocicleta’, del brasileño Walter Selles y protagonizada por Gael García Bernal y Rodrigo De la Serna. Allí, se cuenta la odisea por Latinoamérica de un joven Guevara y su amigo Alberto Granado en 1952.

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