Una de las series de televisión más famosas de todos los tiempos fue El virginiano, que empezó a emitirse en 1962 y prolongó su existencia hasta 1971. En ella, además del protagonista, destacó un joven actor de complexión atlética, pelo rubio y poderosa mandíbula que encarnaba un simpático personaje llamado Trampas. El actor, Doug McClure, con una filmografía muy extensa y ciertamente popular en su país, pero casi siempre relegado a roles televisivos y secundarios.

A mediados de los 70, sin embargo, a McClure le llegó la oportunidad de interpretar varios papeles protagonistas en una serie de producciones británicas que, aunque ahora casi olvidadas, obtuvieron muy buenos rendimientos comerciales en su distribución europea. Las películas, pertenecientes al entrañable subgénero de monstruos prehistóricos, se caracterizaban por sus presupuestos de serie B, sus efectos especiales artesanales (hoy desfasados pero no exentos de encanto, como sucede con las viejas películas de Godzilla y demás criaturas del kaiju eiga) y su innegable capacidad para entretener a la chiquillería de la época y, por qué no, a los adultos que en su infancia soñaron con las fantásticas historias de Edgar Rice Burroughs, autor en el que se basaron la mayoría de los guiones.

La bonanza para McClure empezó con La tierra olvidada por el tiempo (The land that time forgot, 1975), dirigida por Kevin Connor, a la que siguieron En el corazón de la tierra (At the earth’s core, 1976), coprotagonizada por el gran Peter Cushing y la bella Caroline Munro; y Viaje al mundo perdido (The people that time forgot, 1977), secuela de la primera. Los conquistadores de Atlantis (Warlords of Atlantis, 1978) cerró la serie y, como todas las demás, también la dirigió el inglés Kevin Connor, aunque curiosamente fue la única que no adaptó un relato de Burroughs.

La historia tiene todos los ingredientes necesarios para deslumbrar al público infantil (al menos el de la época) y agradar a los aficionados a las aventuras fantásticas en la línea de Verne o el propio Burroughs. A finales del siglo XIX, un pequeño barco se aventura en el Triángulo de las Bermudas en busca de vestigios de la legendaria civilización de Atlantis. El profesor Aitken y su hijo Charles (Peter Gilmore) han logrado persuadir a su amigo Greg Collinson (Doug McClure), diseñador de una especie de campana de inmersión precursora de los actuales batiscafos, para que se embarque en la aventura. Greg cree que el propósito de la expedición es estudiar la fauna y flora marinas, pero el descubrimiento de una enorme y antiquísima estatua de oro macizo en las profundidades del mar provoca su recelo y Charles acaba confesándole sus verdaderas intenciones.

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Lee Tamahori es un director que debe ser un genio a la hora de hablar y convencer a la gente sobre los buenas que van a ser sus películas, porque no tengo la menor idea de cómo hace para que le sigan dando dinero para filmar proyectos. Es verdad que reventó las taquillas a nivel mundial con “Die Another Day” y le fue bastante bien con “La Hora de la Araña“; pero sí se mira con cuidado toda su filmografía nos encontramos con un director que no ha aportado nada, y que además creo que debe algo de plata por los fracasos comerciales de sus proyectos. Aclaro de una vez que no creo que la taquilla deba ser el medidor más importante para evaluar a un artista; pero en el caso de Tamahori que no es un artista y sí un director con meras intenciones taquilleras, pues no hay otra forma de medirlo.

A pesar que siempre me he sentido de igual manera sobre los trabajos de este realizador, pensé que en Next, su última producción junto a Nicolas Cage, Julianne Moore y Jessica Biel, iba todo a cambiar. Lo primero que me llamó la atención de este trabajo es que está basado en un cuento corto de Philip K. Dick, el que además está adaptado por Gary Goldman, Paul Bernbaum y Jonathan Hensleig. El primero de ellos es un adaptador experimentado de los escritos de Dick (estuvo en el guión de Total Recall y en la producción de Minority Report), el segundo me impresionó por su trabajo en Hollywoodland y de Hensleig consideró que hizo un trabajo increíble en Die Hard With A Vengeance.

A parte de ese buen equipo escritor, también era muy llamativo ver a David Tattersall en la dirección de fotografía (fue el encargado de la fotografía de películas como “The Majestic”, “The Matador“, “Speed Racer” y las últimas entregas de “Guerras de las Galaxias”) y a Christian Wagner en el departamento de edición (True Romance, Man on Fire, Spy Game, The Negotiator). En fin, el resultado era que esta era una producción que contaba con todos los recursos, tanto financieros como técnicos y artísticos, pero que la sumatoria de las partes fue muy inferior al producto final.
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A principio de los noventa el cine de acción estaba en unos de sus momentos de mayor apogeo. Iniciando un ciclo desde mediados de los años 80 con películas como Arma Letal, Jungla de Cristal y El Exterminador; para la siguiente década las secuelas de estas y otras habían dado mucho éxito en la taquilla, revitalizando aún más el poderío de Hollywood.

En medio de esto, exactamente en 1.991, nació de los escritos de Shane Balck y bajo la dirección de Tony Scott, El Último Boy Scout. Película protagonizada por Bruce Willis y Damon Wayans, junto a Noble Willingham, Taylor Negron y Halle Berry, que narra la historia de un detective privado y un ex futbolista americano, que se ven envueltos en el corrupto mundo de las mafías, las apuestas, los políticos y los turbios negocios que se desarrollan detrás de las canchas del deporte favorito de los Estados Unidos.

Introduciendo el film con unos acordes menores de la composición de Michael Kamen, quien detestó la película una vez lo vio, se establece un aire de misterio y peligro como primer ingrediente. Abruptamente se le da una entrada a una canción pop denominada “Friday Noght’s A Great Time For Football” interpretada por Bill Medley, quien se encuentra acompañada de sensuales porristas, conformando una perfecta antesala a un partido más de la NFL. Una vez finalizada la fiesta, dejamos de ser espectadores pasivos y nos convertimos en testigos directos de la crisis por la que están pasando los dueños de los equipos. Marcone (Willingham) es dueño de los L.A. Staliions y una de las figuras más prominentes del deporte. Sin embargo y a pesar de su posición, se ve disminuido a la hora de responder las inquisitivas preguntas de un periodista que le recalca en ellas que menos gente va a los estadios y menos gente ve los partidos por televisión. Una de las mejores respuestas que tiene Marcone contra los ataques es su estrella Billie Cole, quien acaba de ser presionado por Milo (Negron) para que haga más anotaciones de las que regularmente logra, dado que esas eran las apuestas arregladas. Billie Cole sale al campo y después de asesinar a varios contrincantes, se suicida en medio de la cancha, dejando establecido la fuerte crisis por la que pasa el futbol americano.

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Obsesionado con la historia del policía de Chicago Chuck Adamson y del ladrón Neil McCauley, Michael Mann trabajó durante más de 20 años en un complejo guión que pudiera funcionar como medio para llevar a la pantalla la vida de estas dos impactantes personalidades. Protagonizada por Al Pacino, Robert De Niro, Val kilmer, Tom Sizemore, Amy Brenneman y Dana Venora, Heat se convirtió en una de las mejores películas sobre ladrones y policías que se hayan hecho hasta nuestros días.

De lo que más impacto a Mann de la historia fue el alto profesionalismo con el que ambos trabajaban, y que a pesar de estar cada uno en lados opuestos de la ley, eran personas con muchas similitudes y talentos. En un momento cualquiera se presentó la oportunidad para que los dos se sentaran a tomar una taza de café, dejando claramente establecido que uno estaba persiguiendo e investigando al otro. La charla luego sería inmortalizada en la memoria de todos los cinéfilos por ser la primera vez que Al Pacino y Robert De Niro compartían una escena.

Y es que este es un artículo que tiene la intención de rememorar a dos de los actores que más y mejores momentos nos han regalado a quienes nos emocionamos con el séptimo arte. ¿Qué importa si hoy son dos personas que trabajan sólo por el dinero que les ofrezcan sin importar las calidades de los personajes? ¿Es qué acaso hay alguna forma de olvidar las increíbles actuaciones que ambos nos dieron en los setentas y ochentas? ¿Es posible que los errores de hoy borren de la memoria colectiva la genialidad de papeles como el de Travis Bickle, Vito y Michael Corleone o Sonny Wortzik? No lo creo.

McCauley (De Niro) es el jefe de una importante y talentosa banda de delicuentes que hace grandes atracos por encargo. El primer golpe que llevan a cabo es el robo de unos bonos que son transportados en un camión blindado de algún banco local. La fechoría es realizada con tanto profesionalismo y precisión que en el momento en que el detective Vincent Hanna (Pacino) llega al lugar de los hechos para analizar la situación, se da cuenta del grado de estrictez y preparación del equipo. Ahí comienza una interesante cacería a través de toda la ciudad, en donde el mejor policía debe atrapar al mejor ladrón.

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Big Nothing es una producción independiente del 2.006 dirigida por el joven francés Jean Baptiste-Andrea, que cuenta en su elenco con el comediante inglés Simon Pegg, la joven y atractiva Alice Eve y -no importa lo que haga siempre seré Ross - David Schwimmer.

La película se centra en la vida de Charlie (Schwimmer), quien debido a una enfermedad que le hará perder la memoria en el futuro cercano se queda sin trabajo como maestro, obligando a su familia vivir lo que él llama “una vida de segunda”. En su desesperada búsqueda de una subsistencia mejor para su hija y mujer, quien trabaja como policía, Charlie decide aceptar un trabajo en un call-center de servicios de computación. En su nuevo puesto, en el que claramente se encuentra subempleado, conoce a Gus (Pegg), quien le ofrece ser parte de un plan para extorsionar al pervertido reverendo de la ciudad y ganarse 100.000 dólares. Al plan se involucra la joven y atractiva Josie (Eve), amante de Gus, y quien es la parte faltante de lo que parece ser una sencilla, lucrativa, rápida e inmoral forma de ganarse una buena cantidad de dinero.

El plan desde su inicio, y de manera nada sorpresiva para el espectador, no sale de acuerdo a lo concebido, tanto porque las coartadas que iban a utilizar no sirven como porque la persona que iban a chantajear resultó peor de lo que esperaban. A medida que avanza el crimen, el plan comienza a desmoronarse llegando a complicarse hasta niveles inesperados.

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Las películas de momias, como La momia 3: La Tumba del Emperador Dragón, han sido realizadas en la pantalla grande de forma recurrente a lo largo de la historia del cine.

Por un lapso de tiempo ese tópico fue desdeñado por los directores hasta que en el año 1999 una nueva película llamada La Momia fue estrenada y dio paso a una franquicia que hoy nos entrega su tercer lanzamiento.

La momia 3: La Tumba del Emperador Dragón empieza con una extensa historia de base, la historia del Emperador Dragón de hace miles de años atrás. Este personaje era un rudo tirano, interpretado por Jet Li, que confía en una infame bruja (Michelle Yeoh) la cual le conseguirá los métodos y conjuros para ser inmortal.

Los protagonistas de las anteriores películas de la saga,  que fueron los encargados de luchar contra otras momias, Rick O’Connell interpretado por el actor Brendan Fraser y su esposa Evelyn interpretada por Maria Bello, han decidido retirarse de la acción y tratan de vivir una vida tranquila y apacible. No obstante, a pesar de la promesa que se han hecho, son sutilmente convencidos de entregar un raro artefacto a China, que supone un peligro si cae en otras manos, es por ello que los dos serán los encargados.
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Este tan esperado regreso de El Señor o Caballero de la Noche (también conocido como el Caballero Oscuro o el Caballero Nocturno, entre otros alias)… Batman, en definitiva, no ha hecho más que precipitar también mi regreso a los comentarios cinematográficos que bastante olvidados tenía. Creo que no está de más decirles que esta película era la que yo más había estado esperando en estos últimos tres largos años. Estaba totalmente intrigado en como haría Nolan para superarse a si mismo y continuar con aquello que inició con éxito en el año 2005 con Batman Begins. El resultado: superlativamente abrumador…

Luego de verla, llego a la conclusión de que esta nueva historia comienza exactamente donde había terminado la anterior, es decir, temporalmente no muy adelante en el futuro de esta podrida y corroída Ciudad Gótica. Es como si aquella primera entrega hubiese sido el tranquilo preludio de esta caótica y enloquecida obra magistral, como si >Batman Begins (2005) nos hubiera venido preparando el terreno antes de abrir esta Caja de Pandora, dejándonos la impresión de que todo lo que hemos visto hasta ahora ha sido parte de un único producto que se fue desarrollando in crescendo, como si se hubiese filmado todo junto de una sola vez (tal como lo hizo Quentin Tarantino con Kill Bill -2003- o Peter Jackson con El Señor de los Anillos -The Lord of the Ring, 2001-).

Christopher Nolan consigue de esta manera, hacer renacer exitosamente de las cenizas al “justiciero enmascarado” más famoso del mundo luego del estrepitoso derrumbe de la franquicia de la mano del psicodélico director Joel Schumacher, y lo hace apegándose a las novelas gráficas y a los comics que lo inmortalizaron desde un principio. A diferencia de la estética pop propuesta por la vieja serie de televisión de los años `60 (aquella con el panzón Adam West ¿recuerdan?), la cual fue retomada luego por Schumacher a fines de los `90, Nolan propone una estética oscura, densa, y con sus personajes siempre al límite de la cordura, y si bien Tim Burton ya había desarrollado esa profunda oscuridad, la misma solo se aplicaba a la fotografía de sus cuadros, al entorno y en menor medida a sus personajes. En este aspecto, este nuevo escritor y director toma lo mejor de Burton, y le da una vuelta de tuerca a la composición psicológica de los personajes, convirtiendo una película que se supone de acción, en prácticamente un complejo drama con una elevada dosis de suspenso y tensión.

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Este hombre nacido en New York el 27 de junio del año 1966, cuyo nombre ya es una marca registrada en el mundo de los audiovisuales, tanto para la industria cinematográfica como en la televisiva, cumple hoy 42 años. Por tal motivo, haremos un breve repaso por su carrera. Desde los comienzos, hasta estos días; en los que parece estar acariciando el punto más alto, la cumbre de la montaña del éxito. No puedo estar hablando de otro Jeffrey Jacob que no sea J.J. Abrams.

Al parecer, que su nombre aparezca sobreimpreso en algunos fotogramas de una serie o película, es sinónimo de altísima calidad, o por lo menos, de entretenimiento asegurado.

Abrams estudió en el Sarah Lawrence College en Bronxville, Nueva York. Durante su último año de carrera, escribió junto a Jill Mazursky un guión que fue comprado por Touchstone Pictures y que se convertiría en la película Taking Care of Business. Este sería el primer paso de JJ en al industria norteamericana de cine.

La primera película que produce y que escribe en solitario, se dio a conocer al mundo como Regarding Henry (A propósito de Henry, Una segunda oportunidad). Es la historia de un abogado detestable y deshonesto, interpretado por Harrison Ford, que al sufrir un accidente pierde la memoria por completo y tiene la posibilidad de redimirse para comenzar una nueva vida. Esta película fue realizada en el año 1991 y dirigida por Mike Nichols.

En el año 1992 se estrena la mundialmente conocida Forever Young (Eternamente Joven), Película fue protagonizada por Mel Gibson y Jamie Lee Curtis. También formaba parte del elenco un niñito llamado, nada más y nada menos, Elijha Wood. En este proyecto podemos empezar a notar cierto gusto de JJ por los aviones y los experimentos científicos, recurso que volvería a utilizar en futuros proyectos. Está película fue escrita y producida por Abrams y dirigida por Steve Miner, con quien volvería a trabajar 9 años mas tarde, delegándole la dirección del primer episodio de la tercera temporada de Felicity, serie televisiva de la que hablaremos más adelante.

En el año 1996 co-produce la película independiente The Pallbearer, protagonizada por David Schwimmer (Ross en Friends) y Gwyneth Paltrow. Esta cinta, fue dirigida por su amigo Matt Reeves a quien conoció en un Festival de cine en Los Angeles, cuando ambos filmaban cortometrajes en 8mm. Este sería el comienzo de una larga relación tanto laboral, como amistosa.

Nuevamente, junto a Jill Mazursky, en 1997, escribe la película Gone Fishing, protagonizada por Danny Glover y Joe Pesci. Hasta Aquí todos sus trabajos fueron firmados bajo el nombre de Jeffrey Abrams. Convengamos que J.J. es mucho más pegadizo y marketinero.

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Precedida de una larga espera de diecinueve años por fin llegó a nuestras pantallas la ansiada continuación de una de las sagas míticas del cine, con la advertencia previa de George Lucas de que no esperásemos la mejor película de la historia…y cuánta razón tenía.

“Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal” continúa bien el camino que iniciaron sus predecesoras, y es en el primer tramo de la película donde tenemos la esperanza de volver a disfrutar con una gran película de aventuras, pero esta esperanza se va diluyendo conforme avanza la trama, si bien conserva algunas escenas interesantes, hasta llegar a la típica película “para toda la familia”, políticamente correcta hasta el hastío, que tantas veces hemos visto ya.

Ha pasado mucho tiempo desde el final de “La última cruzada” pero el doctor Henry Jones Jr. (“profesor, a veces”), sigue con su incansable labor como arqueólogo, y ahora, en 1957, en plena Guerra Fría, con el rockabilly moviendo a los jóvenes yanquis, son los comunistas los que han sustituido a los nazis como centro de todos los problemas, temores y paranoias de la bienpensante sociedad norteamericana, y en esta ocasión es la científica soviética Irina Spalko, interpretada fríamente por Cate Blanchett, quien se convierte en la Némesis de Indiana Jones en la búsqueda del objeto de poder (cambian los villanos, no la obsesión de dominar el mundo) que da título a la película.

Tras una presentación rápida de los personajes, se suceden las primeras escenas de acción, con un ritmo ágil y un montaje correcto, con guiños a elementos de las entregas anteriores y que muestra más características de la época en la que ahora se desarrolla la película, como la psicosis anticomunista. A partir de aquí, empieza una cuesta abajo en la que los despropósitos van sucediéndose, y es que si en anteriores entregas se permitía cierta “irrealidad” en las situaciones debido a las características del cine de aventuras (de ser películas realistas Indiana Jones habría muerto en la primera media hora de “En busca del arca perdida”) aquí hay situaciones que rozan lo absurdo, llegando a convertirse en auténticas tomaduras de pelo hacia el espectador.

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Al día de hoy, sigue siendo una incógnita para quien escribe la razón del fracaso económico del film dirigido por Ang Lee. Un proyecto que comenzó a mediados de los ´90 y que tuvo innumerables versiones de guión, vio la luz en 2003 y fue la primer película en recaudar más de 20 millones de dólares un primer fin de semana y caer 70% en su recaudación del fin de semana siguiente.

Tras el éxito de “Spiderman”, se esperaba que “Hulk” siguiera un camino similar. Es curioso que muchas de las críticas negativas apuntan a su falta de humor, a su seriedad. La saga “X-Men”, dirigida en sus dos primeras entregas por Bryan Singer, se caracterizaba, dentro del universo Marvel, por un tratamiento dentro de esos lineamientos. Eso sin mencionar la oscuridad de la trilogía “The Crow”, que iniciara Alex Proyas junto al fallecido Brandon Lee. Lo cierto es que los comentarios y el boca a boca fueron tan malos, que “Hulk” pasó pronto al olvido, quizás destinado, como otras películas controvertidas, a eventualmente transformarse en un objeto de culto.

Como en todo film de superhéroes, Universal no tenía claro hacia dónde orientar el guión, lo que quedó evidenciado en la cantidad de versiones, que implicaron una inversión de más de 20 millones de dólares. Uno podría sacar la estadística, pero el género de superhéroes tiende a ser más exitoso cuando no cae en la caricatura, con la excepción de un film explícitamente cómico como “The Mask”, entre otros. En el caso de “Los 4 Fantásticos”, la liviandad de las tramas transformaron ambos films en aceptablemente exitosos. Pero bueno, luego ya es una cuestión subjetiva. Los personajes de DC tienden a ser más oscuros, los de Marvel se prestan a diferentes acercamientos.

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