La lógica perdió el mapa, el hilo desenrollado sobre la mesa, hilvana temas que no combinan ni con cola, conecta personajes que no tienen nada que ver, de esta forma se logra una película espectacular.

No tiene sentido decir que es una película para pensar, tampoco tiene sentido pensar que es una película para decir algo, para transmitir alguna ideología.

Esta película dirigida por Frank Oz simplemente, vuela, hace reír, divierte, comprende un momento tan doloroso; un funeral como algo que puede conllevar situaciones divertidas, desopilantes, indiscretas y locas.

El argumento gira a partir de la muerte del padre de Daniel (interpretado por Matthew Macfadyen), quién está a punto de irse a vivir con su esposa Jane (Keeley Hawes) cuando sucede el fallecimiento de su padre dejando en sus manos el funeral.

El único hermano de Daniel (Rupert Graves) es un escritor que se las da de vanguardista, vive en un piso en New York que no puede pagar y decide viajar en primera clase al funeral de su padre sin tener en cuenta que debía pagar parte de los gastos de éste.

Los parientes comienzan a poblar el living de la casa de Daniel y Jane, uno más extraño que el otro.

Una de las historias que se llevan las palmas es la del valium. Una de las primas de Daniel, Martha (interpretada por Daisy Donovan) lleva a su nuevo novio, un abogado importante, para presentarselos a sus padres en el funeral. Sin querer, ella le da a Simon, su novio, (Alan Tudyk) una pastilla que confundiendola con valium tranquilizante resulta ser una droga con altos poderes alucinógenos. Simon se siente planta, juega con los perros, se trepa, vuela y entre tanto, le tiende la mano a su nuevo suegro.

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Hay directores que después de un enorme éxito, sobre todo si es su primera o una de sus primeras obras, saben buscar su propio camino consiguiendo poco a poco un estilo característico que define claramente su obra, como los casos de Lynch o Fincher, por ejemplo, sin embargo, hay otros que han gozado de esa misma suerte (o trabajo, o una mezcla de ambos) que se empeñan en volver a la misma fórmula una y otra vez confiando en la poca exigencia del público mayoritario o sencillamente porque no saben hacer otra cosa. En este segundo grupo se podría incluir a M. Night Shyamalan, quien desde que sorprendiera en 1999 con “El sexto sentido” (sin ser una película del todo original sí fue algo distinto a lo que en ese momento era el cine de terror) se ha limitado a usar una y otra vez los mismos trucos y estructuras en sus películas, convirtiéndose en una parodia de sí mismo, estando más cerca de ser un nuevo Uwe Boll (le tengo bastante aprecio a Ed Wood para compararlo con él) que un nuevo Hicthcock, como algunos entusiastas proclamaron hace años.

“El incidente” tiene un buen comienzo, planteando un interesante punto de partida: un día, sin razón aparente, la gente empieza a suicidarse, y parece una plaga que se va extendiendo por el noreste norteamericano. Estos primeros diez minutos de película es lo único que se podría salvar de la misma, creando una situación tensa y desconcertante, que mantiene al espectador a la espera, pero que incluso aquí hay algo chocante, y es la reacción de una de las actrices que se encuentra en el parque en la primera “ola de suicidios”, que reacciona (“vaya, parece que se están hiriendo a sí mismos”, “¿eso es sangre?”) como si estuviera viendo llover.

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Julio Chávez es, al menos desde mi punto de vista, el mejor actor contemporáneo que tiene Argentina y al decir esto, espero que no se me enojen aquellos fanáticos de Ricardo Darín a quien también considero un excelente actor. Pero yo no tengo dudas, Chávez está dos escalones por arriba del resto… Es que simplemente sus interpretaciones me resultan tan creíbles, tan reales, que no puedo evitar compenetrarme con cada historia en la que se encuentra involucrado este brillante artista.

Antes de seguir, quiero advertirles que este particular largometraje no es para todos, ya que a pesar de haber ganado varios premios, a muchos seguramente les resultará un tanto aburrida y lenta debido a su relato extremadamente simple, el cual solo adquiere cierta complejidad en la psicología y en el desarrollo de sus también simples personajes. ¿Cuál es la trama? (espoilers), aquí el joven director y guionista Rodrigo Moreno nos cuenta en esta, su opera prima –antes había compartido experiencias con Mariano De Rosa y Ulises Rosell en Mala Época (1998) y El Descanso (2002) respectivamente-, la triste y solitaria historia de un custodio que cuida las espaldas de un burocrático ministro argentino que no corre nunca peligro alguno, pero que el absurdo protocolo institucional (dentro de este contexto entiéndase) obliga a proteger.

En el papel de Rubén, Chávez despliega su enorme y creativo potencial en una interpretación en la cual lo gestual es su recurso principal, dando vida -si se puede llamar vida a esa monótona y rutinaria acumulación de días que cotidianamente sufre el personaje- a un guardaespaldas hosco, solitario y de muy pocas palabras. La actuación es simplemente brillante, no hay dudas de que el guión ha sido escrito exclusivamente para él, otro gran acierto de Moreno de por cierto… Al igual que en El Naufrago (Cast Away -2000-), Soy Leyenda (I Am Legend -2007-), o la espectacular película alemana conocida en Argentina como La Vida de los Otros (Das Leben der Anderen -2006-), El Custodio -2006- es otro gran monólogo sobre la soledad (II), solo que en este caso en particular, la gran actuación de Julio Chávez, el magnífico guión y la gran dirección de Rodrigo Moreno, logran hacer que el espectador sienta en carne propia el sometimiento, la tristeza, la monotonía de la soledad y la tensión generada por las frustraciones de Rubén, quien muestra el relato desde sus obedientes ojos, como lo haría un observador pasivo y circunstancial.

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Halloween (1978), de John Carpenter, es uno de esos perfectos clásicos del cine de terror con los cuales se ha criado y marcado a toda una generación, en este caso, la mía. Siempre me acuerdo que de niño (abre tenido unos 5 o 6 años cuando vi por primera vez Noche de Brujas -así traducida en Argentina- en la caja boba), me gustaba acostarme por las noches en la cama de mi mamá y simular estar dormido, para poder ver -con un ojo abierto y el otro cerrado, porque al ser tan chico no me lo permitían- este tipo de películas en la televisión… Ahhhh! que buenos tiempos aquellos…
Tal vez por este motivo, no puedo dejar de sentir fuertes emociones con respecto a este filme. La nostalgia, la añoranza, la mezcla perfecta entre el terror y la curiosidad infantil, el descubrimiento de nuevas sensaciones que me llevaban a creer y temer al “Boogeyman” (el hombre de la bolsa, el cuco, Myers), afloran en mi cabeza y estimulan todos mi sentidos tal como lo hacían en aquellas épocas, sobre todo porque significarían mis primeros romances con este tipo de películas que pronto me llevarían al cine.

Pero dejemos de lado el pasado por un rato. Hoy, un poco más viejo y más racional que emocional, observo que más allá de cierto mensaje puritano característico de la sociedad de clase media norteamericana que deja escapar entre líneas Carpenter en su filme (con esto me refiero al hecho de que el psicópata Michael Myers persigue y mata a jóvenes transgresores de las “normas y las buenas costumbres”, es decir, aquellos que se drogan, beben alcohol y son sexualmente promiscuos en un contexto de festividad pagana, desde el punto de vista religioso), Halloween es una película prolija, bien escrita e igualmente dirigida. Ayudada por una simple pero muy efectiva banda sonora, su texto somete al espectador a una constante tensión sin necesidad de mostrar demasiada truculencia como posteriormente se haría costumbre en este tipo de productos. Algunas críticas inclusive, previa sustentación de lo escrito, la llegan a catalogar dentro del género de suspenso más que del terror o del horror, pero esta sería otra discusión, la cual podríamos retomar más adelante.

Lo cierto es que Carpenter sembró un importante precedente -sobre todo en lo que se refiere a lo comercial- en la industria del cine de terror con esta cinta. Si bien Alfred Hitchcock y Tobe Hooper ya habían incursionado en este rubro con las magníficas Psicosis (Psycho, 1960) y La Masacre de Texas (The Texas Chain Saw Massacre, 1974) respectivamente, el éxito de taquilla de Halloween -que prácticamente se rodó como una película independiente con un magro presupuesto- fue rotundo, tanto así, que llegó a ser, hasta la aparición de El Proyecto de la Bruja de Blair (The Bair Witch Project, 1999), la película mas rentable de la historia del cine.
Obviamente la mega industria norteamericana del celuloide no podía dejar pasar esta jugosa oportunidad de recaudar dinero fácil… A partir de allí, la explosión comercial, marketinera y pochoclera del “cine slasher” con una catarata de secuelas de este gran éxito y de otras películas similares como Martes 13 –así traducida en Argentina Friday The 13th, 1980- y Pesadilla en lo Profundo de la Noche –como fue conocida en mi país Nightmare on Elm Street, 1984-. Franquicias todas ellas que ante su falta de calidad, llevarían a la decadencia total al género de terror, el cual tuvo que ser reconvertido totalmente como para poder lograr algún tipo de impacto en estos tiempos un poco más exigentes…

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Antes que nada, tengo que aclarar que esta no es una película de terror, ni de horror, aunque sus características así lo propongan. Yo la catalogaría más bien como un cargado thriller psicológico con ciertos ribetes dramáticos. Como para comenzar a ponerlos al corriente, este filme está basado en el escalofriante hecho ocurrido en Alemania en el año 2001, en el cual un hombre llamado Armin Meiwes mató, mutiló y comió literalmente a otro llamado Bernd Jürgen Brandes, pero lo extraño del caso es que todo sucedió con el consentimiento de este último, es decir, todo el hecho fue consumado… de común acuerdo…

Esta oscura historia, que en su momento tuvo una cobertura mediática inigualable, sin ninguna duda era candidata para ser llevada al cine, sobre todo si consideramos que toca un tema tabú como lo resulta ser el canibalismo, y por otro lado, podría también tratar de arrojar cierta luz sobre el interrogante que supongo tenemos todos: ¿Qué se le puede haber pasado por la cabeza a la “victima” como para querer ser comida por otra persona?. Ahora bien, ya tenemos un par de motivos, y una vez tomada la decisión de comenzar el proyecto, la pregunta podría ser: ¿cómo diablos se cuenta algo así?, ¿desde que óptica se debería abordar todo el asunto para que sea un verdadero éxito o el relato cierre?, ¿desde lo policial, desde el miedo y el terror, como un documental, como drama -entre otras categorías-?… Al final, pienso que se hizo de la mejor manera que se podría haber hecho, se desarrollo el argumento desde lo psicológico y lo dramático. A mi criterio, el resultado fue acertado y bueno, y paso a explicarles porque.

Rhotemburg (2006), explora en profundidad la vida y psiquis de estos dos particulares personajes, aquí llamados Oliver Hartwin y Simon Grombeck, y para esto, el novato director -en cine- Martin Weisz, recurre a la óptica de un personaje de ficción, a quien logra introducir en esta historia que es real. El papel, vendría a ser el de una estudiante americana de un postgrado de psicología criminal, llamada Katie Armstrong, un poco obsesionada con el caso en cuestión y con la morbosidad, propia de nuestra condición humana. Como se irán dando cuenta, el relato se desarrolla a través de sus ojos, de sus investigaciones para su tesis y de sus conclusiones, por tal motivo, el hábil director utiliza el recurso archiconocido del flashback y la voz en off a medida que avanza el filme, pero lo hace de manera inteligente, por lo que no llega a cansar al espectador.

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Miami, dos criminales de baja estofa, Matt Kirby y Wilbur Walsh tienen un primer encuentro en una pelea contra una pandilla. Pensando que hacen un buen equipo, planean un robo a un pequeño supermercado sin planificarlo demasiado.
Por error absurdo se infiltran en los locales de la policía, en donde son alistados. Desde entonces se convertirán en dos súper policías que luchan contra el tráfico de drogas en la ciudad a la vez que les ponen las cosas muy complicadas a las bandas que se cruzan en su camino.

Un borrico gigante de buen corazón y un rubito malévolo y manipulador, el Laurel y Hardy de los puñetazos y de las tardes de verano en Telecinco de los primeros años noventa. El argumento es bastante interesante como casi todos los que protagonizó la pareja formada por Bud Spencer (alias Carlo Pedersoli, antiguo campeón de natación) y Terence Hill (alias Mario Girotti, visto en Vacanze col gangster) se metían de lleno en el rodaje de varias películas donde los golpes y la destrucción de coches eran elementos imprescindibles. Se conocieron en nuestro país durante el rodaje de “Tú perdonas, yo no…”

Dos Súper Policías responde a la fórmula divertida, casi auto-paródica que se repite una y otra vez a lo largo de su divertida filmografía (he de decir que comprendo que haya personas a las que no les hagan gracia estas películas de puñetazos pero a mí es un género que me fascina). Los ingredientes necesarios incluyen la destrucción de coches viejos (a poder ser siempre el mismo modelo), peleas en cualquier sitio y haciendo cosas impensables como utilizar a una persona como si se tratase un balón de fútbol o una bola de bolos, truhanes y bandoleras risibles y ridículos que acaban escupiendo los dientes en todas las películas. Vamos, de lo mejorcito que uno puede ponerse en casa un sábado por la noche que no tenga previsto salir. A ello hay que añadir una banda sonora que incluye música pop rock compuesta por Guido y Maurizio de Angelis, esas canciones que te taladran el cerebro durante horas (¿os acordáis de la canción que canta Bud Spencer en el coro en “Y si no, nos enfadamos“?). Pero bueno, la película que hoy nos ocupa tiene una puesta en escena soberbia (con una risible falsa conexión en la secuencia de la llegada del barco), grabada casi en su totalidad en Miami, excepto la escena de los billares que se hizo en Italia y los paseos sutiles en moto con Laura Gemser.

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Sirva como reseña de este intento de película una conversación ficticia entre su director, Xavier Gens, y su productor, Luc Besson:

Luc Besson: Buenas tardes. Vengo para hablar de mi nueva película, Hitman.

Xavier Gens: Ah, sí. Buenas tardes, señor Besson. Debo decirle que es para mí un honor que cuente conmigo en este proyecto, como responsable de El Gran Azul, Leon o de El Quinto Elemento, entre otros. No sé si confesarle que aún no me lo creo. Si mi filmografía hasta ahora sólo consiste en dos o tres cortos que no ha visto nadie…

LB: Pero si eso es lo de menos… Usted sólo se dedicará a ponerse detrás de la cámara y cobrar sus honorarios según recaudemos en taquilla. Es un trabajo que hasta mi perro podría hacer.

XG: Pero… ¿por qué yo?

LB: Bueno, pensé en Uwe Boll, ya que Hitman trata sobre la adaptación e un videojuego, y esa es su especialidad. Pero decliné la idea, porque Boll es demasiado ambicioso. Le daría su propio sello a la película con escenas bizarras y le inyectaría su personalidad a la cinta. Incluso me comentó que Christian Slater fuera el protagonista, y la simple idea de imaginarme a Slater rapado al cero me repugnaba.

XG: Y… hablando de los actores, ¿quiénes serán?

LB: Pues el protagonista, el Hitman, el agente 47, será Timothy Olyphant.

XG: ¿Timothy Olyphant? ¿Se refiere al cutre villano de La Jungla 4.0?

LB: Ese mismo. Pensé en Jason Statham y Vin Diesel, pero no me parecían adecuados, porque la película sería demasiado convencional.

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El Coche Fantástico (Knight Rider) debutará el 17 de febrero con una película (¿podría tratarse de episodio piloto?) de dos horas de duración protagonizada por Justin Bruening, Deanna Russo, Sydney Tamiia Poitier y Bruce Davison. La voz de KITT en la versión original la pondrá el actor Will Arnett, conocido por su papel en la hilarante Arrested Development.

Para la nueva serie de televisión se emplearán tres versiones distintas de KITT: una “normal” de 540 caballos llamada KITT Hero, una mucho más veloz y belicosa denominada KITT Attack, y una última sin conductor, bautizada como KITT Remote.

Según la NBC, el KITT del siglo XXI es una supercomputadora con ruedas capaz de hackear prácticamente cualquier cosa que se enchufe, y gracias a los progresos en el campo de la nanotecnología puede cambiar de forma y color.

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Según la leyenda urbana, las snuff movies serían cortometrajes presentados en forma de un único plano secuencia en el que presenciamos la escena de un asesinato real, a menudo precedido de pornografía, con violaciones de mujeres o niños.

En sus orígenes, “snuff” significa “tabaco en polvo”. Se convirtió en un sinónimo de “matar” a raíz de un libro de Ed Sanders, que afirmaba que Charles Manson y sus cómplices disfrutaban grabando sus asesinatos. Algo que resultó totalmente falso. El término snuff aparece en los años 70 para catalogar algunas películas clandestinas en las que abundaban los malos tratos y asesinatos. Parecido a lo que ocurrió en los años 30 con las primeras películas pornográficas, hay más gente que dice haber visto este tipo de cine que lo que realmente puede haber. Que la muerte sustituya al sexo para convertirse en producto consumible es más propio de los telediarios que de la industria cinematográfica. La leyenda de que existían películas “snuff” afectó no solo al cine sino también a la literatura y a los cómics.

Michael Findlay es el autor de Snuff, una película que, como ocurriera con Garganta Profunda es muy interesante por el ruido que provocó, más allá de sus escasas cualidades cinematográficas. En 1976, se proyectó en Nueva York, desencadenando el escándalo en una sala de Times Square. La gente se amontonaba en la puerta de la sala gritando no a la degradación y explotación de la mujer en el cine.

Findlay era un realizador de softcores mediocres protagonizados por su joven esposa de diecisiete años. Se encuentra con la ola pornográfica del hardcore y no tiene más remedio que optar por una serie Z en la que busca aprovecharse de los escándalos de Charles Manson y sus seguidores, en la cinta quedan como héroes dispuestos a matar a una familia de antiguos nazis. La película se grababa en Argentina y se dobla en estudios norteamericanos. En estas condiciones, Findlay piensa que no encontrará distribuidor, pero en el horizonte aparece Carter Stevens, que añadirá una terrible escena final a la cinta y le pondrá el título: Snuff. Esta secuencia consistía en una violación de una de las actrices de la película, justo antes de matarla en condiciones terribles. Incluso hubo una investigación policial al respecto. Findlay moriría meses después en un terrible accidente de helicóptero. A partir de esta cinta nace el ridículo rumor de que después de haber rodado una cinta X se sacrificó a una actriz del rodaje, tras haber sido sometida a verdaderas torturas y abusos; el material queda en manos de algunos ricos capaces de gastarse grandes cantidades en este tipo de material.

Desde un punto de vista un poco más amplio, el snuff se compone de imágenes próximas al sadomasoquismo. En estas películas, las víctimas y los verdugos aparecerían respectivamente con cadenas y antifaces. El escándalo informativo supera a la realidad con creces. Los fanáticos religiosos ven la posibilidad de exteminar todo lo que es nocivo a la sociedad, y entre ello está la pornografía. Bajo una crisis de fe, Paul Schrader realiza Hardcore, oficialmente la primer película que trata el tema oponiendo a los fanáticos religiosos con la pornografía. El resultado es voluntariamente ambiguo.

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Sorprendente. Este es el calificativo que mejor define a Shoot ‘em Up, una extraña película que, con sus 80 minutos de duración, su escasez de diálogos y su puesta en escena deja clarísimas sus intenciones desde el primer momento.

En la manida propuesta de futuro próximo decadente (y digo manida porque últimamente trae cola, como en Hijos de los Hombres o V de Vendetta), un transeúnte llamado Smith (Clive Owen) contempla el ataque a una embarazada por parte de una legión de matones, e incapaz de permanecer impasible, la protege como puede. El parto se produce durante la misma persecución, y en el mismo tiroteo, la madre es asesinada y Smith se ve obligado a cuidar del bebé, en una indudable punta del iceberg en la que está salpicado incluso un candidato presidencial. En esto que Smith recurre a Donna (Monica Bellucci), una prostituta italiana para que le amamante, y durante todo el metraje son perseguidos por un sicario llamado Hertz (Paul Giamatti), que quiere a toda costa eliminar el bebé como prueba de la conspiración.

Sorprende que, con una estela de películas cruentas/violentas iniciada con Pulp Fiction (o quién sabe si décadas antes, con Perros de Paja), Shoot ‘em Up nos demuestre que aún no lo hemos visto todo.

Sorprende que Clive Owen, Monica Bellucci y Paul Giamatti hayan aceptado estar en este proyecto, que nada aporta a su carrera artística y que los pone en medio de una película condenada a la irrelevancia y a la intrascendencia. En resumidas cuentas, al olvido. Tenemos a un Owen con cara de palo, en la senda de los Steven Seagal o Chuck Norris, matando
a mansalva y haciendo honor al título de la cinta, que alude al género de videojuegos también conocido como “yo contra el barrio”.

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