Esta es una película del 2007 a cargo de Joe Wright (Orgullo y prejuicio) es una coproducción de Inglaterra y Francia con las brillantes actuaciones de Keira Knightley, James McAvoy, Saoirse Ronan y con Vanessa Redgrave por ahí. El guión es de Christopher Hampton basada en la novela de Ian McEwan “Atonement” (que quiere decir Expiación), la fotografía de Seamus McGarvey y la música de Dario Marianelli.

Expiación
A mi la película me llegó con el nombre “Expiación, deseo y pecado” aunque si queremos ser fieles a su nombre original nos quedaremos con Expiación. Tengo que empezar diciendo que no he tenido el gusto de leer la novela (que, de cualquier forma, es considerada de las “mejores x -1″ de su autor). Un colega ya ha escrito sobre este filme aquí; y me encontré con que me pasó exactamente lo mismo respecto a que, con los dos o tres primeros planos (siendo que en el primero aparece una maqueta de la mansión en la cual nos encontraremos segundos después que es donde se está desarrollando la acción, que sigue por un caminito de animales puestos en cierta dirección, el cual la cámara seguirá para encontrar y acercarse a Briony, niña de 13 años que está terminando su primera obra…) ya podemos decirnos y pensar “Whoo! Esto es algo grande!”. Y exactamente. Esta es una OBRA CINEMATOGRÁFICA (con mayúsculas… por si no se notaba).

La historia se desarrollará, precisamente, a partir de esa/s “historia/s” que Brony se hará; no sólo aquí, sino durante toda la película. Por lo cual descubriremos ya, de primera, que esa maqueta a la cual me referí no sólo tiene una función estética (anunciando la increíble puesta en escena) sino que nos está hablando ya sobre el mismo carácter de la obra; que, a su vez, y música mediante quedara con un primer marco “[” ante el sonido de las teclas (de la máquina de escribir de la niña, puesto que la acción empieza en Inglaterra en 1935 y no hay laptops o pc`s…) que pasarán de ser diegéticas a formar parte del relato y ¿por qué no? la ambientación sonora extradiegética dada a través de la música.
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A veces contar la historia de una sociedad sumergida en la violencia a causa del hambre y la falta de educación es muy difícil. Es complejo poder evitar lugares comunes que conviertan a una película en un hecho absolutamente subjetivo. Tratar de reflejar cómo se vive, lo que se siente, lo que realmente sucede es tan complicado como tener que elegir un lado como protagonista de una película sin realmente inclinar la balanza hacia ese lado.

La película “Troupe de Elite” o Tropa de Elite como se traduce al español, claramente no cumple la regla de objetividad, ya que se pone de un lado en el relato. La historia nos muestra la vida y profesión de un grupo de choque de la policía federal de Brasil. Desde la mirada de estos protagonistas, somos testigos de un film muy crudo que refleja una parte de la sociedad, pocas veces utilizada como mirada principal.
Es común compartir la visión desde la pobreza, un individuo que lucha por su supervivencia en una sociedad que no le da posibilidades de avanzar o tal vez desde un narcotraficante que ha tenido una vida difícil y desea salir de aquello en lo que esta involucrado. Desde Tropa de Elite, conocemos la realidad de la policía que intenta luchar contra una delincuencia y el tráfico de drogas instalado en todas las escalas sociales.

En Brasil, el país más grande y con mayor población de América del Sur, la ciudad de Río de Janeiro es aquella que alberga la mayor cantidad de “favelas” (pequeños pueblos donde la delincuencia controla las calles, tienen sus propias reglas y las fuerzas de seguridad tiene muy poco acceso). La policía de Río de Janeiro durante años ha combatido contra el delito, que claramente es casi incontrolable o a lo sumo cercable. Para poder combatir estas olas de violencia que se llevan millones de vidas por año, la policía local ha creado una fuerza especial llamada BOPE: Batallón de Operaciones Policiales Especiales.

El BOPE fue creado el 19 de enero de 1978 como el núcleo de la compañía de Operaciones Especiales (NuCOE) a través de un proyecto elaborado y presentado por el Capitán PM Paulo Amendola Cesar de Souza para el Comandante General de PMERJ, Coronel del Ejército de Brasil Mario José Sotero de Menezes.
En la década de 1980, fue elevado a la categoría de Compañía de Operaciones Especiales (COE), cambiando poco después de nombre para obtener autonomía administrativa, siendo Compañía Independiente de Operaciones Especiales (CIOE). En 1991, se convirtió en Batallón, perteneciendo aún al Reglamento Mariscal Caetano de Farias, sede del Batallón de Policía de Choque, entre otras unidades policiales.
En el año de 2000 obtuvo instalaciones propias, ubicadas en la favela Tavares en el suburbio de Catete en la Zona Sur de la capital Fluminense.

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Esta película dirigida por Elie Chouraqui y que cuenta con dos guionista entre los cuales figura el mismo director, Elie Chouraqui y Didier LePecheur, se basa en la novela del mismo nombre de Dominique Lapierre y Larry Collins, siendo el primero de los autores escritor también de la obra La ciudad de la alegría, una obra que retrató la miseria y la angustia de vivir en un barrio de chabolas y que luego de lanzarse al mercado llegara a convertirse en best-seller, derivando el autor la mitad de ganancias por este libro a esa comunidad que fue retratada.

Con este antecedente podemos hacernos una idea, al menos, de lo que este autor plantea en sus libros y es que siempre ha optado por reflejar los conflictos de aquellas partes que se encuentran en guerra o bajo situación de pobreza, en donde sólo es posible aferrarse a los ideales humanos, que finalmente son los últimos que permanecen ante este tipo de situaciones.

La película Oh Jerusalén, recrea meticulosamente la lucha que se vivió alrededor de la creación del estado de Israel en el año de 1948. En el centro de estos eventos, se encuentran los protagonistas, dos jóvenes de diferentes nacionalidades, uno que es judío y otro que es árabe.

El film se cuenta desde los puntos de vista alternativos de los judíos, árabes y británicos, los cuales chocan en su lucha por el control de Jerusalén, mientras trae a acotación temas como el valor, la política, el terrorismo, la privación y un fuerte sentido de lo moral.

Esos protagonistas se involucran con la causa que los afecta desde diversos ángulos y eso hace que pasen de donde se encuentran estudiando en Nueva York hacia la Tierra Santa en donde acontece el conflicto, ellos arriesgan sus vidas haciendo increíbles sacrificios consiguiendo luchar por lo que ellos creen mientras la ciudad de sus sueños se balancea al borde de la destrucción.

Esta película trae también a colación, y creo que allí radica un poco de su popularidad y de que haya llegado dos años más tarde a las salas de cine españolas (pero haya llegado), y remite a los conflictos que se viven en el medio oriente y toda esa zona, que por mala suerte siempre se ha mantenido en constante estado de guerra, pasando de un lugar a otro, pero siempre dentro de una franja de territorio que tiene una paradoja significativa.

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Como buen nacido en la década del `70, mi romance con el cine comenzó, gracias a mi papá, aproximadamente a partir de 1983, año en que se restituyó la democracia en Argentina luego de una brutal dictadura, es decir, yo tenía unos 7 años…

El escenario mundial estaba convulsionado por las tensiones de la llamada “Guerra Fría”, que no era nada más ni nada menos que una batalla ideológica, política y económica-social caracterizada por una carrera tecnológica y armamentista nuclear entre los dos grandes bloques en los que había quedado dividido el planeta luego de la Segunda Guerra Mundial. Por un lado las naciones occidentales con Estados Unidos (EEUU) a la cabeza y su postura capitalista y neoliberal, y por el otro las naciones europeas orientales que conformaban la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS) y los países asiáticos como China, Corea del Norte y Vietnam con una política comunista y/o socialista.

Todo tipo de mensaje, texto o relato se volvía entonces una gran oportunidad para la propaganda política-económica y es, dentro de este contexto, que el cine comienza su transformación. Promovido y difundido mundialmente por la maquinaria de la gran industria norteamericana de Hollywood, se comienzan a dejar de lado los proyectos más artísticos y/o culturales, y los comerciales o “marketineros” comienzan a ganar terreno, dando lugar a los llamados productos blockbusters.

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Siguiendo con la fiebre de adaptar series de los ’70 y los’80, Paramount ha hecho oficial algunos protagonistas de la película “G.I. Joe”, que está previsto que se empiece a rodar a mediados de febrero, con fecha de estreno para el 7 de agosto de 2009. Sienna Miller ha sido la primera actriz confirmada, que interpretará el principal papel protagonista, La Baronesa, descrita como una baronesa y femme fatale con una amplia experiencia en el mundo del espionaje.

También estarán Rachel Nichols, vista en la serie “Alias”, que interpretará a Scarlett, la hija de un prestigioso general y especialista en operaciones encubiertas; Adewale Akinnuove-Agbaje, de “Lost”, hará de Heavy Duty, especialista en armamento pesado y demoliciones; y Said Taghamaoui interpretará a Breaker, el especialista en comunicaciones del equipo.

El director de la película será Stephen Sommers, que creo que es una buena elección porque sabe perfectamente cómo hacer una película de aventuras sin tomar el pelo al público (por ejemplo, “La momia”) y será producida por Lorenzo di Bonaventura (“Transformers”) y Brian Goldner, de la compañía juguetera Hasbro.

Recordemos que G.I. Joe es una serie de dibujos animados creada por David Berger en 1942 y que en 1964 tuvieron su primera serie de figuras de acción, de 30 centímetros de altura, y que en España fueron conocidos como “Geyperman”, aunque fue a partir de 1982 cuando empezaron a fabricarse las figuras pequeñas, basadas en los personajes de la serie, que le dieron el éxito, llegando a realizar más de 500 modelos de personajes y 250 vehículos y escenarios, entre los G.I. Joe y los personajes de “Cobra”, la organización terrorista contra la que luchaban.

Una producción que los nostálgicos de series de la infancia deberemos tener en cuenta, aunque con cierto recelo de que no hagan otro engendro como la horrible “Street Fighter”.

Por si alguien no recuerda la serie o no la ha visto nunca puede ver el opening original aquí.

FUENTE: superherohype.

El cine argentino vivió este año un récord de estrenos como nunca antes había ocurrido en su historia: nada menos que 80 en 48 semanas. Pero la realidad no es todo color de rosa: la mayoría fueron fracasos estrepitosos de público. Y además, muy pocas películas argentinas lograron convocar una cifra decorosa, algo que suponga un “éxito” comercial.

¿Cuáles son las causas de esta paradoja? Por un lado, la nula publicidad que se le da a la mayoría de los estrenos: como consigna el diario Clarín, una gran cantidad de películas parecen hacerse con el único propósito de cobrar los subsidios que otorga el Estado. Y además, la organización es nefasta: hubo varias semanas donde se estrenaban de ¡a cinco películas argentinas! sumadas a las novedades extranjeras. Y el público no acompañó, claro.

De los ochenta estrenos del año, hubo claros ganadores: la principal fue “XXY”, premiada en todo el mundo y con una muy buena cifra de espectadores teniendo en cuenta que fue una opera prima sin mucho presupuesto y publicidad. Luego, la comedia “¿Quién dice que es fácil?”, intentó repetir el éxito de “No sos vos sos yo”, con mismo director (Juan Tarauto) y protagonista (Diego Peretti) y lo logró, llevando una cifra nada despreciable de espectadores a lo largo de las semanas que estuvo en cartel.

La película argentina más taquillera del año fue la comedia para toda la familia “Incorregibles” -con dos actores populares de TV como Guillermo Francella y Dady Brieva- que metió casi 800 mil espectadores, aunque sus productores esperaban un millón y medio, por lo tanto aquí podíamos hablar tanto de éxito como de fracaso. En tanto que a “La Señal”, el debut de Ricardo Darín en la dirección, la vieron alrededor de 350 mil personas. Por su parte, la coproducción “Tocar el cielo” superó los 100 mil con mucho esfuerzo.

Del resto se esperaba mucho más, pero no fue así: a modo de ejemplo, “Encarnación” venía de ser premiada en Toronto y San Sebastián, pero el filme apenas alcanzó 15 mil espectadores, cuando los realizadores esperaban 40 mil. Y “El pasado”, lo nuevo de Héctor Babenco, protagonizada por Gael García Bernal, ni llegó a las dos cifras. Y lo mismo les pasó a otras como “Quiéreme”.

La gran mayoría de las 80 estrenadas no llegó a los mil espectadores. Esto es una señal: mayor cantidad no es igual a calidad. Y casi no tiene sentido estrenar filmes sin publicidad detrás o en una sola sala para que nadie los vea (¿o acaso el fin es recorrer festivales internacionales?). Por eso, algo está fallando en el cine argentino. Y los responsables deberán tomar partido, porque en estas condiciones no hay industria que se sostenga.

Voces Inocentes es una de esas películas que vienen con un considerable retraso a nuestro país (más de tres años) y que ni cuentan con una promoción adecuada que acerque la cinta al espectador, ni con una distribución suficiente.

Es una historia sobre la guerra civil en El Salvador en los años ochenta, donde los niños son reclutados a partir de que cumplen doce años para hacer bulto en el ejército nacional, en su intento de parar la embestida de la emergente tropa de guerrilleros opositores. Chava (Carlos Padilla) tiene 11 años, y ve que más temprano que tarde acabará como niño-soldado, teniendo que abandonar a su familia, compuesta por su madre (la deliciosa Leonor Varela), y sus encantadores hermanos. El amor fraternal y maternal queda vigente en toda la película con unas interpretaciones estupendas, a la par que la ambientación es extraordinaria e impactante.

Aunque muchos la tilden de drama de lágrima fácil (que en este sentido tienen su parte de razón), el mexicano Luis Mandoki ha conseguido una película fuerte y lograda, con una evidente pero tremenda propuesta de denuncia social, en la que quedan clarísimas las nocivas consecuencias de la guerra y el conflicto bélico en general sobre una sociedad pobre pero llevadera.

Mandoki, a quien sólo conocía por su tonto culebrón Mensaje en una Botella, me ha sorprendido gratamente con una puesta en escena espectacular, y unas escenas de violencia estremecedoras. Escenas durísimas, como la del reclutamiento de niños en un colegio (sitiando previamente el lugar), o los tiroteos que sacuden las casas de los civiles son dignas de pasar a la historia, porque se nota que en un presupuesto ajustado el director ha podido con todo, y finalmente le ha salido una película decente en todos los sentidos.

En particular, me encanta que por fin la chilena Leonor Varela, una preciosa y talentosa actriz, haya tenido suerte y se haya hecho con un papel con carisma y donde pone en juego todas sus facultades actorales, en virtud de la película. El realismo que otorga las actuaciones de los niños, en particular de los tres hermanos (atención al hermano pequeño, Alejandro Felipe, conocido luego por Frijolito), es apabullante. Se agradece también la presencia del español Daniel Giménez Cacho como sacerdote que intenta rebelarse contra la situación, pero que no encuentra apoyo sólido alguno.

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