Halloween (1978), de John Carpenter, es uno de esos perfectos clásicos del cine de terror con los cuales se ha criado y marcado a toda una generación, en este caso, la mía. Siempre me acuerdo que de niño (abre tenido unos 5 o 6 años cuando vi por primera vez Noche de Brujas -así traducida en Argentina- en la caja boba), me gustaba acostarme por las noches en la cama de mi mamá y simular estar dormido, para poder ver -con un ojo abierto y el otro cerrado, porque al ser tan chico no me lo permitían- este tipo de películas en la televisión… Ahhhh! que buenos tiempos aquellos…
Tal vez por este motivo, no puedo dejar de sentir fuertes emociones con respecto a este filme. La nostalgia, la añoranza, la mezcla perfecta entre el terror y la curiosidad infantil, el descubrimiento de nuevas sensaciones que me llevaban a creer y temer al “Boogeyman” (el hombre de la bolsa, el cuco, Myers), afloran en mi cabeza y estimulan todos mi sentidos tal como lo hacían en aquellas épocas, sobre todo porque significarían mis primeros romances con este tipo de películas que pronto me llevarían al cine.

Pero dejemos de lado el pasado por un rato. Hoy, un poco más viejo y más racional que emocional, observo que más allá de cierto mensaje puritano característico de la sociedad de clase media norteamericana que deja escapar entre líneas Carpenter en su filme (con esto me refiero al hecho de que el psicópata Michael Myers persigue y mata a jóvenes transgresores de las “normas y las buenas costumbres”, es decir, aquellos que se drogan, beben alcohol y son sexualmente promiscuos en un contexto de festividad pagana, desde el punto de vista religioso), Halloween es una película prolija, bien escrita e igualmente dirigida. Ayudada por una simple pero muy efectiva banda sonora, su texto somete al espectador a una constante tensión sin necesidad de mostrar demasiada truculencia como posteriormente se haría costumbre en este tipo de productos. Algunas críticas inclusive, previa sustentación de lo escrito, la llegan a catalogar dentro del género de suspenso más que del terror o del horror, pero esta sería otra discusión, la cual podríamos retomar más adelante.

Lo cierto es que Carpenter sembró un importante precedente -sobre todo en lo que se refiere a lo comercial- en la industria del cine de terror con esta cinta. Si bien Alfred Hitchcock y Tobe Hooper ya habían incursionado en este rubro con las magníficas Psicosis (Psycho, 1960) y La Masacre de Texas (The Texas Chain Saw Massacre, 1974) respectivamente, el éxito de taquilla de Halloween -que prácticamente se rodó como una película independiente con un magro presupuesto- fue rotundo, tanto así, que llegó a ser, hasta la aparición de El Proyecto de la Bruja de Blair (The Bair Witch Project, 1999), la película mas rentable de la historia del cine.
Obviamente la mega industria norteamericana del celuloide no podía dejar pasar esta jugosa oportunidad de recaudar dinero fácil… A partir de allí, la explosión comercial, marketinera y pochoclera del “cine slasher” con una catarata de secuelas de este gran éxito y de otras películas similares como Martes 13 –así traducida en Argentina Friday The 13th, 1980- y Pesadilla en lo Profundo de la Noche –como fue conocida en mi país Nightmare on Elm Street, 1984-. Franquicias todas ellas que ante su falta de calidad, llevarían a la decadencia total al género de terror, el cual tuvo que ser reconvertido totalmente como para poder lograr algún tipo de impacto en estos tiempos un poco más exigentes…

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Candy (2006) no es una película fácil de llevar, se desarrolla explorando o navegando los opuestos extremos de la vida actual y los excesos de dos jóvenes amantes que conviven con ella de una manera poética, hermosa y sumamente cruel. Es como presenciar una tragedia que sabes no puede terminar bien, solo resta preguntarte cuan duro será el inevitable golpe del final. Sus tres actos o capítulos, Cielo – Tierra – Infierno, así lo proponen desde un principio, van desde lo más puro y utópico hacia lo más crudo y real en tan solo 108 minutos.

Antes de verla había leído ya algunos comentarios que la catalogaban como un filme romántico poco convencional que hablaba sobre un tema tabú, esto es, sobre lo terrible y devastador que puede resultar el consumo adictivo de drogas. Leí críticas favorables y desfavorables, algunas de ellas decían que solo es una película más sobre la adicción a las sustancias ilegales y que no le llega ni a los talones a otras del género como Trainspotting (1996), otras decían que es una muy buena adaptación del libro homónimo escrito por Luke Davies (el cual reconozco no he leído pero sé que ha sido premiado) y que esto tal vez se deba a la destreza del director Neil Armfield y los productores, al lograr que el autor participe en la escritura del guión adaptado con la colaboración del mismísimo director.

Como ven, no sabía bien con que tipo de producto me iba a encontrar, pero las buenas críticas superaban en número a las malas por lo que no esperaba una rotunda decepción sino todo lo contrario… Y gracias a todos los Dioses del mundo que fue así!!!, Candy me pareció una obra increíble, sólida y devastadora, cruda en toda la extensión del relato pero sin dejar de lado la belleza del amor en su estado más puro y poético. Es válido aclarar que no resultó para mi una película más sobre el tema de las drogas en particular, y/o una historia más de amor poco o nada convencional, sino que me quedé con la amarga sensación de haber sido espectador de una observación despersonalizada del director sobre el cóctel conflictivo y de confusión que viven estas personas de clase media con respecto a sus sueños, esperanzas, frustraciones, y perspectivas de vida, que luchan por mantener su lugar en el mundo sin tener que someterse a la pérdida de aquello que los hace sentirse completos, ser personas dignas… Tal vez me gustó porque me resultó fácil sentirme identificado con estos jóvenes.

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Antes que nada, tengo que aclarar que esta no es una película de terror, ni de horror, aunque sus características así lo propongan. Yo la catalogaría más bien como un cargado thriller psicológico con ciertos ribetes dramáticos. Como para comenzar a ponerlos al corriente, este filme está basado en el escalofriante hecho ocurrido en Alemania en el año 2001, en el cual un hombre llamado Armin Meiwes mató, mutiló y comió literalmente a otro llamado Bernd Jürgen Brandes, pero lo extraño del caso es que todo sucedió con el consentimiento de este último, es decir, todo el hecho fue consumado… de común acuerdo…

Esta oscura historia, que en su momento tuvo una cobertura mediática inigualable, sin ninguna duda era candidata para ser llevada al cine, sobre todo si consideramos que toca un tema tabú como lo resulta ser el canibalismo, y por otro lado, podría también tratar de arrojar cierta luz sobre el interrogante que supongo tenemos todos: ¿Qué se le puede haber pasado por la cabeza a la “victima” como para querer ser comida por otra persona?. Ahora bien, ya tenemos un par de motivos, y una vez tomada la decisión de comenzar el proyecto, la pregunta podría ser: ¿cómo diablos se cuenta algo así?, ¿desde que óptica se debería abordar todo el asunto para que sea un verdadero éxito o el relato cierre?, ¿desde lo policial, desde el miedo y el terror, como un documental, como drama -entre otras categorías-?… Al final, pienso que se hizo de la mejor manera que se podría haber hecho, se desarrollo el argumento desde lo psicológico y lo dramático. A mi criterio, el resultado fue acertado y bueno, y paso a explicarles porque.

Rhotemburg (2006), explora en profundidad la vida y psiquis de estos dos particulares personajes, aquí llamados Oliver Hartwin y Simon Grombeck, y para esto, el novato director -en cine- Martin Weisz, recurre a la óptica de un personaje de ficción, a quien logra introducir en esta historia que es real. El papel, vendría a ser el de una estudiante americana de un postgrado de psicología criminal, llamada Katie Armstrong, un poco obsesionada con el caso en cuestión y con la morbosidad, propia de nuestra condición humana. Como se irán dando cuenta, el relato se desarrolla a través de sus ojos, de sus investigaciones para su tesis y de sus conclusiones, por tal motivo, el hábil director utiliza el recurso archiconocido del flashback y la voz en off a medida que avanza el filme, pero lo hace de manera inteligente, por lo que no llega a cansar al espectador.

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En el primer artículo que escribí para este blog sobre la película Soy Leyenda (I Am Legend, 2008), les comenté sobre mi fanatismo por uno de los grandes maestros del terror contemporáneo, Stephen King.

Lo leo desde que tenía 14 años, y a pesar de que muchos críticos y seguidores desencantados digan que hoy ya no escribe como lo hacía antes y que muchas de sus novelas coinciden en sus argumentos resultando tal vez predecibles o cansadoras (sobre todo en aquellas en las que escribe sobre escritores con bloqueos literarios en lugares alejados de toda civilización donde suceden cosas extrañas y sobrenaturales), a mi, sus historias todavía me siguen cautivando como antaño. Su manera de escribir sobre las diversas visiones apocalípticas de nuestro mundo conocido, la relación entre los seres humanos en condiciones extremas, la gran cantidad de personajes que involucra y la forma en que los relaciona, la crítica mordaz a la sociedad americana media, los guiños hacia otros libros, muchas veces compartiendo personajes entre ellos, etc., funcionan para mi como efectivos cócteles de entretenimiento narrativo, tanto es así, que creo que no hay otro autor que haya alimentado tanto al cine y la televisión como él, no siempre con el resultado deseado pero bueno, ese es otro cantar…

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A veces puede resultar demasiado difuso el límite que separa lo que podría ser una buena película de una mala, depende mucho de la subjetividad de cada espectador y también de su expectativa con respecto al relato con el que se encontrará o con el que desea encontrarse. Entonces ¿cómo podría alguien asegurar por ejemplo que Antes de Partir (The Bucket List, 2007 –creo que en España la conocen como Ahora o Nunca-) es una película mala, o regular?. ¿Cómo podríamos asegurar que La Joven Vida de Juno es muy buena o excelente, o que Love Liza o Reign Over Me, siendo todas comedias dramáticas como las anteriores, son mejores productos que The Bucket List?. Creo que es posible llegar a estas conclusiones en este mundo susceptible en su totalidad de medición cualitativa y cuantitativa, y que algunos llegarán a ellas con más método y otros, con un mayor sentido común.
Si hacemos un análisis profundo sobre la narrativa de todas estas películas que nombramos anteriormente, utilizando como técnica -por ejemplo- la semiótica, notaremos que la concatenación de elementos y factores que ponen en marcha cada uno de estos relatos, cobran vital importancia, comenzando por los guiones, las diferentes interpretaciones de los directores y sus puestas en escena, y la de los actores que llevan a cabo los distintos proyectos. Supuestamente, todo debería estar planeado para la perfecta decodificación por parte del que sería el modelo de lector al cual el escritor dirige su relato, en este caso, podríamos hablar del guionista como autor del texto y del director como ejecutor del mismo.

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Vamos a dejar de lado un poco la política y los análisis profundos sobre economía social -porque tengo miedo de cansarlos y de que no me lean más- y vamos a hablar de las aventuras de unos cuantos rastas, allá por los albores de la especie humana, cuando nada se sabía del capitalismo, del neoliberalismo y todas esas yerbas… Ahora, espero no desilusionarlos pero el hecho de que la película en cuestión (10.000 B.C., 2008) se encuentre dentro del género de ¿aventuras?, al menos desde mi punto de vista, no implica que vaya a ser una agradable a nuestros ojos, los de espectadores. Es decir, creo que todos coincidiremos en que Emmerich no es un gran director, al menos yo no esperaba un gran producto de él, pero me dije a mi mismo, si al menos es como El Día Después de Mañana (The Day After Tomorrow, 2004), me voy a divertir un rato.

Lamentablemente no sucedió como lo pensé, y está película solo me reconfirmó lo que ya sabía desde siempre, nuestro buen amigo Roland Emmerich puede ser bastante diestro con la cámara, pero contando historias, realmente deja mucho que desear. El filme tiene un inicio prometedor con una escena interesante sobre la caza de mamuts, y aquí sentí una buena sensación al ver que los efectos eran buenos (ya les conté antes que no me llevo bien con la animación computada), y si los enormes animales estuvieron hechos por computadora, la verdad, que yo no lo noté. Por desgracia esto solo duró 15 minutos como mucho, a partir de allí, la historia no logra despegar nunca más, es como si el director hubiera quemado todos sus cartuchos en esta primera y corta escena y luego…vacío…

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“No me hubiera gustado morir en los 90, cuando la restauración neoliberal avanzaba por el mundo y me hacía sentir parte de una generación tirada a los perros; al final de un siglo que nació al calor de la Utopía y terminó al borde de la desesperanza, resignando la expectativa de toda redención posible; acosada dentro del marco de un tiempo que obligaba a la renuncia de todo proyecto colectivo; reducida a la inmediatez de mi supervivencia y la de los míos –que son muchos más que la extensión de mi sangre-, sabiendo que éramos los últimos de una generación que tardaría mucho en volver.

…No me hubiera gustado morir en los 90, cuando triunfaba la idea de que cada uno debía valerse por sí mismo, y de quien dependía del Estado para educar a sus hijos o garantizarles la salud era un perdedor. Cuando esta ideología reinante, que entronizaba el egoísmo, imponía salvarse y salvar su cría al modo selvático y se convertía en la matriz ideativa que permitía creer que se debía ‘achicar el estado, para salvar la nación’ –así con minúscula, porque el Estado era un mero administrador de las riquezas y miserias privadas- arrastrándonos a la descontrucción de toda noción de comunidad…”

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Estoy convencido de que hay películas que se piensan, otras que se sienten, y algunas que implican hacer ambas cosas… Juno definitivamente se siente desde lo más profundo del corazón, por este motivo, ni bien terminé de verla, me senté desbordado de emoción a escribir esta recomendación, porque eso es lo que quiero, que la vean (al menos aquellos que aun no lo han hecho), les aseguro que no se van a arrepentir.
Obviamente, la exquisita riqueza de este particular relato “nace” desde el guión magistralmente escrito por Diablo Cody (ganadora de un Oscar por este trabajo), pero también hay que reconocer que el mismo esta bien sostenido por un círculo retroalimentado de aciertos y cosas bien hechas. El resultado, es sencilla y simplemente perfecto, como los engranajes de un reloj suizo.

El brillante guión no deja nada librado al azar, todo está pensado para que encaje como piezas en un rompecabezas, el perfil de los personajes, los filosos diálogos entre ellos, la elección del nombre de nuestra adolescente, locuaz y sarcástica heroína (teniendo en cuenta que Juno representa a la Diosa de la maternidad en la mitología romana, reina del olimpo, protectora de las mujeres, entre otras características), y hasta la elección del nombre de su pequeña hermanastra Liberty Bell (Campana de Libertad) -tal vez como para dejarnos en claro el hecho de que la familia en cuestión es más bien de corte liberal-. Todos pequeños detalles con los que Cody juega para lograr crear una profundidad sin igual en los personajes que describe, quienes son interpretados majestuosamente por actores de gran carácter -aunque no tan conocidos comercialmente- y que tienen su punta de lanza en la aquí espectacular Ellen Page (nominada al Oscar por esta película en el rubro de mejor actriz principal).

Ya desde el inicio del filme queda claro que Juno no es una chica del montón, un poco más madura que el resto de sus compañeros, está centrada en otras cosas menos frívolas y/o propias de la edad, inclusive llegando a ser considerada “rara” por el resto de sus pares. Es poseedora de un vocabulario muy desarrollado, directo e irónico (hasta el punto a veces de resultar extremadamente provocativo e irreverente) y una frialdad emocional sin igual. Con estos recursos protege su hermético mundo de aquellos sentimientos que la pueden llegar a lastimar, son métodos que aprendió a usar tal vez por el temprano abandono de su madre biológica, hecho que seguramente influye en su decisión final de no abortar y en cambio si buscar una “familia feliz”, esas que duran para siempre y que en un momento de la historia le pregunta a su padre si existen, para que críen a “la cosa” (como ella llama a su bebé en desarrollo). Es a lo largo de esta búsqueda, y mientras transcurre su accidental embarazo, que iremos observando la increíble e inevitable transformación de nuestro pequeño personaje, quien a pesar de ser distinta a los demás, no deja de ser una niña inocente y asustada de 16 años que se ha encontrado cara a cara con la vida y que solo quiere seguir siendo lo que es, pero que observa en su cuerpo, como se convierte en mujer.

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La pasada publicación de nuestra compañera Laura M. sobre el film Love, Liza (2002), no ha hecho más que traerme a la memoria -por su gran parecido argumental- una película que he visto hace un par de meses y que realmente me ha gustado mucho, motivo por el cual, no puedo dejar de compartir mi opinión con respecto a la misma, con todos ustedes. Les estoy hablando de Reign Over Me (2007), protagonizada por Adam Sandler y Don Cheadle en los papeles principales y un gran reparto en los roles secundarios, en donde podemos apreciar a Jada Pinkett Smith (esposa de Will Smith en la vida real), Liv Tyler, Saffron Burrows, Donald Sutherland, entre otros.

La esperanza vive en mi, como se la conoce en Argentina, o En algún lugar de la memoria, como creo que se la tradujo en España (odio cuando por cuestiones comerciales de cada país, les cambian el nombre original), básicamente cuenta la historia sobre el reencuentro de dos viejos compañeros -y amigos- de la universidad. Cada uno de ellos, ya con sus vidas familiares y profesionales hechas y con sus profundos dramas personales a cuestas, redescubren y exploran el poder de la amistad, el compañerismo y la solidaridad, valores muy importantes y necesarios pero bastante olvidados, de por cierto, en estos últimos tiempos de pensamiento neoliberal.

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Como buen nacido en la década del `70, mi romance con el cine comenzó, gracias a mi papá, aproximadamente a partir de 1983, año en que se restituyó la democracia en Argentina luego de una brutal dictadura, es decir, yo tenía unos 7 años…

El escenario mundial estaba convulsionado por las tensiones de la llamada “Guerra Fría”, que no era nada más ni nada menos que una batalla ideológica, política y económica-social caracterizada por una carrera tecnológica y armamentista nuclear entre los dos grandes bloques en los que había quedado dividido el planeta luego de la Segunda Guerra Mundial. Por un lado las naciones occidentales con Estados Unidos (EEUU) a la cabeza y su postura capitalista y neoliberal, y por el otro las naciones europeas orientales que conformaban la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS) y los países asiáticos como China, Corea del Norte y Vietnam con una política comunista y/o socialista.

Todo tipo de mensaje, texto o relato se volvía entonces una gran oportunidad para la propaganda política-económica y es, dentro de este contexto, que el cine comienza su transformación. Promovido y difundido mundialmente por la maquinaria de la gran industria norteamericana de Hollywood, se comienzan a dejar de lado los proyectos más artísticos y/o culturales, y los comerciales o “marketineros” comienzan a ganar terreno, dando lugar a los llamados productos blockbusters.

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