Instinto Básico es una producción de 1.992 que impactó a todo los espectadores que asistieron en masa a los cines a disfrutar de ella. La película fue un éxito absoluto de taquilla a nivel mundial, logrando establecer a Sharon Stone como uno de los símbolos sexuales más poderosos de todos los tiempos. Sin embargo, es una película que el tiempo ha condenado, haciendo olvidarla y dejándonos ver lo vacía que en muchos aspectos realmente es.

Bajos instintos cuenta la historia del detective Nick Curran (Michael Douglas), quien debe investigar el asesinato cometido a una importante personalidad musical de su ciudad. La principal sospechosa del crimen es una escritora que mantenía relaciones sexuales con él: Catherine Tramell (Sharon Stone); pero que también escribió un libro que contiene una descripción exacta del asesinato que se llevó a cabo. Mientras Curran investiga a Tramell debe continuar con el tratamiento médico llevado a cabo por su ex esposa, la doctora Beth Garner (Jeanne Tripplehorn), al que se encuentra obligado a asistir por el asesinato causado a unos civiles estando bajos los efectos de la cocaína y el alcohol.

A medida que la investigación se va profundizando, Tramell se va haciendo más sospechosa, pero también se va relacionando de manera más intima con Curran, a quien parece estar manipulando con su atractivo físico y sexual, y con su gran inteligencia. Entre los dos una inmensa relación pasional se mantiene a lo largo de todo el film, lo que parece arriesgar la vida de Curran y que termina en el asesinato de su compañero Gus (George Dzundza). Gracias a las pistas dadas por Tramell, se descubre que la verdadera asesina es una antigua amante y compañera de Universidad de Tramell, quien está obsesionada con ella. La persona es la misma doctora Garner. Al final se deja una ambiguedad sobre sí Tramell era o no la asesina por el plano de un pica hielos debajo de su cama.

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En 1.991, cuando Quentin Tarantino todavia era un empleado de la tienda de video alquiler “Video Archive” tuvo la oportunidad de conocer a Tony Scott, quien le compró los derechos de un guión que se llamaba “True Romance”. Con el dinero obtenido por esa venta, unos 50.000 dólares, iba a financiar su opera prima, Reservoir Dogs. En una entrevista de 2.003 que le dio a Charlie Rose, Tarantino le dijo que él consideraba que uno de sus mejores guiones producidos había sido precisamente este, que dirigió Scott, y la verdad es que creo saber por qué.

“True Romance” cuenta la historia de Clarence (Christian Slater), un vendedor de revistas y cómics, aficionado a Elvis y lo que se podría decir en el argot estadounidense un “perdedor” de la ciudad de Detroit. El día de su cumpleaños termina solo en un cine viendo tres películas de Sonny Chiba, puesto que trata de conquistar a una mujer mayor y no muy atractiva en un bar quien le dice que no a su invitación, y tampoco tiene una pareja quien lo acompañe. Mientras está en el cine, una bellísima mujer llamada Alabama (Patricia Arquette) se sienta a su lado después de botarle las palomitas de maíz, demostrando que su intención era estar con él. Ambos salen del cine, y se toman una romántica taza de café donde tienen la oportunidad de conocerse mejor y darse cuenta de que tienen mucho en común. Para el final de la noche, Clarence la lleva al lugar donde trabaja y entre los dos se solidifica una envolvente atracción, llevando a que ambos compartan la noche.

Más tarde esa misma noche Clarence se despierta y nota que Alabama está llorando. Cuando él le pregunta la razón ella le confiesa que es una trabajadora sexual y que fue pagada por Lance, su jefe, como un regalo de cumpleaños. La idea era que tuvieran una relación de una noche y ella lo abandonara sin que este se diera cuenta. El problema fue que ella se enamoró de él y no pudo abandonarlo. En una muestra de inmensa sensibilidad, Tony Scott hizo de esto una secuencia romática absolutamente tierna y hermosa, al mostrarnos como este par se va enamorando lentamente.

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Esta es la última película realizada por Robert Altman. Del año 2006, viene de Estados Unidos con un elenco coral, multifacético y destacado donde resalta Meryl Streep con Kevin Kline, Lily Tomlin, Lindsay Lohan, Woody Harrelson, John C. Reilly, Tommy Lee Jones, Virginia Madsen, entre otros.

Robert Altman nació en febrero de 1925 y murió el 20 de noviembre de 2006. Ha marcado el cine de los últimos cuarenta o cincuenta años, especialmente en Estados Unidos. Tiene la particularidad de haber sabido andar a contracorriente, burlarse de los Oscars o hacer encolerizar a Robert Duvall por lo “desorganizado” de un rodaje (del cual saldría su película, después convertida en serie de televisión: MASH). Tiene en su haber películas como Nashville, Tres Mujeres, Las Reglas del Juego, Ciudad de Ángeles, Gosford Park, etc. Es un director que tiene la particularidad de ser muy querido.

Su título original es “A Prairie Home Companion” y debo mencionar que ya desde aquí (desde el título) me hace acordar a su película anterior: “The Company” en la que Neve Campbell cumpliría la misma función que aquí tiene Garrison Keillor. ¿Por qué? Porque Garrison Keillor es el conductor y eventual cantante en un programa radial que comparte la mayoría de las características del de la película que nos ocupa (o sea, estoy diciendo que este programa no sólo existe en esta “ficción”; sino también en la realidad).

Y es que en fin (y antes de hablar “más a fondo de la película) debemos empezar diciendo que esta empieza con un Kevin Kline haciendo de un extraño ex detective que a falta de trabajo terminó trabajando en este radio haciéndose cargo de la seguridad. Este personaje ya desde un principio transmite una cierta emotividad y melancolía propia de aquellos seres que poblaron y tuvieron su lugar; y que se han visto desplazados con el tiempo, de todo su universo de referencia, pero no de su propia imagen ni de su existencia. Y si bien este personaje no va a tener nada que ver con lo que veremos y con lo que se desarrollará en la película, talvez justamente tenga en común la melancolía por aquello que deja de ser presente. Esto último se puede enlazar en varios sentidos. Por un lado en el sentido concreto y directo de la radio que nos ocupa; que, desde el teatro Scott Fitgerald dejará de existir y estar en ese lugar (desde donde emite hace 30 años) para ser sustituido por un seguramente “más rentable” estacionamiento. Por otro lado con el propio Altman; puesto que esta era su última película y, seguramente, no le sería ajeno el conocimiento del advenimiento de su propia muerte.

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Obsesionado con la historia del policía de Chicago Chuck Adamson y del ladrón Neil McCauley, Michael Mann trabajó durante más de 20 años en un complejo guión que pudiera funcionar como medio para llevar a la pantalla la vida de estas dos impactantes personalidades. Protagonizada por Al Pacino, Robert De Niro, Val kilmer, Tom Sizemore, Amy Brenneman y Dana Venora, Heat se convirtió en una de las mejores películas sobre ladrones y policías que se hayan hecho hasta nuestros días.

De lo que más impacto a Mann de la historia fue el alto profesionalismo con el que ambos trabajaban, y que a pesar de estar cada uno en lados opuestos de la ley, eran personas con muchas similitudes y talentos. En un momento cualquiera se presentó la oportunidad para que los dos se sentaran a tomar una taza de café, dejando claramente establecido que uno estaba persiguiendo e investigando al otro. La charla luego sería inmortalizada en la memoria de todos los cinéfilos por ser la primera vez que Al Pacino y Robert De Niro compartían una escena.

Y es que este es un artículo que tiene la intención de rememorar a dos de los actores que más y mejores momentos nos han regalado a quienes nos emocionamos con el séptimo arte. ¿Qué importa si hoy son dos personas que trabajan sólo por el dinero que les ofrezcan sin importar las calidades de los personajes? ¿Es qué acaso hay alguna forma de olvidar las increíbles actuaciones que ambos nos dieron en los setentas y ochentas? ¿Es posible que los errores de hoy borren de la memoria colectiva la genialidad de papeles como el de Travis Bickle, Vito y Michael Corleone o Sonny Wortzik? No lo creo.

McCauley (De Niro) es el jefe de una importante y talentosa banda de delicuentes que hace grandes atracos por encargo. El primer golpe que llevan a cabo es el robo de unos bonos que son transportados en un camión blindado de algún banco local. La fechoría es realizada con tanto profesionalismo y precisión que en el momento en que el detective Vincent Hanna (Pacino) llega al lugar de los hechos para analizar la situación, se da cuenta del grado de estrictez y preparación del equipo. Ahí comienza una interesante cacería a través de toda la ciudad, en donde el mejor policía debe atrapar al mejor ladrón.

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Antes de hacerse mundialmente famoso por ser el director de la impactante y grandilocuente Trainspotting, Danny Boyle dirigió a Ewan McGregor, Christopher Eccleston y Kerry Fox, en su ópera prima Tumba Abierta.

La película es la historia de 3 compañeros de apartamento que están buscando otra persona a la cual alquilar una habitación desocupada. Después de entrevistar a varios candidatos y hasta de burlarse de ellos, al fin Juliet (Fox) recibe a un atractivo e interesante candidato llamado Hugo, interpretado por Keith Allen, quien finalmente toma la habitación.

Pasa el tiempo y todos permanecen intrigados por Hugo, puesto que desde que llegó no ha salido de su habitación, además que su automóvil permanece estacionado frente al edificio desde su llegada. Preocupados por lo que pueda estar pasando dentro del cuarto, los tres derrumban la puerta y acometen en la habitación de Hugo. Para sorpresa de todos, el nuevo inquilino está muerto como consecuencia de una sobredosis.

Entre las cosas personales de Hugo, Alex (E. McGregor), encuentra una maleta llena de libras esterlinas que deciden dividir entre todos. El problema con el ambicioso plan, es por supuesto, la desaparición del cuerpo. Juntos trasladan el cadáver a un bosque alejado de la ciudad con la intención de descuartizarlo para hacerlo inidentificable. Entre ellos hacen una apuesta, en donde el perdedor deberá hacer todo lo pertinente al tratamiento del cuerpo de Hugo. El perjudicado con la apuesta es David (Eccleston), quien era el menos indicado para hacer este trabajo.

Una vez terminado el plan, que al parecer salió bastante bien, la vida de los tres compañeros de casa, habría de cambiar para siempre. David ha quedado traumatizado por lo que hizo, trasnformándolo en un ser ermitaño y peligroso para todo aquel que comparta y conviva con él. Juliet y Alex, por otra parte, tratan de sobrellevar el asunto, aunqué siempre desconfiando de su antiguo amigo. Las relaciones entre los tres comienzan a complicarse cada vez más, la desconfianza entre ellos hace invivible la situación, todos se sienten traicionados o por lo menos que van a ser traicionados, lo que sumado a la cambiada personalidad de David en un ser cada vez más violento y peligroso llevará la historia hasta un final sorpresivo y muy bien preparado.

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Es el turno de la más bella de todas. Y esto no lo digo porque sea mi preferida. Lo digo porque estoy seguro que nadie se opondrá. Lo digo porque es verdad. Y la verdad, en este caso, se llama Nicole Kidman.

Nicole nació en Hawai el 20 de Junio de 1967 y vivió en Estados Unidos hasta que a los cuatro años de edad se traslado a vivir a Australia, donde su padre dictaba clases en al Universidad. Desde pequeña tomo clases de ballet y de teatro. Después de una pequeña participación en TV, a los dieciséis años tiene su primera incursión en una película de factura australiana de unos jovencitos que andaban mucho en bicicleta, conocida en algunos países como Los bicivoladores. Debo confesar que esta película fue una de las primeras que vi en VHS y que marcó mi gusto por las piruetas en bicicleta, que abandoné como hice con muchas otras cosas que me gustaron de la mayoría de las películas que vi en mi vida. De las bicicletas pasa a las festividades y trabaja en una de esas que podemos encontrarnos en épocas navideñas llamada Bush Christmas (No guarda relación con el nefasto presidente, lo aclaro por si quedan dudas)

La película que la dio a conocer a nivel mundial fue Dead Calm, todavía filmada en Australia y en 1989. Esto despertó el interés de productores norteamericanos que inmediatamente, como suelen hacer, la llevaron a Hollywood para que interpretase el papel de la Dra. Clare Lewicki en Días de Trueno, junto a Tom Cruise. Quien se convertiría en su esposo un año después. Se casaron en secreto y adoptaron dos hijos. Para separarse en el año 2002 por supuestas diferencias con la crianza de sus hijos.

No conforme con los autos del Daytona, Nicole sigue trabajando en películas más bien comerciales. Según sus propias declaraciones, por consejo de su esposo (que bastante sabe de eso).

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Si de mujeres talentosas y hermosas estamos hablando, no podemos obviar hacer una referencia a esta neoyorquina nacida el 12 de Diciembre de 1970, en el seno de una familia de comerciantes. Jennifer Lyn Connelly, comenzó su carrera en los medios a la escasa edad de 10 años. Cuenta la historia que unos amigos de la familia, ligados al negocio publicitario, sugirieron a sus padres enviarla a un casting para un comercial. Fue así que Jennifer comenzó a dar sus primeros pasitos en el mundo de espectáculo.

Tras unas primeras apariciones como modelo publicitaria y una pequeña participación en el video de Duran Duran “Union of the Snake”, fue ganando terreno en la industria audiovisual.

A los 12 años, participa en la serie de la televisión británica “Tales of the Unexpected” basada en el libro de historias cortas del autor Roald Dahl. Escritor de éxitos llevados al cine por su propia pluma como Willy Wonka & the Chocolate Factory en su primera versión de 1971 de la que Tim Burton hiciese una remake en el año 2005.

En 1984, Sergio Leone, necesitaba una niña que supiese bailar para su aclamada obra Erase Una Vez En América. Fue Jennifer la que quedó definitivamente en el papel. Esta pequeña participación, le abrió la puerta del set de uno de los grandes directores del género de terror, Darío Argento. Connelly viajaría en 1985 a Italia a protagonizar la película Phenomena. En esta ocasión interpreta el papel de una estudiante que llega a Suiza para realizar estudios en un instituto para señoritas en la que recientemente se han cometido una serie de crímenes aberrantes. Todo, claro está, bajo el estilo gore y el particular manejo del lenguaje que volvió de Argento un cineasta único.

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Scarlet Johansson es mucho más que una mujer hermosa. Una bomba cargada de flores. Es belleza y talento dosificado en pequeñas cuotas de celuloide. He aquí una bitácora de los momentos más relevantes de la vida profesional de esta musa popular, que ha inspirado tanto historias como suspiros en noches insomnes.

Nació el 22 de noviembre de 1984, en la isla de Manhattan, New York. Desde pequeña estudió y se esforzó para ser una gran actriz. Que la belleza no opaque el talento. En su niñez estudio en Children School de Manhattan. Posteriormente en el Lee Strasberg Theatre Institute. Después de intentar en varios castings para comerciales publicitarios, consigue un pequeño papel en una obra de teatro, a la corta edad de 9 años. Esta obra independiente, se llamaba “Sophistry” y actuaba en ella junto Ethan Hawke, le sirvió como trampolín para comenzar su carrera en Hollywood, interpretando un pequeño papel en la película North, dirigida por Rob Reiner y protagonizada por Elijah Wood. A esta cinta, le siguieron, Just Cause, interpretando el papel de la hija de Sean Connery en 1995. Le siguieron: La participación en el piloto de una serie para televisión llamada “The Client” en 1995 y If Lucy Fell en 1996. Hasta aquí, todos pequeños papeles secundarios. Fue el 26 de Julio de 1996 cuando llega a los cines norteamericanos Manny & Lo, en la que desempeña el papel de Amanda, junto a Aleksa Palladino y Mary Kay Place, dirigida por Lisa Kruger y en formato de Road Movie, le vale a Scarlett una nominación a los Independent Spirit Awards como mejor actriz.

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Este tan esperado regreso de El Señor o Caballero de la Noche (también conocido como el Caballero Oscuro o el Caballero Nocturno, entre otros alias)… Batman, en definitiva, no ha hecho más que precipitar también mi regreso a los comentarios cinematográficos que bastante olvidados tenía. Creo que no está de más decirles que esta película era la que yo más había estado esperando en estos últimos tres largos años. Estaba totalmente intrigado en como haría Nolan para superarse a si mismo y continuar con aquello que inició con éxito en el año 2005 con Batman Begins. El resultado: superlativamente abrumador…

Luego de verla, llego a la conclusión de que esta nueva historia comienza exactamente donde había terminado la anterior, es decir, temporalmente no muy adelante en el futuro de esta podrida y corroída Ciudad Gótica. Es como si aquella primera entrega hubiese sido el tranquilo preludio de esta caótica y enloquecida obra magistral, como si >Batman Begins (2005) nos hubiera venido preparando el terreno antes de abrir esta Caja de Pandora, dejándonos la impresión de que todo lo que hemos visto hasta ahora ha sido parte de un único producto que se fue desarrollando in crescendo, como si se hubiese filmado todo junto de una sola vez (tal como lo hizo Quentin Tarantino con Kill Bill -2003- o Peter Jackson con El Señor de los Anillos -The Lord of the Ring, 2001-).

Christopher Nolan consigue de esta manera, hacer renacer exitosamente de las cenizas al “justiciero enmascarado” más famoso del mundo luego del estrepitoso derrumbe de la franquicia de la mano del psicodélico director Joel Schumacher, y lo hace apegándose a las novelas gráficas y a los comics que lo inmortalizaron desde un principio. A diferencia de la estética pop propuesta por la vieja serie de televisión de los años `60 (aquella con el panzón Adam West ¿recuerdan?), la cual fue retomada luego por Schumacher a fines de los `90, Nolan propone una estética oscura, densa, y con sus personajes siempre al límite de la cordura, y si bien Tim Burton ya había desarrollado esa profunda oscuridad, la misma solo se aplicaba a la fotografía de sus cuadros, al entorno y en menor medida a sus personajes. En este aspecto, este nuevo escritor y director toma lo mejor de Burton, y le da una vuelta de tuerca a la composición psicológica de los personajes, convirtiendo una película que se supone de acción, en prácticamente un complejo drama con una elevada dosis de suspenso y tensión.

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Corren los años de la dictadura, una pareja preocupada por la realidad, una niña pequeña que juega a las muñecas, que se divierte y aprende, un abuelo directamente relacionado con los militares. Una historia de terror más que de terrorismo de estado.
Una historia dramática más que un drama, una historia de amor, de destinos encontrados.

Cordero de Dios, el nombre de la película hace alusión a un pasaje bíblico en el que San Juan Bautista a orillas del Jordán lo proclama a Cristo como el cordero de dios, ya que representa el sacrificio que realizaban los judíos, con un cordero como ofrenda. Esto en la película funciona como una metáfora, el mismo sacrificio que hace Jesús, que da su vida por su fé, lo hace el abuelo (interpretado por Jorge Marrale) al cambiar la vida de su hija por la de su yerno.

Un secuestro mueve las letras de alguna historia que parecía estar ya escrita. Un auto es la prueba de que alguien sabe algo más. Una familia se une sin saber que quieren lograr, una historia se revuelve sin tener la receta ideal.

Leonor Balcarce es, en esta película una nieta enamorada de su abuelo, una artista, una joven vanguardista que vive en la ciudad de Buenos Aires, capturando emociones, retratando ideas, desconociendo quizás su historia que quedó fragmentada en esos difíciles años.

Para ver el trailer de la película, haz click aquí

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