La fórmula de la comedia romántica navideña se repite cada año por estas fechas, con excelentes resultados de taquilla. Las productoras no tienen reparos en calcar guiones, situaciones y personajes, pues saben que recuperarán con creces lo invertido. El público no se cansa del azúcar, del amor en tiempos de nieve, de árboles de Navidad luminosos, de regalos y encuentros inesperados. En fin, que cuando uno se pone en la cola del cine predispuesto a ver The Holiday, sabe lo que verá. Claro que eso no es sinónimo de que se vaya a aburrir. Hay películas de terror que dan risa; cine de autor que sólo entiende el ídem; clásicos cuyo único mérito es estar rodados en blanco y negro; y, por supuesto, hay buenas comedias románticas. The Holiday es una de ellas.

Cameron Díaz y Kate Winslet son dos mujeres atormentadas por el amor que deciden pasar la Navidad en el otro lado del globo. Intercambian sus casas a través de internet: Díaz se va a Londres y Winslet a Los Ángeles. Allí iniciarán historias paralelas (que no idénticas), la una con el apuesto Jude Law y la otra con el divertido Jack Black. Desde el primer fotograma todo va encaminado al final feliz, pero habrá algunos obstáculos que superar: la inseguridad, la fecha límite de las vacaciones e incluso un par de mocosas aparecidas como por arte de magia… navideña.

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En la vida hay que reirse de todo: sólo hay que saber cuándo hacerlo. Es por eso que el humor negro es el más difícil de manejar. La situación debe ser la adecuada, la ofensa no debe ser tomada en serio y se requiere inteligencia para aceptar el chiste (si es bueno, claro). Por eso está triunfando Borat. Porque es una despiadada comedia donde no se deja títere con cabeza y donde no se salva ni Cristo. Y porque te ríes de cosas que en la vida real te producen desánimo o compasión. Sí, te ríes, aunque te sientas culpable. Borat hace saltar los resortes de ese demonio que llevamos dentro, ese duende maligno que te anima a carcajearte de la señora que se ha caído en mitad del paso de cebra o a soltar un chiste machista en una convención de mujeres libertarias.

Claro que si Borat se limitase a gags facilones estaríamos hablando de algo parecido a American Pie (otra gran película, dicho sea de paso). Y no. Porque lo que nos repugna no es ver un ‘69′ protagonizado por un peludo kazajo y un viejo de 120 kilos, sino las reacciones de la gente ante las preguntas pretendidamente ingenuas de Sacha Baron Cohen (ficticias, of course… pero basadas en la vida real, no hay más que ver el telediario). Borat ridiculiza religiones, convencionalismos, opiniones políticamente correctas. Y son los mismos objetivos de Borat quienes se ponen en evidencia.

Lo que está claro es que os encantará… o bien os repugnará.

Tanto el título original de esta película (Funny face) como el de su versión española hacen justicia a uno de los rostros más bellos que ha dado el cine: Audrey Hepburn. Tras darse a conocer con Vacaciones en Roma, Sabrina y Guerra y Paz, la actriz se puso a las órdenes de Stanley Donen en 1957 para protagonizar este musical junto a Fred Astaire. El argumento era una recreación del cuento de la Cenicienta: Hepburn encarna a Jo, una librera mustia que sueña con ser una bohemia en París. Por su parte, Astaire es un reputado fotógrafo de moda que da con ella por casualidad y la convierte en una estrella de las pasarelas. La pareja se enamora, pero durante el viaje a la capital francesa surgirán problemas.

He aquí una de las causas por las que Fred Astaire tenía sus dudas antes de participar en la película: la diferencia de edad con Audrey Hepburn. Era insultante. Él acababa de cumplir 58 años y ella apenas tenía 28. El actor de Nebraska temía que le consideraran un ‘asalta cunas’ o algo por el estilo. Pero Stanley Donen sabía que Astaire era el mejor bailarín de Hollywood, y para que el musical tuviera éxito su presencia era básica. Lo mismo que Hepburn, el rostro de moda de la época. Junto a ellos, el director añadió a la también veterana Kay Thompson, que sería el personaje más superficial al encarnar a la directora de la revista para la que trabajará Jo. Y el cóctel salió bien.

Presentado el reparto, vayamos con la música. El tema central es el que da título a la película: “I love your funny face! Your sunny, funny face!”, le canta Fred a Audrey. Llegados a este punto, abstenerse los no románticos, pues todas las canciones tienen el amor como protagonista. Las más representativas son “He loves and she loves” y “Wonderful”, verdaderas declaraciones de amor que harán saltar las lágrimas a los más bizcochones y desesperarán al resto. Y además de canciones, hay bailes muy logrados como “Bonjour París!” o “Think pink!”, donde Audrey Hepburn nos demuestra que está al mismo nivel que Fred Astaire cuando se trata de mover el esqueleto.

Julio Medem es un director controvertido. Sus películas no dejan indiferente a nadie. Para algunos, Los amantes del círculo polar es la más bella historia de amor jamás contada; para otros, una lánguida novela romántica llevada al cine. Qué decir de Lucía y el sexo, que escandalizó por la relación explícita de Tristán Ulloa y Paz Vega. Así que la polémica estaba servida desde el momento en que Medem acometió el proyecto de La pelota vasca. Y es que el tema se las traía: analizar el conflicto vasco desde todas las perspectivas posibles.

A través de múltiples entrevistas y horas de grabaciones en los lugares más hermosos del País Vasco, Julio Medem realiza un collage demostrativo sobre lo que defienden unos y otros. Bien es cierto que no están todos, pues el Partido Popular no quiso formar parte de un documental donde aparecía, por ejemplo, uno de los fundadores de la banda terrorista ETA. Así que el retrato es incompleto. Sin embargo, resulta interesante el contraste entre las ideologías de los entrevistados y las aportaciones al debate desde campos tan diversos como la política, la filosofía o la historia.

Quizá el aspecto más polémico de La pelota vasca es la comparación que hace el director entre las víctimas de ETA y los familiares de los presos. El testimonio de Eduardo Madina, joven socialista que perdió las piernas en un atentado etarra, se solapa con el de Anika Gil, torturada por la Guardia Civil sin motivo aparente. También se pone al mismo nivel a una mujer que perdió a su marido por culpa de ETA y a los hermanos de un preso que tienen que desplazarse miles de kilómetros para visitarle. Sin duda unos pasajes espinosos que fueron muy criticados por el PP y la Asociación de Víctimas del Terrorismo.

Pero La pelota vasca es un documental que sirve para entender muchas cosas. A nivel histórico, se nos explican las bases de quienes defienden la existencia e independencia de la llamada Euskal Herria. Esta tesis la defiende el historiador Tomás Urzainki. El filósofo Javier Sadaba, por su parte, intenta desmitificar la idea de que el nacionalismo es algo inmoral y excluyente, como quiere hacerse ver desde determinados partidos políticos. También hay declaraciones del lehendakari Juan José Ibarretxe y del ex presidente del gobierno español, Felipe González, que habla (poco) del GAL.

En cualquier caso, el objetivo de Medem era crear un documental polifónico sobre el País Vasco, ir más allá de los ‘buenos y malos’, adentrarse en los matices que a veces se nos escapan. Para ello, La pelota vasca se editó en una versión extendida de 7 horas de duración con todas las entrevistas completas que no cupieron en la versión comercial, de apenas 2 horas. También se editó un libro con la trascripción de las entrevistas y se abrió un foro de debate para que todo el mundo expresara su opinión. Porque esa era la intención de La pelota vasca: dar voz a todas las partes protagonistas.

Además, Julio Medem tiene previsto rodar una película de ficción llamada Aitor. La piel contra la piedra, que tratará de un hombre vasco en dos espacios de tiempo: entre los años 1976 y 1978, y en el año 2004. En palabras del director, el film será “una metáfora y una utopía de lo vasco, una sociedad profundamente plural”.

A mediados de los noventa se produjo un ‘boom’ cinematográfico relacionado con el terror adolescente. De la noche a la mañana aparecieron multitud de películas en las que un grupo de chicos y chicas padecían las tendencias maníacas de un asesino que muchas veces era de su edad. El film que abrió la veda fue Scream (1996). Su director, Wes Craven, ya era conocido por haber sido el inspirador de Pesadilla en Elm Street, la saga del malvado Freddy Krueger. Sus películas posteriores no alcanzaron mismo nivel… Hasta que ideó una historia atrayente para el público juvenil, con gancho. Una historia con estos ingredientes…

Llamadas. Seguramente la mejor escena de Scream es la primera. Casey (Drew Barrymore) está sola en casa, haciendo palomitas y esperando la llegada de su novio. De repente, recibe una llamada inquietante. Es una voz distorsionada que le hace preguntas sobre películas de miedo. Al principio, Casey pasa de él y le planta cara. Pero entonces el anónimo empieza a dar pruebas de su poder… Por ejemplo, matando al pobre novio en el jardín y amenazando con entrar en la casa. Las llamadas se repiten una tras otra, Casey responde preguntas implorando que el juego termine, pues si se equivoca ella también morirá… Éste es un recurso que Wes Craven utilizará a lo largo del film y que resulta muy efectivo para lograr la tensión del espectador. La versión española de Scream tenía como subtítulo «Vigila quién llama».

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Cuando empezó el rodaje de Solo ante el peligro, Gary Cooper estaba en un momento delicado. La prensa había desvelado su romance con una amante de dudosa reputación y padecía una úlcera de estómago que pronto desembocaría en cáncer. Su prestigio y su salud estaban contra las cuerdas, así que no le debió resultar muy complicado lograr ese rictus de hastío del sheriff Will Kane. En su cara se refleja la amargura de quien es abandonado por su gente; en su andar desgarbado no existe la altanería del cowboy, sino el titubeo de quien se ve entre la espada y la pared. He aquí uno de los méritos de esta película: desmitificar el robusto carácter de los héroes del Far West.

Solo ante el peligro se rodó con una sencillez apabullante, sin grandes dispendios ni una trama rocambolesca. El director, Fred Zinnemann, jugó con un recurso muy efectivo: la acción se desarrolla en tiempo real. Son 80 minutos en los que el espectador asiste a una paulatina y angustiosa contrarreloj. Se sabe que en el ferrocarril de mediodía llegará un forajido con ganas de cargarse al sheriff por haberle mandado a la cárcel tiempo atrás. Will Kane, a punto de jubilarse y de casarse con Amy Fowler (Grace Kelly), necesita que el pueblo le devuelva los favores que él prestó en su día. Pero el pueblo se debate entre la cobardía y la hipocresía. Nadie tiene las agallas de pelear al lado del sheriff. Las manecillas del reloj avanzan inexorablemente. El ferrocarril llega puntual. Y Kane, haciendo gala de su sentido del deber, opta por hacer frente a su adversario.

La película contiene mucho más. Hay un buen puñado de secundarios de los que nos bastan pinceladas para saber qué razones tienen para no apoyar a Kane. Razones que caen por su propio peso, en la mayoría de los casos. También hay lugar para el duelo entre féminas (Grace Kelly vs. Katy Jurado), presente y pasado de Will Kane. Pero sobre todo hay una tensión latente muy conseguida. Ver a Gary Cooper recorriendo la villa de arriba abajo, buscando ayuda, pidiendo consejo a su mentor, recibiendo una negativa tras otra, cada vez más solo, cada vez más acuciado por el peligro, impresiona. Luego todo se precipita: el sucio duelo cuatro contra uno, sin reglas que valgan, y la providencial aparición de Amy, permiten un desenlace tan inusual como espléndido: el sheriff, asqueado de la hipocresía del pueblo, lanza su estrella al suelo y se marcha sin decir una sola palabra; sin mover un milímetro su mueca de amargura.

Es agradable encontrarse en la cartelera con películas que se cuelan entre los títulos más comerciales. Hay que aplaudir a las distribuidoras, que normalmente relegan films como Copying Beethoven a las salas de cinéfilos y las ocultan al gran público. Bien es cierto que sus protagonistas, Ed Harris y Diane Kruger, son un aliciente. Pero no habrían sido los primeros actores en quedarse fuera de las multisalas por haber participado en una película de esas que se suelen calificar como ‘indie’ o ‘alternativa’.

Para hablar de Copying Beethoven debemos remontarnos a los últimos tiempos del genial compositor alemán; concretamente, hasta 1824, tres años antes de su muerte. Beethoven se encuentra en Viena dando los últimos retoques a su Novena Sinfonía, que debe estrenarse en apenas cuatro días. El problema es que necesita a alguien que copie sus partituras para los músicos que intervendrán en el concierto. Por eso pide ayuda al mejor alumno del conservatorio municipal… Que resulta ser una mujer: Anna Holtz. No hace falta decir que Beethoven acoge a Anna con el desprecio que se tenía entonces a toda mujer que demostraba inquietudes intelectuales. Más aún si se trata de una joven de 23 años que reside en un convento. Pero pronto Anna se revelará como un auténtico ángel caído del cielo y Beethoven no tendrá más remedio que tomarla en serio.

Cualquier crítica sobre esta película debe citar, por obligación, el trabajo de Ed Harris al meterse en la piel de Beethoven. Su interpretación podría calificarse de muchas formas, pero se podría resumir con una palabra: magistral. Por enésima vez, Harris brilla con luz propia y demuestra un talento increíble al meterse en la piel de un personaje real, como ya hizo con el pintor Jackson Pollock. No es fácil dar vida a un hombre con tantas contradicciones como Beethoven: sutil y grosero, sensible y agresivo, todo a la vez, estigmatizado por su sordera. No es fácil aprender a tocar el piano y el violín, documentarse sobre sus gestos, sus expresiones, su carácter y sus interrogantes religiosos. No es fácil convencer al espectador de que el hombre de la pantalla no es Ed Harris disfrazado, sino el mismísmo Ludwig van Beethoven. En definitiva: injusto sería que la Academia de Hollywood se olvidara de él, y menos cuando ya se ha quedado cuatro veces con la miel en los labios con sus personajes en Las Horas, Pollock, El show de Truman y Apolo 13.

Ahora bien, si la película funciona no es sólo por el excelente trabajo de Harris. Diane Kruger, en el papel de Anna Holtz, está casi a su altura. Aguanta con estoicidad todas las manías de Beethoven y transmite con su mirada todas las dudas y temores que la atormentan. Claro que, puestos a alabar, habría que destacar a la directora Agnieszka Holland. La polaca, responsable de plasmar en celuloide la gloria y el fracaso de Beethoven, dirige la composición con verdadera maestría. Copying Beethoven tiene una de las mejores secuencias del año: la del estreno de la Novena Sinfonía. Diez minutos que concluyen con el público ovacionando al compositor sin que él se dé cuenta, tal es su sordera. La imagen es conmovedora.

Poquitos ‘peros’ se le pueden poner a Copying Beethoven (quizá esa repentina desaparición del sobrino del músico, ya que no se sabe cómo termina su historia). De momento consiguió ser finalista en el Festival Internacional de San Sebastián. Veremos si en su carrera hacia los Oscar consigue recaudar más premios. Los merece.

Si hay cinéfilos a los que les agobia que les hablen siempre de la misma persona, mejor que no se acerquen este mes al kiosco. Porque las tres principales revistas españolas del sector (Fotogramas, Imágenes y Cinemanía) han optado por la misma actriz para ilustrar sus portadas: Scarlett Johansson. Y porque echando un vistazo a la cartelera, durante los próximos meses vamos a tener a Johansson hasta en la sopa: antes de Navidad estrenará tres películas y para 2007 tiene previstas otras cinco. A eso se le llama hiperactividad. Aún no ha cumplido 22 años y ya ha rodado una veintena de películas. Si mantiene el ritmo, puede pulverizar todos los records de productividad.

También es verdad que Scarlett Johansson trabaja porque la llama todo el mundo. Es el rostro de moda en el cine. Tiene un novio guapo (Josh Hartnett), destila glamour, es sexy, provocativa y ha salido desnuda en la portada de Vanity Fair junto a otra joven estrella, Keira Knightley. Pero además ha actuado en el cine menos comercial, por lo que se ha ganado el respeto de la crítica, que no la ve como un simple producto de marketing sino como una actriz está haciendo historia.

El primer papel por el que es recordada Johansson es el de la niña Grace McLean en El hombre que susurraba a los caballos, de Robert Redford (1998). Pero fueron dos films cercanos al ambiente ‘indie’ los que le catapultaron a la fama. En primer lugar, Ghost world, de Terry Zwigoff (2001). Y en segundo lugar, Lost in translation, de Sofia Coppola (2003), un viaje a Tokio junto a Bill Murray por el que ganó un premio en el Festival de Venecia y una nominación a los Globos de Oro. Fue a partir de entonces cuando su carrera empezó a cobrar una velocidad vertiginosa, interpretando personajes cotidianos (In good company) y otros más sofisticados (La joven de la perla, A good woman, A love song for Bobby Long).

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Mucho se ha hablado en los últimos meses sobre el nuevo James Bond, Daniel Craig. Su elección causó un importante revuelo: sin duda será chocante ver a un tipo rubio, de ojos azules y desconocido para el gran público enfundado en el impoluto traje que hasta ahora lucía Pierce Brosnan. Los foros de Internet están plagados de opiniones a favor y en contra de Craig, pero no podremos pronunciarnos sobre su valía hasta el próximo 24 de noviembre, fecha del estreno en España de Casino Royale. Pero el actor inglés no será el único centro de atención, porque también tendremos nueva chica Bond: es parisina, tiene 26 años y se llama Eva Green.

Desde que la voluptuosa Ursula Andress apareciera junto a Sean Connery en el primer film de la saga (Agente 007 contra el Doctor No, 1962), actrices de renombre han flirteado y rivalizado con James Bond en cada una de sus aventuras: Jacqueline Bisset, Kim Bassinger, Sophie Marceau o Denise Richards, hasta llegar al bikini naranja de Halle Berry en Muere otro día (2002). Pues bien, al igual que Daniel Craig, es posible que la nueva chica Bond sea una perfecta desconocida para la mayoría de cinéfilos, pues Casino Royale es su tercera película.

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«En 1972, cuatro de los mejores hombres del ejército americano fueron arrestados por un delito que no habían cometido…». ¡Qué tiempos! El ruido de un helicóptero y una ráfaga de ametralladora nos trasladaban al Vietnam, de donde habían escapado cuatro fugitivos que sobrevivían «como soldados de fortuna». Juntos formaban El Equipo A, la serie por excelencia de los ’80.

Sus protagonistas se convirtieron en estrellas de la televisión, pero… ¿qué fue de ellos? ¿Dónde fueron a parar cuando terminó el rodaje de la serie, en 1987? ¿A qué se dedican? He aquí las respuestas:

George Peppard: el coronel Hannibal Smith ya era conocido por el público gracias a su historia de amor con Audrey Hepburn en Desayuno con diamantes. El Equipo A le llegó en plena crisis profesional y le sirvió para relanzar su carrera. Sin embargo, una vida de excesos estaba a punto de pasarle factura. Peppard, bebedor y fumador empedernido, enfermó de cáncer y redujo su actividad. Dos años antes de morir se casó por quinta vez y apareció en un capítulo de la serie Matlock. Falleció el 8 de mayo de 1994 en Los Ángeles, cuando tenía 66 años.

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