Lo primero que pensé cuando me enteré que Brad Pitt iba a protagonizar una película sobre la guerra de Troya fue: qué valiente! qué valiente al embarcarse en un proyecto sobre un tema que generalmente es considerado aburrido, árido, para viejos, etc.

Por más superproducción que sea, por más efectos especiales que le pongan y por más que en esa época Gladiador había sentado un presente en cuanto al éxito de películas épicas, un film basado en la Ilíada de Homero inevitablemente se tenía que sustentar sobre cualidades artísticas.

Llamaba la atención que en lugar de hacer otra película de acción Brad Pitt se embarcaba en un proyecto sobre un clásico de la literatura. Luego, con el tiempo hemos visto que el rubio actor ha mantenido a lo largo de su carrera un delicado equilibrio entre roles de galán y películas interesantes.

Luego, cuando me enteré que iba a encarnar al personaje de Aquiles me surgieron algunas dudas…
Recuerdo cuando estaba en la sala de cine y llegó la escena en la que uno de los jefes aqueos decía (más o menos): “y ahora quién de nosotros se enfrentará a este temible guerrero?” y Agamenón llamaba: “¡Aquiles!”, todo el público soltó una sonora carcajada. La idea de que Brad Pitt viniera al rescate de un ejército resultaba más cómica que épica.

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Casi todos los años Woody Allen cumple con dar a luz una obrita maestra. En el 2005 fue Match Point. En este caso la película cuenta la historia de un joven que escala posiciones dentro de la clase alta de Londres.
La película comienza presentándonos a un joven instructor de tenis, un muchacho listo pero tranquilo, un poco enigmatico en un principio, de cuya historia no sabemos mucho.

Este joven, Chris (interpretado por Jonathan Meyers) que con el tenis ha logrado abrirse camino en la vida, entabla amistad con uno de sus alumnos de tenis, Tom (Matthew Goode) un joven rico y a través de él conoce a su hermana, Chloe (interpretada por la hermosa Emily Mortimer).

El joven Chris comienza a salir con Chloe. Se suceden una serie de escenas en los que se muestra a ambos jóvenes que forman algo así como una pareja perfecta…: son jóvenes, hermosos y ricos.
(Es maravillosa la capacidad de Woody Allen para mostrarnos una vida, a veces una escena es como una ventana que se abre hacia una posible vida: una pareja de jóvenes que van a comprar un apartamento…

Muchas veces eso es lo que hace el cine, nos muestra una escena de nuestra vida pero protagonizada por un carismático actor. Por ejemplo, no es lo mismo si yo, Pepe, voy a buscar una botella de vino al supermercado en la madrugada, que si Robert de Niro toma las llaves y sale buscar de algo para beber).

El joven Chris se pone de novio con Chloe y así va entrando en el mundo de la alta clase (por no decir la aristocracia) londinense, ya que el padre de la novia le consigue un excelente puesto en una de sus empresas y así comienza una nueva vida de lujos, autos caros, restaurant de primera, etc.

Pero al mismo tiempo nace en Chris un tremenda atracción por la novia de Tom. Este papel es interpretado por Scarlett Johansson que no tiene que esforzarse mucho para dar con el tipo de chica mala, feme fatal, etc.

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Adiós a Las Vegas es una película fuerte. Adiós a Las Vegas es la película por la que va a ser recordado Nicholas Cage. Es una mirada lúcida al mundo del alcoholismo. La película muestra uno de los estadios más bajos a los que llega un hombre por el tobogán del alcohol.

En Adiós a Las Vegas vemos algunos días que comparten un alcohólico que ha perdido su trabajo y se va a Las Vegas a morir gastándose lo último que le queda en alcohol, y una prostituta que está huyendo de su hombre.
Estamos acostumbrados a ver en las películas las escenas en que el protagonista se toma un trago con gesto mundano y luego varonilmente prende un cigarro. También solemos ver las publicidades donde gente joven y alegre nos muestra (nos da el ejemplo, la mejor forma de convencer) cómo con el alcohol estaremos rodeados de amigos, juventud y belleza. También estamos acostumbrados a las campañas que advierten sobre los peligros de conducir en estado de ebriedad (recuerdo una que decía SI TOMA NO MANEJE, que si se piensa un poco, es tan absurdo como decir SI SE DROGA NO MANIPULE ARMAS NUCLEARES). Pero hay pocas o ninguna campaña de publicidad o película que hablen en contra del uso del alcohol (ni siquiera sé si sería legal hacer una campaña contra el uso de una producto absolutamente permitido). A lo sumo hay campañas donde se estimula el consumo de responsable del alcohol (Cómo puede ser responsable el consumo de una sustancia perjudicial y adictiva?(no hay forma de involucrarse con una droga y salir ileso, quizá la única manera sea no darse cuenta del daño que causa o morirse antes)).
Adiós a Las Vegas no es una película en contra del consumo del alcohol, es un testimonio desgarrador y dolorosos.

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Un amigo me dijo: “A vos te gustaría ser como el doctor House” y yo contesté: “Lo que me gustaría es escribirle los parlamentos al doctor House”.
House, diagnóstico médico, es una serie que va por su cuarta temporada. Su protagonista es Hugh Laurie.
Es como otras tantas serie norteamericana, lo novedoso de esta serie y quizá el secreto de su éxito, es que mezcla dos ingredientes: la comedia y el drama, de forma tal que el resultado es muy atrayente (ER sala de emergencia + Los Simpson = algo bueno).

House, es un doctor especialista en diagnósticos, a su consultorio le son traídos casos donde ningún otro doctor puede definir cuál es la enfermedad, y menos cuál sería la cura…
House tiene en común con otras series de hospitales los ingredientes típicos: litros de sangre derramada, batas blancas, jerga médica, fluidos, mesas de operación, muertes y resucitaciones (la escena del desfibrilador está tan repetida que no sé cómo le siguen encontrando nuevas vueltas de tuerca).
Y también tiene muchos aspectos en común con otras excelentes comedias de media hora norteamericanas, como las pasadas de moda The golden girls, Home Improvement, Roxanne o también con los inmortales Simpson, aunque Los Simpson son un fenómeno a parte.
Un mecanismo habitual que usa esta serie son los cambios clima, que nos llevan desde los momentos más dramáticos a momentos de hilarante humor (que casi siempre son causador por lo sarcásticos comentarios de nuestro doctor).
Esto da como resultado que se vean realzadas tanto la risa como la tristeza.
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Matar a todos cuenta la historia del secuestro y asesinato del químico de Pinochet, Eugencio Berríos. Es el asesinato de un asesino.
En realidad, el caso Berríos, que todavía sigue teniendo repercusiones en Uruguay y Chile, es la excusa para hablar sobre la dictadura. Para que el director Esteban Schroeder diga lo que tiene para decir. Todos tenemos algo para decir al respecto.

La película muestra en su primera escena a un hombre huyendo, luego, aparece en escena una fiscal o abogada, a cuyo despacho ha llegado información sobre un ciudadano chileno que se encuentra secuestrado por militares en un balneario de la costa. Al comenzar a investigar, la abogada, Julia Gudari descubre que el hombre secuestrado es Eugenio Berríos, un químico que trabajó para los servicios secretos de la dictadura chilena, que está involucrado en múltiples crímenes, y a quien los militares intentan “silenciar” para que no declare en los casos que se estaban siguiendo contra otros militares. Al continuar con sus indagaciones, la fiscal se da cuenta que en plena democracia en Uruguay, Chile y Argentina, seguían operando, de forma coordinar y supuestamente sin el aprobación de los gobiernos democráticos, agentes de inteligencia (inteligencia es un decir) dentro de lo que se conoce como Operación Cóndor.

Desde este punto de partida la película se mueven en dos direcciones:
1) Se muestra la fragilidad de las democracias latinoamericanas.
2) Se da una mirada sobre lo que fuel la dictadura uruguaya, desde los ojos de la fiscal Julia, quien descubre que su padre, un general del ejercito, está involucrado en el plan para silenciar a Berríos, como veinte años atrás cuando formaba parte de la dictadura.
El film contó con el beneplácito del gobierno actual, el apoyo de las autoridades municipales y ha sido declarado de interés nacional por la presidencia de la república.
Algunos políticos del sector vinculado al partido Nacional se mostraron incómodos con la estreno de esta película. Recordemos que en el momento en que sucedieron los hechos (1991) quien era presidente de la república era Luis Alberto Lacalle, responsable por acción u omisión del accionar de los militares. A esto debemos sumar que en esos días “casualmente” Augusto Pinochet hacía una visita a Uruguay…
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La guerra de las galaxias es arte o entretenimiento? ¿Cine comercial o cine de autor?
No parece que el argumento o las actuaciones sean el fuerte de esta serie de películas. Por otro lado, los efectos especiales en el momento del estreno de la primera trilogía fueron deslumbrantes, pero desde entonces han sido superados por la carrera cinematográfica armamentista que se ha desatado y parece no tener (ni temer) fin, ya que cada estreno de Hollywood viene con más explosiones y más tomas increíbles (pero tan reales que parecen reales…).

El ataque de los clones es la segunda de las tres primeras películas que en realidad se filmaron después pero son las primeras en el tiempo, en la historia… como es tan complicado llamémosle episodio II…
Los clones son los soldados vestidos con las armaduras de (un evidente) plástico blanco que aparecen desde el principio de la saga. Ahora nos enteramos que todos esos soldados son clones hechos a partir de un cazarecompensas (el padre del que aparece en el episodio IV El imperio Contraataca).
Con esto quedan explicadas muchas cosas, sobretodo la impersonalidad de aquellas tropas blancas.
Con el tema de los clones parece como si los avances de la biotecnología de los últimos años hubieran venido en ayuda de Lucas, ya que la clonación le da al film un barniz de última novedad que la saga parecía haber perdido.

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