Meter a tres actores consagrados cada uno en lo suyo para hacer un thriller puede parecer suficiente al director Mike Barker, pero sin embargo no lo es en la práctica. Los actores Pierce Brosnan (conocido por haber sido James Bond), Gerard Butler (Leónidas en 300) y María Bello funcionan en una película que, por lo contrario, no funciona.

¿Cómo puede explicarse esto? Butterfly on a Wheel (también llamada Shattered) cuenta la historia del feliz matrimonio Randall: guapo él, guapa ella, exitoso él en su trabajo, ella como madre de una niña adorable… y los primeros quince minutos no son más que la recreación de cuan maravillosa puede ser la vida si se parece a la de Neil y Abby Randall (Butler y Bello, respectivamente). Pero así no habría película, o en su defecto sería un tostón, así que, mientras van en coche, dejando a su niña a cargo de una niñera, aparece en el asiento de atrás el psicópata Tom Ryan (Brosnan), que les explica que las van a pasar canutas durante 24 horas para que él pueda estimularse viendo cómo hacen lo imposible por recuperar a la hija de ambos, que resulta que está secuestrada por la niñera.

En fin, que la trama transcurre con Tom Ryan haciendo perrerías a los dos y poniéndolos en situaciones extremas, comprometidas y arriesgadas, como si de las Doce Pruebas de Astérix se tratase. Y por controvertido que pueda parecer, esto es precisamente lo más interesante del film. Y no digo lo único interesante porque las actuaciones de los tres actores son convincentes, aunque Brosnan se luzca un poquito más que los otros dos. El ambiente de suspense y paulatina desesperación está bien llevado, apoyado por la expresividad de los personajes, para los que, cada uno en su rol, ese día es el que peor lo han pasado en su vida, y más si los comparamos con los minutos iniciales que he mencionado, que poco más y son La Casa de la Pradera del siglo XXI.

Seguir leyendo »

¿Es posible que una película levante muchísimas expectativas y finalmente sea una de las peores que un servidor ha visto en su vida? Vamos a llamarlo decepción profunda y trágica. Una razón más para ser escéptico ante cualquier película que a uno le pongan por delante, hasta que se demuestre lo contrario.

Así ha ocurrido con Southland Tales, la película que antaño me quitaba el sueño esperando a su cada vez más improbable estreno en España. Ni siquiera los abucheos en Cannes me influían. Yo sólo quería la segunda película del director Richard Kelly, responsable absoluto de la obra maestra y necesaria Donnie Darko (se mire por donde se mire), un inconmensurable canto al sentido de la vida y un relato inteligente e imponente sobre viajes en el tiempo.

Claro, uno ve la sinopsis de lo que va a ser su segunda película, y se le hace la boca agua. Un astro del cine llamado Boxer Santeros, yerno de un candidato a la presidencia de los EEUU, ha tenido un accidente y perdido la memoria, por lo que es utilizado por un grupo opositor neomarxista para inventarse una supuesta relación íntima con la estrella de cine porno Krista Now. Vale, un argumento delirante y falto de interés. Lo trascendental es que todo ello se combina con un realidad preapolíptica, en una especie de dimensión universal paralela (2008 con una ola de calor post-Tercera Guerra Mundial) en el mismo sentido de El Hombre en el Castillo de Philip K. Dick.

El reparto tampoco me asustaba demasiado. Pensaba: “Kelly sabrá. En Donnie Darko colocó a Patrick Swayze prácticamente acabado y acertó”. Y es que el reparto de Southland Tales parece de guasa: Dwayne Johnson, alias The Rock (sí, El Rey Escorpión), Sarah Michelle Gellar (Buffy Cazavampiros), Sean William Scott (Stifler en American Pie), John Larroquette, Mandy Moore, Justin Timberlake (como lo leeis), Christopher Lambert (como lo leeis BIS), a los que se les unen las experimentadas Miranda Richardson y Nora Dunn.

Se podrían escribir páginas y páginas de por qué Southland Tales es un fiasco, pero en realidad es algo muy simple: sólo hay que imaginarse que alguien le mostrase un billete de cinco euros como si fuera un millón. Pues eso es lo que ha intentado hacer Richard Kelly con el espectador. Porque Southland Tales es un truño, sí, pero lo peor de todo es la vomitiva pretenciosidad que inunda a toda la película.

La señal más relevante de esto es su hiperbólica duración: dos horas y cuarto (recortadas, la versión de Kelly es más larga) de un puzzle que yo estoy convencido que ni los actores entendían mientras rodaban. Se supone que el espectador ha de desentrañar un argumento carente de sentido, redundante y pedante hasta decir basta. Pero Kelly encontrará difícil dar un espectador que tenga el mínimo interés en implicarse en la historia.

Seguir leyendo »

He visto esta película cuatro veces desde que se estrenó. He anunciado a bombo y platillo la genialidad de esta maravillosa comedia, la he visto con todos los amigos que he podido, procurándoles un buen rato y un sinfín de risas ante un humor inteligente, de ese que requiere implicación y complicidad absoluta por parte del espectador.

Arma Fatal es, simplemente, la película más divertida del año y quién sabe si de la década. Cuando aquellos a los que les he hablado sobre la película me preguntan “pero… ¿de qué va?”, una sonrisa de entusiasmo emerge en mi cara, y sólo se me ocurre decir: “Es una parodia del cine de acción. Como Loca Academia de Policía, Hot Shots! o la saga Como Puedas, pero bien”.

Vayamos por partes. La película presenta a Nicholas Angel (Simon Pegg), que con una introducción tipo Infiltrados, se nos muestra como el mejor policía de Londres, probablemente de Inglaterra y quizás de los mejores del mundo. Su extrema eficacia y talento para el oficio provoca que sus superiores, temerosos de su extraordinaria labor, pueda conllevar a que sus cargos estén en peligro. Por ello le envían a Sandford, el nombrado mejor pueblo del año varios años consecutivos, aislado de la ciudad y extremadamente tranquilo, con una inverosímil ausencia de crímenes y con una atmósfera idílica. Angel viaja allí en un montaje que recuerda a Michael Bay y Ridley y Tony Scott, y se nos describe Sandford con un ambiente sano, agradable y rústico, en el mismo sentido que en Perros de Paja (que se nombra en la película y no por capricho).

Arma Fatal se divide en tres partes claramente diferenciadas. La primera es un perfecto melodrama, en tanto que Angel llega al pueblo, tiene el típico conflicto con su ex-mujer (cameo de Cate Blanchett), y una amistad creciente con el policía local Danny Butterman (Nick Frost). La segunda, un hilarante homenaje a las películas de slasher, psicópatas, psicokillers al estilo Diez Negritos de Ágatha Christie, donde Sandford no es el pueblo tranquilo que aparentaba ser. Y la tercera, una lograda mezcla entre los westerns de Sergio Leone, Harry el Sucio, Matrix y todas las películas de acción que pueda uno imaginarse. Todo ello con una estructura aparentemente caótica pero impecable.
Y como no puedo aguantarme más, enumero aquí la lista de películas u obras televisivas a las que Arma Fatal hace referencia, en cuanto que en una de las proyecciones de la película, he podido ir apuntando: Sospechosos Habituales, la filmografía de Schwarzennegger, la serie 24, 9 Días, Seven, Scream, Sé lo que Hicísteis el Último Verano, Fargo, Blanco Humano, los sketchs de Monty Python, El Bosque, Tiburón, Perros de Paja, Bad Boys II, Le Llaman Bodhi, Jurassic Park, Salvar al Soldado Ryan, El Sexto Sentido, El Show de Truman, el cine de John Carpenter (sobretodo En la Boca del Miedo y El Pueblo de los Malditos), Las Dos Caras de la Verdad, El Secreto de la Pirámide, Heat, Piratas del Caribe, Brokeback Mountain, la filmografía de Chuck Norris y Steven Seagal, El Cuervo, The Wicker Man, Atrapado en el Tiempo, Snatch, Arma Letal, Chinatown, La Jungla de Cristal, las películas de James Bond, la serie CSI, Hora Punta, la saga de Jason Bourne, Heat, Límite 48 Horas, El Santo, A Todo Gas, 60 Segundos… y paro porque por muchas que ponga, no le voy a hacer justicia a Edgar Wright, que dirige y escribe esta película de una forma maravillosa, con un metraje y unos diálogos tan cuidados que encandilan al espectador más cinéfilo. Y por supuesto, muchísimos géneros son retratados: terror adolescente, terror psicológico, thriller, buddy movie, drama, comedia, western… El argumento de la película puede parecer predecible en la medida que son harto predecibles algunas de las mencionadas en la enumeración.

Y es que todas las escenas, absolutamente todas, son necesarias para el desarrollo de la trama, a pesar de que todas estén pensadas como unidades cinematográficas centradas en hacer reír. Una trama que esconde detalles y que va aportando con minuciosidad dosis de información, para hacer cómplice al espectador en esta genial visión satírica del cine de acción actual, y por qué no, a ciertos ámbitos de la sociedad del siglo XXI. Un argumento que no deja cabo suelto alguno y que, a pesar de su tono desenfadado y surrealista, muestra su brillantez. Los diálogos son todos referenciales a películas ya vistas, de forma que Arma Fatal es un compendio pensado para la constante, permanente y omnipresente sensación de déja vu que resulta encantadora. Chistes por todas partes y muchos buenos. Y la banda sonora de David Arnold (que no en vano ha compuesto para películas de James Bond) es de un atractivo contextual admirable, la melodía arquetípica todavía retumba en mi cabeza. Y la hora cincuenta y cinco minutos que dura Arma Fatal, pasa volando. Hay que verla varias veces para darse cuenta de todos los golpes y guiños, y eso es otro punto a su favor.

Seguir leyendo »

El relativamente joven director Richard Shepard ya sorprendió con su análisis de la violencia en la sociedad en Matador, de una forma desenfadada y exprimiendo las virtudes actorales de un Pierce Brosnan en estado de gracia.

Ahora viene con una especie de falso documental, reconvertido a drama de denuncia social, en el que, como siempre, el título en inglés (The Hunting Party) es más acertado que el arbitrariamente traducido La Sombra del Cazador. Pero hay que vivir con ello, por mucho que nos indigne ver que Eternal Sunshine of the Spotless Mind se convierte en España en ¡Olvídate de Mí!

Richard Gere nunca me ha caído bien. Sus horrorosas actuaciones en Análisis Final, El Primer Caballero, Las Dos Caras de la Verdad, Sommersby, El Doctor T y las Mujeres, Mothman o Infiel (por decir sólo algunas) se han cargado (más aún) las películas mencionadas. Pero he de admitir, por más que me pese, que este año 2007 parece que hayamos visto a otro Richard Gere. Y todo por dos películas en las que su actuación ha sido básicamente su sustento principal, su carisma se ha llevado gran parte de la pantalla y su aportación ha sido casi de lo más interesante. En La Gran Estafa (como ya dije) y en esta Sombra del Cazador, en la que interpreta a Simon Hunt, un experimentado reportero de guerra que junto a Duck (Terrence Howard) y Benjamin (Jesse Eisenberg), un improbable licenciado en Harvard, introducen al espectador en un viaje hiperrealista en la Bosnia post-bélica. Juntos logran encontrar pesquisas sólidas sobre el paradero del Zorro, el terrorista más influyente en el genocidio musulmán durante la guerra de los Balcanes, al que Simon Hunt pretende neutralizar por motivos personales y económicos.

Seguir leyendo »

1408 es una película de terror engañosa. Y lo es porque a primera instancia, en los primeros 50 minutos parece que estamos viendo la gran película de terror del siglo XXI, con un arranque sensacional y un sentido del ritmo muy trabajado y logrado.

Pero el declive se hace evidente a partir de ahí, y la película cae en el peor error que puede mermar a un film de este género: las escenas más puramente terroríficas son las menos interesantes. El ritmo inicialmente propuesto, las premisas básicas en las que se sostiene 1408 van cayendo paulatinamente, hasta desembocar en un final libre de ambigüedad, lo que se convierte en un defecto importante, y carente de coherencia narrativa. Por cierto, que veo el póster y no puedo dejar de pensar en Enemigo a las Puertas, ¿por qué será?

La interpretación de John Cusack como el escritor Mike Enslin es magistral, de las mejores de su carrera, y esto juega mucho en favor de la película porque prácticamente la película es él. Sabe darle un tono dramático al relato cuando hay que dárselo. Y cuando no, un guiño paródico que es agradecer. El papel secundario de Samuel L. Jackson como Olin, el gerente del hotel de los horrores en cuestión, no desentona mucho y es mayormente un acierto. Resulta que el tal Enslin recibe una postal de que en el Hotel Dolphin, la habitación 1408 ha provocado decenas de muertes basadas en fenómenos paranormales en su interior. Allá que va Enslin a descubrir qué sucede ahí.

Seguir leyendo »

En este, por lo general, año nefasto 2007 en lo que a calidad cinematográfica se refiere, estaba deseando de echar un ojo a Zodiac. Por dos razones fundamentales: porque me gusta David Fincher (autor de la obra maestra Seven, de la fascinante El Club de la Lucha, de la estimable La Habitación del Pánico y de la tramposísima pero correcta The Game) y porque algunos la consideran la mejor película de este año.

Con bastante retraso, he conseguido contemplar la heroicidad de Fincher al dirigir esta película. Y digo heroicidad porque Zodiac me ha recordado inmediatamente a Las Joyas de la Castafiore, ese estupendo cómic perteneciente a las aventuras del célebre reportero Tintín, creado por Hergé. En Las Joyas de la Castafiore no ocurría absolutamente nada. Si bien el personaje había recorrido los cinco continentes y vivido multitud de thrillers y viajes exóticos, en este álbum no salía de la residencia habitual de sus amigos, y la aventura de Hergé (que no de Tintín) consistía sencillamente en eso: en narrar la nada, en extraer un lujo de detalles vivos a un conjunto en el que se impone la monotonía y la carencia de interés. Y lo consiguió. La analogía con Zodiac es evidente: el guión de James Vanderbilt se ciñe con fidelidad al libro de Robert Graysmith, protagonista de la película, y esto supone un handicap importantísimo para el desarrollo argumental de la cinta.

Para empezar, Zodiac es lenta. Muy lenta. Dura dos horas y veinte minutos cuando perfectamente podría haber durado cuarenta minutos menos. Efectivamente, da la sensación de que la película nunca arranca. De que toda la historia no es más que una sucesión de movimientos a la deriva, como si el espectador tuviera obligatoriamente que permanecer igual de perdido que los personajes. Pero hasta aquí los argumentos que pudieran encontrar los detractores de esta, ya es hora de decirlo, gran obra cinematográfica.

En 1967, un asesino en serie envía al periódico local de la ciudad de San Francisco una serie de criptogramas en las que indica los emblemas de su autoría. El dibujante Robert Graysmith (Jake Gyllenhaal) se implica en la investigación, ayudando al periodista especializado Paul Avery (Robert Downey Jr.), mientras que el policía ocupado en el caso es Dave Toschi (Mark Ruffalo). Es poco más lo que se puede decir de la premisa sin desvelar hasta qué punto Fincher nos habla de obsesión y de miedo, relatando lo inenarrable, exprimiendo evolución donde, en el relato original apenas existe excepto en hasta qué punto la no resolución del misterio afecta a los que más desean que todo acabe.

Seguir leyendo »

Los hermanos más respetados y valorados del cine actual, los Coen, no podían permitirse otro fracaso (más que ante la taquilla, ante sus seguidores), tras los fiascos de Crueldad Intolerable y Ladykillers.

Es por ello que en No es País para Viejos, adaptación de la flamante novela de Cormac McCarthy, encontramos una reminiscencia de lo mejor de los Coen. Una mezcla entre las temáticas de Fargo y El Gran Lebowski, una en cuanto a la dureza en la omnipresente violencia del ambiente, y la otra en la manera en que se retratan las miserias de la sociedad norteamericana con ánimo de ironía y socarronería. Vamos, violencia y cachondeíto, dos en uno.

La película empieza con una elipsis importante: se obvia el leitmotiv de toda la historia, situada en el típico paraje texano, por el que el buscavidas Llewelyn Moss (Josh Brolin) se apodera providencialmente de un botín procedente de un intercambio de drogas. Allá que va el terrible sicario Anton Chigurh (Javier Bardem) a buscar a Llewelyn, consciente de que se ha hecho ilícitamente con el dinero. Mientras tanto, Ed Tom Bell (Tommy Lee Jones), el clásico sheriff del lugar intenta mediar en todo el embrollo.

Si se mira con extremada síntesis, No es País para Viejos no es más que el relato de una caza, narrado con elocuencia y con una congruencia ejemplar, pero la historia no es que dé mucho de sí. Ahí es cuando entra la disposición atmosférica de la película, con una medición en los colores y en la importancia de los escenarios verdaderamente extraordinaria. Por si fuera poco, los actores están tremendos, cada uno en su sitio. Tommy Lee Jones y Josh Brolin cumplen en la medida en que el relato se hace más realista y empático gracias a su aportación, pero al que tengo que destacar con mayúsculas es a nuestro Javier Bardem.

Confieso que desde siempre mi escepticismo a Bardem ha sido casi retórico. Ni siquiera me gustó en Mar Adentro, ni me satisfizo especialmente en Los Lunes al Sol, cuando son precisamente las interpretaciones que le lanzaron al estrellato y, sobretodo, a los aplausos por parte de los espectadores españoles. Ha tenido que ser en una película de los Coen donde me he rendido a los pies del canario, que con su papel del villano Anton Chigurh, en su sobria personificación de la maldad, con un horrible pero efectista corte de pelo, y una soltura inimaginable en el inglés, está justamente nominado a los Globos de Oro, y quien sabe si (a día de hoy, 16 de diciembre de 2007) a los Oscar.

Seguir leyendo »

Tengo en mi estantería la novela Expiación, de Ian McEwan, a punto de ser leída en cuanto tenga más tiempo. Mientras tanto, he tenido la oportunidad de ver una de las mejores películas del año y quizás de la década. Y es precisamente la adaptación de este libro, una nueva película del tándem Joe Wright (director)-Keira Knightley (protagonista)-Dario Marianelli (compositor). Ya coincidieron en la aceptable Orgullo y Prejuicio, una adaptación de la famosa novela de Jane Austen, que aunque resultaba inferior que la miniserie protagonizada por Colin Firth y Jennifer Ehle, destacó por su preciosista fotografía y por saber sacar talento actoral de Keira Knightley de donde parecía que no lo había.

Joe Wright viene ahora con más madurez, y con un despliegue técnico impresionante. Ya desde los primeros treinta segundos, con el impecable montaje y la banda sonora del magistral Dario Marianelli, un servidor tenía la carne de gallina y el convencimiento de que estaba ante una gran película. La máquina de escribir ha sido usada para la música (primera vez que lo oigo desde que lo hiciera Leroy Anderson), expresando que todo lo que ocurre es novelable bajo el punto de vista del personaje que ofrece su perspectiva sobre lo que se relata en Expiación, la precoz escritora Briony Tallis. Y es que Briony, en tanto que en su casa se recibe a su tío, a sus primos y a un amigo, ella observa con despiadados celos, cómo Cecilia (Knightley), su hermana mayor, responde a las provocaciones de Robbie (James McAvoy), el jardinero.

Hasta aquí la sinopsis que puede ofrecer cualquier sitio, y no quiero extenderme en muchos detalles, porque Expiación es una película por la que el espectador no debe sino dejarse maravillar por la puesta en escena. El brillantísimo guión de Christopher Hampton consigue, sin juzgar a los personajes, mostrar cómo las palabras no son necesarias para que el espectador se dé cuenta de todo lo que ocurre. Basta evocar imágenes en la mente de los protagonistas, contar la misma escena bajo dos puntos de vista, o usar los silencios adecuadamente. Nada de voces en off ni de diálogos redundantes. Christopher Hampton (que también escribió la muy notable Las Amistades Peligrosas) ha conseguido, sino igualar la exquisitez que dicen que posee la novela de Ian McEwan, superarla.

Los primeros 50 minutos son insuperables, por esa mezcla de impacto visual y la historia, de manera que con Expiación, sus responsables logran una de las mayores virtudes potenciales del cine: crear expectación. Muy atmosférica, la primera mitad es colorida y esplendorosa. Cuando Robbie tiene que marchar a la II Guerra Mundial, ese ambiente veraniego y luminoso, se transforma en una pesadilla oscura y permanentemente nocturna, con claroscuros y fealdad. Esta segunda parte es, sin embargo, menos lograda que la anterior, con evidentes altibajos, pero con un gran momento: la elegía de Dunkirk. No se preocupen, es fácilmente reconocible. Y el tercer y último acto desvela que todo es un flashback de la propia Briony, ya en su ancianeidad, como escritora consolidada, hablando sobre cómo todo lo ocurrido en su vida real, ha constituido su novela número 21: precisamente, Expiación. Un final redondo que supone el cierre de una historia trágica y de gran crudeza. El espectador se siente, con los créditos finales, especialmente compungido y estremecido al conocer el paradero de todos y cada uno de los personajes. El desarrollo argumental, apasionado, cayendo muy pocas veces en el llamado pasteleo, algo muy difícil de lograr en una narración de estas características.

Seguir leyendo »

A veces resulta incomprensible que ciertas películas jamás vean la luz en España, mientras que cualquier bodrio de Adam Sandler o cualquier subproducto de acción vengan levitando con una campaña de promoción alucinante. Es algo que no llegaremos a entender, y mientras tanto, tenemos que recurrir a medios más exhaustivos para conseguir ver obras decentes mientras esquivamos la cartelera.

Es el caso de El Almuerzo Desnudo, para algunos la mejor película del siempre sorprendente David Cronenberg. El boca a boca ha logrado que con el tiempo se convierta en una película de culto aun con su inexistente distribución en nuestro país. Y también es el caso de Equilibrium, la película que nos ocupa.

Equilibrium no es una obra maestra, y eso se nota enseguida. Empieza muy bien, con un impresionante tiroteo entre la Autoridad y una cuadrilla en la que distinguimos a Dominic Purcell, ahora famoso por la serie Prison Break. La Autoridad gana, por supuesto, pronto nos damos cuenta de que estamos ante una distopía.

Libria, principios del siglo XXI. La III Guerra Mundial acaba de concluir. La humanidad consume diariamente una droga llamada Prozium, para evitar tener sentimientos y liberar así emociones negativas que lleven a otra guerra nuclear. En esto, que un Clérigo (representante de élite de la Autoridad), interpretado por Sean Bean, se lleva un libro requisado de Yeats a su casa, y su compañero, John Preston (Christian Bale), se encarga personalmente de ejecutarlo.

Con este argumento, no es difícil ver que Equilibrium se fundamenta en una elaborada mezcla entre los libros 1984, de George Orwell, Un Mundo Feliz, de Aldous Huxley y Fahrenheit 451, de Ray Bradbury. Así, John Preston es el Winston Smith del primero, el Salvaje del segundo, y Guy Montag del tercero. De hecho, la premisa es calcada a THX 1138, ópera prima de George Lucas que a su vez se inspira en los títulos anteriores.

El guión de Kurt Wimmer, que también es el director, no se esfuerza en parecer original, ya que la consciencia de que la película no es más que un zumo de las tres es absoluta e imposible de disimular. Asimismo, Equilibrium bebe también de aspectos de la obra de Philip K. Dick, las ambientaciones de películas como Dark City, Matrix, Gattaca o Blade Runner sin que a Wimmer parezca importarle hasta qué punto las descaradas influencias pueden resultar un defecto de la cinta.

Seguir leyendo »

Sirva como reseña de este intento de película una conversación ficticia entre su director, Xavier Gens, y su productor, Luc Besson:

Luc Besson: Buenas tardes. Vengo para hablar de mi nueva película, Hitman.

Xavier Gens: Ah, sí. Buenas tardes, señor Besson. Debo decirle que es para mí un honor que cuente conmigo en este proyecto, como responsable de El Gran Azul, Leon o de El Quinto Elemento, entre otros. No sé si confesarle que aún no me lo creo. Si mi filmografía hasta ahora sólo consiste en dos o tres cortos que no ha visto nadie…

LB: Pero si eso es lo de menos… Usted sólo se dedicará a ponerse detrás de la cámara y cobrar sus honorarios según recaudemos en taquilla. Es un trabajo que hasta mi perro podría hacer.

XG: Pero… ¿por qué yo?

LB: Bueno, pensé en Uwe Boll, ya que Hitman trata sobre la adaptación e un videojuego, y esa es su especialidad. Pero decliné la idea, porque Boll es demasiado ambicioso. Le daría su propio sello a la película con escenas bizarras y le inyectaría su personalidad a la cinta. Incluso me comentó que Christian Slater fuera el protagonista, y la simple idea de imaginarme a Slater rapado al cero me repugnaba.

XG: Y… hablando de los actores, ¿quiénes serán?

LB: Pues el protagonista, el Hitman, el agente 47, será Timothy Olyphant.

XG: ¿Timothy Olyphant? ¿Se refiere al cutre villano de La Jungla 4.0?

LB: Ese mismo. Pensé en Jason Statham y Vin Diesel, pero no me parecían adecuados, porque la película sería demasiado convencional.

Seguir leyendo »