You Shoot, es el debut como director de Ho-Cheung Pang, también conocido como Edmond Pang. Este señor, fue el escritor de la novela y uno de los encargados de adaptar el guión sobre el que se basó el exitoso film de Johnnie To, Full Time Killer. Antes de pasarse a la dirección, escribió un par de guiones y novelas que fueron adaptadas a la pantalla grande. Pero desde que realizó esta película, escribe exclusivamente para sus propios proyectos.

El nombre de la película, ya nos da pistas de que nos podemos encontrar. You shoot juega con la acepción en inglés que además de significar “disparar” se utiliza en la industria del cine para denominar una toma de imágenes. Esta dualidad que presenta el título, se verá reflejada en el humor de doble sentido que ocupa gran parte del metraje. La acción, el humor negro y absurdo. La sangre, los golpes y las risas se van mezclando para dar como resultado una película entretenida, aunque tenga hacia el final una pequeña perdida de ritmo.

Bart, es un asesino a sueldo al que le comienza a escasear el trabajo. Su esposa no deja de gastar dinero y el ya no sabe de donde obtenerlo. Es entonces que decide contactar a antiguos clientes para intentar conseguir algún trabajito extra para palear la crisis. Después de varios intentos contacta a una mujer adinerada, que fue filmada teniendo sexo y quiere vengarse del que la filmó. Pero no solo lo quiere muerto, además lo quiere filmado. Bart lo intenta, pero su fuerte son las armas, no las cámaras de video. Lleva a cabo su trabajo, pero la filmación es un desastre.

La clienta no queda satisfecha, pero le da otra oportunidad. En este caso debe matar al encargado de piratear su sesión de sexo en copias en DVD. Para este trabajo, Bart debe conseguir un socio para realizarlo correctamente. Es así como conoce a Cheun. Un estudiante de cine graduado en New York, fanático de Scorsese, que trabajaba como asistente en producciones pornográficas, al que lo obliga a trabajar para él bajo amenaza. Las ganas de filmar de Cheun, y ver hecho realidad su sueño de dirigir sus películas, lo llevan a entusiasmarse con la idea, queriendo mejorar en cada asesinato la calidad de producción de sus películas, y despuntando su vicio cinematográfico proponiendo muertes más espectaculares. La amistad entre ellos comienza a fortalecerse y sus películas/asesinatos atraen a más clientes.
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Es el turno de la más bella de todas. Y esto no lo digo porque sea mi preferida. Lo digo porque estoy seguro que nadie se opondrá. Lo digo porque es verdad. Y la verdad, en este caso, se llama Nicole Kidman.

Nicole nació en Hawai el 20 de Junio de 1967 y vivió en Estados Unidos hasta que a los cuatro años de edad se traslado a vivir a Australia, donde su padre dictaba clases en al Universidad. Desde pequeña tomo clases de ballet y de teatro. Después de una pequeña participación en TV, a los dieciséis años tiene su primera incursión en una película de factura australiana de unos jovencitos que andaban mucho en bicicleta, conocida en algunos países como Los bicivoladores. Debo confesar que esta película fue una de las primeras que vi en VHS y que marcó mi gusto por las piruetas en bicicleta, que abandoné como hice con muchas otras cosas que me gustaron de la mayoría de las películas que vi en mi vida. De las bicicletas pasa a las festividades y trabaja en una de esas que podemos encontrarnos en épocas navideñas llamada Bush Christmas (No guarda relación con el nefasto presidente, lo aclaro por si quedan dudas)

La película que la dio a conocer a nivel mundial fue Dead Calm, todavía filmada en Australia y en 1989. Esto despertó el interés de productores norteamericanos que inmediatamente, como suelen hacer, la llevaron a Hollywood para que interpretase el papel de la Dra. Clare Lewicki en Días de Trueno, junto a Tom Cruise. Quien se convertiría en su esposo un año después. Se casaron en secreto y adoptaron dos hijos. Para separarse en el año 2002 por supuestas diferencias con la crianza de sus hijos.

No conforme con los autos del Daytona, Nicole sigue trabajando en películas más bien comerciales. Según sus propias declaraciones, por consejo de su esposo (que bastante sabe de eso).

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Si de mujeres talentosas y hermosas estamos hablando, no podemos obviar hacer una referencia a esta neoyorquina nacida el 12 de Diciembre de 1970, en el seno de una familia de comerciantes. Jennifer Lyn Connelly, comenzó su carrera en los medios a la escasa edad de 10 años. Cuenta la historia que unos amigos de la familia, ligados al negocio publicitario, sugirieron a sus padres enviarla a un casting para un comercial. Fue así que Jennifer comenzó a dar sus primeros pasitos en el mundo de espectáculo.

Tras unas primeras apariciones como modelo publicitaria y una pequeña participación en el video de Duran Duran “Union of the Snake”, fue ganando terreno en la industria audiovisual.

A los 12 años, participa en la serie de la televisión británica “Tales of the Unexpected” basada en el libro de historias cortas del autor Roald Dahl. Escritor de éxitos llevados al cine por su propia pluma como Willy Wonka & the Chocolate Factory en su primera versión de 1971 de la que Tim Burton hiciese una remake en el año 2005.

En 1984, Sergio Leone, necesitaba una niña que supiese bailar para su aclamada obra Erase Una Vez En América. Fue Jennifer la que quedó definitivamente en el papel. Esta pequeña participación, le abrió la puerta del set de uno de los grandes directores del género de terror, Darío Argento. Connelly viajaría en 1985 a Italia a protagonizar la película Phenomena. En esta ocasión interpreta el papel de una estudiante que llega a Suiza para realizar estudios en un instituto para señoritas en la que recientemente se han cometido una serie de crímenes aberrantes. Todo, claro está, bajo el estilo gore y el particular manejo del lenguaje que volvió de Argento un cineasta único.

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Scarlet Johansson es mucho más que una mujer hermosa. Una bomba cargada de flores. Es belleza y talento dosificado en pequeñas cuotas de celuloide. He aquí una bitácora de los momentos más relevantes de la vida profesional de esta musa popular, que ha inspirado tanto historias como suspiros en noches insomnes.

Nació el 22 de noviembre de 1984, en la isla de Manhattan, New York. Desde pequeña estudió y se esforzó para ser una gran actriz. Que la belleza no opaque el talento. En su niñez estudio en Children School de Manhattan. Posteriormente en el Lee Strasberg Theatre Institute. Después de intentar en varios castings para comerciales publicitarios, consigue un pequeño papel en una obra de teatro, a la corta edad de 9 años. Esta obra independiente, se llamaba “Sophistry” y actuaba en ella junto Ethan Hawke, le sirvió como trampolín para comenzar su carrera en Hollywood, interpretando un pequeño papel en la película North, dirigida por Rob Reiner y protagonizada por Elijah Wood. A esta cinta, le siguieron, Just Cause, interpretando el papel de la hija de Sean Connery en 1995. Le siguieron: La participación en el piloto de una serie para televisión llamada “The Client” en 1995 y If Lucy Fell en 1996. Hasta aquí, todos pequeños papeles secundarios. Fue el 26 de Julio de 1996 cuando llega a los cines norteamericanos Manny & Lo, en la que desempeña el papel de Amanda, junto a Aleksa Palladino y Mary Kay Place, dirigida por Lisa Kruger y en formato de Road Movie, le vale a Scarlett una nominación a los Independent Spirit Awards como mejor actriz.

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Desafortunada traducción para una película cuyo título original en inglés hace referencia a un acontecimiento de la película (Things We Lost In The Fire). Es una película esperanzadora, pero no de la esperanza que suele vender Hollywood. Está implantada cuidadosamente, se va colando poco a poco de forma totalmente natural, de modo que el espectador no se siente estafado o tomado por tonto.

Susanne Bier (Después de la boda, Hermanos) directora danesa que se caracteriza por hacer películas de personajes, como a algunos les gusta llamarlas, aborda este guión escrito por Allan Loeb (su primer guión). Es una historia pequeña, pero realizada como una gran película. Los pilares que sostienen esta historia son los personajes de Halle Berry (Audrey) y Benicio del Toro (Jerry) y la ausencia de Brian (David Duchovny, Fox Mulder en X Files)

Audrey pierde a su marido en un incidente callejero e intentará rehacer su vida después de ver que su proyecto de familia perfecta se desmorona de un golpe. Es una mujer fuerte, que no puede permitirse sucumbir ya que es el único soporte de sus hijos. Berry reafirma su excelencia interpretativa manejando la tensión y el ritmo interno de un personaje un tanto prejuicioso y sobre protector. No es Halle Berry interpretando a una madre viuda y dolorida. Es una madre viuda y dolorida con la cara de Halle Berry, que no es lo mismo.

La historia de Jerry es distinta, pero con un viaje similar por recorrer. Es un heroinómano que decide recuperarse tras la muerte de su amigo Brian, el esposo de Audrey. Pocas esperanzas le quedan en su vida hasta que se percate que le debe a su amigo, el único que no lo abandonó en ningún momento, su recuperación como ser humano. Valorarse a si mismo, como Brian lo valoraba. Benicio Del Toro, que brilló increíblemente en 21 Gramos, con ésta actuación se eleva hasta los puntos más altos con una interpretación extremadamente realista. Tanto en los momentos de sobriedad como el las fuertísimos escenas en las que se lo ve drogado o sufriendo síndrome de abstinencia.

Audrey odió durante años a Jerry, ya que pensaba que solo se aprovechaba de Brian. Que solo recibía. Pero con el pasar de los días, se da cuenta que nadie conoce mejor a su marido que este drogadicto al que ella detestaba. Sus vidas se unen por el dolor. Son dos personalidades opuestas, dos desconocidos que solo se conectan por el sufrimiento de haber perdido a un ser querido. Esas mismas diferencias son las que hacen que estos opuestos se unan para compartir tanto el dolor, como la redención. Son personajes que trascienden las fronteras de cualquier país, ya que cualquier espectador puede identificarse con ellos, básicamente, porque el dolor no es exclusividad de ninguna bandera.

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Pantalla en negro. Silencio. Sobreimprime un fragmento de un cuento de J.D. Salinger hablando de Dios. La primera imagen que vemos, es la de una mujer dándonos la espalda, sentada en una hamaca, en el interior de una habitación. Vaya forma de empezar. Si Jan Cvitkovič, el director de esta película, quería llamarnos la atención, lo logra instantáneamente.

DeFosaEnFosa, es una pequeña película coral. Y digo pequeña porque cuenta pequeñas historias, que se desarrollan en un pequeño pueblo, con pequeños detalles, con pequeños personajes, viviendo pequeñas vidas. La sumatoria de estas pequeñeces, hacen de esta película, una interesante experiencia cinematográfica.

Las historias se desarrollan en un pueblito rural esloveno. Pero (Gregor Baković), redacta y recita discursos fúnebres. Vive con sus dos hermanas, Ida (Sonja Savić) que es sordomuda, y Vilma (Nataša Matjašec), que tiene un hijo. Vive con ellos su padre, un viudo silencioso y con tendencias suicidas llamado Dedo (interpretado por Brane Gruber). Completan el cuadro: Suki (Drago Milinović), amigo de Pero y muy cercano a su familia, y Renata (Mojka Fatur) , una adolescente sobreprotegida por su padre, de la cual Pero está enamorada.

Todo comienza como una comedia costumbrista. Pero se transforma paulatinamente, en un drama. Nos vamos dejando llevar por pequeños detalles hasta que el dolor se va colando entre líneas, tornando finalmente la película en algo que nunca pensamos que sería. En los 95 minutos de metraje, transitamos por varios estados anímicos. Oscilamos entre la risa y la angustia. Entre la sorpresa y la tranquilidad absoluta. Entre la ternura y la bronca. Es un gran abanico de sensaciones que no aburre en ningún momento.

Los personajes, viven una vida sin sobresaltos, en un pueblo tranquilo, en el que parece que todos se conocen. De fosa en fosa no es una película sobre Pero, es más bien, una película sobre él y sobre los que lo rodean. Su personaje es nuestro punto de partida desde donde conocemos a los demás integrantes de la familia, a los amigos, el pueblo, el amor y la muerte.

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Hace 20 minutos que veo titilar el cursor en la pantalla en blanco. Intento pensar como empezar este artículo sobre la película que acabo de ver. Es difícil esbozar una sinopsis sobre esta cinta sin simplificar demasiado la trama. Hacer un resumen de su argumento dejaría fuera muchos de los detalles y subtextos que el director y guionista, Kiyoshi Kurosawa (No guarda parentesco con Akira) ha intentando plasmar en este espectacular film.

La historia se centra en la ciudad de Tokio, metrópolis tecnologizada por antonomasia, en los años en que Internet comenzaba a tomar vuelo. Las líneas narrativas son dos que se vuelven una con el transcurso del film. Un resumen injusto del argumento como punto de partida, sería más o menos éste: Una joven decide ir en busca de un amigo que hace días que no da señales de vida. Ésta, va en busca de un diskette que debe recibir por parte del joven. Cuando llega a su casa, lo encuentre un tanto introspectivo. Momentos después, mientras ella busca el disco, el joven se suicida en el cuarto contiguo. Mientras pasa todo esto, en otro rincón de Tokio, un joven se conecta por primera vez a Internet y su computadora abre automáticamente a una página web que muestra imágenes de personas solas, en habitaciones en penumbra. La secuencia de fotos termina invitándolo a conocer fantasmas.

No confundir. Es de fantasmas, pero no solo es una película de terror. Es compleja, difícil de digerir para quien no esté acostumbrado a ver cine de origen asiático. A algunos les parecerá larga y hasta aburrida. Tampoco la recomiendo para empezar con este tipo de cine. Una buena forma de comenzar, es con películas que si bien tienen una impronta y un estilo bien marcado, se parecen un poco más a lo que está acostumbrado a ver el gran público. Como pueden ser Ringu o Ju-on :The Grounge (Ambas con remake norteamericana, que raro).

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En el año 2000, Agnès Jaoui, da su primer paso en la dirección después de mas de 15 años de carrera como actriz, reservándose uno de los papeles secundarios en su película. Secundario,  es solo una forma de decir, ya que es una película coral, y como sucede en estos casos, la mayoría de los personajes juegan un papel importante. En este caso interpreta a Manie, una camarera que trabaja en el bar donde suelen reunirse su grupo de amigos artistas, a beber y disfrutar, después de finalizar sus funciones teatrales.

La película comienza presentándonos a Castella (Jean-Pier Bacri), un empresario malhumorado y desconforme con la vida, que está a punto de firmar un contrato con una empresa israelí. Por ese motivo, su asesor, le contrata un guardaespaldas para que cuide de él hasta el día de la firma. Es aquí donde la historia comienza a abrirse para que conozcamos al resto de los personajes que pueblan esta historia. Lo tenemos a Bruno (Alain Chabat) el guardaespaldas. Franck (Gérard Lanvin) el chofer. Clara (Anne Alvaro) la profesora de inglés/Actriz y Angélique (Christiane Millet) la esposa de Castella. Y por supuesto, un amplio abanico de personajes aledaños.

Abordaremos esta historia en el medio de la acción, veremos desde fuera las peripecias que estos personajes deberán atravesar. Una esposa molesta, un marido desconforme y un chofer y un guardaespaldas que hablan de cualquier cosa. Esta primera escena, es la que marcará el tono del resto de la película.

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Por alguna razón, no pude dejarme atrapar por esta película. Se que es buena, me doy cuenta. Pero algo le falta para cautivarme totalmente. Se que las actuaciones están perfectas. Que la fotografía acompaña muy bien. Pero no me alcanza. Una de las posibles razones que despierta esta reacción, es que hace tan solo dos días, he visto la última película de esta directora (Things we lost in the fire) y encontré entre ambas, varios puntos de contacto. Una mujer viuda, obviamente un marido muerto (o así parece), otro hombre que no termina definitivamente de ocupar el lugar del difunto y cosas similares. Si bien Hermanos es anterior a la película que acabo de mencionar, me quedó la sensación de que había visto una buena película que por alguna extraña razón no termina de serlo. Las similitudes me hicieron compararlas y como todos sabemos, las comparaciones nunca son buenas.

Hay algo en el guión que no termina de cerrar. Comienza muy bien. Presentando a uno de los personajes principales, Michael (Ulrich Thomsen), haciendo su trabajo. Es un militar de alto rango que partirá esa misma noche en misión rumbo a Afganistán. A continuación conocemos a su hermano Jannik (Nikolaj Lie Kaas) que sale de la cárcel después de cumplir su condena por haber cometido un crimen en un banco. Conocemos a la familia. Los abuelos. Las hijas. La esposa de Michael, Sarah (la hermosísima Connie Nielsen) y hasta aquí, todo marcha bien. Después de esto, el guión se desmorona de a poco. Los padres de Michael y Jannick caen en el lugar común. El padre ama a su hijo ejemplo y detesta al delincuente que nunca perseveró en nada. Mamá está tan feliz de tener a sus dos hijos juntos que no le importa nada más. Y así seguimos.

Michael y Sarah se despiden esa noche como si saliera a comprar cigarros. No hay un nexo real entre ellos, por más que los veamos en la intimidad y felices, no terminan de convencer. Lo que como espectadores nos da a pensar que lo realmente intenso sucederá con Jannik, el hermano del que habla el título de esta cinta.

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Este hombre nacido en New York el 27 de junio del año 1966, cuyo nombre ya es una marca registrada en el mundo de los audiovisuales, tanto para la industria cinematográfica como en la televisiva, cumple hoy 42 años. Por tal motivo, haremos un breve repaso por su carrera. Desde los comienzos, hasta estos días; en los que parece estar acariciando el punto más alto, la cumbre de la montaña del éxito. No puedo estar hablando de otro Jeffrey Jacob que no sea J.J. Abrams.

Al parecer, que su nombre aparezca sobreimpreso en algunos fotogramas de una serie o película, es sinónimo de altísima calidad, o por lo menos, de entretenimiento asegurado.

Abrams estudió en el Sarah Lawrence College en Bronxville, Nueva York. Durante su último año de carrera, escribió junto a Jill Mazursky un guión que fue comprado por Touchstone Pictures y que se convertiría en la película Taking Care of Business. Este sería el primer paso de JJ en al industria norteamericana de cine.

La primera película que produce y que escribe en solitario, se dio a conocer al mundo como Regarding Henry (A propósito de Henry, Una segunda oportunidad). Es la historia de un abogado detestable y deshonesto, interpretado por Harrison Ford, que al sufrir un accidente pierde la memoria por completo y tiene la posibilidad de redimirse para comenzar una nueva vida. Esta película fue realizada en el año 1991 y dirigida por Mike Nichols.

En el año 1992 se estrena la mundialmente conocida Forever Young (Eternamente Joven), Película fue protagonizada por Mel Gibson y Jamie Lee Curtis. También formaba parte del elenco un niñito llamado, nada más y nada menos, Elijha Wood. En este proyecto podemos empezar a notar cierto gusto de JJ por los aviones y los experimentos científicos, recurso que volvería a utilizar en futuros proyectos. Está película fue escrita y producida por Abrams y dirigida por Steve Miner, con quien volvería a trabajar 9 años mas tarde, delegándole la dirección del primer episodio de la tercera temporada de Felicity, serie televisiva de la que hablaremos más adelante.

En el año 1996 co-produce la película independiente The Pallbearer, protagonizada por David Schwimmer (Ross en Friends) y Gwyneth Paltrow. Esta cinta, fue dirigida por su amigo Matt Reeves a quien conoció en un Festival de cine en Los Angeles, cuando ambos filmaban cortometrajes en 8mm. Este sería el comienzo de una larga relación tanto laboral, como amistosa.

Nuevamente, junto a Jill Mazursky, en 1997, escribe la película Gone Fishing, protagonizada por Danny Glover y Joe Pesci. Hasta Aquí todos sus trabajos fueron firmados bajo el nombre de Jeffrey Abrams. Convengamos que J.J. es mucho más pegadizo y marketinero.

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