“Juego Macabro” fue una de las últimas producciones cenicientas de la historia del cine: una pequeña película hecha con muy pocos recursos, que además de ser un inmenso éxito de taquilla, tuvo la capacidad de darle un respiro al malogrado género del horror, que en los últimos años no encontró sus mejores exponentes.

La película está basada en las pesadillas que James Wan y Leigh Whannell tenían de niños, las que seguramente sufrían por su inmensa afición al maestro del terror, Dario Argento. De la historia creada por ambos, Whannell escribiría el guión que más tarde dirigiría su amigo de la infancia, y en el que él actuaría.

Una vez el libreto estuvo finalizado, entre Whannell y Wan se lo dieron a su agente, quien inmediatamente lo envió a Los Ángeles, donde contactaron con un productor, quien les dijo que hicieran un cortometraje para ser enviado a los estudios. Ellos lo hicieron, y sólo fue cuestión de tiempo para que Lions Gate Films se hiciera con los derechos y financiara la producción.

La película es una historia sumamente inteligente, con la capacidad de estremecer a cualquier espectador. La premisa básica (no sé para que la repito, estoy seguro que todo el mundo se acuerda) es un asesino en serie que logra, mediante variados juegos y trampas, que sean sus víctimas quienes al final terminen matándose entre ellos mismos.

Encerrados y amarrados en una especie de baño junto a un cadáver, Adam (Whannell) y el Dr. Lawrence Gordon (Cary Elwis) deben tratar de descifrar quién los secuestro y llevó hasta ese recóndito lugar. Una vez adentro, ambos descubren que están allí en una especie de misión, donde tendrán que cometer un asesinato entre ellos para sobrevivir y además, deberán cortarse sus pies por ellos mismos si quieren poder salir de allí.

Entre ambos empezarán a descifrar que clase de persona pudo haberles hecho esto, y comienzan a especular sobre los posibles candidatos. De esa manera, la historia se va completando por medio de flashbacks que van descifrando alguno de los interrogantes, pero que a la vez, de manera muy bien pensada, van generando unos nuevos. A medida que la historia se va desarrollando se va complicando cada vez más, y se nos va mostrando el plan tan bien desarrollado que el asesino tiene para acometer su crimen.

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Es bien sabido que el cine es un arte dependiente de una industria, visto desde la perspectiva financiera, pero también desde la de los avances tecnológicos. Teniendo en cuenta los inmensos adelantos que día a día se ven en ese campo, es de esperarse que el modo de producción de las películas se vea afectado por la aplicación de más y mejores herramientas, contrayendo con esto consecuencias artísticas en la película final.

En la escuela de cine de diez minutos de Robert Rodriguez, el director comenta cómo todos los amantes del cine somos directores, lo que nos falta es el conocimiento técnico para ver hecho realidad el film. En muchas películas de hoy en día, pareciera que hay muchas personas con avanzados conocimientos técnicos, pero muy pocos cinematográficos. Sin embargo, cuando nos encontramos con un artista que al mismo tiempo tiene la capacidad de usar las herramientas técnologicas para contar mejor su historia, generalmente nos encontramos con un film profundamente interesante, como por ejemplo la “Sin City” de Rodriguez.

Otro caso de demostración de un excelente uso de la tecnología junto a una historia cinematográfica que contar, se vio cuando Michael Mann y Dion Beebe le dieron un nuevo establecimiento al formato digital de Alta Definición con la película “Collateral“.

La historia se centra en el encuentro casual que Vincent (Tom Cruise) tiene con el taxista Max (Jamie Foxx), en una noche de Los Ángeles. Vincent es un asesino a sueldo que tiene que matar a un grupo de testigos que declararán en contra de un narcotraficante a punto de ser enjuiciado y encarcelado. Para lograr eso, necesita de Max, quien lo debe llevar por toda la ciudad que tan bien conoce, localizando a cada uno de las futuras víctimas.

La idea de Vincent es ir asesinando a cada uno de ellos sin que Max se dé cuenta, sin embargo en el primer homicidio el plan se derrumba, al taxista darse cuenta que el pasajero que lleva en su auto es un criminal y la primera parada que hicieron fue para eliminar a alguien. Desde allí para adelante un intenso drama se irá desarrollando, al Max tratar de oponerse a ayudar a Vincent, mientras éste debe terminar su trabajo al costo que sea, incluso obligando a Max a que le colabore.

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Cuando vi los posters y los trailers de “Escuela de Rock“, me imaginé que otra de esas películas tontas de Hollywood habría de llegar a las pantallas de cine. Y la verdad fue que no me equivoqué, pero la diferencia en esta ocasión fue que la película tonta me fascinó y cautivó por completo.

Sin duda alguna que mirar una producción de este tipo con ojos críticos tendría la consecuencia de que no aguantaríamos hasta el final de la misma. Pero cuando la imaginación y los sentimientos priman sobre todo lo racional que uno pueda ser, la experiencia de “Escuela de Rock” es una muy linda y entretenida.

La historia es la de una fracasado rockero quien todo su gremio lo ha rechazado, principalmente por su amor sincero y nada comercial frente al género musical que más lo desvela. Sin trabajo y con necesidades financieras como todos, Dewey Finn (Jack Black) acepta el puesto de profesor substituto en una prestigiosa escuela primaria, pero haciéndose pasar por su amigo suyo llamado Ned Schneebly (Mark White). En el colegio descubre que los niños a quienes les da clase son unos muy buenos músicos, por lo que decide formar una banda de rock con ellos.
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Me cuesta mucho entender cómo es posible que una película de estas pueda llegar a ser vendida a una distribuidora, y luego exhibida en algún lugar del mundo. Frente a la actual crítica sobre los malos guionistas y sus pobres ideas, vale decir que hay también gran parte de culpa en los productores, quienes son en últimas quienes deciden qué proyectos llevar a cabo o no, así como de las personas que financian, compran y exhiben las mismas.

A pesar de que había leído muchas críticas malas sobre esta película, y de que todo el mundo me decía que no fuera a verla, la terquedad en mí pudo más y decidí darle una oportunidad. Y es que Joshua me parecía un film muy inteligente, con una trama de fondo muy interesante: un niño de diez años que odia a sus padres, la que tenía toda la potencialidad para ser explotado de manera muy profunda.

No obstante, le doy la razón a todos aquellos que creen que esta es una de las peores películas en muchas años, con una de las historias más inconcebibles, no por lo espectacular o extraordinario de la misma, sino por lo inesperado que es que algo así de malo hubiera llegado al cine.

La historia es absolutamente incoherente, con muchos fallos y cosas gratuitas, que llegan al final a una conclusión totalmente inesperada, no porque nos tome de sorpresa, sino porque sencillamente es algo totalmente inconexo lo que sucede al final, frente a todo lo que se nos había mostrado antes.

La película empieza con Brad Cairn (Sam Rockwell) viendo a su hijo Joshua (Jacob Kogan) jugar un partido de futbol, en el que el niño claramente se encuentra aburrido, no queriendo ser parte del mismo. En pleno desarrollo del encuentro, el padre del niño recibe una llamada urgente y agarrando a su hijo lo lleva al hospital, donde su esposa Abby (Vera Farmiga) dio a luz a su segundo hijo.

¿Por qué no estaba el padre con su esposa acompañándola en el parto, en vez de estar en un partido de futbol con su hijo? No es que fuera precisamente la final de la Champions League, y por otro lado, su hijo ni quería ir, entonces por qué la necesidad de llevar a su hijo al partido en vez de estar junto a su esposa en el hospital. Cuando una película tiene un arranque que parece tan ilógico y poco fundamentado, lo que uno espera es ver algo maravilloso en adelante que le explique el por qué de semejantes fallas. Pues no, lo que pasa de ahora en adelante es peor.

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Para Shyamalan, “El Sexto Sentido” sin duda alguna pasó de ser una excelente experiencia a un karma. Debido al inmneso éxito que fue la película, es evidente que cada una de las siguientes producciones del artista fueron vendidas y esperadas como un nuevo thriller de suspenso y misterio, a pesar de que el director trabajó en otros géneros cinematográficos.

Fue el caso de “El Protegido“, película protagonizada por Bruce Willis, Samuel E. Jackson y Robin Wright Penn, que trata sobre un aficionado a los comics llamado Elijah Price (Jackson), quien desde pequeño sufre de una enfermedad denomida osteogénesis imperfecta, que le causa una fractura constante de sus huesos por falta de cólageno en la estructura de los mismos. Gracias a la inmensa afición que Elijah tiene por los comics, y su investigación profunda sobre los mismos, la idea que él tiene es la de que debe haber una persona que sea todo lo contrario a lo que él es: un ser fuerte que no se enferme y tenga una vitalidad inmensa.

Esa persona es David Dunn (Willis) un ex-jugador de fútbol americano y actual guardia de seguridad en un estadio. Cuando David sobrevive a un accidente en tren, Elijah está seguro de que es él la persona que toda la vida ha estado buscando. Según Elijah, lo que sucede es que todos los comics se han basado en algo real que les dio la inspiración a sus escritores, por lo que para Elijah su vida se ha basado en la búsqueda de un ser humano que pueda ser un superhéroe.

Bajo este argumento, lo que trataba de hacer Shyamalan era aproximarse al mundo de los comics desde una perspectiva muy novedosa: el nacimiento de un superhéroe en un mundo real. “El Protegido” es más un drama humano sobre el inmenso peso y la presión que debe recaer en un hombre que se ve con la posibilidad de convertirse en alguien con poderes sobrenaturales.
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Mi amor por el cine ha venido creciendo y madurando casi en paralelo con la carrera cinematográfica de Mel Gibson. Cuando era un niño me volví un fiel seguidor del actor australiano cuando lo vi, varios años después del lanzamiento, en “Arma Mortal” de Richard Donner, una de las películas que definieron el cine de acción y crearon las “buddy movies“. Con el paso del tiempo iba viendo todo lo que en este actor saliera, y así como Gibson evolucionó de una superestrella del cine de acción a un actor de carácter en películas más dramáticas, me vi obligado a empezar a ver ese tipo de cine si quería seguir la carrera de uno de mis mayores ídolos.

En ese sentido le debó a Mel Gibson el que me haya “obligado” a interesarme por el cine de manera más profunda, abandonado mi percepción que éste era un mero entretenimiento. No obstante, mucho más interés tuve en el actor cuando dio su paso para convertirse en director, y desde allí hasta hoy en día, creo que hemos tenido la oportunidad de ver como una megaestrella se convirtió en un gran artista dentro de Hollywood.

De su primera etapa como actor, vale rescatar que en cada una de sus interpretaciones se notaba un personaje profundamente trabajado. Martin Riggs es un ser que ha perdido todas las ganas de vivir, ha caído en el alcohol como mecanismo de defensa para superar el dolor que siente por la pérdida de su esposa, y es casi un ermitaño. Sin embargo, sabe que es el mejor en el mundo en lo que hace y siente una obligación con su trabajo y su talento, lo que es en últimas lo que le impide suicidarse. De esa construcción de personaje a un mero súper policía de acción hay muchísimo trecho por recorrer.

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Siento algo especial con las adaptaciones de Philip K. Dick. Por varias razones no me he leído nada de sus escritos, pero siempre me ha parecido alguien interesante teniendo en cuenta algunas obras suyas que han sido llevadas al cine. Cuando en 2.002 Steven Spielberg estrenó “Minority Report“, creo que mi encanto con el escritor llegó a un nuevo nivel. Claro que mi duda sobre sí es un buen escritor o tan solo alguien con buenas ideas para ser llevadas al cine también llegó a un nuevo nivel de intriga.

La película está ubicada en una ciudad de Washington del futuro, en el año 2.054, en donde el departamento de policía de la ciudad captura a los criminales antes de que cometan algún delito. La manera de lograr esto es por medio de un departamento especial llamado “Precrime”, el cual tiene entre su equipo un trío de clarividentes denominados “Precogs”, quienes informan de manera precisa e inequívoca sobre un asesinato futuro. El jefe de ese departamento es John Anderton, interpretado por el actualmente medio loco del Tom Cruise, quien es el principal responsable y apologeta de la controversial división de la policía.

Para la época en que la película se lanzó, de manera muy astuta sus productores lograron venderla como una crítica al sistema de la Guerra Preventiva en contra de Irak que en ese momento promulgaba el Gobierno de George W. Bush. A pesar de que es evidente que una súper producción de estas toma demasiado tiempo para llevarse a cabo, lo que hacia imposible el que esa fuera su itención primaria, el público respondió favorablemente a la coincidencia coyuntural, logrando generar un mayor interés en la película.

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¿Alguien tiene idea de quién es Craig Gillespie? En mi caso particular no tenía ni la menor pista sobre quién era este director de cine hasta que vi esta película suya, Mr. Woodcock. Una vez finalizada la proyección, debo decir que no quiero saber absolutamente nada más de él.

La película es para mí el ejemplo máximo de la crisis de las ideas en Hollywood, que ha llevado a hacer miles de remakes de historias provenientes de cualquier parte del mundo. Ahora, a pesar de que esta era una práctica muy criticada, me parece que sí estas son las historias originales que tienen los escritores de California, quedémonos con los remakes por un momentico.

¿Qué hace que actores de la talla de Billy Bob Thornton y Susan Sarandon acepten trabajar en semejante bodrio? La respuesta común sería decir que el sueldo que pudieran haber recibido por participar, sin embargo la producción de esta película contó con tan solo 22 millones de dólares de presupuesto, o sea que por allí no va la cosa.

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Que Tom Cruise anda como chiflado en estos días no es un secreto para nadie. Sin embargo, no por eso debemos olvidar a una de las estrellas más grandes de Hollywood de todos los tiempos, quien ha participado tanto en megablockbuster como en muy buenas películas, y en algunas obras de arte, quien además ha demostrado su talento y profesionalismo como productor.

Siendo su primera participación importante en “Taps” de Harold Becker, me parece que el Tom Cruise que todos conocemos hoy en día se dio a conocer en una pequeña obra personal e independiente del grandioso Francis Ford Coppola, “The Outsiders“. La película contaba con un elenco de jóvenes estrellas que habrían de ser muy conocidas en poco tiempo, Patrick Swayze, Emilio Estevez, Rob Lowe, Diane Lane, entre otras. Una de las cosas que más me interesó de esa producción era que la fotografía estuvo a cargo de Sthephen H. Burum, dándole en algunos momentos una atmosfera muy de De Palma a la película.

Un año más tarde sería el papel de Joel Goodsen en “Risky Business” de Paul Brickman quien lo establecería como una de las estrellas juveniles más importantes de los ochentas, la que le otorgó igualmente su primera nominación a los “Golden Glob“, como mejor actor. Luego de su participación junto a Ridley Scott en “Legend“, Cruise colaboró junto a su hermano Tony Scott y Jerry Bruckheimer en “Top Gun“. La película fue la más taquillera de su año, y una de las que más dinero ha recaudado a nivel mundial, logrando con esto convertir a Cruise en una súper estrella. La película estuvo nominada a tres premios Oscar (edición, sonido edición de efectos de sonido) y ganó uno a la Mejor Canción por “Take My Breath Away” de Berlin.

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Dos hechos definen “Apocalypse Now” de una manera muy certera. El primero fue antes de empezar a filmar, cuando Francis Ford Coppola le preguntó a su antiguo productor y mentor, Roger Corman, sobre consejos para producir en Filipinas; a lo que muy acuradamente el gurú de las películas serie b le dijo: No vayas. El otro es cuando en el Festival de Cine de Cannes, Coppola de manera muy elocuente les dijo a los periodistas quienes lo entrevistaban: “Mi película no es sobre Vietnam. Mi película es Vietnam. Un grupo de jóvenes, en la selva, con mucho dinero, que gastaron de más y se volvieron locos”.

A casi tres décadas desde su lanzamiento, la película del director de “El Padrino” se ha convertido en uno de los clásicos del cine más antibelicistas de todos los tiempos, logrando hacer que esta película no se siente como una película, sino como un viaje a lo más profundo de lo peor que un ser humano haya hecho jamás: una guerra.

La historia de la película creo que nada o poco importa: Apocalipsis es más un sentimiento, una reflexión, un discurso y una crítica a todos los referentes que hagan considerarnos como seres civilizados. Es mostrar toda la crueldad, locura, sevicia e injustificable que un conflicto armado es; pero desde la óptica de un verdadero artista, que tiene la elegancia necesaria para mostrarnos un universo sumamente cruel y desalmado, sin necesidad de recurrir a gráficos y baratos trucajes.

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