No cabe duda que las series de televisión en los últimos años han venido ganando tanto en calidad técnica como en contenido, siendo Los Soprano, la mega producción de HBO, una de las series que comenzó este nuevo proceso. Creada por David Chase y emitida por primera vez en televisión paga el día 19 de mayo de 1.999, este drama sobre la mafia fue el más grande éxito de un programa de televisión por cable hasta ese momento.

Tal y como el eslogan de la primera temporada decía, “sí una familia no lo mata la otra lo hará” la historia se centra en la vida, o la doble vida que Tony Soprano debe llevar, entre su familia y la mafia que dirige. Tony comienza a tener una crisis nerviosa debido a los inmensos problemas que en ambos lados debe enfrentar, sufriendo ataques de pánico que hacen que se desmaye constantemente. Debido a esto, Tony comienza a acudir a una psiquiatra, quien le ayuda con el tratamiento requerido para solventar su problema.

Teniendo en cuenta que el mismo año de su estreno, a nivel mundial fue también el de “Terapia Peligrosa“, la película en la que un mafioso interpretado por Robert De Niro va a un psiquiatra interpretado por Billy Cristal, la similitud que la historia del largometraje tenía con la serie hizo que me alejara totalmente de esta. Luego, y muy influenciado por el éxito que el programa de televisión tenia, decidí darle una oportunidad, encontrando en ella una de mis series favoritas de todos los tiempos.
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Ellos me van a poner en las películas
Ellos van a hacer de mi una gran estrella
Haremos un film de un hombre que está triste y solitario
Y todo lo que tengo que hacer es actuar naturalmente

Bueno, espero que vengas y me veas en las películas
Entonces sabré que tú verás plenamente
Al mayor tonto que alguna vez llego al gran momento
Y todo lo que tengo que hacer es actuar naturalmente

Haremos la escena sobre un hombre que está triste y solitario
Y rogando de rodillas
Actuaré el papel pero no necesitaré ayuda
Todo lo que tengo que hacer es actuar naturalmente

Bueno, te apuesto que voy a ser una gran estrella
Talvez gane un Oscar. Nunca puedes decir…
Las películas van a hacerme una gran estrella
Porque puedo actuar el papel tan bien

Así dice y empieza un tema de The Beatles (compuesto por Ringo Starr) que servirá en este documental como introducción. Enlazado conceptualmente con lo que veremos (y oiremos) a continuación funciona como una especie de burla entre fatídica e inocente. Uno oirá alegre esta versión country del tema mientras se van presentando los créditos principales mezclados con distintas imágenes de archivo; sobre todo de una familia: Los Friedman.

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“En el verano de 1.989, un trabajador de una video tienda de 25 años, aficionado al cine, vendió un guión por menos de lo que gana un taxista en promedio al año. El cine moderno nunca volvería a ser el mismo.”Pulp Fiction, The Facts.

Hubo algo en el tándem de películas que hizo Quentin Tarantino a principios de la década de los noventa que habrían de redefinir el cine hasta nuestros días. Reservoir Dogs, pero muy especialmente Pulp Fiction, lograron paralizar por un momento la industria del cine mundial, con la intención de lograr entender que había en estas películas que tenían extasiado a medio planeta. Después de haber conmocionado a propios y extraños con su ópera prima en el Festival de Cine de Sundance, Tarantino y Miramax estrenaron Pulp Fiction en el Festival de Cine de Cannes en 1.994. Como es de todos sabidos, la película se llevó la Palma de Oro ese año, pero su camino en la historia del cine no había hecho más que comenzar.

La película tiene muchos elementos que impactaron a cualquiera de los cinéfilos que corrierron a las salas de cine a ver de lo que todo el mundo estaba hablado. Su crudeza, el tratamiento de la violencia, los clásicos diálogos, la novedosa música, los escenarios retro, la cantidad de información pop-cultural, y de especial manera, su narrativa no-lineal por capítulos en vez de actos. Pulp Fiction tenía todo para convertirse en una película de culto que hiciera temblar las bases del cine mundial.

Lo primero que impactó de esta película fueron sus largos pero muy entretenidos diálogos, que el propio Tarantino escribió. Pero como él mismo ha dicho mil veces, lo que hizo grandes esas frases fue la gente que consiguió para que los dijeran. Y es precisamente allí, donde me parece a mí que la verdadera grandeza de este artista se encuentra, la que no radica tanto en las frases que escribe, sino en que tiene un talento increíble para encontrar las personas que mejor las dicen. No son las más grandes estrellas, sino los actores indicados para que reciten sus palabras de la manera que mejor combinan con toda su creación.

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Aunque mejor traducida y fiel a su título original (No country for the old men) sería “Sin lugar para los viejos”.
Ya se ha hablado mucho (y hasta demasiado) de esta película de los geniales Hermanos Coen.
Yo quiero ir a otro lado.

Reflexiones sobre la película

Ahora que ya, más o menos, ha pasado la vorágine mediática (producida de forma poco casual a partir de sus galardones en los Oscar) propongo tratar de pensar un poco la película.

Por un lado; me hubiese encantado, al verla, tener una libretita donde poder anotar (cosa que no hubiese hecho ni teniendo libretita debido a la falta de luz y al “quitarle calidad al visionado”) ya que hay varias frases, escenas y hechos que me han quedando repiqueteado en la cabeza.

La película empieza con la voz en off del Sheriff (personaje interpretado por Tommy Lee Jones, con gran calidad como nos tiene acostumbrados y sin salirse demasiado de “sus” personajes…). Aquí tenemos un monólogo que se va dando mientras vemos en unos relativamente cortos planos los paisajes de Texas mientras (justamente!) el día se oscurece. Sé que no voy a poder citar con rigor, pero el personaje (que ya, desde este principio aparecerá enmarcando la película, lo cual hará que “los puntos de vista” y “el desenlace” cierren con una lógica narrativa que se evidencia a pesar de tener un “contenido” o “mensaje” difícil de abordar o entender) terminará su monólogo diciendo y preguntándose sobre tanta gente en el mundo con una frase que diría algo así como “Y es que todos formamos parte de este mundo” (y aquí escribo yo, sin la seguridad propia de las citas literales), mundo en el que hay hechos que son realmente difíciles de entender para quién es hijo de sheriff, que a su vez también era hijo de sheriff (lo cual aparecerá otra vez en el cierre, que no quiero explicitar debido a quien pueda no haberla visto aún…). La película se enmarca en los ochenta.

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Tropic Thunder, una guerra muy perra

Para los amantes de las comedias llega la película Tropic Thunder, una película que parodia el mundo cinematográfico de Hollywood. Todo transcurre en la selva de Asia en donde se rodará una película de guerra con muchas estrellas del medio como Kirk Lazarus (Robert Downey Jr.), Jeff Portnoy (Jack Black), Alpa Chino (Brandon T. Jackson) y Kevin Sandusky (Jay Baruchel), todos a excepción del último de ellos son reconocidas estrellas en el mundo de Hollywood. No obstante, el proyecto no va del todo bien, hasta el punto de que el reparto queda abandonado en la mitad de la selva, es allí donde la que creían ficción, ahora se vuelve su realidad, sobretodo si quieren salir vivos de ese lugar.

El niño con el pijama de rayas

Este es uno de los dramas más esperados en la cartelera española, la historia es muy conmovedora y trata acerca de un niño llamado bruno de 9 años de edad que desconoce lo que pasa a su alrededor en la ciudad de Berlín de 1942. No sabe nada acerca del Holocausto y mucho menos de la Solución Final, solamente que su padre ha sido ascendido (comandante de campo de un campo de concentración) y su estilo de vida ha mejorado ahora. Pero todo va a cambiar para él cuando se encuentra con un niño judío llamado Shmuel, que vive del otro lado de las rejas que circundan la ciudad.

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En plena década de los años 50, cuando la televisión era considerada un medio artístico de una muy menor categoría frente al cine, George Reeves fue contratado para protagonizar una serie básada en Superman. Amado por todos los niños que lo veían, pero siendo la burla de los adultos, el actor nunca pudo realzar su carrera, quedando condenado a ser el superhéroe que tanto odiaba por el resto de lo que le quedaba en este mundo. La trágica vida y la misteriosa muerte de este actor es la historia que se cuenta en Hollywoodland.

La película inicia minutos después del suicidio cometido por el artista, en el preciso instante que la investigación de la policía acaba de comenzar. De allí en adelante una ambiciosa e interesante estructura dividida en dos partes se va abriendo camino, mediante la que se va contando simultáneamente las causas y consecuencias de la muerte de Reeves.

La historia es narrada desde la perspectiva del investigador privado Louis Simo (Adrien Brody) mientras va descifrando las posibles causas que pudieron llevar al asesinato del actor. A medida que la película y Simo avanzan, se nos va mostrando mediante flashbacks que ayudan a explicar los resultados de su trabajo, la vida de George Reeves (Ben Affleck), y los elementos que se fueron formando alrededor suyo, hasta el momento de su trágica muerte. El interesante guión de está película estuvo a cargo del libretista de televisión Paul Bernaum y la dirección de la misma cayó en las manos de Allen Coulter, proveniente también de la televisión, siendo este el debut cinematográfico de ambos.

Es fácil quedar cautivado con la triste historia de George Reeves (más sí la conocemos desde la absolutamente brillante interpretación de Ben Affleck) un ser humano que detrás del superhéroe que todo niño amaba por su capacidad para salvar al mundo, se escondía un hombre absolutamente frustrado con su carrera y desesperado por ser considerado un actor de categoría, o lo que es lo mismo para ésa época, un actor de cine. Reeves no quería el amor de los niños, quería el respeto de los adultos; no quería ser parte del éxito televisivo de Superman, sino quería ser parte de algunas producciones de cine.
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Siempre es un gusto tener acceso a nuevas producciones de gente joven. Algunas que irradian talento, otras que no. Pero tomando en cuenta las distintas limitaciones (desde temporales como económicas sumado a una ingenuidad o falta de madurez que después se irá formando) es no sólo un gusto; sino muy importante ayudar (aunque sea con prestar un poco de atención) a las realizaciones de creadores emergentes.

Estamos ante producciones de quienes recién empiezan o están en sus primeros pasos. Con el tiempo se irán sumando las realizaciones y los emprendimientos. Algunos seguirán, otros no. Parecería ser que sólo con el tiempo se sabrá que devendrá.

Pero de cualquier forma siempre es interesante hacer un acercamiento que con fe y una sonrisa no debe dejar de ser, en ningún sentido, lo más crítico posible.

Los cortos en cuestión que nos ocupan son “Cumpleaños feliz” dirigido por Pablo Lacuague y Johanna Bresque (ficción); “Un nuevo árbol de navidad” dirigido por Gonzalo Deniz (Ficción); “Portero” dirigido por Pablo Galisteo y Juan Miguel Ponce de León (Ficción); “Zombie-Backer-Gaby” dirigido por Pablo Praino (ficción); y “bus_ mientras nos desplazamos” dirigido por Silvana Camors (no ficción).

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El programa de televisión más exitoso de toda la década de los años noventa, es de manera curiosa, una serie que trata sobre nada, según reza en una de sus tantas pautas publicitarias. No obstante, para quienes la amamos y nos consideramos fanáticos de la misma, Seinfeld es precisamente todo lo contrario: una serie que es sobre todo.

La idea de que se trate acerca de nada proviene de una crítica que a Jerry Seinfeld algún comentarista de televisión le hiciera después de una presentación de su stand-up comedy transmitido por una de las grandes cadenas, en la que decía que había visto a un comediante hacer su show durante 35 minutos donde no hablaba de absolutamente nada. En tono humorístico, los realizadores del programa decidieron subtitularlo como un programa que trata, precisamente de eso, de nada.

El seriado está basado en las presentaciones en vivo que Jerry Seinfeld hacía, en donde se concentraba en la cotidianidad y los comportamientos repetitivos de las personas en la sociedad, y de manera muy inteligente sacaba bromas sobre ellas. Los aeropuertos, las aerolíneas, las citas, los médicos, todas las actividades sociales que como seres humanos tenemos, eran objeto de broma por parte del humorista de New York.

Junto a él lo acompañaban cuatro amigos que de alguna manera eran la representación humana de las cosas que el comediante había logrado encontrarle gracia, pero que eran parte también de su vida real. Los inolvidables personajes de Elaine, George y Kramer eran interpretados magistralmente por Julia Louis-Dreyfus, Jason Alexander y Michael Richards, quienes les has tocado vivir bajo la sombra inmensa del éxito logrado en la serie una vez finalizada, no pudiendo ninguno de ellos lograr algún otro personaje que nos haga olvidar al cuarteto del que alguna vez hicieron parte.
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Esta es una película de un autor muy respetado por su película “El Graduado“. Bastante criticado por no haber hecho nada muy relevante desde esta película (No 30 sino 40 años!): Mike Nichols. Con título original “Charlie Wilson`s War” sería más exactamente “La Guerra de Charlie Wilson”.
Basada en hechos reales esta película empieza para ir a un gran flashback (a través del cual entenderemos porque se le está premiando a este sujeto): Charlie Wilson. Que será interpretado por Tom Hanks; acompañado de Julia Roberts y Phillip Seymour Hoffman. Un trío protagónico de actores famosos, respetados y oscarizados. Acompañados también por Amy Adams (Si! la protagonista de la película de Disney: “Encantada“).

Con un guión corrosivo (escrito por Aaron Sorkin), que yo considero genial (hay quien tacha a la película de frívola y de no abordar en serio algunas cuestiones) tendremos una obra que tiene parte de “naturalismo político de denuncia”, el esquema biopic y mucho de comedia negrísima (tal vez el punto más fuerte de la película).

Nos encontramos ante una película engañosa (puesto que si uno ve los afiches o su ficha técnica podrá imaginar como simplemente otra película de Hollywood) que aborda la cuestión del papel de Estados Unidos en Afganistán en la llamada Operación Ciclón en la década de los 80.

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El asesinato de Elizabeth Short a mediados del siglo pasado conmocionó a todo Los Ángeles, dada la sevicia con que el cuerpo de la joven fue destruido por su desconocido asesino. En 1986 James Ellroy escribió un libro sobre el caso, denominado “La Dalia Negra“, el que presentaba su propia hipótesis sobre un criminal que hasta nuestros días permanece en un total anonimato.

Ellroy escribió está novela, que daría inicio a su ciclo sobre libros de carácter neo-noir sobre Los Ángeles en los años 40 y 50 del siglo pasado. Más conocido es el escritor por la adaptación que otro de sus libros se hizo para el cine: L.A. Confidential. Gracias a la publicación de estos libros, los que están escritos en clave tipo Dashiell Hammet, Raymond Chandler, James M. Cain o W.R. Burnett, es que se estableció a Ellroy como el mejor exponente del movimiento de novelas criminales neo-noir.

La primera persona encargada para llevar a cabo la adaptación de la novela fue David Fincher, quien quería hacer una mega producción de 3 horas en blanco y negro, con Mark Whalberg como protagonista. No obstante, sería Brian de Palma quien tomará las riendas y llevara a cabo la adaptación. Lamentablemente para nosotros, lo que la Dalia Negra demuestra es que De Palma era, más no es, el “maestro del suspenso”, dejándonos con la especulación y las ganas de ver lo que podría haber hecho el director de “Seven”.

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