Hace 20 minutos que veo titilar el cursor en la pantalla en blanco. Intento pensar como empezar este artículo sobre la película que acabo de ver. Es difícil esbozar una sinopsis sobre esta cinta sin simplificar demasiado la trama. Hacer un resumen de su argumento dejaría fuera muchos de los detalles y subtextos que el director y guionista, Kiyoshi Kurosawa (No guarda parentesco con Akira) ha intentando plasmar en este espectacular film.

La historia se centra en la ciudad de Tokio, metrópolis tecnologizada por antonomasia, en los años en que Internet comenzaba a tomar vuelo. Las líneas narrativas son dos que se vuelven una con el transcurso del film. Un resumen injusto del argumento como punto de partida, sería más o menos éste: Una joven decide ir en busca de un amigo que hace días que no da señales de vida. Ésta, va en busca de un diskette que debe recibir por parte del joven. Cuando llega a su casa, lo encuentre un tanto introspectivo. Momentos después, mientras ella busca el disco, el joven se suicida en el cuarto contiguo. Mientras pasa todo esto, en otro rincón de Tokio, un joven se conecta por primera vez a Internet y su computadora abre automáticamente a una página web que muestra imágenes de personas solas, en habitaciones en penumbra. La secuencia de fotos termina invitándolo a conocer fantasmas.

No confundir. Es de fantasmas, pero no solo es una película de terror. Es compleja, difícil de digerir para quien no esté acostumbrado a ver cine de origen asiático. A algunos les parecerá larga y hasta aburrida. Tampoco la recomiendo para empezar con este tipo de cine. Una buena forma de comenzar, es con películas que si bien tienen una impronta y un estilo bien marcado, se parecen un poco más a lo que está acostumbrado a ver el gran público. Como pueden ser Ringu o Ju-on :The Grounge (Ambas con remake norteamericana, que raro).

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En el año 2000, Agnès Jaoui, da su primer paso en la dirección después de mas de 15 años de carrera como actriz, reservándose uno de los papeles secundarios en su película. Secundario,  es solo una forma de decir, ya que es una película coral, y como sucede en estos casos, la mayoría de los personajes juegan un papel importante. En este caso interpreta a Manie, una camarera que trabaja en el bar donde suelen reunirse su grupo de amigos artistas, a beber y disfrutar, después de finalizar sus funciones teatrales.

La película comienza presentándonos a Castella (Jean-Pier Bacri), un empresario malhumorado y desconforme con la vida, que está a punto de firmar un contrato con una empresa israelí. Por ese motivo, su asesor, le contrata un guardaespaldas para que cuide de él hasta el día de la firma. Es aquí donde la historia comienza a abrirse para que conozcamos al resto de los personajes que pueblan esta historia. Lo tenemos a Bruno (Alain Chabat) el guardaespaldas. Franck (Gérard Lanvin) el chofer. Clara (Anne Alvaro) la profesora de inglés/Actriz y Angélique (Christiane Millet) la esposa de Castella. Y por supuesto, un amplio abanico de personajes aledaños.

Abordaremos esta historia en el medio de la acción, veremos desde fuera las peripecias que estos personajes deberán atravesar. Una esposa molesta, un marido desconforme y un chofer y un guardaespaldas que hablan de cualquier cosa. Esta primera escena, es la que marcará el tono del resto de la película.

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Se ha hablado hasta por los codos que la nueva versión de aquella serie antigua Superagente 86, más precisamente de los 60’s, es la mejor adaptación a película que se ha hecho de una serie de televisión, lo cierto es que yo no puedo dar una opinión al respecto, simplemente puedo creerlo, ya que no recuerdo casi nada acerca de la serie, es más, la evitaba si la veía en pantalla ya en las repeticiones de los años 90’s. Pero bueno, gracias a Steve Carell, mi actor preferido en estos momentos, no me perdí de una de las mejores comedias que he podido ver en mucho tiempo.

Y me atrevo a decir eso, aún cuando no recuerdo nada de la serie, a excepción de la odiosa voz del protagonista original, que dicho sea de paso, es el mismo que dobló la película para la audiencia latinoamericana en aquellos años.

Y había escuchado también que no era necesario haber visto la serie para disfrutar de la película, y eso es verdaderamente cierto, pues yo, como dije líneas arriba, no había visto antes la serie y entendí el concepto general de los dos sectores de la película., el lado CONTROL y el lado CAOS, así que por ese lado no hay problemas, si no viste la serie no te sentirás en el aire.

Según las mismas palabras de Carell y tendré que creerle, él ha querido hacer un homenaje a la serie haciendo una interpretación propia del personaje, añadiéndole toques más personales y relacionados con su estilo y como repito una vez más, debo creer eso porque no tengo punto de comparación al no haber visto la serie original.

Pero hay algo que habiendo visto la serie o no, no se puede negar, Steve Carell se lleva casi todo el crédito de la serie y hasta me atrevería a decir que esta película tiene para una secuela o varias, al mismo estilo de las películas de James Bond. Con esta película, Carell se reivindica de la comedia Sigo como Dios (Evan Almighty), en donde estuvo simple y es que el guión tampoco ayudaba, después lo vimos en Como la vida misma (Dan in the Real Life) que fue otro género, aún así no dejó escapar su vena humorística innata. Pero claro, si puedo comparar con otra película y la sensación que me hizo sentir, tendría que referirme a Virgen a los 40, en donde recuerdo a Carell con esa vena humorística que ya habíamos notado un poco en Como Dios, pero en esa película se llevaba la mayor parte Jim Carrey. En definitiva, luego de ver Como Dios, siempre vaticiné que Carell sería el relevo Jim Carrey, su sucesor y luego de haber visto Superagente 86 de película, pues no creo equivocarme con eso.

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Tres de los homenajes a destacar en esta 41ª edición estarán dedicados a “2001: Odisea del espacio” de Stanley Kubrick, todo un clásico de la ciencia-ficción que cumple su 40 aniversario y que contará con la presencia de los actores Gary Lockwood y Keir Dullea, del supervisor de efectos especiales Douglas Trumbull y de Jan Harlan, productor ejecutivo y asistente de Kubrick; al 75 aniversario de King Kong, icono del Festival, pudiendo los asistentes ver la copia remasterizada de King Kong del año 1933 y el documental producido por Peter Jackson alrededor del rodaje de la película original, RKO Production 601: The Making of ‘Kong, the Eighth Wonder of the World’; y a “La noche de los muertos vivientes”, a cuya celebración del 40 aniversario acudirá su director George A. Romero.

Además al calor de estas efemérides se proyectará un ciclo de películas de ciencia-ficción (”El Planeta de los Simios”, que también cumple 40 años, “la fuga de Logan”, “Encuentros en la Tercera Fase”, “Planeta Prohibido”,…) a fin de reflexionar sobre el papel de la ciencia ficción en la historia del cine contemporáneo y se revisarán filmes como “Barbarella”, “Solaris” y “The Man who fell to Earth”. Otro de los actos a tener en cuenta del Festival será la entrega del Mèlies d’Or a la mejor película europea fantástica de la edición de 2006-2007 que concede la European Federation of Fantastic Film Festivals, al que estarán invitados, entre otros, algunos de los componentes de los Monty Python.

Catalan Films & TV participará de nuevo en Sitges con dos jornadas temáticas (Márketing Internacional y Vídeo juegos y Cine) y promocionará la producción catalana.

Según Angel Sala, director del Festival, en la Sección Oficial Fantàstic “se mostrarán trabajos en los que se incide, especialmente, en el cine de terror cotidiano y “puramente real”, entre los que se encuentran “Surveillance”, un American Gothic contemporáneo de Jennifer Chambers Lynch, la hija de David Lynch; “Crows-Episode 0″, de Takashi Miike; “Tokio!”, una fábula fantástica dirigida por Bong Joon-ho, Léos Carax y Michel Gondry; “Let the Right One in”, película sueca de Tomas Alfredson; “La possibilité d’une île”, donde el mismo Michel Houellebecq adapta su propia novela; “Martyrs”, de Pascal Laugier; “Eden Lake”, un Funny Games británico de James Watkins; o “Vinyan”, de Fabrice Du Welz.

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El trailer de la película puede ser visto en el sitio web oficial.

Escrita y dirigida por Davi de Oliveira Pinheiro (quien produce con Isidoro B. Guggiana), Más allá de la tumba continúa con la interminable búsqueda del vengativo poli Lockheart (Rafael Tombini) de Adam, un asesino serial sobrenatural. La película está actualmente en post-producción y busca distribución internacional.

El argumento de Más allá de la tumba es un oscuro viaje por los yermos de un Brasil distópico. En este paisaje abandonado, Lockheart se unirá sus fuerzas a un grupo de supervivientes y enfrentará su causa demoníaca y la rabia de los “retornados” que habitaban el mundo. “No es una película de zombis ni de asesinos seriales, sino una reacción a la producción reciente así como a mis propias ideas preconcebidas de lo que debería ser la película. Es una experiencia violenta y emocional, mezclada con posesión, magia negra, muertos vivos, y una intensa dosis de suspenso, trabajo de personajes y acción apabullante“, cree Davi.

Más allá de la tumba fue filmada en 22 días, en los meses de febrero a abril, en la ciudad de Porto Alegre y sus alrededores. Las locaciones fueron elegidas específicamente y / o adaptadas para el particular ambiente pesimista del mundo creado por el director de la primera película. Se reunió un equipo de cuarenta personas para concretar su sueño. “Más allá de la tumba está llena de fuertes personajes y tomas realistas de escenario que he pensado durante mucho tiempo. Es un verdadero sueño poner imágenes tan intensas en la pantalla”, dice Davi.

Aquellos entrañables años 60, donde todo el mundo capitalista estaba asentándose fuertemente en las grandes ciudades del mundo, vio nacer y crecer a un grupo selectos de hombres que son responsables de lo que hoy en día genera el mayor porcentaje de circulación en los medios masivos de comunicación, una publicidad de la que no podemos prescindir aunque quisiéramos.

Hoy hablaremos de la serie Mad Men, temporalmente ubicada en la fabulosa década de los 60, que obtiene su nombre del apodo que se les adjudicaba a los publicitarios de la Avenida Madison, “the MADison MEN”, una de las zonas de mayor explosión financiera de las primeras décadas del siglo XX en la ciudad de Nueva York.

La serie se sucede principalmente en la agencia publicitaria llamada “Sterling Cooper”, una de las grandes empresas de publicidad que pretende representar a aquellos crecientes emporios de la época. Sterling Cooper pertenece en su mayor parte a un excéntrico caballero, Bertram Sterling (Robert Morse), que tal vez nada sabe de publicidad como hoy la conocemos, en ese momento el mejor vendedor realmente podía ser el mejor publicista. La compañía se encuentra realmente al mando de Roger Sterling (John Slattery), el socio con menor porcentaje de acciones pero con el real liderazgo, un hombre muy elegante que ronda los 50 casi 60 años. El toma las decisiones día a día en la oficina, conoce a sus empleados de cerca y a diferencia de las grandes corporaciones de la actualidad, interviene a cada momento con conocimiento de causa.

El segundo a cargo de la empresa, es el Director del Departamento Creativo y primer publicitario, Donald “Don” Draper es interpretado por el gran actor Jon Hamm. Don es un hombre que no sólo vende las ideas de las demás de forma única, sino que también sabe venderse a si mismo como alguien infalible e inalcanzable, el hermetismo con el que se maneja y la altanería con la que dirige muchas veces hace que los demás tengan una mirada de sumo respeto ante el, como si fuera realmente dueño del mundo publicitario.

La serie comienza con la llegada de una nueva secretaria para el señor Draper, Peggy Olson (Elisabeth Moss), una joven que claramente no pertenece a ese mundo de mujeres y hombres que negocian con todo lo que tienen a su alcance. Si bien sus esfuerzos por encajar en el ambiente de trabajo son muy arduos, nunca logra asimilar realmente que es lo que sucede con sus compañeros de trabajo y el devorador mundo en el que se mueven. Intentando simular ser una chica más del montón, se embarca en una aventura con un ambicioso joven publicitario inescrupuloso que pretende destronar a Don y está a punto de casarse, Pete Campbell (Vincent Kartheiser). A lo largo de la serie Peggy no sólo oficia de secretaria, sino que también comienza a colaborar en algunos avisos publicitarios radiales dirigido al público femenino, ganándose el respeto y confianza de su jefe así como también las burlas de muchos de sus compañeros. Pero no todo es felicidad para Peggy, al finalizar la primera temporada, descubre que todas sus aspiraciones profesionales pueden acabarse muy pronto, al enterarse de que está embarazada de Pete.

Una de las grandes campañas que maneja esta agencia en los comienzos de la serie pelea contra el reciente descubrimiento de los efectos nocivos del cigarrillo, una sociedad alarmada por un hábito placentero. La marca “Lucky Strike” es el primer desafío de Draper, vender el producto más vapuleado del mercado. Por supuesto para Don nada es imposible.

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Los clásicos de la televisión siempre han sido aquellos que logran contarnos una historia llena de sacrificio y lucha por algo mejor. La necesidad de sobrevivir al vacío existencial y la pérdida de consciencia es una trama tan actual, que poco podemos verla en aquellas series que han marcado nuestro pasado o el pasado de anteriores generaciones.

El problemático pasado y el arduo trabajo por la construcción de una sociedad habitable es un tema reiterativo en los shows que reflejan la vida de los pioneros en tierras extrañas. Dos grande fenómenos provenientes casi de la misma fuente, nos han contado lo difícil de construir un vida en tierras inhóspitas donde nadie antes ha vivido civilizadamente. Bonanza y El gran Chaparral (The high Chaparal) son dos claros ejemplos de los principios de civilización frente a la supuesta barbarie.

Ambas series cuentan la vida de las primeras familias que llegan a instalarse en medio de territorios dominados hasta entonces por los asentamientos de las tribus aborígenes oriundas de la zona. Su lucha por la pertenencia, la construcción de una vivienda, el cultivo de las tierras, el arreo de ganado y la dura pelea por conservar los territorios han hecho de estos hombres unos verdaderos soldados terratenientes. Las tierras que ahora pertenecen a los hombres blancos en el pasado eran patrimonio de las tribus aborígenes, la pseudo civilización se ve en el derecho de apropiarse de ellas dividiendo el terreno como sus únicos dueños. Las familias se ven en una lucha constante por mantener sus fronteras cerradas a intrusos, sean nativos o extranjeros.

Los grandes clanes hacen su aparición, heredando generación a generación el mayor de sus legados: la tierra que tantos les costo forjar y construir. Dos grandes familias son protagonistas de estas dos series a las que hacemos mención. Por el lado de Bonanza, tenemos a la noble familia Cartwright: llena de grandes valores, respeto y buena reputación. Por el lado de El gran Chaparral: la familia Cannon acrecenta su protagonismo tal vez estando mucho más cercanos a la realidad de la época con una forma de respeto aun primitiva, los valores de hermandad siempre presentes y una concepción de familia no tan moderna.

Bonanza fue emitida por primera vez en el año 1959, con 14 años continuos de emisión, concluyó su transmisión en 1973. Los Cartwright eran una gran familia, integrada completamente por hombres solteros que poseían una de las fortunas más grandes de Nevada. Todo su terreno y edificaciones llevaban el nombre de “La Ponderosa”, la única parte femenina de la familia Cartwright, construido a orillas del lago Tahoe. Ben (Lome Greene), Adam (Pernell Roberts), Hoss (Dan Blocker) y Joe (Michael Landon) conforman una de las familias más importantes en las cercanías de Virginia City.

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El realizador danés Lars von Trier contaba hacia el año 2000 con una extensa filmografía como director en la que se destacaba su colaboración en el origen del llamado Dogma 95, una modalidad de producción cinematográfica ideada en éste año que posee, entre las múltiples normas que lo rigen, la condición fundamental de emplear la cámara en mano y realizar las tomas en locación, con el objeto de evadir pretensiones esteticistas pues, como lo reza el “voto de castidad”, su manifiesto, “el instante y el ahora son más importantes que todo el producto”. Haciendo uso de esta metodología de trabajo había creado su último film hasta entonces, Idioterne (Los Idiotas), en que un grupo de personajes acuerdan actuar como si padeciesen un retraso mental buscando con ello la provocación expresa a la asfixiante sociedad en una intención, a la vez, introspectiva y liberadora. Fue éste el segundo film de la denominada “Trilogía del corazón”, iniciada con Breaking the waves (1996) y finalizada con Dancer in the dark ya en el 2000. Ésta obra, que, por cierto, no encarna por completo el espíritu de la modalidad que el director había creado junto a Thomas Vinterberg, fue multipremiada y alabada con fervor por parte de la crítica pues propone una mixtura que conjuga el profundo drama de la protagonista acuciada por una terrible y progresiva ceguera y la extrema responsabilidad que su pequeño hijo le representa con un bello y fantástico lirismo que logra articularse magníficamente.

El film, desarrollado en Washington durante la década de 1960, presenta a la joven Selma, interpretada por la talentosa artista islandesa Björk, como el personaje protagonista. Su humilde labor de obrera en una pequeña industria local le permite mantener un hogar y alimentar a su niño, Gene (Vladica Kostic), con quien se trasladase de la antaño Checoslovaquia a los Estados Unidos. Día tras día se interna en la ensordecedora sala de producción para manipulear, mecánicamente, las grandes maquinarias en una rutina inacabable y progresivamente comprometida por una temible ceguera que, de no ocultarla, podría valerle el trabajo y con ello el sustento. Es así que la mantiene en secreto, incluso ante su amiga y compañera laboral Kathy (Catherine Deneuve). Sin embargo, su verdadero gran pesar es saber que, eventualmente, su pequeño hijo sufrirá el mismo destino pues la afección es hereditaria, es ésta la razón por la que Selma guardará con gran esfuerzo parte de su sueldo para poder pagar la cirugía que lo evite. Será este el gran motor de sus acciones, aquel que le mantendrá en pie frente a semejante adversidad, mas también lo será la música, a la que con ahínco se dedica en sus tiempos libres pues acude regularmente a los ensayos de la obra The sound of music (La novicia rebelde). Allí depone momentáneamente sus aflicciones para entregarse por completo al bello ritmo de sus canciones, aquellas que disfruta bailando y cantando pues no hay en ellas sufrimiento sino la maravillosa ficción que le permite alejarse de si y adentrarse en un mundo de imperecedera felicidad. Incluso en su vida diaria, Selma imagina sus apáticas jornadas trasformadas en grandiosos musicales donde, rodeada de virtuosos bailaries, desempeña el papel principal.

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Este tan esperado regreso de El Señor o Caballero de la Noche (también conocido como el Caballero Oscuro o el Caballero Nocturno, entre otros alias)… Batman, en definitiva, no ha hecho más que precipitar también mi regreso a los comentarios cinematográficos que bastante olvidados tenía. Creo que no está de más decirles que esta película era la que yo más había estado esperando en estos últimos tres largos años. Estaba totalmente intrigado en como haría Nolan para superarse a si mismo y continuar con aquello que inició con éxito en el año 2005 con Batman Begins. El resultado: superlativamente abrumador…

Luego de verla, llego a la conclusión de que esta nueva historia comienza exactamente donde había terminado la anterior, es decir, temporalmente no muy adelante en el futuro de esta podrida y corroída Ciudad Gótica. Es como si aquella primera entrega hubiese sido el tranquilo preludio de esta caótica y enloquecida obra magistral, como si >Batman Begins (2005) nos hubiera venido preparando el terreno antes de abrir esta Caja de Pandora, dejándonos la impresión de que todo lo que hemos visto hasta ahora ha sido parte de un único producto que se fue desarrollando in crescendo, como si se hubiese filmado todo junto de una sola vez (tal como lo hizo Quentin Tarantino con Kill Bill -2003- o Peter Jackson con El Señor de los Anillos -The Lord of the Ring, 2001-).

Christopher Nolan consigue de esta manera, hacer renacer exitosamente de las cenizas al “justiciero enmascarado” más famoso del mundo luego del estrepitoso derrumbe de la franquicia de la mano del psicodélico director Joel Schumacher, y lo hace apegándose a las novelas gráficas y a los comics que lo inmortalizaron desde un principio. A diferencia de la estética pop propuesta por la vieja serie de televisión de los años `60 (aquella con el panzón Adam West ¿recuerdan?), la cual fue retomada luego por Schumacher a fines de los `90, Nolan propone una estética oscura, densa, y con sus personajes siempre al límite de la cordura, y si bien Tim Burton ya había desarrollado esa profunda oscuridad, la misma solo se aplicaba a la fotografía de sus cuadros, al entorno y en menor medida a sus personajes. En este aspecto, este nuevo escritor y director toma lo mejor de Burton, y le da una vuelta de tuerca a la composición psicológica de los personajes, convirtiendo una película que se supone de acción, en prácticamente un complejo drama con una elevada dosis de suspenso y tensión.

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El multipremiado realizador canadiense Denys Arcand había escrito y dirigido ya en 1986 el aclamado film Le Déclin de l’empire américain en que un grupo de profesores integrantes del departamento de Historia de la Universidad de Montreal conjuntamente con sus parejas, decide realizar una cena de reunión en una gran casa recluída. La narración, eminentemente verbal, permite descubrir los intrincados caracteres e ideologías de los personajes convocados mediante sus diversas discusiones eruditas, en las que se abordan temas como el devenir histórico del individuo y su compromiso ético. Ya en esta obra es presentado el personaje que será protagonista en Les invasions barberes, una suerte de secuela realizada diecisiete años más tarde. En ella se mantiene ese “humor, cinismo e inteligencia”, como afirma el director, mas la propuesta introduce a la narración una nueva generación encarnada por el hijo de Rémy, protagonista de la cinta encarnado por el actor Rémy Girard.

La trama del film se desarrolla entorno a su figura que, abatida, sufre los flagelos de un cáncer fatal que parece anticiparle sus últimos días. Lleva en su experiencia una vida libertina y apasionada, liderada por grandes convicciones que, hasta sus últimos momentos parecen mantenerse incólumes. Sin embargo, su decreciente estado de salud le ha obligado a instalarse en una ascética habitación del hospital de Montreal donde es atendido, y acompañado por algunos de sus seres queridos. Entre ellos se halla su ex esposa Louise (Dorothée Berryman), quien en el film anterior descubriese su infidelidad por el acto de conciencia de su amante durante la reunión. A pesar de ello se mantiene a su lado y determina llamar al joven Sébastien (Stéphane Rousseau), hijo de ambos, radicado en Londres donde se desempeña exitosamente como economista. La relación entre ambos es por demás distante, Rémy les abandonó cuando éste era más pequeño y siempre le menospreció por incompatibilidad ideológica. Acude, sin embargo, al pedido de su juega un rol fundamental contribuyendo a la reunión de sus viejos amigos, parientes e incluso sus antiguas amantes y haciendo uso de sus influencias para mejorar en lo posible las condiciones en las que se halla su padre. Sebastián contratará a un grupo compuesto por los alumnos universitarios a cargo de su padre, quienes le visitarán y pretenderán extrañarle, como así también recurrirá a Natalie (Marie-Josée Croze), hija de una de las amantes de aquel, para conseguir por medio de ella, una dosis de heroína que pudiese aliviar su dolor. Así es que los últimos días del protagonista serán acompañados en una suerte de celebración final de la vida junto con quienes incondicionalmente le aprecian en la bella casa junto al lago de la película en que fueron presentados los personajes.

Así es que los últimos días del protagonista serán acompañados en una suerte de celebración final de la vida junto con quienes incondicionalmente le aprecian en la bella casa junto al lago de la película en que fueron presentados los personajes.

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