¡Qué paradójico intervenir en las seis entregas de una de las películas más populares de la historia y no ser reconocido en la calle!

Y es que claro, esta fue la suerte que corrió Anthony Kingsley Daniels, que interpretó a C-3PO en Star Wars, quedando en el anonimato (excepto para los fanáticos) tras su traje.

C-3PO, Relaciones Interhumanas, o simplemente C-3PO, es un droide de protocolo, diseñado específicamente para interactuar con seres pensantes. Posee un amplio vocabulario, y comprende más de seis millones de formas de comunicación.

Construido por el joven Anakin Skywalker, y compañero del droide astromecánico R2-D2, con quien traba una fuerte amistad, tiene como función ayudar a explicar las costumbres, y usos de otras culturas, además de facilitar la comunicación como traductor.
Originalmente llamado 3PO, tras ser ensamblado completamente (entre los episodios I y II) toma el nombre de C-3PO.

Sobre el final del Episodio III, son borrados sus bancos de memoria para no revelar la ubicación de Luke Skywalker y Leia Organa, por ello no lo reconoce en la posterior Una Nueva Esperanza, así como tampoco a su creador Anakin, y afirma que el capitán Raymus Antilles de la nave Tantive IV ha sido su último dueño.

En 2004, C-3PO ingresó al salón de la fama de los robots.

Anthony Kingsley Daniels nació el 21 de febrero de 1946 en Salisbury, Inglaterra, y cursó sus estudios en la Escuela Giggleswick. Dedicado a la actuación, su papel más importante ha sido el del androide C-3PO en la saga de la “Guerra de las Galaxias” filmada entre 1977 y 2005. Daniels y Kenny Baker, que personificó al robot R2-D2, son los únicos actores que pueden jactarse de haber interpretado el mismo rol en las seis entregas de La Guerra de las Galaxias.

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Quinto largometraje del realizador español Alex de la Iglesia, La Comunidad (2000) aborda desde un oscuro suspenso que linda en lo absurdamente cómico una historia que combina elementos clásicos como un asesinato, un gran botín y los férreos opositores, en una forma verdaderamente original anclada en el personaje encarnado por la versátil y prolífica actriz Carmen Maura.

El film tiene por figura central a Julia (Maura), una mujer casada y algo entrada en años que se dedica a la venta de pisos para una empresa inmobiliaria. Veremos al comienzo un pequeño desarrollo sobre su habitual desempeño durante la jornada en que pretende, con su habitual discurso ilusionista y una sonrisa insulsa deshacerse de ellos. Ha acabado un día de trabajo y la protagonista prefiere pasar la noche en uno de estos departamentos a volver a casa con su marido que ha perdido su trabajo y con quien no tiene una muy buena relación.

Es así que se dispone a descansar cuando escucha un sonido reiterado que parece ser una incesante gotera. Rápidamente se dirige al piso superior para averiguar su causa y hacer que le arreglen. A su entrada halla el cuerpo en gran descomposición del habitante anterior, arrojado sobre piso en compañía de su gato, lo que nos hace recordar sin duda a “El gato negro” de Edgar Allan Poe. De sus bolsillos toma una billetera y pronto la guarda en su ruidosa chaqueta rosa chicle. Acto seguido delibera comunicarse con la policía para dar cuenta de lo que ha visto generándose con ello un gran movimiento a su llegada. Veremos en los rostros de los vecinos el edificio una clara preocupación mas no precisamente por el hallazgo.

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Apenas superó los 20 millones de dólares, y mantiene un pulso con la comedia “anti-sentimental” protagonizada por Cameron Diaz y Ashton Kutcher “Algo pasa en Las Vegas” por la segunda plaza.

“Iron Man” conserva el liderazgo a pesar de perder la mitad de sus ingresos y esta pugna en la cabeza de la taquilla eleva las cifras totales de audiencia por encima de lo logrado en estas mismas fechas de años anteriores un 24%.

Ya se preveía un derrape de “Speed racer / Meteoro” tras las malas críticas y los comentarios poco halagueños de expertos de la industria por sus errores de planteamiento, empezando por un excesivo metraje para una película infantil. No obstante, se pensaba que al menos con su ostentosa campaña promocional y un más que respetable número de salas -más de 3.600-, lograría unos ingresos por encima de los 30 millones de dólares, y sin embargo, han rondado los 20. Hay que esperar a los recuentos definitivos de este lunes para saber si la cinta de los Wachowski incluso conserva esa segunda plaza o ha resultado superada por la comedia de Tom Vaughan de tan “sexy” pareja protagonista.

La supuesta adaptación de la serie animada japonesa de los 60 que conocimos en América Latina y España como “Meteoro” tampoco se ha portado bien en los mercados foráneos, donde ha sumado unos estimados 13 millones de dólares entre los principales mercados de América.Latina., Europa y Asia.

Los primeros resultados de otras cintas infantiles similares en años pasados deberían hacer sonrojar a los creadores de la bastante más exitosa saga de “Matrix”. “Scooby Doo” debutó con más de 54 millones en 2002 y “Los Picapiedra” por encima de 37 hace 14 años.

Las perspectivas para “Speed racer” se orientan a una rápida pérdida de potencia, puesto que el viernes próximo llegará a los cines otra cinta orientada al mismo segmento infantil o “familiar” de audiencia, “Las crónicas de Narnia: El Príncipe Caspian“.

“Algo pasa en Las Vegas” en cualquier caso consigue una mejor media de espectadores por sala que “Speed racer”. La comedia se estrenó en 3.215 pantallas y mejoró las cifras que otros recientes títulos del mismo género, como “Forgetting Sarah Marshall” o “Baby Mama”. Además, su presupuesto de producción es tres veces menor que el de “Speed racer”.

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¿Qué hacer cuando rompes con tu chica, para luego darte cuenta que no querías hacerlo, pero es demasiado tarde, porque ella ya está saliendo con otro y no quiere verte más la cara, y ahora no puedes olvidarte de ella? ¿Qué haces si el recuerdo de ella te mortifica al punto de no dejarte más dormir? ¿Qué hacer si dormir queda anulado como opción? Bueno, siempre hay algún supermercado abierto las 24hs.

Ben Willis rompe con su novia, porque considera que no hay nada que él haga que la haga feliz. Romper con ella, tampoco ayuda. La imagen inicial se congela sobre el rostro de la ennovia, enfurecida. Ben sólo puede mirar. De hecho, Ben es un aspirante a artista, alguien que disfruta con la mirada. No obstante, para el mirón también es necesario el descanso, descanso que deja de llegar una vez que el protagonista queda obsesionado con la imagen de la chica con quien ya no podía estar. Es un clásico.

Como Ben está estudiando, le hace falta dinero y, ahora, el tiempo le sobra (ya ha leído todo lo que puede ser leído, pensado todo lo que puede ser pensado, y le quedan varias horas de más), ingresa a un supermercado que está abierto las 24hs para cubrir el turno nocturno. Ahí queda, con otros perdidos igual que él, entre los cuales está Sharon – no es difícil adivinar que es lo que habrá de ocurrir con ella -.

“Cashback” es la expansión a largometraje de un corto que fue nominado al Oscar y premiado en otros festivales. Y, en el estilo que elige Sean Ellis, su director, la impronta del cortometraje se nota. Hay un desarrollo de los personajes que parece algo forzado, precisamente porque implica “estirar” lo que estaba pensando para la brevedad. Pero, de todas maneras, es esa misma característica la que le confiere un toque extraño.

Ben ansía la belleza, busca absorberla, congelarla en sus dibujos. En ese acelere que adquiere, que es como el equivalente de haber nadado en una pileta de café, Ben consigue detener el tiempo. Característica bien de realismo mágico, esta le da al protagonista la posibilidad de observar, de gozar profundamente en su mirada. Lógicamente, como es de esperarse, su objeto de deseo son las mujeres. Sin embargo, está también en los colores que adquiere el contexto cuando la acción se vuelve cámara lenta, cuando los cuerpos desnudos parecen hechos de alabastro, creados para ser mirados y disfrutados.

Ese voyeurismo es bien adolescente, de aquel que todavía tiene una mirada “pura” sobre el mundo y todo le resulta fascinante. También uno puede encontrar esa obsesión por el tiempo de Wong Kar Wai, aunque en un tono mucho más Light, menos filosófico. Este es un personaje, en definitiva, a quien el tiempo le sobra, pero no sabe qué hacer con él.

Corazón en conflicto, detenido, varado en agujas del reloj que se niegan a moverse. Ben es el falso enamorado. Romper con Suzy era lo correcto, pero, después de hacerlo, quiere tener lo que ya no puede. Típico. Típico también que luego ocurra a la inversa, pero eso ya es otro tema.

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“2046″ es la última de esta suerte de trilogía apócrifa de Wong Kar Wai conformada por “Days of being wild”, “Con ánimo de amar” y la película en la que acá nos adentramos. De las tres, sólo “Con ánimo de amar” y “2046″ están conectadas de forma directa. “Days of being wild” pertenecía a un intento original de trilogía que quedó trunco allá por comienzos de los ´90s y que Wong conectó con las otras dos de forma más temática que incidental.

Chow, en “2046″, viene de su especie de auto-exilio, regresa a Hong Kong después de pasar una temporada en Singapur. Ahí trató, sin demasiado éxito, de exorcisar su corazón roto, al punto de encontrar un doble de aquella mujer que lo enamoró. Una mujer que también se llama Su Li Zhen, inicia el juego de espejos en que consiste el film. Simetrías, idas y vueltas, la posibilidad o imposibilidad de seguir adelante.

El protagonista es un periodista / escritor. “2046″ es el nombre de un cuento escrito por él, pero también tiene dos significados más. Es el año en que se vence el acuerdo entre China y Hong Kong que prometía que este último no sufriría cambios durante 50 años. Por otro, es un relato de ciencia ficción escrito por el propio Chow, sobre un lugar donde todos los recuerdos quedan almacenados intactos, un lugar donde todos quieren llegar, pero del cual nadie sabe volver. El relato que inicie el film, curiosamente, no es “2046″, sino “2047″, un cuento posterior que Chow escribe para una mujer, y que habla del intento de uno de estos aventureros de la memoria por retornar, en un viaje que parece no tener fin.

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En 1894, Henrik Ibsen, legendario dramaturgo y poeta noruego, escribió “El pequeño Eyolf”. La obra, estrenada en 1895, contaba la historia de un matrimonio y su hijo, quien sufre la parálisis de una pierna. Su padre abandona la labor del libro que estaba escribiendo, “Responsabilidad Humana”, y se dedica por entero al cuidado de su vástago. Lógicamente, existe tensión entre el deseo de éste de llevar una vida normal, y el dolor del padre de querer hacerle entender que no podrá hacerlo. Su devoción lleva a conflictos con su esposa, quien le reclama mayor atención. La muerte del pequeño pone sobre el tapete el problema de los afectos: el debe y el haber, lo conflictivo y hasta volátil de los mismos.

En su adaptación fílmica, “The Frost”, dirigida por el debutante Ferrán Audí, se toma la pieza y se le eliminan algunos elementos más ligados al simbolismo y la fantasía escandinava de principios del siglo XX, para funcionar más bien como un profundo drama familiar. La muerte del niño, en este caso, saca a la luz los aspectos más oscuros de las personalidades de los protagonistas. De todas maneras, Audí optó por atenerse a la esencia de la obra ibseniana filmar en los fiordos noruegos. Actualmente, el equipo está trabajando en Aalesund. Es con respecto a este rodaje que Atrápalo sacó una promoción, donde combinan el viaje con el participar del rodaje de “The Frost”.

De la película, que es una coproducción noruego-española, participan del lado español Aitana Sánchez Gijón y Tristán Ulloa entre los protagónicos. Por el lado noruego, participa la legendaria actriz Bibi Andersson, quien supiera trabajar con Ingmar Bergman en su juventud. Además de que parte de la filmación también se realice en España, la película, que tiene su estreno previsto para el año 2009, será hablada en inglés, con sus correspondientes adaptaciones al castellano y el catalán. Para Ferrán Audí, quien antes se había desempeñado como actor y había dirigido un cortometraje en 2005, “The Frost” es su debut en la pantalla grande.
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Crimen ferpecto, séptimo largometraje en la filmografía del realizador, fue dirigida en el año 2004 por el gran Alex de la Iglesia. Manteniendo patente su comicidad oscura con cierta carga de suspenso impredecible y una ineludible referencia a la muerte, propone una historia que toma lugar en un complejo de grandes almacenes madrileños. El universo de la narración se halla en ocasiones interrumpido por discursos a cámara, llevados a cabo por el protagonista, que implican la participación del espectador en los hechos apelando aquel a cierta complicidad y comprensión de su rol de víctima en el problema al que alude.

El film se inicia con un extenso desarrollo del personaje principal, Rafael Gonzalez (Guillermo Toledo), un vanidoso vendedor de la sección femenina del establecimiento. Una férrea búsqueda hedonista opera en él como principio fundamental, y es en su nombre que ha seducido y llevado a la cama a la totalidad de las bellas empleadas, sin miramiento alguno. Afirma en cierta instancia, preferir morir antes de conformase con una existencia mediocre, mas es claro que sus actitudes sin embargo lo son pues, finalmente, no es más que un empleado ambicioso y desconsiderado cuyo interés primordial es el éxito financiero y la satisfacción de sus deseos primarios, concluyente en su frase: “si veo algo que me gusta, lo consigo”. Su gran capacidad de persuasión, una imagen pseudo atractiva y estrategias falaces de venta han logrado ubicarlo en el alto concepto de los directivos que observan día a día sus vastos resultados. Pronto se presenta la posibilidad de ascenso al cargo de Jefe de planta, su mayor ambición, y deberá para ello enfrentarse al empleado de mayor antigüedad, Don Antonio (Luis Varela), un prolijo y profesional veterano encargado de la sección de hombres. Luego de una acalorada competición por el puesto veremos que es este último el galardonado con tamaño honor.

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…El espacio, la última frontera. Éstos son los viajes de la nave estelar Enterprise, que continúa su misión de exploración de mundos desconocidos, descubrimiento de nuevas vidas y de nuevas civilizaciones … hasta alcanzar lugares donde nadie ha podido llegar.

Con la finalización de Star Trek: La Nueva Generación en mayo de 1994, una marca en la historia de la saga de ST había sido establecida. Todo lo que viniera después cargaría en sus hombros con el peso de una serie tan exitosa que se emitió durante más de 10 años constantes con el mismo éxito que su estreno.

Luego de dos grandes capitanes como lo fueron el galante James T. Kirk y su opuesto, el mesurado Jean-Luc Picard, llega a los fanáticos una nueva forma y edición de la serie, diferente en varios aspectos. Principalmente porque la nave de la Flota Estelar Enterprise deja de ser el centro de la acción, y luego porque el objetivo de la serie ya no es explorar nuevos mundos y buscar nuevos amigos, sino que ahora, la trama se sucede en una estación espacial.

El 3 de enero de 1993 salió al aire una nueva edición de Star Trek, aprovechando el éxito de La Nueva Generación que culminó en 1994, “Star Trek: Deep Space 9″ sería la continuación de una saga sin antecedentes en la televisión mundial, si bien esto nunca sucedería porque la serie Abismo Espacial Nueve, nunca logró ni el éxito ni la calidad de sus dos antecesoras. Un elenco también muy variado y una nueva problemática estelar, no lograron repetir el éxito de TNG.

Con gran éxito o no, la serie duró 6 7 temporadas, un número considerable para no tener el apoyo de los críticos y de muchos fanáticos. Concluyó su emisión el día 2 de junio de 1999 y era, hasta la aparición de Voyager, la única que edición que no intervino en ninguna de las películas de Star Trek. La estación espacial ubicada en la órbita del planeta Bajor, había sido originalmente ocupada por el Imperio Cardassiano bajo el nombre de Terok Nor. Ésta estaciónm hasta el momento oculta al conocimiento de la Flota Estelar de la Federación, ocupaba el estratégico punto de unión entre el cuadrante Alpha y el cuadrante Gamma, hasta ese entonces no explorado por la Federación. Realizando un trato entre la Flota y el pueblo bajorano, la estación Abismo Espacial 9 es ocupada por una fuerza de protección y defensa, que será protagonista de la serie.

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Halloween (1978), de John Carpenter, es uno de esos perfectos clásicos del cine de terror con los cuales se ha criado y marcado a toda una generación, en este caso, la mía. Siempre me acuerdo que de niño (abre tenido unos 5 o 6 años cuando vi por primera vez Noche de Brujas -así traducida en Argentina- en la caja boba), me gustaba acostarme por las noches en la cama de mi mamá y simular estar dormido, para poder ver -con un ojo abierto y el otro cerrado, porque al ser tan chico no me lo permitían- este tipo de películas en la televisión… Ahhhh! que buenos tiempos aquellos…
Tal vez por este motivo, no puedo dejar de sentir fuertes emociones con respecto a este filme. La nostalgia, la añoranza, la mezcla perfecta entre el terror y la curiosidad infantil, el descubrimiento de nuevas sensaciones que me llevaban a creer y temer al “Boogeyman” (el hombre de la bolsa, el cuco, Myers), afloran en mi cabeza y estimulan todos mi sentidos tal como lo hacían en aquellas épocas, sobre todo porque significarían mis primeros romances con este tipo de películas que pronto me llevarían al cine.

Pero dejemos de lado el pasado por un rato. Hoy, un poco más viejo y más racional que emocional, observo que más allá de cierto mensaje puritano característico de la sociedad de clase media norteamericana que deja escapar entre líneas Carpenter en su filme (con esto me refiero al hecho de que el psicópata Michael Myers persigue y mata a jóvenes transgresores de las “normas y las buenas costumbres”, es decir, aquellos que se drogan, beben alcohol y son sexualmente promiscuos en un contexto de festividad pagana, desde el punto de vista religioso), Halloween es una película prolija, bien escrita e igualmente dirigida. Ayudada por una simple pero muy efectiva banda sonora, su texto somete al espectador a una constante tensión sin necesidad de mostrar demasiada truculencia como posteriormente se haría costumbre en este tipo de productos. Algunas críticas inclusive, previa sustentación de lo escrito, la llegan a catalogar dentro del género de suspenso más que del terror o del horror, pero esta sería otra discusión, la cual podríamos retomar más adelante.

Lo cierto es que Carpenter sembró un importante precedente -sobre todo en lo que se refiere a lo comercial- en la industria del cine de terror con esta cinta. Si bien Alfred Hitchcock y Tobe Hooper ya habían incursionado en este rubro con las magníficas Psicosis (Psycho, 1960) y La Masacre de Texas (The Texas Chain Saw Massacre, 1974) respectivamente, el éxito de taquilla de Halloween -que prácticamente se rodó como una película independiente con un magro presupuesto- fue rotundo, tanto así, que llegó a ser, hasta la aparición de El Proyecto de la Bruja de Blair (The Bair Witch Project, 1999), la película mas rentable de la historia del cine.
Obviamente la mega industria norteamericana del celuloide no podía dejar pasar esta jugosa oportunidad de recaudar dinero fácil… A partir de allí, la explosión comercial, marketinera y pochoclera del “cine slasher” con una catarata de secuelas de este gran éxito y de otras películas similares como Martes 13 –así traducida en Argentina Friday The 13th, 1980- y Pesadilla en lo Profundo de la Noche –como fue conocida en mi país Nightmare on Elm Street, 1984-. Franquicias todas ellas que ante su falta de calidad, llevarían a la decadencia total al género de terror, el cual tuvo que ser reconvertido totalmente como para poder lograr algún tipo de impacto en estos tiempos un poco más exigentes…

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Inside Man (El Plan Perfecto en Latinoamérica, Plan Oculto en España) es una película estadounidense de 2006, la he visto recientemente y me gusto mucho, asi que aquí se las voy a comentar.

Los hechos ocurren en Nueva York cuando un grupo de encapuchados se hace con un banco, secuestrando a unos rehenes y usando tácticas estratégicas para luego evadir a la policía que los rodea. Protagonizada por Denzel Washington quien interpreta a un policía llamado Keith Frazier, Madeleine White es Jodie Foster que lucha por los intereses del director del banco y Christopher Plummer, quien en su caja de seguridad guarda su oscuro pasado…( vendria a ser el malo de la película). Un film que demuestra un manejo de recursos, del ritmo y de actores, que muchos otras realizaciones quisieran tener. También está película hace referencias a la cultura popular de la ciudad, la gente, sus orígenes, y diferentes aspectos de la sociedad. Este thriller esta correctamente narrado, dura un poco mas de 2 horas de las cuales mas de la mitad son muy emocionante, asi que invito a los que la vieron y los que no a que sigan leyendo este articulo, que espero que le guste.

La historia comienza cuando como decíamos antes, un grupo armado ingresa al banco y lo toma a la fuerza, obligando a las personas que estaban en el, en convertirse en rehenes y hacer todo lo que le digan. Estos vándalos con su líder Owen, que no resulta se un ladrón cualquier, ejecuta las operaciones tan profesionales como del otro lado lo hace Keith Frazier (Denzel). El juego e interacciones entre ellos empiezan y llegan a un punto que el otro sabe que esta pensando hacer el y viceversa. Un poco de humor asoma de vez en cuando en el film teniendo así todos los condimentos. Suspenso y acción son los que mas predomina. El plan de los forajidos esta tan bien armado que hicieron que todos los rehenes del banco utilizaran su misma ropa y pudiendo así luego, confundir a los policías. En el trascurro de la película podemos ver unos flash-back hacia el futuro, donde están los detectives interrogando a todos los rehenes que estaban en el banco, no se podía confiar de nadie, ni de un pequeño de 10 años. Ahora comienza el papel de Madeleine, que se entera lo que esta ocurriendo en la ciudad y la contratan para poder negociar con los ladrones y poder defender los intereses de unos de los clientes del banco, que supuestamente tiene algo muy importante en una caja fuerte. Esta no la logra y nuevamente el caso no ha progresado.

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